Магия художника книги
Продолжение
Начало см.: "Магия художника книги: Западный класс"
http://www.proza.ru/2011/10/20/588
В связи с тем, что 2 глава «Магия художника книги: Русская школа» стремительно распухла, я ее располовинил на две отдельных главы: «Русская школа» и «Советские страницы».
(Данная глава обновлена на 4\5: "Мир искусства", Бакст, Бенуа, Билибин, Сомов, Лансере, Шиллинговский, Кравченко, Кузьмин, Альтман, Шухаев, Рудаков, Самохвалов).
ОТЕЧЕСТВЕННАЯ ШКОЛА «КНИЖНИКОВ»
Еще раз оговорюсь: я повествую о «личной школе восприятия и постижения литературы посредством графики». И разговор про отечественную школу предлагаю начать с дореволюционной… «гимназии».
В российской художественной среде иллюстраторы литературных произведений называются просто «книжники»...
Вот вспомнил школьную программу по русской литературе, и первым на ум приходит…
Петр Михайлович Боклевский (1816-1897)
Дипломированный юрист и рисовальщик-любитель, он не мог найти себе ни студии, ни учителя. Виной: несносный характер и последующие язвительные выплески в виде карикатур и пародий. Стоит ли удивляться, что стартовой площадкой для разгона «одаренный нахал» счёл вершинные творения Николая Васильевича Гоголя? В 47 лет Боклевский разразился альбомом обличительных литографий к «Ревизору» (1863). Продолжение последовало в столь же беспощадном цикле слегка утрированных и уплощённых «типов» из гоголевских «Мертвых душ». Это было столь остро, хлёстко и зло, что цензура противилась полному изданию «боклевских филиппик» без малого еще лет 20 – вплоть до 1881 года. Среди других заметных «фигур приложения усилий» мастера можно назвать сочинения Ивана Сергеевича Тургенева, Федора Михайловича Достоевского и Павла Ивановича Мельникова-Печерского.
http://www.respectme.ru/photoblog/460
Был в русской книжной графике и свой «Брок ибн Лелуар». Не совсем, при этом, русский…
Михал Эльвиро Андриолли (1836–1893)
Сын выходца из Италии родился в Вильно, жил бурно, поездил по миру (Москва, Санкт-Петербург, Рим, Варшава, Лондон, Париж). Участник Варшавского восстания (1861), арестант, узник, беглец и политэмигрант. По возвращении в Россию был сослан в Вятку, где проявил талант церковного иконописца. По возвращении в Варшаву (1866) посвятил «души прекрасные порывы» иллюстрированию польской периодики и поэзии Адама Мицкевича, Юлиуса Словацкого и Юзефа Крашевского. Серия иллюстраций к поэмам Адама Мицкевича «Пан Тадеуш» и «Конрад Валленрод» (1879-82) справедливо занесена в сокровищницу жанра и особо чтима в качестве гордости национальной (польской) графики. Уехав в Париж и работая там по заказам в статусе профи, Андриолли внёс приметный вклад в изо-прочтение Вильяма Шекспира и Теофиля Готье («Капитан Фракасс»). Увлечение историко-авантюрной волной подвигло художника на серию одухотворённо-романтических и, одновременно, скрупулёзно-реалистических рисунков для грандиозной пенталогии Фенимора Купера («Зверобой», «Последний из могикан», «Следопыт», «Пионеры», «Прерия» и примкнувший к ним «Шпион»), где он вполне конкурентоспособно держится даже на фоне позднейшего Г. Брока. Закатные деньки мастер посвятил росписи храмов в Ковно.
http://1llustrations.livejournal.com/1073124.html
Александр Игнатьевич Лебедев (1830–1898)
Более всего поднаторел, как карикатурист и шаржист. Сперва мелко-ёрнически обслуживал ведущие журналы столицы: «Весельчак», «Заноза», «Пчела», «Осколки», «Стрекоза», «Иллюстрированная газета», «Кругозор», «Нива». Один за другим выходят альбомы социально-бытовых зарисовок и типажных портретов. Более серьёзный - сатирический - начин связан с журналом «Искра». Шаржи и пародии на именитых современников – едва ли не самая тиражируемая лебедевская ипостась. Здесь он порою балансировал на грани гротеска. Но подлинных высот мастер достиг в технике литографии, где использовал и цветной фон. В «звании» даровитого книжника Лебедев со вкусом и изяществом препарировал творения Александра Сергеевича Пушкина, Ивана Андреевича Крылова, Николая Васильевича Гоголя, Михаила Юрьевича Лермонтова, Александра Николаевича Островского. Главной же любовью автора являлись Николай Алексеевич Некрасов (2 тетради по 10 литографий) и Михаил Евграфович Салтыков-Щедрин. В альбоме «Щедринские типы» (1880) Лебедев поднялся до со-понимания и адекватного отражения лучших созданий «царя сарказма».
