О традициях харьковской художественной школы
Илл. Чурсин Виктор, "Голубой день.Октябрь" х.м. работа экспонировалась на выставках Товарищества в Харькове,Запорожье, Луганске, Донецке, Стаханове, Кировограде, Чернигове, Днепропетровске.
О традициях харьковской художественной школы. Краткий очерк.
Одна из старейших славянских художественных школ, какой является харьковская, несмотря на господствующие в мире тенденции к забвению приёмов и тематической направленности гуманистического изобразительного искусства, демонстрирует свою устойчивость и жизнеспособность. Что это- особая, неучтенная молохом глобализации сила духовной культуры или что-то иное? Какова парадигма творчества мастеров этой школы? И что общего у неё с другими крупными художественными центрами, прежде всего российскими, с культурными событиями современности?
Для начала попробуем выделить некоторые важнейшие события и ключевые имена старой слобожанской школы (Прим.: для определённых этапов её развития уместно применять названия малороссийская и харьковская).
С открытием в 1805г. первого на Левобережье Харьковского императорского института в жизнь города искусство вошло как предмет, по важности близкий другим наукам. Жизнь и обучение в университете шли в русле общих требований и приоритетов других крупных образовательных центров Российской империи. Отсюда и обязательная направленность творчества этого времени на классицизм и романтизм, не лишённая, однако, местного своеобразия.
К мастерам слобожанской школы живописи современные историки искусств харьковщины нередко причисляют И.Е.Репина с явным намёком на то, что и по рождению, и по тематике его хрестоматийного произведения «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» художник был связан с Малороссией. Это, разумеется, объяснимо и можно было бы простить желание привязать имя выдающегося русского живописца к местной школе живописи. Если бы не главное «но»: и по глубине художественного обобщения в полотнах на историческую тему, и по мастерству его искусства в портретном жанре, и по масштабу творчества в целом художник стоит в ряду великих живописцев великорусского искусства. И, кстати, в отдельных документах (в справке витебскому губернатору на покупку имения помещицы Софьи Яцкевич для своей будущей усадьбы «Здравнёво») Репин сознательно подчёркивал своё «немалороссийское» происхождение.
Но и без этого имени история живописного искусства Слобожанщины 19-начала 20вв. имеет длинный перечень высококлассных авторов и стилистически, и тематически близких самому определению «школа».
Несмотря на то, что для Слободской Украины конца XVII- середины XVIIIвв. очень распространённым был портретный жанр (в т.ч. т.н. «старшинский портрет») славу слобожанской школы принесла живопись пейзажного жанра. Тем не менее своим лаконизмом и простотой, даже обыденностью нарядов портретируемых он противостоял пышности расцветшего в то же время в российской столице барочного портрета. По преимуществу они, особенно ранние из них, были более парсунами, нежели портретами в полном смысле этого жанра. Явный акцент на характер личности и его героизацию, одна из характерных черт слобожанского портрета этого времени.
Среди наиболее известных малороссийских живописцев – С.И. Васильковский, К.А. Трутовский, М.А. Беркос и П.А. Левченко. Пейзажи Петра Левченко восхищают удивительным сочетанием очарования патриархальности деревенских сцен, неброской красоты левобережных степей Украины и колористического мастерства, они любимы не только зрителями, но и современными харьковскими художниками («Ветрячок. Вечереет», «Хутор»). В фондах Харьковского областного художественного музея сохранилось достаточное число работ, свидетельствующих о сильном влиянии его петербургских учителей- знаменитых педагогов Императорской академии художеств М.Клодта и П.П.Чистякова.
Полотна С. Васильковского однозначно говорят о направленности творчества художника. Уже в самих названиях жанровых картин («Казачий пикет», «Казачья гора», «Казачье поле» и т.п.) прослеживается тенденция выделить сюжеты из жизни казачества в отдельную тему.
Михаил Беркос за годы своего «европейского» периода испытал заметное влияние европейского искусства. Трепетная и красочная манера письма связывает его с искусством импрессионистов, но подробное изложение деревенского пейзажа и сельского мира, духовная близость к предыдущим мастерам позволяют отнести его к представителям всё той же местной школы. Любимый автором украинский пейзаж имел массу интерпретаций, как по технике письма, так и по поиску новых возможностей его описания и философского осмысления («Малая Даниловка. Парники», «Лён цветёт», «Яблоня цветёт», «Зима», «Улица в Умани». В последней работе, как ни в какой другой, автор на высочайшем поэтическом уровне соединил обыденное и прекрасное, дав пример многим поколениям живописцев-реалистов находить изящное в ближайшем окружении. И хотя о наследии Беркоса приходится судить только по малой части оставшихся произведений (большая часть картин была уничтожена его вдовой) без всякого сомнения имя художника- в числе наиболее выдающихся пейзажистов Российской империи конца 19-начала 20вв.
