Я хотел бы поговорить с начинающими художниками об изобразительном искусстве.
В создании, восприятии и использовании произведения визуального искусства можно выделить три этапа, либо три самостоятельных части. Это касается любых форм: живописи, графики, даже фильмов. И эти три части кратко выглядят так: что, как и зачем (или почему). Эти вопросы встают как перед художником, так и перед зрителем.
Наиболее просто их видно зрителям. Так зритель, впервые воспринимая картину, видит, старается увидеть или же воображает себе, что именно изображено.
Что это? Объекты, похожие на реальные, люди, пространства или просто геометрические фигуры, пространства или цветовые пятна. Что именно он видит, зависит от жанра, стиля или направления произведения. Но одно остается неизменным при восприятии визуального искусства – что именно изображено.
С аналогичным явлением сталкивается и художник, особенно начинающий. Что мне написать или нарисовать?
Что – узнаваемые объекты, людей, животных, абстрактные пятна или что-то еще? Но это всегда ЧТО-ТО. На стадии обучения перед начинающим художником не стоит такой задачи. Ее за него решает преподаватель. Натюрморт – хорошо, вот он уже стоит в студии. Пейзаж – отлично, его ведут на мастер-класс на заранее просмотренное место. Фигуры людей – прекрасно, вот есть доступные по цене натурщики или натурщицы. И не важно, что это старики или довольно потасканные женщины, страдающие лишним весом. На первых порах эту важную часть создания произведения искусства начинающий художник проскакивает, так как ее делают за него.
Тем острее эта задача встает перед автором, когда он уже освободился от опеки мастера и стал самостоятельным. И, довольно часто, в этот момент он думает, - «Ну вот, наконец-то! Я ведь всегда мечтал нарисовать яблоко! Теперь я возьму яблоко и буду его рисовать, а то все гипс да гипс!» Что ж, хорошо! Но через пару-тройку созданных картинок ему уже надоедает рисовать яблоко. Все, это уже для него пройденный этап.
И, раз уж мы затронули такие небольшие объекты, как яблоки, речь пойдет о натюрморте.
Иллюстрация: Натюрморт с цветами, позолоченным кубком, сухофруктами, конфетами, печеньем, вином и оловянным графином. Клара Петерс, 1611. (*Примечание автора: Здесь невозожно вставить ссылку или фотографию, поэтому предлагаю открыть в интернете фото этой картины самому)
Сейчас, в пору развитых цифровых технологий, очень хорошо видно (если просмотреть сотню-полторы картин), что скудость в предметах изображения – главная черта этой громадной массы картинок. Цветы-фрукты, еще раз цветы-фрукты и еще много тысяч раз цветы-фрукты. Но так было не всегда.
Посмотрите для примера эпоху голландского натюрморта. Если цветы и есть, то это не главные герои картины. Зачастую на картинах изображены уникальные предметы посуды или украшения, часто еда. И это предметы гордости заказчика, который также часто принимал решение, что именно должно быть на картинах. Тогда было бы просто немыслимо повесить в большом зале замка или дворца картину, где были бы изображены стоптанные башмаки (как у Ван Гога).
Итак, начало создания произведения визуального искусства часто бывает обусловлено для художника кем-то другим: преподавателем, заказчиком, его собственными старыми мечтами и т.д. Между тем, для зрителя (если он не заказчик и не преподаватель) важность этого этапа состоит в другом – может ли он легко распознать (идентифицировать), что же он видит. Ему не важно, кто и как придумал, что именно надо нарисовать. Ему важно «войти» в картину с помощью своего восприятия. А восприятие не у всех зрителей является натренированным. И никто не собирается расшифровывать ребусы художника, что же тут изображено, чехол для очков или пульт для телевизора.