http://anysite.ru/publication/lebedev
Дмитрий Николаевич Кардовский (1866-1943)
Значимое имя для отечественных книжников, один из самых выдающихся педагогов. Воспитал плеяду умелых художников (Дементий Шмаринов, Павел Беньков, Николай Ионов, Исаак Биленький, Василий Ефанов, Петр Шухмин, Александр Яковлев, Арсений Семенов, Павел Шиллинговский, Александр Савинов и др.). Свидетельством его вклада в отечественную школу художественного просвещения стала «Выставка картин московских и ленинградских художников, посвящённая 25-летию художественной и педагогической деятельности профессора Д. Н. Кордовокого» (Москва, 1929). В юности брал уроки у Ильи Ефимовича Репина. Заслуженный деятель искусств РСФСР, преподаватель Всероссийской Академии художеств в Ленинграде. Большую часть жизни работал в Переславле-Залесском. Дворянин по происхождению, разрабатывая многие жанры в живописи, оставался аристократом безупречного вкуса и гармонии. Признанный корифей исторического жанра (особенно, был увлечен эпохами Петра Первого и декабристов). Внес свою, не конъюнктурную, лепту в Лениниану. Богато и, можно сказать, хрестоматийно проиллюстрировал русскую классику: Антон Павлович Чехов («Каштанка»), Николай Алексеевич Некрасов («Русские женщины»), Алексей Николаевич Толстой («Петр Первый»), Александр Сергеевич Грибоедов («Горе от ума»), Николай Васильевич Гоголь («Невский проспект», «Ревизор»)…
http://literatura5.narod.ru/kardovsky.html
http://www.pereslavl.info/page.php?id=1396
«Мир искусства»
В разговоре о книжниках никак не пройти мимо петербургского «Мира искусства» - после «Товарищества передвижных выставок», пожалуй, наиболее масштабного и влиятельного объединения русских художников. Союз возник в 1898 году, как изящная альтернатива идеализма суровой правде "передвижнического" реализма. Но питательная среда будущих «мирискусников» образовалась еще в недрах группы «Невские пиквикианцы» (1887), как именовали себя юные питомцы частной школы Карла Мая во главе с Александром Бенуа. В «Мире искусства» Бенуа собрал пытливые умы модернистско-символистского толка. Финансовую помощь кружку оказывали меценаты, перво-наперво, княгиня Мария Тенишева и фабрикант Савва Мамонтов. А после прихода энергичного «продюсера» Сергея Дягилева, умевшего наводить "европейские мосты", начинается многолетняя «мировая гастроль» членов товарищества, быстро подверставшего как самых примечательных художников новой волны: Льва Бакста, Константина Сомова, так и уже состоявшихся: Виктора и Аполлинария Васнецовых, Михаила Врубеля, Константина Коровина, Валентина Серова, Михаила Нестерова. В том же 1898-м прошла первая выставка русских и финских художников (Петербург), и с каждым годом гастрольная география расширялась. Несмотря на сильный реалистический акцент, «мирискусники» исповедовали принцип гегемонии прекрасного, торжества эстетического начала: «Произведение искусства важно не само по себе, а лишь как выражение личности творца» (Сергей Дягилев). Отсюда пресловутая символическая концептуальность, обнаруживаемая в повышенном градусе магии: вся эта мистическая условность образов, фантастичность сюжетов, аллегоричность трактовок и заговорщицкая склонность к эзотерическим умствованиям. Бездушному миру современной машинерии «Мир искусства» несколько идеалистически противопоставлял мифологизированное прошлое, патриархальную культуру, средневековые замки и терема, летописи и иконы. Линейный метрический шаблон поверялся метафорческой пядью во лбу невидимых – жреческих – знаний. В 1904 году группа распалась, но Дягилев еще не раз устраивал выставки с участием лучших произведений ее грандов. В 1910-20-е годы «Мир искусства» обрёл второе дыхание, которое, после Октябрьской революции стало практически односторонним – оттуда…
Леон Самуилович Бакст (1866-1924)
Знаковая персона в табели о рангах русской живописи рубежа XIХ-ХХ веков, один из лидеров символизма и объединения «Мир искусства». Настоящее имя художника: Лейб-Хаим Израилевич Розенберг. С 1909 года проживал в Париже. Как и многие единомышленники, был захвачен античным духом гармонии мысли и совершенства пропорций. Всё его творчество пропитано влекущей магией архаики, тонкой стилизацией восточных мотивов. Без изощренно экзотических декораций Бакста не представить уже дягилевских антреприз и «Русских сезонов за границей»: балеты «Клеопатра» (1909), «Жар-птица» (1910), «Нарцисс» (1911), «Дафнис и Хлоя» (1912). С модным художником заключали контракты многие театры мира: Париж, Брюссель, Рим, Лондон, Нью-Йорк. Бакст умело популяризировал идеи модернизма не только в станковой живописи. Достойный пример: рисованные разделы для журналов «Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон». Преуспел он и в качестве интерпретатора гоголевского «Носа», блоковской «Снежной маски».