Константин Александрович Трутовский, как и С.Васильковский воспевал мир малороссийской деревни. Его полотна -своеобразная энциклопедия крестьянской жизни, какой была живопись А.Г.Венецианова, с той особенностью, что в тщательной прорисовке персонажей, крестьянской утвари и деревенских хат и иных типичных сооружений угадываются академические приёмы – следствие влияние учителя Ф.А. Бруни, и, в отдельных случаях - К.И.Брюллова. В целом его искусство близко аристократической литературе о деревне, которую следовало бы отнести к литературе усадебного круга, но и сюжетно, и по стремлению к венециановской поэтизации деревни («На сеновале», «У колодца», «Портрет помещицы») и по ярмарочному многоцветью палитры, сближающего творчество автора с мастерами фламандских певцов сельских празднеств-кермесс(«Хоровод в Курской губернии»), имя Трутовского принадлежит в первую очередь к малороссийскому искусству.
Каковы же следы наследия старых мастеров у их земляков второго десятилетия 21 века?
Не будет преувеличением сказать, что важнейшая роль в создании местной художественной школы принадлежит Харьковской академии дизайна и искусств (ранее- Харьковский художественно-промышленный институт). Именно её выпускники составляют основную часть творческого цеха, цвет современного искусства Харькова.
Среди других известных пейзажистов- В.В.Чурсин. Виктор Владимирович Чурсин (р.1951г.) по праву считается одним из лучших пейзажистов Харькова. Пейзажный жанр у местных живописцев с 1990-х годов словно обрёл новое дыхание. Повальное увлечение им имеет, конечно же, не только те причины, на которые указывает в своей статье «Пейзажная живопись Виктора Чурсина» искусствовед В.Немцова. Как и везде, для большинства художников этот жанр наиболее комфортен для творчества. Общение с природой –это самый проверенный родник творчества, а излюбленные места ввергают автора в состояние искомой гармонии. Особенность природы Слободского края роднит её в чём-то с местечком Барбизон во Франции, давшим для многих французских художников совершенно новый, нетипичный ни для салонного искусства, ни для строгих академистов, ни для мастеров с революционным мировоззрением круга Делакруа источник для вдохновения. Можно сказать, местным художникам повезло в отсутствии эффектных видов, которыми изобилует Крым или Закарпатье. Во многом благодаря этому для харьковчан характерно преобладание собственно живописи, а не видописи. Любовь к родному краю у Виктора Чурсина существует с убедительностью хорошей поэзии. В таких его работах, как «Октябрьские тени», «Старый Харьков», «Моё село», «Родина» и других эта поэзия прочитывается легко и ненавязчиво. Часто художник выбирает панорамные виды, будто пытаясь охватить больше мира вокруг себя. Как и для других харьковских мастеров для него важно увидеть многоцветье радующей его природы. И здесь он очень разнообразен как в подборе палитры, так и в особенностях мазка. Спокойные по настроению картины («Апрельское утро», «Полдень. Седнев») сменяются трепетной динамикой цвета («Половодье на Айдаре. Вечер»), какой-то эпической мощью в одной из лучших его картин «Родина». Пластически противоположна последней и такая интересная акварельная работа как «Зимние сумерки». Некоторые акварели обманывают ощущением линогравюры. Нельзя не отметить и того, что иногда мастер игнорирует законы линейной перспективы, отходит от необходимости передачи глубины («Октябрь» 2005, х.м.), а в подавляющем большинстве пленэрных работ отсутствует воздух. И хотя последнее - общее место для современных представителей петербургской, московской, самарской и украинских живописных школ, это расстраивает, потому как многие работы В.Чурсина претендуют на такое волшебное качество, как погружение зрителя в придуманный им мир. Тем не менее, В.Чурсин, опираясь на опыт его давних предшественников П.Левченко и М.Беркоса, уверенно продвинул пейзажный жанр. Одна из наиболее интересных работ, настоящее откровение в живописи –лирический пейзаж «Октябрь. Голубой день» 2011 х. м. Подлинный образец монументального воплощения, удивительное по цельности образа произведение написано на одном дыхании. Совершенно точное попадание в тишину октябрьской осени, когда и сам мир, и его приметы ушли в состояние полнейшего спокойствия, не может не воодушевлять зрителя. Голубые, синие, фиолетовые цвета, разделённые песочно- желтыми и серыми непринуждённо и свободно. Казалось бы, обыденные сочетания, но как умело, естественно и вместе с тем живописно художник показал нам голос самой тишины! Картина неоднократно выставлялась на выставках «Товарищества передвижных художественных выставок. XXI век (Санкт-Петербург)» во время турне по Украине в 2011-2012гг.
