Искусство Пабло Пикассо сильно изменилось за период его жизни. Хочу пояснить почему это произошло.
Не только Пабло Пикассо, который родился 25 октября 142 года назад радикально изменил свой стиль живописи.
Примерно между 1870 и 1920 годами европейское искусство претерпело полную трансформацию — от идеализированного, натуралистического искусства Академий к таким движениям, как кубизм и супрематизм.
Но зачем? Единой причины не существует, потому что ни для чего не бывает единственных причин, но вот три основные из них, начиная с... фотографии.
Влияние фотографии на искусство часто понимают неправильно — мы склонны считать, что фотоаппараты просто заменили художников. В некотором смысле это правда. Например, портретистам и тем, кто рисовал сувенирные пейзажи или виды городов, определенно пришлось столкнуться с изобретением фотографии.
Но искусство никогда не было направлено на создание «реалистичных» изображений вещей. Реальное влияние фотографии на искусство было весьма удивительным. Многим художникам это показалось увлекательным; камеры создали новый взгляд на мир, и поэтому они приняли его всем сердцем.
Как Марсель Дюшан, создавший автопортрет из пяти частей. Кубизм сам по себе был частично вдохновлен тем, как фотография могла запечатлеть движение объекта или человека в разные моменты времени и под разными углами.
Кубизм вобрал в себя эту идею; поэтому картины Дюшана кажутся тысячами фотографий, сложенных вместе. Влияние новых технологий на искусство трудно недооценить. Что-то вроде итальянского футуризма было движением, вдохновленным новой эпохой машин.
Дело в том, что технологии не заменили художников — они вдохновились ими. То же самое произошло и с архитектурой. Хотя существует множество социально-экономических и политических причин возникновения современной архитектуры, влиятельные теоретики, такие как Адольф Лоос и Ле Корбюзье, были вдохновлены автомобилями, кораблями, фабриками и зернохранилищами.
Второй причиной трансформации европейского искусства было влияние незападного искусства. Импрессионистов вдохновляли японские гравюры укиё-э, которые наводнили Европу во второй половине XIX века. Никогда раньше они не видели ничего подобного.
Винсент Ван Гог был заядлым коллекционером японского укиё-э; он, как и импрессионисты и постимпрессионисты, восхищался их яркими красками, необычными перспективами и обычными сюжетами. Ван Гог даже сделал свои собственные версии гравюр своего любимого художника Хокусая.
К концу XIX века европейские колониальные державы также вернули в свои музеи огромное количество произведений африканского искусства. В 1907 году Пикассо, которому тогда было 26 лет, посетил Этнографический музей Трокадеро в Париже. Он был заполнен произведениями искусства и другими предметами, привезенными туда Французской империей, в том числе церемониальными масками Клыка из Западной Африки.
Для многих художников, в том числе и для Пикассо, они стали откровением. Они видели в этих масках сочетание простоты с глубокой экспрессивной интенсивностью. По сравнению с европейским искусством того времени, которое они считали тщеславным и легкомысленным, эти маски олицетворяли метафизическую силу искусства.
Сходство между этими масками Клыка на некоторых лицах Авиньонских девиц очевидно. И Пикассо также громко говорил о влиянии скульптур, созданных доримской иберийской культурой древней Испании, обнаруженных и выставленных в Лувре в 1904 году.
Знаменитая картина Пикассо «Авиньонские девицы» была основана на традиционных масках Западной и Центральной Африки, которые он видел в Музее Трокадеро. Гоген, Руссо, Пикассо... эти и другие художники своего поколения чувствовали, что сама европейская культура стала устаревшей и искусственной. Но в искусстве незападных стран они нашли актуальность, яркость, жизнь и символическую силу, которых совершенно не хватало им самим.
Третья причина – культурное, интеллектуальное, философское и даже духовное состояние Европы. Искусство всегда отражает то, как мы видим мир — и люди начинали видеть мир принципиально по-другому.
Когда общество меняется... меняется и искусство. А XIX век был веком постоянных изменений и роста в масштабах, никогда не известных в Европе. Искусство внимательно следило за этой социо-культурной эволюцией: романтизм, реализм, импрессионизм, постимпрессионизм, символизм... все это достигло кульминации в кубизме Пикассо и супрематизме Малевича.
Европа превратилась в водоворот новых идей, и первое десятилетие 20-го века было временем растущего экспериментирования во всех видах искусства. А потом пришла Первая мировая война, катастрофа почти непостижимых масштабов: ничто уже не было прежним.
Не случайно, что сюрреализм, например, полностью проявился только после Первой мировой войны. Такие люди, как Магритт и Дали, были частью поколения, преданного обществом, в котором они родились. Сюрреализм, обращенный внутрь себя, был отчасти искусством разочарования.
И странно, что печально известный «Фонтан» Дюшана появился на выставке в Нью-Йорке в 1917 году, когда в Европе бушевала война. Это было логическое завершение четырех десятилетий художественной эволюции; хорошо это или плохо, но общество полностью трансформировалось, а вместе с ним и искусство.
Эти три причины, конечно, не единственные, и гораздо больше здесь исключено, чем включено. Но, будем надеяться, это поможет объяснить полную художественную трансформацию Пабло Пикассо — и европейского искусства в целом.