http://history-life.ru/post165568123/
Константин Андреевич Сомов (1869-1939)
Самобытный эстет, через всю жизнь пронесший верность поэтической гармонии. Неискоренимая мечтательность счастливо соседствовала у него с проектированием новых идей и представлений о красоте. Ученические штудии Сомова включали курсы в Академии художеств и даже «мастер-класс» Илья Репина. Однако выдвижению на заметные роли в российском искусстве способствовали парижские встречи Сомова с Александром Бенуа, который не только привлек его к сотрудничеству, но и отдельно проанализировал творчество (журнал «Мир искусства», 1898). С1899 года Сомов подвизался в Петербурге на портретной ниве. Стоит вспомнить одухотворённые образы коллег и знакомых («Дама в голубом»), многофигурные композиции в галантном стиле, умилительные античные пасторали. Участвовал в художественных акциях Александра Бенуа, включая журнальные публикации. Сомов один из самых изысканных (и безумно дорогих… после смерти), книжных иллюстраторов. На его счету рисунки к роману Лонга «Дафнис и Хлоя» (1930), поэме Александра Сергеевича Пушкина «Граф Нулин» (1899), повестям Николая Васильевича Гоголя «Нос» и «Невский проспект», 44 эротических картинки для «Книги маркизы» (1918), обложки сборников Константина Дмитриевича Бальмонта «Жар-птица» и «Свирель славянина», титульный лист книги Александра Александровича Блока «Театр», программы спектаклей (грибоедовский «Горе от ума») и мн. др. Еще одна занимательная грань сомовского таланта - мелкая пластика (причудливая фарфоровая композиция «Граф Нулин», 1899). С 1923 года жил во Франции.
http://gallerix.ru/album/Somov
http://www.openspace.ru/photogallery/3686/
Александр Николаевич Бенуа (1870-1960)
Виднейший русский гуманитарий-универсал ХХ века щедро поделил свой огромный талант между живописью и графикой, сценографией и издательским делом, литературой и искусствоведением. Теоретик и вдохновитель объединения «Мир искусства». Прогресивный мыслитель, энергичный практик и исключительный эрудит, всю свою жизнь он посвятил истории и пропаганде искусства. Вот лишь часть его трудов: главы для «Истории живописи в XIX веке» Р. Мутера (1894), монография «Русская живопись в XIX веке», серийные выпуски «Русская школа живописи» и «История живописи всех времен и народов» (1910-17), «Путеводитель по картинной галерее Эрмитажа» (1911), журнал «Художественные сокровища России», еженедельная авторская рубрика «Художественные письма» (газета «Речь», 1908-16). Родившись в семье архитектора и выучившись на юриста, всю жизнь «любительски занимался «художественной самодеятельностью». После замысловатой серии «Последние прогулки Людовика XIV» (1897) выдвинулся в первый ряд российских акварелистов. Не менее притягательны его пейзажи окрестностей Санкт-Петербурга. Тематика сугубо исторических полотен Бенуа – Франция XVII века и Петербург XVIII - начала XIX веков. Господствующий «герой» – величественная архитектура, которой подчинены остальные элементы. Но постепенно люди начинают теснить камень («Петр I на прогулке в Летнем саду», «Парад при Павле I» и др.). Бенуа активно участвует в оформлении «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже (опера, балет, симфоническая музыка). Именно, его усилиями была набрана частная балетная труппа, открывшая с 1909 года знаменитые «сезоны». Сам маэстро возглавил художественную часть. Как автор потрясающих декораций, он по праву разделил с композитором Игорем Стравинским всемирный триумф балета «Петрушка» (1911). Для Мариинского театра Бенуа оформил оперу Рихарда Вагнера «Гибель богов», а также эскизы декораций и либретто к балету Николая Черепнина «Павильон Армиды». Небезуспешно складывался «роман» Бенуа с Московским художественным театром Станиславского и Немировича-Данченко: сценография спектаклей по пьесам Жана-Батиста Мольера (1913). После Октябрьской революции занимался музейным делом (заведующий Картинной галереей Эрмитажа и проектировщик новой экспозиции картин), охраной памятников искусства и старины. В 1926-м выехал в Париж, где и остался. Бенуа иногда называют «автором современного образа книги». И это так. Обратившись к книжной графике, Александр Николаевич сразу же заявил о себе, как величайший рисовальщик-пушкинист: три изобразительных версии «Медного всадника» (1903-22), два варианта рисунков к «Пиковой даме» (1899, 1907). К его несомненным новациям относят мрачную, деспотическую мизансцену, как смысловой и тектонический регулятор всего действия. «Они так хороши, что я от новизны впечатлений все еще и теперь не могу прийти в себя. Чертовски передана эпоха и Пушкин, при этом совсем нет запаха гравюрного материала, никакой патины. Они страшно современны – и это важно...» (Игорь Грабарь о цикле Бенуа «Медный всадник»). Беспрецедентной популярностью пользовалась и затейливая «Азбука в картинах Александра Бенуа» (1905).