Участниками «Товарищества передвижных художественных выставок. XXI век (Санкт-Петербург)» были также Виктор и Виктория Чаусы. Виктор Николаевич (р.1940) также закончил Харьковский художественно-промышленный институт. В числе его учителей в институте (и ранее) были известные мастера А.Петрицкий, Ф.Кричевский, Н.Самокиш, М.Дерегус, О.Хмельницкий,О.Кудрявцева, и другие представители харьковской школы. Наибольший интерес представляют его многофигурные композиции («Свадьба» 2003., х.м., «Наша кормилица» 1998, х.м., «Ярмарка» 2005, «Косовица», 2004, х.м., «Сорочинская ярмарка»2008). Это и жанровые произведения на самые обыденные темы («Горячий июль», 2007, х.м.) и сцены национальных украинских обрядов («Святковый ранок» 2007) и сюжеты из школьной жизни. Все жанровые работы необыкновенно красочны, с активным использованием тёплых цветов. Очень важную роль играет фон картины. Художник не просто вписывает персонажей в обстановку, она живёт вместе с героями. Пейзажный фон часто настолько выверен, что лишний раз приходится убеждаться в особом отношении автора к гармонии планов («Наша кормилица» 1998, х.м). Необходимо отметить и выверенную пластичность фигур, иногда заставляющую понимать, что в живописи классицизма к требованиям выделения главных героев композиционно и цветом могло добавиться и ещё одно – посредством особой пластической формы. Активно автор работает и светотенью («Впервые у моря» 2007, х.м.), заставляя зрителя удивляться широте её диапазона. В той же работе светотеневые контрасты энергично вторят динамике волн и движениям резвящихся в воде детей. В целом жанровые работы В.Чауса превосходят другие виды жанров по своей значимости. Среди портретного хотелось бы выделить «Натхения» портрет скрипачки О.Шевель, 1982, х.м., в котором автор акцентировал своё внимание на особой сосредоточенности музыканта перед концертом.
Виктория Чаус во многом близка по стилю произведениям своего супруга. Но женское начало в её работах придаёт им особый колорит и настроение. Одна из известных работ В.Чаус, отличающаяся ещё и доброй иронией («А теперь стишок» х.м., не позднее 2009г.).
Сложно сказать, почему среди пейзажистов такого крупного мегаполиса не оказалось авторов, посвятивших себя марине. Лишь эпизодические обращения к этому жанру позволяют увидеть крепкие традиции реализма, как, например, в творчестве Виктора Резниченко. Но и этот автор, также участник выставок «Товарищества передвижных художественных выставок XXI век (Санкт-Петербург)» предпочитает работать в иных видах пейзажа.
В портретном жанре интересно проявило себя немало харьковских мастеров. Но по мнению многих, одними из лучших произведений нового века являются работы В.Л. Ганоцкого (р.1951). Особенность школы, для которой характерна красочность и даже нарядность живописи, проявилась в многочисленных портретах этого автора. Василий Ганоцкий дарит своим героям самые разные состояния, читаемые в лицах, поведении, жестах- задорное веселье, мечтательную задумчивость, лёгкую грусть, безволие, надменность уверенной в себе посетительнице кафе, оттенки усталости («Настя» 2008, х.м., «Портрет Валерия Грубаря» 2008, х.м., «Женщина в красном», «Катерина» 2011, х.м., «Харьковская Кармен» 2011, х.м.). Внимание обращает на себя образ художника С.И. Письменного, созданный в 2005 в одноименной работе. В нём запечатлены те качества и состояния, присущие известному художнику в минуту покоя- уверенность в своей правде мастера, осознание верности своему творческому пути и особая, нерастраченная с годами внутренняя сила. Автор до минимума свёл набор привычных атрибутов профессии, обошёлся без задника в виде традиционного центрального для творчества С.И. Письменного произведения, отчего образ ещё более выиграл в убедительности. Как пример, указывающий на связь со старой живописью, можно привести полотно «Дыхание вечны» (2009), по настроению радости, органичной природе созвучной произведениям его далёкого предшественника Н.К. Пимоненко.
Было бы неверным представлять лучшие творческие силы местной художественной элиты как некое спокойное движение большой реки, несущей свои воды по пробитому веками руслу. Одним из бунтарей в цехе мастеров оказался Виктор Погорелов (р.1954). Как и многие названные, он прошёл обучение (1971-76) в Харьковском художественно-промышленном институте (преподаватели – профессор Б.В. Косарев, профессор А.В. Мартинец), который окончил с дипломом художника декоративного искусства.