Конечно, для начинающего художника кажется непомерной задачей осознанно выбрать предметы для натюрморта и красиво и правильно скомпоновать их. Он рассуждает примерно так, - «Ну, янтарное ожерелье я еще не в силах изобразить. Возьму-ка я для начала хотя бы простую кружку, а уж потом научусь рисовать более сложные предметы». Результат – скучные «ученические» натюрморты. Более того, множество мастер-классов стараются на этом бессилии в выборе объектов заработать. Мастер-класс «Рисуем посуду», мастер-класс «Рисуем морскую волну», мастер-класс «Рисуем фрукты». Причем, именно так, как это делает преподаватель.
Тем самым мы подходим к следующей проблеме в создании произведения визуального искусства. Как рисовать!
Ладно, пусть мы решили, что влиться в стройные ряды современных художников нам поможет изображение цветов-фруктов. Но теперь надо решить, КАК это сделать. Что, копировать великих или наиболее модных сейчас или же, напротив, непризнанных гениев? Или просто стараться, как можешь, авось, что да получится? Эту задачу за начинающего также решают преподаватели. Они не видят в этом проблему – просто повторяйте за мной! Что, есть какой-то другой способ научиться изображать предметы в натюрморте, кроме Начертательной геометрии с ее жесткими правилами и законами, Да, кувшины и кружки надо строить по осям, а цветы или фрукты приводить к простым геометрическим формам, которые легко построить, зная эти правила. Ну, ладно, построить рисунок – это еще полдела. А дальше? особенно, если это масло на холсте?
Как, как изобразить все эти материально обусловленные объекты: фарфоровые чашки, деревянные ложки, стальные кружки, ткань? Все эти законы цветовосприятия, всякие цветовые системы и круги. Всему этому приходится следовать, теряя при этом качество передачи структуры вещества, из которого сделаны вещи в натюрморте. И надо ли писать реалистично, гиперреалистично (что сейчас очень модно) или фотореалистично или же как-то «манерно», внося необходимую индивидуальность в этот бесконечный поток фруктов-цветов? Эти вопросы кажутся начинающему художнику непосильной задачей.
Для него в первую очередь стоит задача справиться со своим «неумением изображать», соблюсти все правила Начертательной геометрии и Цветоведения. Лишь изобразить объект, чтобы он был более-менее похож на то, что перед ним стоит или лежит на столе или стуле.
Ну, и слегка затронем третью часть заявленной вначале троицы. Пожалуй, это наиболее важная часть, хотя до нее начинающий рискует так и не добраться, если он слишком увлечен двумя предыдущими. Впрочем, эта часть всегда главенствует не только при создании произведений искусства, она наиболее важна в любой деятельности. И это – ЗАЧЕМ или же ПОЧЕМУ?
Слишком много хороших рисовальщиков и живописцев бывают сломлены отсутствием понимания самой сути их деятельности, не имея своей собственной цели – зачем создавать произведение искусства или почему он «не может не писать». При отсутствии осознания ответа на этот простой, но главный вопрос деятельность останавливается, талант погибает, а зритель оказывается обманутым и разочарованным.
Как ни странно, для зрителя так же, как и для художника, важно – ЗАЧЕМ автор написал эту картину, что он хотел этим сказать, какую эмоцию или мысль он хотел донести до зрителя и, в конце концов, зачем он, зритель смотрит эту картину, фильм, скульптуру. Кому-то может показаться слишком тяжелым поставленный здесь вопрос. Ведь зачастую очевидно, что фильмы смотрят от скуки, чтобы развлечься. Картины смотрят, или покупают, чтобы украсить свой быт, чтобы разнообразить свою жизнь.
В этой важной части большинство художников, не только начинающих, оказываются следствием кого угодно: заказчиков, психологов, социологов, моды, алчности, зависти и прочих не особенно приятных вещей. Это плохо, но это так. Художников, ощущающих естественную свободу в отношении «зачем или почему» доли процента от общей массы. И, что удивительно, так было всегда. Здесь не обойтись без ответа на такие непростые вопросы как: какова вообще роль искусства в жизни; есть ли еще что-либо важное в произведении искусства, кроме его цены; стоит ли тратить часы и дни своей бесценной жизни на создание произведения, которое никто не поймет и никогда не купит?
