Денис родился в.Никополе Днепропетровской области. После 2-х годов учебы в Херсонском техническом университете на специализации «Компьютерный дизайн» успешно сдает вступительные испытания в в Харьковскую Академию искусства и дизайна, которую окончил в 2008 году. Специализируется в живописи, был учеником Ганоцкого В.Л., Чауса В.Н., Винтаева В.Н.
Денис Саражин был награжден дипломом 1-й степени и премией за выдающиеся достижения в живописи от украинской Академии художеств. В 2007 году он стал членом отделения Харьковской Ассоциации Союза художников Украины. С 2006 года он тесно сотрудничает с галереей «Галерея Россия», Скоттсдейл, США. В настоящее время живёт и работает в Харькове.
С помощью коммуникативного потенциала человеческого тела он задается универсальными вопросами взаимопонимания между людьми и собственной идентичности. Вот как, например, автор комментирует замысел своей композиции «Ветер»: «Живое таинство человеческих отношений ; в них все переплетается и все взаимосвязано: вечное и бренное, полеты и падения, одиночество и единение душ, подлость и благородство, величие и ничтожность, гордость и стыд, дружба и вражда, между тем и другим тонкая грань…».
Живопись Дениса Саражина изящна по композиции и цветовым решениям, интересна своей ломкой, немного экспрессивной и нервной линией рисунка, напоминающей манеру Эгона Шиле. Главным в его творчестве остается искренность. «Если я буду искренним — зритель это обязательно почувствует».
Художник считает, что его стиль и манера живописи сложилась с учетом многих факторов, среди которых трудно выделить что-то определяющее. Например, среда, в которой он родился и жил, люди вокруг него во время учебы в художественной школе, то, что он видит в журналах и репродукциях, или в музеях и выставочных залах.
«Я познакомился с искусством Шиле немного позже тех, кто оказал на меня большее влияние – поясняет Денис. - На меня сильнейшее впечатление произвел Михаил Врубель как художник и как человек, верящий в силу искусства. Тем более, что часть своего творческого периода он провел в Киеве и немного поработал в Харькове (городе, где я учился искусству и живу сейчас). Меня очень впечатлила книга его воспоминаний, содержащая переписку с его сестрой и друзьями. Именно в этой книге я был захвачен его искренней страстью к искусству и его верой в него, которая была прочной основой на моем избранном пути в искусстве. Следующим художником, который оказал на меня большое влияние, был Николай Фешин. И вообще, прочитав его воспоминания и переписку, я обнаружил аналогичные мысли о силе искусства, которые я нашел в книге Врубеля. Это сходство еще раз подтвердило мою веру в силу искусства. Думаю, книга Фешина так сильно на меня повлияла, потому что я читал ее в юности, когда еще формировал свои идеалы и героев. В наши дни эти мечты столкнутся с суровой реальностью рынка современного искусства». Впрочем, список значимых для на нашего героя художников постоянно меняется.
Денис использует в работах широкие вариации цветов. Навыки и технические методы управления ими пришли, по словам Дениса, с практикой и экспериментированием. «Я постоянно ищу лучшие способы и техники рисования, которые максимизируют и могут выразить то, что я задумал – рассказывает Денис. - Могу сказать, что язык искусства, которым я пользуюсь, появился со временем. В художественной академии таким методам не преподавали, особенно в Академии художеств. Я учился в хорошей традиционной «советской» художественной школе. С появлением нового направления «современное искусство» эта школа будет забыта. Что действительно печально».
Со временем Денис Саражин стал уделять композиции и цвету особое внимание. «В последнее время я уделяю больше времени предварительному наброску для дальнейшей работы над большим изображением, и поэтому цвет можно заранее найти в эскизе – рассказывает художник. - Работая над большими холстами, я знаю, где искать цветовые решения. И, конечно же, применяя стили к рисунку и форме, я также использую то же самое в своей работе над цветом. Что касается цвета, я стараюсь избегать повторения того, как он есть в природе, используя знания о цвете и о том, каким он должен быть, поэтому я трансформирую его так, как мне нужно, чтобы достичь композиционных целей, которые я ищу. Эта возможность также дает мне дополнительный визуальный язык в дополнение к общему композиционному языку. Раньше я больше работал с натуры, мне нужно было максимально приблизиться к реальности и раскрасить ее так, как она есть, но потом, сосредоточившись на основных идеях и концепциях самих этих работ, мне стало уже не интересно изображать природу один в один. Я начал преувеличивать или менять цвет в зависимости от того, какого настроения мне нужно было достичь в готовых произведениях».
Кроме того у Дениса появилось новое увлечение. «Мне очень нравится черно-белая фотография. И это моя мечта. Особенно фото с длинной выдержкой. А это значит частые путешествия по берегам морей и островов. Я начал этим заниматься, и это меня очень увлекало, но на данный момент у меня нет на это времени».
Несмотря на всемирное признание, бывают моменты, когда художник хочет все бросить. «Чаще всего это происходит тогда, когда я вижу несправедливую оценку чего-то действительно талантливого и интересного. Я очень критично отношусь к своей работе, потому что уровень оценки всегда высок, и мне не нужно быть довольным хорошими результатами. Но я верю в силу искусства, оно дает мне силы и веру в то, что если вы постоянно учитесь и работаете над собой, вы можете достичь всего, чего хотите» - заключает Саранжин.
Поэтому важную роль в жизни художника играет вдохновение. «Истории для моих композиций рождаются из моих наблюдений за жизнью. Их я могу увидеть где угодно, в неожиданных ситуациях и местах. Некоторые композиции - это отражение и понимание того, что я видел или слышал. Могу сказать, что это мой жизненный опыт».