В. Погорелов разрабатывал эскизы и практически выполнил монументальные росписи для более, чем 30 общественных объектах Украины. С 2004 года преподавал рисунок в Харьковской государственной академии дизайна и искусств. Герои его картин амазонки, кентавры и прочие «неожиданные гости» для привычного мира. С каким-то неистовством доказывающие своё право вымышленные персонажи автором преподносятся в качестве носителей всего того, что убивает гуманизм.
Мастер однажды поделился с автором статьи, рассказав о причинах своего выбора в искусстве. Оказавшись в середине 1990-х гг., как и подавляющее большинство граждан некогда великой страны, потерявшей свои привычные ориентиры, на грани выживания; наблюдая торжество чванливых хозяев новой жизни и неспособность интеллектуальной и духовной элиты организоваться хотя бы для своего спасения он предпринял то, на что пошёл бы не каждый даже из очень сильных мастеров. Изменения в современной ему украинской жизни вынудили В.Погорелова поменять нравственный вектор своих героев. Его идеалы добра и красоты - за картинами изображаемой им жизни. Его амазонки вовсе не прелестные существа, а какие-то уродливые тучные и алчные полуживотные. Самые неприятные качества этих существ характерны и каждому из них и всем им вместе. С ожесточённой бессмысленностью многочисленные антиподы духовного героя кружат в схватке с самими собой не только в полотнах, а и вне их. Очевидно, автор настойчиво предлагает нам это ощущение, доказывая множественность и действенность зла («Ночь русалок»2009, х.м., «Охота на кентавров»2006, х.м., «Амазонки» 2006, х.м.), что невольно заставляет вспомнить апокалиптичные сюжеты нидерландской живописи И.Босха.
В ином ключе и с совершенно иной направленностью «уводит» своё искусство от традиционной живописи Н.Г. Мироненко, другой участницы выставок современного Товарищества. Как в полотнах и картонах с прямой динамикой в композиции с необычным ракурсом («Танец»), так и в намеренно резко очерченных линиях в лицах её героинь видно желание автора заострить характеристику личности или подчеркнуть особенность народного украинского танца. В упомянутой работе «Танец» усиливают этот приём порывистые цветовые вихри, что также свидетельствует о продуманности и единстве композиции, отличающейся сильным динамизмом.
«Мастерская Олега Лазаренко – воистину научный храм цветослужения. Подрамники и мольберты Олега Лазаренко – реликварии в память цветового ящика Джеймса Максвелла.» -так выразила своё отношение к искусству харьковчанина О.Лазаренко профессор Лидия Стародубцева. «Квантовая теория мозаичной цветописи» (другое её определение) в больших по формату картинах художника на первый взгляд близка живописи Сёра или его предшественников импрессионистов. Но именно формат вкупе с выпуклостью приёма мозаичной цветописи, с которой О.Лазаренко предлагает зрителю своих мифологических и исторических персонажей ("Святой Николай" 2011г, "Святая Фекла», 2009; «Минин и Пожарский» -не ранее 2011 г. и др.) определяют особое место художника в когорте авторов- последователей научного подхода к цветовому разложению света.
Искусство местной школы станковой графики, изначально впитало самые разные направления, что, собственно, и определило "разностильность" как традицию. В этом виде искусства имена последователей П. Левченко и С.Васильковского единичны и объяснение этому, видимо, в том, что на Слобожанщину эти и другие известные мастера приехали уже сложившимися живописцами. Из наиболее известных мастеров графики 1920-30-гг. зачинатель национального стиля Г.Нарбут, М.Фрадкин, Г.Бондаренко, Е. Соловьёв, Г. Аверин, В. Мироненко.
В последующие десятилетия графика вошла в число наиболее динамично развивающихся видов изобразительного искусства.К 2010 гг стилевое разнообразие во всех основных техниках стало, пожалуй, главной особенностью местной станковой графики. Наиболее наглядное представление о возможностях мастеров станковой графики дала прошедшая в Харькове вторая областная выставка, на которой в основном были представлены произведения, созданные в период 2009-2011гг. В экспозиции обратили на себя следующие имена и работы: В.И. Ковтун, пастели которого свидетельствуют о стремлении автора соединить монументальную основательность живописи и тонкую растушевку (" Наш Тарас", "Утро. Свято-Покровский монастырь" (к., пастель), последователи традиционализма М.О. Онищенко ("Сквозь голубое стекло", б., акв., гуашь), В.И. Непомнящего ("Древлянское село" б., пастель), В.И.Нечепуренко ("Сельская жизнь" б. акв), И.И.Моргунова, чьи работы представляют академическое направление ("Яша сидит" б., сепия), В.Г. Беличенко ("Виноград" к. пастель), И.И. Яхин ("Зачарованное поле" б.пастель).