А для зрителя важно понимать, почему одна картина стоит 400 миллионов долларов и ее хотят иметь в своих залах и хранилищах все музеи мира, а другая стоит всего три рубля, но ее все равно никто не покупает. В чем же разница? Без понимания этих вещей нельзя назвать себя ни художником, ни даже зрителем.
Давайте проанализируем несколько натюрмортов и посмотрим, как можно использовать данные из моих рассуждений.
Иллюстрация Виллем Клас Хеда Завтрак с крабом. 1648 масло, холст 118 х118 см
(*Примечание автора: Здесь невозожно вставить ссылку или фотографию, поэтому предлагаю открыть в интернете фото этой картины самому)
И сначала будем заинтересованными зрителями, так как автором данного произведения мне не стать.
ЧТО я вижу, прежде всего? Так как название натюрморта «Завтрак с крабом», прежде всего, это очень дорогую посуду. В 17 веке посуду изготавливали вручную. Изысканный кофейник из серебра. Нержавеющей стали тогда не знали. Остальные предметы: поднос, молочник, тарелка, различные подставки,- тоже серебряные. Лежащий на боку кубок похож на золотой, так как бронза потемнела бы внутри. Фужер и бокал стекла ручной выработки. Все эти предметы сами по себе показывают статус того, кто этот завтрак ел (или ест). Даже сама еда – краб, лимон и маслины – это богатство! Скатерть белого шелка, сбитая небрежно со стола, недопитое (видимо, тоже дорогое) вино, лежащий на боку кубок говорят о том, что их владелец не молится на каждый гульден, а сорит деньгами.
Так что можно почти сразу перейти к ЗАЧЕМ или ПОЧЕМУ. Это заказная работа, как и все, которые выполнялись в то время. Эти предметы, скорее всего, – не собственность художника. Этот большая работа (более, чем метр на метр!) должна была продемонстрировать высокий статус Заказчика, показать гостям, пришедшим на бал или прием, что хозяин здесь – властный и богатый человек, вероятно купец. Но также это показывает, насколько в те времена художник был зависим от заказчика. Как зрители мы чувствуем торжество богатства и воли того, кто это богатство собрал воедино и даже не пожалел денег, чтобы потратиться на искусство. Но это еще не все. И, чтобы дополнить эти Зачем и ПОЧЕМУ, нам следует все-таки проанализировать КАК.
Мы видим КАК, как фотореализм того времени. Фотоаппаратов тогда не было, поэтому исключительная детальность и тонкость прорисовки ценилась чрезвычайно. Трудно себе представить, что художник 17 века позволил бы себе большие грубые мазки краской. Такую манеру в те времена посчитали бы просто низким качеством работы.
Изящная, тончайшая прорисовка всех деталей посуды, которую сначала также тонко и изящно сваял золотых дел мастер, показывает уже класс художника, его высокий статус в цехе деятелей искусства. Конечно, зрителя может удивить общий колорит картины – такой холодный, серо-зеленый, как будто в мастерской художника мрачно, холодно и с моря тянет сыростью.
Но не стоит забывать, что эта работа заказная, а значит, она писалась под конкретный интерьер. И даже композиционное решение (этакая волна высотностей предметов) и колорит картины продиктованы конкретным местом в богатом интерьере заказчика. Представьте, на каком бы цветовом фоне эта картина торжествовала бы со своим серо-зеленым холодным колоритом?
Правильно, это большие панели красного дерева, которыми отделаны стены приемного зала заказчика. Если бы колорит был теплым, она бы просто растворилась в этой богатой отделке интерьера.
И теперь мы полностью понимаем, ЗАЧЕМ и ПОЧЕМУ художник написал этот натюрморт. Почему подобраны именно такие предметы, почему такой размер холста и такой колорит картины.