http://bibliotekar.ru/benua-azbuka/index.htm
http://literatura5.narod.ru/medny_vsadnik.html
Евгений Евгеньевич Лансере (1875-1946)
Удачливый и многажды преуспевший самородок из «Мира искусства», без которого непредставим «Серебряный Век»*. В отличие от большинства «свободно определяющихся» и «бесприютных» коллег по цеху, был официально увенчан титулом действительного члена Академии художеств. Даже его ранняя командировка в Париж ознаменовалась полезным знакомством с Александром Бенуа. Лансере одинаково успешно продвинулся в разных жанрах: был оригинальным монументалистом, заядлым историческим маринистом, орнаменталистом зданий, асом фарфорово-стеклянной композиции. Его творчество – немаловажный этап в развитии книжной графики. Известность пришла к Лансере после публикации полнолистовых, стилизованных под средневековый колорит иллюстраций для книги Екатерины Вячеславовны Балобановой «Легенды о старинных замках Бретани» (1898). А громкое имя в мире книжников Лансере обеспечили рисунки к повести Льва Николаевича Толстого «Хаджи Мурат» (1912). Эта серия поражает реалистической достоверностью и правдой характеров. Художнику удалось интуитивно угадать, снайперски схватить и графически отобразить почерк, мысль писателя, постичь и передать философскую глубину жуткой правды о войне. Всё это и обусловило сопричастность графики Лансере толстовской прозорливости о трагических судьбах России и Кавказа. «Рисунки Лансере сохраняют рядом с толстовской колоссальностью и свою значительность, свою прелесть... Они не только дают тонкую и точную "справку по сценарию" и рисуют типы действующих лиц, но, кроме того, складываются в самостоятельную песнь» (Александр Бенуа).
http://www.antiquebooks.ru/book.php?book=97303
Иван Яковлевич Билибин (1876-1942)
Великий русский художник, волхв славянской рисованной былины, «Васнецов книжной сказки». Юрист по диплому, всерьез увлекшись живописью, отучился у самого Ильи Ефимовича Репина (школа-мастерская княгини Марии Тенишевой). По молодости состоял в объединении «Мир искусства». В 1899 году, "по случаю" проиллюстрировав книгу «Сказка о Иван-царевиче, Жар-птице и о Сером волке», художник влюбляется в русский фольклор. Бездонный материал для работ Билибин черпает по ходу этнографических экспедиций в Вологодскую, Олонецкую и Архангельскую губернии (1899-1902). Впечатляющий итог составила серия из 6 «Сказок»: «Василиса Прекрасная», «Царевна-Лягушка», «Перышко Финиста Ясна-Сокола», «Марья Моревна», «Сестрица Аленушка и братец Иванушка», «Белая уточка»). Следующий этап – сказки Александра Сергеевича Пушкина: «Сказка о Царе Салтане» (1905), «Сказка о рыбаке и рыбке» (1908), «Сказка о Золотом Петушке» (1910). Отлично зарекомендовал себя и на театрально-оформительском поприще. Среди примерных работ - былина «Вольга», «Сказка о трех царских дивах и об Ивашке, поповском сыне» Александра Степановича Рославлева, оформление оперы Николая Римского-Корсакова «Золотой Петушок», эскизы костюмов к драмам Лопе да Вега Карпьо и Педро Кальдерона де ла Барка, водевилю Федора Кузьмича Сологуба (Тетерникова) «Честь и Месть». Билибинские фирменные заставки, концовки, обложки с удовольствием печатаются многими журналами («Мир Искусства», «Золотое Руно»), «Московским Книгоиздательством». В годы первой русской революции (1905-07) успешно дебютирует как политический карикатурист. После Октябрьской революции 1917 года в эмиграции (Египет, Франция). В Париже Билибиным создаются эталонные декорации для русских опер. Бесценная жемчужина того периода - оформление балета Игоря Стравинского «Жар-птица» (Буэнос-Айрес) и др. В 1936 году создает монументальное панно «Микула Селянинович» для советского посольства в Париже. По возвращении тем же годом на родину, занимается преподавательской работой во Всероссийской Академии художеств (Ленинград). Скончался во время ленинградской блокады, «лебединой песней» художника стала иллюстрация к былине «Дюк Степанович» (1941). Особый подход, вобравший традиции и золотое сочетание национального изобразительного фольклора (лубочно-стилизованного и хрестоматийно-древнерусского), неразрывная связь с народным текстом былин и сказаний, исключительное изящество, точность воспроизведения, реалистическая узнаваемость и, одновременно, чарующая сказочность форм и характеров, – всё это даёт основание заявить о своеобразном «билибинском мире» и «билибинском стиле». Лучшие образцы советской фольклорной мультипликации, бесспорно, отталкивались от канонической манеры Билибина.
http://www.arteveryday.org/bilibin/
Павел Александрович Шиллинговский (1881-1942)
Замечательный живописец и педагог. Строгий мэтр академической школы, продолжатель традиций Альбрехта Дюрера в русской гравюре. Родом из Одессы. Среди его многочисленных наставников: Кириак Костанди и Дмитрий Кардовский. Впоследствии сам преподавал в Академий Художеств (Ленинград) и др., воспитав блестящих учеников, таких как Николай Кузьмин. Наиболее известны его офорты (прославленный цикл «Бессарабия», 1913) и ксилографии (альбом ксилогравюр «Петербург. Руины и возрождение», 1923). Умер от голода в блокадном Ленинграде, оставив бессмертный цикл «Осажденный город» (1941-1942), исполненный в любимой технике ксилогравюры. Автор точных, ёмких и ясных портретов (Владимир Ленин, Карл Маркс, Иосиф Сталин и мн. др.). Шедеврами книжной графики считаются его рисунки и гравюры к книгам издательства «Academia» (1929-36), «Одиссее» Гомера (1935 года) и для неизданной книги Данте Алигьери «Божественная комедия» в переводе Д.Е. Мина.