Размышляя о своем развитии, Пикассо сказал: «Мне потребовалось четыре года, чтобы рисовать, как Рафаэль, но целая жизнь, чтобы рисовать, как ребенок».
Попытался обобщить эволюцию его творческого пути:
Голубой период - 1901-1904 - Меланхоличные картины в голубых тонах, темы отчаяния.
Роза Периоа- 1904-1906 - Оптимистичная, теплых тонов, артисты цирка, актеры.
Африканское искусство и примитивизм – 1907–1909 – Влияние африканского искусства, иберийских скульптур.
Аналитический кубизм - 1909-1912 - Геометрическое разложение предметов.
Синтетический кубизм – 1912-1919 – Введение цвета, элементов коллажа.
Неоклассицизм – 1920-е (начало) – Возвращение к порядку, традиционная эстетика.
Сюрреализм - 1920-1930-е - Мечты, бессознательные желания, иррациональные и философские. Например, «Герника». Пикассо говорил: «За "Гернику" получил я плюху и от своих врагов, и от своих друзей». Мир не воспринял его философию войны, в которой он предупреждал мир от безумия убивать мирных жителей.
Поздняя жизнь – 1940–1973 – Реинтерпретации, экспрессионизм, абстракция, разнообразные стили.
Также не могу не отметить как произведения Пикассо влияли моду. После встречи в 1917 году Пабло Пикассо и Габриэль «Коко» Шанель завязали дружбу, которая продлилась долгие годы, и возникли профессиональные отношения, результатом которых стало мощное творческое сотрудничества.
Мода и искусство всегда находились вместе. Невозможно представить одно без другого, поскольку они подпитывают друг друга. Это доказуемо в каждую эпоху, но именно ХХ век показал, насколько они оба способствуют развитию друг друга.
;Шанель и Пикассо были двумя творческими умами, которые продемонстрировали эту точку зрения. Они оба обогатили свои отрасли своими творениями и показали, насколько могут быть связаны два творческих ума, столь же культурных и абстрактных, как и они.
Их творения демонстрируют некоторые общие аспекты моды и искусства. Пикассо и Шанель не часто сотрудничали. Тем не менее, сходство между их работами свидетельствует о времени, в котором они оба жили, и действительно демонстрирует, что «великие умы мыслят одинаково».
Значительное влияние на стиль одежды Шанель оказал кубизм Пикассо. Кубизм и работы Пикассо оказали на творения Шанель через прямые линии, двухмерные силуэты, сдержанность и монохромность. На этом этапе Шанель также использовала простые и недорогие ткани, что привело ее к признанию гения, превратившего дешевое в роскошь. В своих прекрасных творениях она заставила простые материалы и ткани казаться дорогими.
Шанель и Пикассо восхищались искусством друг друга с тех пор, как встретились на премьере балета, когда их представил Жан Кокто. Фактически, Пикассо был настолько очарован авангардным дизайном Шанель и инновационными купальниками, что воспроизвел их в своей работе 1918 года « Купальщицы».
Русская балерина Ольга Хохлова была первой женой Пикассо. Пабло Пикассо искренне верил, что Ольга — любовь всей его жизни. Они познакомились во время репетиции балета «Парад» в рамках «Русских сезонов» Сергея Дягилева, в котором она танцевала. Пикассо влюбился в 26-летнюю балерину и целый год ухаживал за ней, предлагая ей жениться. Пара поженилась в мэрии Парижа. На протяжении десяти лет Ольга Хохлова была единственной музой художника, вдохновляя его на создание не только шедевров, но и на открытие новых направлений искусства. Несмотря на то, что многие считали, что Ольга не разбиралась в картинах Пикассо, пытаясь превратить его из вольнодумного гения в светского денди, Пабло не переставал восхищаться своей молодой образованной женой с изысканными манерами.
Появление Ольги в жизни Пикассо совпало с новым неоклассическим периодом творчества художника: художник создал портреты жены, представляя ее как античную богиню. Ольга любила богемную жизнь. Неудивительно, что многие встречи Пабло Пикассо, Ольги и Шанель проходили в элитном парижском шоколадном ресторане «Angelina». В нем собиралась многие знаменитые писатели, художники, банкиры… Восхитительный горячий шоколад будил невероятные творческие идеи. В этом ресторане у Ольги и Шанель родилась идея свадебного платья. Кроме того, на нескольких портретах Ольги, написанных Пикассо, она одета в платье Chanel. Сюжеты этих картин Пабло, Ольга и Шанель обычно обсуждали в этом ресторане.
Там же часто происходило обсуждение постановки пьесы Софокла «Антигона» , которую Жан Кокто ставил. Пабло Пикассо создавал декорации, маски и другие аксессуары, а Шанель шила костюмы для артистов. Воистину, шоколад создавал Творческую интуицию у Великих Мастеров.
Наконец, есть «Голубой поезд» — раздел, посвященный одноименному балету, либретто которого также написал Кокто. Это было новое сотрудничество Пикассо и Шанель, и что интересно, партнерство произошло также через Кокто. Пикассо создал несколько важных иллюстраций для развития балета, а Шанель позаботилась о костюмах.
Эти величайшие Мастера искусства ХХ века еще раз продемонстрировали, что мода питается от искусства так же, как искусство питается от моды, поскольку они тесно связаны и дополняют друг друга.