Проведя такой анализ, мы теперь лучше понимаем как само изображение, так и мотивы художника. И теперь мы можем оценить, какой вклад внес художник в культуру того времени и общую мировую культуру. Теперь мы можем поговорить с кем-то об этой картине, почувствовать ту гордость, которую испытал заказчик, получив эту картину и демонстрируя ее своим гостям. И те гордость и самоуважение, которое испытал художник, увидев блеск в глазах заказчика и легкость, с которой он расплатился с автором.
Анализ Натюрморта . Кузьма Петров-Водкин «Натюрморт с сиренью», холст, масло. 73*60 см ( по аналогу), 1928
(*Примечание автора: Здесь невозожно вставить ссылку или фотографию, поэтому предлагаю открыть в интернете фото этой картины самому)
Наряду со старинными работами голландцев для меня крайне интересно было бы подвергнуть подобному анализу другие, абсолютно другие работы. Например, натюрморт (ибо мы не будем отходить от жанра, чтобы вконец не запутаться) Петрова-Водкина «Натюрморт с сиренью».
Здесь я должен извиниться перед вами, потому что я не смог найти полного описания этой картины. А именно, ее размера. Поэтому придется использовать размер другой подобной картины этого великого русского художника, «Натюрморт с черемухой». Эти работы похожи друг на друга, но первый анализировать намного интереснее, поскольку в прошлом году он был продан на аукционе Christie’s за более, чем 9млн фунтов – это рекорд для произведений русских художников.
Итак, Кузьма Петров-Водкин «Натюрморт с сиренью», холст, масло. 73*60 см ( по аналогу), 1928. Чрезвычайно революционная живопись.
Но, давайте применим тот же самый метод анализа: ЧТО, КАК и ЗАЧЕМ или ПОЧЕМУ. Что же мы видим? На картине изображены объекты, характерные для своего времени и места. Стеклянная чернильница, простой (неграненый) стакан с водой и маленькой веткой сирени, коробок спичек, картонная бюрократическая папка, кусок письма, еще какая-то бумажка и что-то непонятное в самом верху. Есть еще, конечно, часть стола и несколько свежих листьев сирени, но они второстепенны по сравнению с основными объектами. На этом этапе анализа (ЧТО) можно сделать вывод – никакой гордости за уникальными предметами, никакой уникальности и богатства. Все донельзя просто, в том числе сама форма объектов очень проста для изображения. На этом этапе виден лишь «отпечаток времени», то есть самый что ни на есть простейший быт 20-х годов 20-го же века. Может быть, только три буквы на картонной папке указывают на нечто особенное.
Слово “Articul” так характерное для бюрократического языка, сокращено (и так было на самом деле) до слова “ART”, что означает «Искусство». Символизм этих предметов строит сюжет этого натюрморта Устаревшее каталого-бюрократизированное искусство должно быть подвергнуто сожжению (спички на папке). На его месте должно быть новое, свежее искусство (почти живая ветка сирени в стакане с водой и зеленые листья сирени на письменном столе). Ну, конечно, это моя интерпретация, которая может и не совпадать с мыслями искусствоведов или ценителей Петрова-Водкина.
Теперь возьмемся за КАК. И в этом-то и состоит весь смысл картины. Во-первых, сама постановка натюрморта. Никаких «трех плоскостей» – задник, горизонтальная плоскость и передняя вертикальная плоскость). Натюрморт построен так, будто художник подошел к столу и «внезапно» увидел его, вот так прямо и просто сверху вниз. Во- вторых, крайне нестандартной является композиция - части объектов, в том числе «главного героя» - ветки сирени, выходят за пределы изображения. Самый сильный аспект нестандартности – это, конечно же, цвет! Этот ярко-индивидуальный колорит послереволюционного Петрова-Водкина.
Сильнейший контраст синего, красного и зеленого таков, что он вот-вот перерастет в декоративно-прикладную плоскость. В тоже время объекты не утрированы, а прописаны реалистично. Цветовое воздействие настолько сильно, что заставляет надолго запомнить эту работу.