http://academia.bukinist.su/books_imgs/0008_609_08.jpg
http://afisha.academ.org/content/gravyury-pa-shilingovskogo
http://www.printsmuseum.ru/artist/engravings/21/386/
Владимир Андреевич Фаворский (1886-1964)
Несомненный корифей отечественной ксилографии и книжной графики, теоретик и искусствовед, живописец-монументалист и сценограф. Фаворский собрал все мыслимые и немыслимые для советского рисовальщика титулы и награды: действительный член Академии художеств СССР, Народный художник СССР… Гран При на Всемирной выставке в Париже (1937), Золотая медаль Всемирной выставки в Брюсселе (1958), Золотая медаль Международной книжной выставки в Лейпциге (1959), Золотая медаль Международной художественной выставки в Сан-Паулу (1961)… На протяжении долгой и вдохновенной жизни он выполнил более 500 дивных гравюр, в том числе к Библии, «Слову о полку Игореве», калмыцкому народному эпосу «Джангар», произведениям Александра Сергеевича Пушкина, Михаила Михайловича Пришвина, Бориса Андреевича Пильняка, Данте Алигьери, Вильяма Шекспира… На его теоретическое наследие («Теория композиции», «Теория графики» и «Теория книги») повлияли взгляды его друга Павла Александровича Флоренского, великого «дешифратора света и цвета».
http://aquilaaquilonis.livejournal.com/106115.html
Василий Иванович Шухаев (1887-1973)
Сын сапожника, рано осиротевший, он не только прорвался на курсы Константина Коровина, но и закончил Высшее художественное училище при Петербургской Академии художеств (1906-12) - мастерская Дмитрия Кардовского. По жизни и искусству шел рука об руку с художником Александром Яковлевым (1887-1938). Упражнения друзей в неоклассицизме не нашли понимания в среде академического начальства, и оба отбыли в Италию, как пенсионеры «Русского общества в Риме», где и родился их программный парный автопортрет «Арлекин и Пьеро» (шухаевская часть – Пьеро - была окончательно завершена лишь в 1962 году). Свои морально-эстетические ориентиры Шухаев выводил из прошлого, начиная с Возрождения, что отпечатлелось в его портретах (Ларисы Рейснер и др.), выполненных посредством воскрешенных старинных приемов: письмо восковыми красками и работа по золоту. Устремелённость к «прекрасному былому» сблизила Шухаева с «Миром искусства», в выставках которого художник принимал посильное участие. Позднее и сам он организовал «Цех живописцев святого Луки», прибегая в своих «нео-ренессансных» портретах к технике сангина. На 1922-35 годы приходится эмигрантская эпопея. Художник много путешествует, его произведения разлетаются по миру. Один из оригинальных «плодов» эмигрантского творчества - стенная роспись на темы сказок Александра Сергеевича Пушкина (концертный зал Парижа). По возвращении в СССР ему представляют персональную мастерскую в Институте живописи, скульптуры и архитектуры Всероссийской Академии Художеств. Однако в 1937-47 годах (по ложному доносу) вместе с супругой Верой Федоровной он отбывает заключение в Магадане. Главенствующий «творческий заказ» той поры – плакаты агитпропа, сценография и костюмы для спектаклей Музыкально-драматического театра им. М. Горького. С 1947-го художник живет и творит в Тбилиси (чудные эскизы декораций для оперы Петра Чайковского «Евгений Онегин» в Тбилисском Государственном театре оперы и балета), где ему присваивают звание заслуженного деятеля Грузинской ССР и предоставляют кафедру рисунка в Академии художеств Грузинской ССР. Еще в парижский период (конец 1920 - начало 1930-х) мастер пробует силы в книжной графике: для издательства «Плеяда» проиллюстрированы произведения Генриха Гейне, Альфреда Мюссе, Федора Михайловича Достоевского, Николая Семеновича Лескова, Антона Павловича Чехова. Непрерывно экспериментируя, Шухаев «разбавляет» стилизованные «а-ля черно-белая гравюра» изображения цветными декоративно-карточными «вставками» (пушкинская «Пиковая дама»), привносит насмешливый штрих в трактовку гоголевского «Носа». Свой, шухаевский, задел оставил мастер и в символически зашифрованном изо-ряде для лермонтовского «Героя нашего времени». Шухаев никогда не повторяется: его 18 иллюстраций к пушкинской трагедии «Борис Годунов» (1925) блистательно имитируют иконопись 17 века с обратной перспективой и другими характерными уловками.