Особое место в творчестве Дениса отведено работе на природе. «К работе на пленэре я привык еще во время учебы в художественной академии – поясняет художник. - И с тех пор это стало моей привычкой. Работа с природой на пленэре - отличный способ «очистить» краски палитры художников. Для художника очень важно работать с природой, будь то фигура человека, натюрморт или пейзаж. Природа учит художника воспринимать форму и цвет, перспективу и ритмы.
Когда я работаю на свежем воздухе, все равно идет диалог с людьми. Для меня это неизгладимое впечатление о моих идеях в будущих композициях. Путешествуя по разным странам и местам, я всегда нахожу что-то новое в людях и их образе жизни, а также в их историях. Это дает мне импульс к созданию новых работ в мастерской.
Что я могу сказать о плохих сторонах работы на открытом воздухе, это, конечно, часто борьба со стихиями: ветром, дождем, холодом, жарой и солнцем и, конечно же, мухами и комарами. Но в этом есть свой шарм и романтика, к тому же вы это чувствуете и переживаете на себе. И, конечно, люди очень разные. Иногда я встречался с людьми такого характера, которых не увидишь ни в одном фильме. Что ж, о забавных вещах, которые происходили на открытом воздухе, я мог бы написать целую приключенческую книгу».
С другой стороны даже процесс наименования картины имеет значение для нашего героя. «Думаю, большинство художников согласятся, что это не самый простой шаг в работе – размышляет Денис. - Но иногда, когда я создаю названия для одной работы, мне приходит идея сделать новую работу. Следовательно, это может быть очень продуктивное действие».
Кажется, что так рождались картины серии «Паномима». В этих работах фигура человека изображена в разных позах на простом фоне, что дает им ощущение пространства без гравитации. В то же время в фигурах читается напряженность. При написании работ художник отталкивался от следующего:
«Пантомима - вид исполнительского искусства, в котором основным средством создания художественного образа является человеческое тело и действие без слов как средства выражения. Это определение - моя основная идея при создании серии «Пантомимы». В произведениях заложены образные отношения между людьми и поиск себя. Но в то же время из-за нечеткости и абстрактности пространства зрителям предоставляется возможность вольной интерпретации увиденного в изображении, в том числе из собственного мировоззрения и жизненного опыта».
Также языку тела посвящены картины, изображающие руки. По мнению художника руки - очень важная часть человеческого тела. «Они принимают участие в выражении эмоций и чувств. Это один из способов невербального общения. Кроме того, в анатомическом смысле это один из самых пластически сложных, интересных и выразительных элементов. Поэтому, когда я изображаю руки, я ставлю задачу не только правильно и правдиво отобразить, но и попытаться выразить ими определенную эмоциональную и невербальную ценность» - поясняет Денис.
Художник не любит рассказывать о значении своих картин. Ведь в творчестве он уходит от разговорного и текстового языка к языку цвета, композиции и жестов. «Возможность выразить через изображенное тело, жесты, через цвета, линии и общую композицию используется для создания собственного невербального языка тела, который трудно объяснить обычными словами. Краткий намек или ключ к пониманию идеи произведения можно встроить в его название. Но не более того. Поскольку я не занимаюсь концептуальным искусством, таким как «Перформанс», «Инсталляция» или «Хэппенинг», в которых действительно необходимы четкое описание и объяснение, я считаю, что представление идей визуальным языком сродни музыкальному языку, на котором музыканты также выражают свои чувства и мысли с помощью звуков. нот и аккордов. Но в то же время я не сторонник теории, используемой в искусствоведении, когда говорят что-то вроде: «художник выразил суть бытия через эти мазки». «Мазок» - это всего лишь технический процесс, не имеющий ничего общего с внутренним самовыражением смысла или чувств. Но умение правильно нанести необходимый штрих в нужном месте на холсте в сочетании с цветом, штриховыми рисунками и композицией вместе может в конечном итоге привести к правильному изложению мысли художника. Вот почему художник должен знать техники живописи, анатомии, цвета и т. д., чтобы иметь возможность использовать их правильным образом в нужных местах; и в то же время этот художник, зная все эти правила и понимая их, может в любой момент перешагнуть их или изменить для достижения своих целей».
Разрабатываемый художником язык, основываясь на классическом представлении об изображении тела, тем не менее, играет на стороне захватившего рынок постмодерна. Вопреки классической традиции, на некоторых работах художника мы не увидим лиц.
Денис Саражев отмечает, что есть много великих художников, продолжающих традиции классического понимания изображения реальной жизни. «Но, с учетом всего эклектического движения в современном искусстве и его большой концентрации капитала на более радикальных субъективных стилях, значительная часть молодых художников теперь пренебрегает традиционными знаниями. Их безразличие, безусловно, нанесло некоторый ущерб этому более строгому слою художественного образования. Но острова прекрасного художественного образования все еще существуют сегодня, и я считаю, что такие школы и более изысканные учреждения не позволят этому случиться. Большая часть мостеров в живописи и графике работает в сфере развлечений, игр, анимации и кино. Значит индустрия по-прежнему нуждается в этих знаниях. Поэтому эти знания должны сохраняться. В строгой художественной среде эти навыки могут стать более эксклюзивными, чем это было в прошлом, и, возможно, со временем они станут чем-то более андеграундным. Трудно предсказать, что произойдет в будущем, потому что цикличность в искусстве исчезла, теперь миром искусства управляют мода, транснациональные бренды и PR-компании, поэтому дела развиваются непредсказуемо» - считает художник.
Дискография: The Valley Ends – Hearth
Библиография:
1. Interview With Denis Sarazhin//Публикация на сайте www.visualatelier8.com. Автор текста – A. T. Wilkinson
2. Interview Denis Sarazhin//Публикация на сайте www.idea-seed.tumblr.com