И такое КАК естественным образом переходит в ЗАЧЕМ или ПОЧЕМУ. Общий яркий и революционный настрой картины буквально вырос из предыдущих работ художника. Постепенно наращивая контраст основных цветов, автор довел его до предела в этой работе. Такая ярко-красная картонная папка не могла родиться раньше. К такому образу художник подходил постепенно. И уж, скорее всего, у этой работы не было никакого заказчика. Этот натюрморт можно рассматривать как авторский манифест, выражающий точку зрения художника на свет и цвет в живописи 20-го века.
Революция, революция и еще раз революция. И, как оказалось по прошествии 100 лет, революция стоит дорого! Такую работу трудно представить себе в каком-либо интерьере в качестве элемента декорации. Она видится лишь в музейной экспозиции или же в составе чрезвычайно стильной и дорогой коллекции. Не удивительно, что Петров-Водкин решился повторить этот натюрморт с незначительными изменениями.
Ну, и было бы не совсем корректно оставить в стороне и не проанализировать мою собственную работу именно с этих позиций: ЧТО, КАК и ЗАЧЕМ или ПОЧЕМУ. Так как эта работа моя, и я анализирую ее как художник, а не зритель, мой анализ примет противоположный характер. В начале рассмотрим, ЗАЧЕМ или ПОЧЕМУ я нарисовал эту работу.
А.Булатов Натюрморт с чайником, бумага, акварель , 35 х 50 см
Недаром эта часть имеет двойственный характер. ПОЧЕМУ подразумевает собой общую мотивацию, ответ на вопрос, - «Зачем я вообще рисую, а, допустим, не пою, не играю на контрабасе или, в конце концов, не служу в армии?» Когда-то очень и очень давно, еще в детском саду воспитательница устроила нам, детям урок рисования. Она поставила на стол детский стульчик, повесила на спинку тряпку, а на сидение поставила матрешку. Это был, скорее мастер-класс, а не урок, выражаясь современным языком. Воспитательница дала каждому лист бумаги, карандаш, краски и сама тоже села и начала рисовать.
Это была для меня невероятно трудная задача – ведь я держал карандаш впервые в жизни. Я с трудом смог изобразить карандашом «невероятно сложный» контур матрешки. До красок дело не дошло. Я еле-еле успел наметить матрешкины крупные глаза, носик-пуговку и маленький красный ротик. Через полчаса урок был закончен, и воспитательница показала нам свой рисунок. С листа бумаги на нас смотрела, как живая, та самая матрешка. У меня дыхание захватило – как можно было нарисовать эту деревянную красавицу так точно, с ее умильным личиком и голубым передничком! Этот рисунок впечатлил меня гораздо сильнее Моны Лизы Да Винчи. Ведь я видел модель, пытался сам ее изобразить, а тут … такое!!! С тех пор я и остаюсь пораженный, пытаясь изобразить на плоскости ту красоту, которую я вижу вокруг.
Теперь рассмотрим ЗАЧЕМ. Это намного проще сделать. Движущей силой в этой работе была моя жена Юля. Она попросила меня сделать натюрморт акварелью, так как я увлекался пленэром и не рисовал натюрморты. А ей хотелось увидеть, как я справлюсь с другой задачей. Ну что ж, она здесь выступила в роли Заказчика. По сути, она заказала мне натюрморт для нашей общей комнаты. И других скрытых моментов в этой работе нет. Как видите, это просто заказ.
Осталось ответить на вопросы ЧТО и КАК. И снова идем в обратном порядке, ибо интерьер, в который требовалось вписать эту картину, известен. В нем преобладают светлые бежево-желтоватые тона при наличии темно-серого холодильника, маленького черного компьютерного столика с черным монитором и ярких цветных пятен посуды. И это не специальный кабинет, не галерея современного искусства и не коллекция любителя акварели. Поэтому ответ на вопрос КАК – вполне реалистично, с долей здорового импрессионизма.