http://literatura5.narod.ru/schuxaev_pikovaja_dama.html
http://www.museum.ru/N27287
Алексей Ильич Кравченко ((1889–1940)
Большой мастер-монументалист и график (гравер и рисовальщик). Выходец из саратовской глубинки, Кравченко побывал в Италии, Индии, Франции и США, снискал высшие почести на мировых конкурсах (еще в студенчестве за свой пейзаж получил премию имени Исаака Левитана). В советский период художник не афишировал свою станковую живопись, поскольку никогда не работал на заказ, а «свободные формы самовыражения» были чересчур свободны, чтобы избежать ярлыка «формалист». При этом всю жизнь он оставался всего лишь неисправимым романтиком, отталктваясь от к методологии и критериев старой европейской традиции. Особенно, импонировали художнику спокойный гармоничный - противоположный крайностям абстрактного авангарда - символизм и изысканный мягкий модерн. «Художественные курсы» проходил в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, посещая мастерские Валентина Серова, Константина Коровина, Аполлинария Васнецова, а также в мюнхенской школе Шимона Холлоши. Вошёл в «Товарищество передвижников» (с 1915) и открыл объединение «Четыре искусства» (с 1925), где видные живописцы, графики, скульпторы и архитекторы работали под лозунгом «синтеза искусств». Увлечение гравюрой, ставшее превалирующим, не было слепым подражательством: Кравченко сумел новаторски препарировать особенности своей экспрессивной натуры, яркого эмоционального мировосприятия. Излюбленная техника – офорт с нередким применением цветной печати и ксилография, в которой он уже к 30 годам достиг триумфа: Гран-при Международной выставки декоративного искусства и промышленности в Париже (1925). Не сторонился акварельной и темперной живописи. Помимо коллекции филигранных книжных знаков, Кравченко оставил заметный след в книжном рисунке: Иоганн Вольфганг Гёте, Оноре де Бальзак, Чарльз Диккенс, Стефан Цвейг. Особый род авторских пристрастий – иррациональная сатира и мистическая фантасмагория. В частности: «Пиковая дама» Александра Сергеевича Пушкина, «Нос» Николая Васильевича Гоголя, «Повелитель блох» Эрнста Теодора Амадея Гофмана, сборник «Деревянная королева» Леонида Максимовича Леонова, цикл «Фантастические повести ботаника Х» Александра Васильевича Чаянова. Оставил ценные воспоминания.
http://www.nasledie-rus.ru/podshivka/7715.php
Николай Васильевич Кузьмин (1890-1987)
Великий советский книжный график. Самоучка из пензенской глубинки (Сердобск), покоривший обе столицы. Первые публикации относятся к 1909 году (журнал московских символистов «Весы», петербургский «Аполлон»), но еще долго Николай Васильевич постигал секреты ремесла у Ивана Билибина и Петра Шиллинговского (во ВХУТЕИН). Один из организаторов молодежной «группы 13» в Москве. Обладатель всевозможных званий-титулов. Официальных: Народный художник России (1972), член-корреспондент АХ СССР (1967). Неофициальных: лучший советский интерпретатор творчества Александра Сергеевича Пушкина… Впрочем, с не меньшим основанием это можно «пристегнуть» к творчеству Александра Сергеевича Грибоедова, Николая Семеновича Лескова, «Сочинениям Козьмы Пруткова» (совместный плод фантазии Алексея Константиновича Толстого и братьев Алексея и Владимира Михайловича Жемчужниковых). Век художника был долог и плодотворен, менялись вкусы, школы, направления, но осталось каноническое Имя Жанра – Кузьмин. Раскованная, легкая манера рисунка с точно дозированными вкраплениями акварели производили неожиданно мощный эмоциональный эффект. Кузьмин творил ювелирно, порою, жонглируя на стыке юмора и гротеска, классики и фольклора, лирики и эпики. Виртуозно овладев техникой беглых, неуловимых, молниеносных зарисовок, он умел точно передать все нюансы психологического состояния автора и героя. Таковы сотни рисунков к «Евгению Онегину» (1932), которые по праву относят к вершинам творчества Кузьмина, равно как иллюстрации к грибоедовскому «Горю от ума», лесковским «Левше» и «Железной воле» (1961). Кузьмин был по-хорошему «всеяден». Его занимала мировая литература («Актриса» Эдмона де Гонкура, 1933; «Театр» Альфреда де Мюссе, 1934; «Тартарен из Тараскона» Альфонса Доде, 1935) и современный литературный процесс («Москва» Демьяна Бедного, псевдоним Ефима Алексеевича Придворова, 1938), а также жанр биографии (А.С. Пушкин, Михаил Юрьевич Лермонтов, Лев Николаевич Толстой). Кузьмин смело брался за самые неудобные, отвлеченные, близкие к абстракции тексты, «материализуя невозможное»: «Записки сумасшедшего» и «Игроки» Николая Васильевича Гоголя (1958), пушкинские эпиграммы (1979) и т.д. Оставил солидный свод рисунков и картин, воспоминаний об искусстве графики, ее ведущих представителях, научно-популярных работ о технике, манере, стилистике иллюстрации, рассказов и очерков, рецензий и писем.
http://www.griboedov.net/gallery2.html
http://literatura5.narod.ru/kuzmin_onegin.html
http://www.chukfamily.ru/Kornei/Prosa/kuzmin.htm
http://www.art-penza.ru/houme/166-kuzmin.html
http://www.artonline.ru/encyclopedia/304
Натан Исаевич Альтман (1889-1970)
Крупный и разносторонний художник: живописец, график, скульптор, сценограф. Урожденный в еврейском местечке под Винницей, прошел большую школу от авангарда (кубизм) до реализма. Занимался скульптурой, театром, портретом (тот самый легендарный - Анны Ахматовой, 1914). Заслуженный художник Российской Федерации (1968). Некоторое время был «украшателем революционных празднеств» и даже официальным «кремлевским» портретистом (сделал с натуры реалистическое бронзовое изваяние и серию карандашных набросков Владимира Ленина). Выполнил немало декораций для Московского государственного еврейского театра («Уриэль Акоста» Карла Фердинанда Гуцкова, 1922; «Женитьба Труадека» по пьесе Жюля Ромена, 1927) и других сценических площадок: «Мистерия-Буфф» Владимира Владимировича Маяковского (1921, Московской цирк), «Отелло» и «Гамлет» Уильяма Шекспира (1944, 1954, Ленинградский театр драмы им. А.С. Пушкина), «Король Лир» (1941, ГБДТ). С Евгением Вахтанговым осуществил сценографию пьесы Ан-ского «Гадибук». Художник в фильме «Еврейское счастье» (1925, по мотивам Шолом-Алейхема – Шломо Нохумовича Рабиновича), изготовил эскизы костюмов к фильму Григория Козинцева «Дон Кихот» (1955, пьеса Евгения Петровича Шварца по роману Мигеля Сервантеса де Сааведра). Участвовал в Международной Выставке Современного Индустриального и Декоративного Искусства (Арт Деко) в Париже. Жил в Европе (1928-1935), где обратился к импрессионистскому пейзажу и натюрморту. По возвращении отступил от станковой живописи, перейдя к дизайнерским профилям (марка и т.д.), а также рисованию. Любопытны его опыты прочтения Николая Васильевича Гоголя («Петербургские повести», 1937), Эмиля Золя, Эрнесто Кастро, Висенте Бласко Ибаньеса (трехтомник), мировой басни (Эзоп, Жан Лафонтен, Иван Иванович Хемницер, Иван Андреевич Крылов и др.). Особняком стоит цикл литографий на библейские темы (Ветхий Завет).
http://kid-book-museum.livejournal.com/176764.html
Константин Иванович Рудаков (1891-1949)
К таким применима краткая формула: «Настоящий маэстро». Ученик Дмитрия Кардовского, сам с 1929 года преподавал на графическом отделении ленинградского ВХУТЕИН (Института пролетарского изобразительного искусства, позднее: Ленинградского института живописи, архитектуры и скульптуры, Института живописи скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина). Очень точный книжный график, в передаче образа тяготел к повышенной артистичности, не пренебрегая жёстким гротеском. Виртуозно владел техникой цвета и обладал навыками в самой разной стилистике. Смолоду отдал долг карикатуре и юмору в журналах «Бегемот», «Смехач», «Крокодил». Его произведениями гордятся Государственная Третьяковская галерея, Государственный литературный музей, Государственный Русский музей, Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина и т.д. Преуспел в станковой живописи, портрете, театральном костюме и др. По отзывам критиков, «соединил традиции петербургской графической школы с живописным импрессионистским видением… Его индивидуальный стиль часто определяют как «живописную графику» или «графическую живопись». В совершенстве владея многими техниками (акварель, пастель, гуашь, литография, офорт, сухая игла, монотипия), он предпочитал красочные: акварель и цветную литографию. Произведениям Рудакова присущи артистизм рисунка и цветового решения. Даже случайный затёк краски художник умело превращал в органичный элемент композиции. В книжной графике выступал продолжателем мирискуснических традиций». Спектр литературных предпочтений также довольно обширен: Ги де Мопассан («Милый друг»), Эмиль Золя («Нана»), Эрнест Теодор Амадей Гофман («Щелкунчик»), Николай Васильевич Гоголь («Ревизор»), Антуан Франсуа Прево («Манон Леско»), Лев Николаевич Толстой («Анна Каренина» и «Война и мир»), Александр Сергеевич Пушкин («Евгений Онегин»), Алексей Максимович Горький («Фома Гордеев») и др.
Александр Николаевич Самохвалов (1894-1971)
Кто-то удивится, и справедливо: один из главнейших представителей социалистической живописи: символистической, сюрреалистической и даже монументальной… Человек, чьи полотна украшают Третьяковку и Русский музей, Заслуженный деятель искусств Российской Федерации… И книжка? Где связь? А есть! В 1937 году картина «Девушка в футболке» удостоилась Золотой медали на Международной выставке в Париже. Тем же годом датированы еще два Гран-при ее же. Первый приз художник получил за панно «Советская физкультура», украсившее советский павильон, второй - за иллюстрации к величайшей книге Михаила Евграфовича Салтыкова-Щедрина «История одного города». А еще в середине 1920-х Самохвалов рисовал картинки для ленинградских издательств «Радуга» и Детгиз. К некоторым книжкам он писал и текст: «Наш город», «Ночные страхи», «Водолазная база», «Мстительный Худжар».
http://bezh.asobezh.ru/bezechane/samochvalov.htm
http://troitsa1.livejournal.com/117801.html
Переходя к искусникам чисто советских студий, первым делом, предлагаю вспомнить поборников строгой (классической) литературы, «намывавших свою золотую руду с самоцветами» на мировых вершинах.