Теперь ЧТО рисовать. Выбор предметов диктовался цветовой гаммой и общей средой. Из большого числа различных чайников я выбрал старый большой чайник из нержавейки в поддержку холодильнику. Пару ему составил кофейник интересной формы с длинным носиком. Оба сосуда я поставил так, чтобы они как бы «смотрели» в одну сторону, не споря друг с другом. Такое расположение задало общий ритм композиции. В пару кофейнику, соответственно, пришлось поставить фарфоровую чашку, чтобы как-то привнести смысл уютного чаепития в картину. Осталось добавить ярких ноток в эту группу. Эту роль просто отлично выполнили яблоки, звенящие своими красными, зелеными и желтыми тонами. Посмотрев на все это, я увидел, что два массивных чайника не уравновешены этими пятью яблоками. В правой части явно не хватало массы. Туда неплохо пристроился традиционный болгарский горшочек (гювеч). Теперь, вроде бы, все встало на свои места. Но явно не хватало какой-то мелочи, загадки, нарушающей строгий порядок стоящих в строю чайников. В далеком прошлом с этой ролью у меня прекрасно справлялись ключи. И это настоящая находка для натюрморта. Тем более что этих самых ключей у нас валяется огромное количество. Они самого разного размера и формы. Из них я выбрал большие старые латунные ключи, которые пришлось немного отполировать для придания мягкого блеска. Ну, и ткань для драпировки была выбрана двух цветов, чтобы подчеркнуть контраст фарфора на синем и терракоты на бежевом.
В заключение следует сказать, что после демонстрации этой работы в соцсетях, среди друзей и знакомых на нее нашелся Заказчик в прямом смысле слова, то есть, покупатель. Теперь этот натюрморт находится в коллекции любителя акварели в Таллинне, Эстония. А для Юли я напишу еще один, другой натюрморт.
Порассуждав на тему «Что», «Как» и «Почему, Зачем», пора бы уже и кое-какие выводы сделать, породить некую мысль или что-то на нее похожее. Возможно, это будет неожиданные мысли. Они и для меня тоже не совсем привычны. Итак, выводы таковы.
Что рисовать. В разных видах искусства ответ будет звучать по-разному, хотя, вроде бы, это очевидно. Но порой путаница происходит, что люди путают сами виды и жанры. Например, живопись и декорацию. Или графику и дизайн. Или архитектуру и портрет. И для точного определения, «Что рисовать», надо сначала определить точно, какой вид изобразительного искусства рассматривается или имеется в виду. Это важно особенно для начинающих художников, поскольку они часто не могут определиться, к какому виду относится их творчество.
Для примера возьмем тех, кто стремится продавать свои картины (я имею в виду начинающих художников). Самые быстрые и большие продажи можно отметить в области декоративных изображений, которые используются для украшения непритязательных интерьеров, так называемые массовые продажи. Ответом на вопрос «Что рисовать» в этом случае служит тема «Абстракция». Просто крупные цветовые пятна, символизирующие массы, пространства и энергии. Такое «Что» лучше всего воспринимается и принимается неискушенным зрителем и покупателем.
Если же речь идет о картинах, в которых начинающий автор стремится к самовыражению, духовному росту, то наиболее точно ответ на вопрос «Что» дала художник Светлана Бакшаева. Однажды я попал на пленэр вместе с ней. После примерно часа работы она посмотрела на то, что я рисую (а это был уральский пейзаж) и удивленно сказала, - «Ты что, рисуешь то, что снаружи?». Здесь настала моя очередь удивляться. «А что же надо рисовать?». «Ты что, надо рисовать то, что внутри!»,- сказала она. И это самый прямой ответ на вопрос «Что рисовать» для того, кто работает не ради получения прибыли. Может быть, это звучит несколько заумно, но точно отвечает на вопрос «Что». Если же этот ответ превратить в более удобоваримый, то это значит следующее. Не надо рисовать, писать ОБЪЕКТ – вазу, цветок, дерево, дом (или среду, где все это расположено) или даже человека. Надо постараться уловить свою реакцию на этот ОБЪЕКТ, и ее выразить, нарисовать, написать. В дизайне или архитектуре задача – это изобразить именно ОБЪЕКТ, в крайнем случае добавить среду, в которой он находится. И часто архитекторы и дизайнеры, перешедшие в живопись или графику грешат именно этим. Они стараются изобразить ОБЪЕКТ, так как это им наиболее знакомо. Поэтому их картины получаются более правильными, но в то же время более холодными эмоционально и не выразительными, они не трогают зрителя.