* «Серебряный век» - так российские эмигранты (1920-30-х годов) с ностальгией прозвали период в развитии русской культуры начала ХХ века (в Европе аналогом является «Конец века» от франц. fin de si;cle). Это время расцвета модернизма - «обновленной» культуры. «Блескучесть» самого названия сопоставима с «золотым веком» (первая треть XIX века – эпоха Пушкина). Термин «Серебряный век» связывают и с искусством, но более всего с поэзией, представленной такими именами, как: Константин Дмитриевич Бальмонт, Валерий Яковлевич Брюсов, Дмитрий Сергеевич Мережковский, Зинаида Николаевна Гиппиус, Николай Максимович Минский, Александр Александрович Блок, Вячеслав Иванович Иванов, Федор Кузьмич Сологуб (Тетерников), Николай Степанович Гумилев, Анна Андреевна Ахматова, Андрей Белый (Борис Николаевич Бугаев) и др.
На картинке: Иван Билибин "Василиса Прекрасная"
Основные понятия
Виньетка (от франц. vignette) — украшение (заставка или концовка) полиграфической продукции (книга, альбом, рукопись) в виде небольшого рисунка или орнамента.
Гравюра (от франц. gravure от нем. graben — копать или франц. graver — вырезать, создавать рельеф) — вид графического искусства путем оттиска. Известны две основных разновидности: «высокой печати» (краска накатывается и переносится на запечатываемую бумагу с плоскости доски) и «глубокой печати» (краска переносится — из углублений штрихов). Главные инструменты: угловые, продольные стамески, нож для обрезки мелких деталей.
Гравюра на картоне — вид графического (высокая печать) тиражируемого изображения. Рельефный оттиск для печати изготавливается с помощью аппликации, составленной из отдельных картонных элементов.
Гравюра на металле (на камне, на холодном оружии и т.п.). Здесь делаются формованные выемки на материале для получение узора.
Графика (от греч. ;;;;;;;; — письменный, от греч. ;;;;; — пишу) — достижение художественного изображения посредством пунктирной линии, штриха, пятна и точки, цвет играет вспомогательную роль.
Гуашь (от франц. Gouache, итал. guazzo - водная краска, плеск) — разновидность клеевых водорастворимых красок плотнее акварели. Применялась еще Средние века для книжной миниатюры (нередко вместе с акварелью).
Ксилография (от др.-греч. ;;;;; — дерево и ;;;;; — пишу, рисую) — древнейшая техника деревянной гравюры.
Линогравюра — гравирование на линолеуме (с конца XIX века). При печати линогравюры применяются обычные типографские краски, накатываемые, преимущественно, вальцмассовым валиком.
Литография — способ печати, при котором краска под давлением переносится с плоской печатной формы на бумагу.
Офорт (от франц. eau-forte — азотная кислота, буквально — «крепкая вода», или «аквафорте» - итал. аcquaforte) — гравюра на металле, техника станковой графики глубокой печати для получения оттисков с печатных «досок». Для создания изображения поверхность травится кислотами. Популярность приобрел в XVI веке. Одна из самых интересных техник офорта: акватинта (итал. Aqua + tinta, т.е. вода + оттенок), при помощи нее создаются тональные плоскости большого диапазона и разнообразия силы, формы и фактуры.
Пастель (от лат. pasta — тесто) — художественные материалы для графики и живописи в форме мелков и карандашей без деревянной оправы.
Сангина (франц. sanguine, от лат. sanguis — "кровь") — материал и инструмент для рисования в форме толстого карандаша без оправы.
Темпера (от итал. tempera, от лат. temperare — «умерять, смягчать, смешивать в надлежащем соотношении») — краски со связующим веществом в виде эмульсий. Бывает клеевой (пигменты разводятся на смеси воды, желатина, столярного клея или казеина), гуммиарабиковой, казеиновой, синтетической, яичной (последняя известна со времен фараонов). В Средневековье для связки практиковали мёд (его нередко добавляют в акварель).
Тушь (от нем. Tusche) — черная краска из сажи (жидкая, концентрированная и сухая) в графике для перьевых изображений (редко используется тушь цветная).
Эстамп (от франц. estampe, от итал. stampa) — оттиск на бумаге с печатной формы (матрицы), чаще всего гравюрный. Оригинальными, авторскими считаются отпечатки, произведенные самим художником или печатником при его участии. В Европе распространен с XV века, сперва - как оттиск с гравированных деревянных досок.
Продолжение следует:
«Магия художника книги: Советские страницы»
http://www.proza.ru/2011/10/22/77