Но, одна лишь эмоциональная реакция на ОБЪЕКТ – это слишком мало для художника.
Лучше было бы назвать это словом СОСТОЯНИЕ. А это уже более сложное явление, которое включает в себя не только непосредственную эмоциональную реакцию на ОБЪЕКТ, но и «Почему» или «Зачем» художника, которые, если быть честным, надо бы определить до того, как приступать к картине или, вообще, к художественной деятельности. В СОСТОЯНИЕ может входить не только реакция на объект и «Почему», но и даже временная спонтанная эмоциональная реакция на жизнь вообще. Например, натюрморт, написанный в хмурую, дождливую погоду будет сильно отличаться от натюрморта, написанного в теплую, мягкую солнечную погоду. Вернее, должен отличаться. Если нет, то эмоциональная составляющая СОСТОЯНИЯ не будет выражена. Соответственно, картина не будет ярко-индивидуальной. Наверное, многие начинающие художники стесняются выражать в своих картинах такие временные спонтанные эмоции. Но это очень важная часть живописи и искусства целом.
Теперь возьмемся за «Как». На мой взгляд, этому аспекту начинающие художники уделяют слишком много внимания, постоянно думая, что им надо найти свой собственный стиль и т.д. При этом они упускают из внимания более важные составляющие произведения, над которым они работают. Это, в какой-то мере их эмоциональная реакция на самих себя. Они стесняются своей неумелости, своих ошибок и т.д. Надо отметить, что очень часто эти ошибки и неумелости превращаются именно в то, что они так упорно ищут – в свой собственный стиль.
Поэтому ответом на этот вопрос остается такой – как вы можете в настоящий момент.
Если вы почитаете о великих художниках, посмотрите их творчество в ретроспективе, то сможете увидеть, что они не были так уж постоянны в своем «Как». Общеизвестно, что у Пикассо был «голубой период». А Дали поначалу был средним реалистом, прежде чем перейти к «слонам на хрупких тоненьких ножках». Любой художник, если он действующий, настоящий художник, а не бизнесмен от живописи, прогрессирует, ищет и изменяет свои привычки и приемы. Поэтому не бойтесь создавать свои «голубые периоды». Более важно выдавать продукт на гора! Ваш глаз и ваша рука станут тверже и уверенней не от того, что вы будете думать, будто вот сейчас вы еще не научились рисовать, поэтому вам стыдно за свои картины и вы не стремитесь никому их показать. Такой подход слишком часто превращается просто в мечты или просто обсуждения.
Ваше «Как» появится в сражении с вашими страхами и «неумениями» и ошибками. Оно появится как бы само. Я хочу сказать, не надо слишком много думать над этим. Это парадокс, но это так. Парадокс потому, что именно «Как» и отличает одного художника от другого, и легко скатиться к просто копированию великих. Почти всегда начинающий художник думает, что всегда найдется кто-то, кто рисует/пишет лучше, чем он. Да, такая ситуация может случиться. Да, есть более успешные и более умелые, но это не вы. Со временем оценки ваших картин изменятся. Ваша самооценка тоже. Не изменится только лишь свежесть и уникальность ваших первых работ, где, хотя может быть и наивно, но выражено именно СОСТОЯНИЕ, а не ОБЪЕКТ. Да, возможно, ваше СОСТОЯНИЕ было не очень, тем интереснее ваш прогресс в этом, а не прогресс ОБЪЕКТА.
Ну, и конечно, «Как» непосредственно связано с «Почему» и «Зачем» и напрямую эти вопросы влияют друг на друга. А поэтому мы перейдем к рассмотрению ответов на них. Итак, «Зачем» и «Почему». Я ни в коей мере не хочу принизить тех, кто рисует ОБЪЕКТЫ. Просто их «Зачем» связано с ОБЪЕКТАМИ. Когда нужно изобразить автомобиль, кофеварку или чайник, конечно, надо сосредоточиться на точности формы, правильно распределить все светотени, чтобы передать объем. Надо быть точным и убедительным в передаче фактуры и текстуры материала, чтобы было ясно, что чайник сделан из фарфора, а не из бумаги и т.д. То же самое относится к архитекторам. А если бы вы видели, что рисуют сантехники или электрики на своих чертежах, вас бы оторопь взяла! Там столько линий и деталей, что Питу Мондриану бы икнулось!
Нет, мы предполагаем, что начинающий художник определился с тем, что он живописец, график или, на худой конец, скульптор. Не художник-оформитель, не декоратор интерьеров, не фотограф, не журналист, не ювелир и т.д. Мы стоим на этом, базируемся на том, что начинающий художник хочет идти по пути, например, живописца.
От этого и зависит «Зачем» и «Почему». И я не буду умничать, рассуждая о том, что надо бы «Осознать Миссию, которую несешь в мир» и тп. Это удел коучей и психологов от артдилерства, к которым я не отношусь. И ответами на эти вопросы, имеющие определяющее значение для деятельности, важными, наиважнейшими, могут быть самыми, что ни на есть простыми. Можно было бы даже сказать, что они ДОЛЖНЫ быть простыми. Простота этих ответов определяет их мощь и универсальность в практическом применении. И ответ этот я не могу дать в качестве совета.
Начинающему художнику надо создать эти ответы самому. Я лишь могу привести примеры таких ответов.
«Чтобы в мире было больше прекрасного, а не безобразного».
«Хочу отвлечь людей от агрессивности, злобы, чтобы они не искали врагов в каждом встречном».
«Если зритель улыбнется или чуть загрустит, глядя на мою работу, этого мне вполне достаточно».
«Пока я не увижу свою картину в коллекции государственного музея, я не успокоюсь».
«Мои картины должны попасть заграницу».
Формулировок множество, лишь бы они двигали вас, побуждали к длительной деятельности. И, если уж на то пошло, то и просто чей-то заказ тоже является вполне работающей мотивацией. Она нисколько не хуже собственных усилий. Более того, могу сказать, что заказ – не что иное, как признание вас как художника. Социальный заказ тоже работает. Если вы видите, что люди просто жаждут иметь или смотреть на пейзажи той местности, где они живут – берите холст и вперед! Только не отступайте от своих ответов на «Зачем» и «Почему».
Конечно, вы можете посчитать эту часть статьи ненужной, заумной или малосодержательной. И вы правы. Вы можете и не давать ответов на эти вопросы и, тем не менее, быть успешным в живописи или графике. Вы можете просто притворяться, что у вас есть ответы на эти вопросы и таинственно улыбаться и молчать, если кто-то их вам задает. Это нормально. Просто, какова бы ни была ваша сфера деятельности, сознание собственных целей дает вам энергию заниматься этим долго, что формирует настоящего профессионала. И я бы хотел, чтобы вы, начинающий, стали таким маститым профессионалом.
Вы спросите, а что же отличает начинающего от профессионала? Мой ответ таков.
Начинающий художник всегда стремится к шедевру, осознает он это или нет.
Пока вы не создали настоящий шедевр, вы будете считать, что вы только еще учитесь. Когда вы его создадите и признаете, что это шедевр, неважно признают это другие или нет, вы можете почувствовать себя профессионалом. На мой взгляд, в этом и состоит отличие начинающего от профессионала.
А что же делать профессионалу? Каков его путь, в чем его цель? Это тоже шедевр. Следующий шедевр.
И путь профессионала – путь от шедевра к шедевру.
И, поверьте, это нисколько не легче, чем создать свой первый шедевр. А, может быть, и труднее. Но это, как говорят писатели, совсем другая история.