Вот говорят, пусть цветут 100 цветов. То есть не надо никому что-то запрещать, никого угнетать. И не надо рвать любые цветы, пусть и самые невзрачные и дурно пахнущие. Пусть они цветут, как хотят. И как им нравится. В полной свободе самовыражения своего аромата . И пусть выражают и высвечивают, как умеют, новые и невиданные грани человеческих талантов, которыми Бог их одарил. Ещё раз повторяю абсолютно категорично – ПУСТЬ.
Вот одну такую грань явил нам художник Илья Кабаков. Талант его был принят и понят. Правда, не всеми. И высоко оценён.Прежде всего, в долларах. Сначала на Западе, куда он благополучно свалил, а потом в изменившемся политическом климате и у нас. Ему дали самые лучшие площадки для его более чем оригинальных Инсталляций. У нас ведь всегда так, Всё что нам пришло или вернулось через Запад, то и хорошо. Даже и отлично.
Вот посмотрите на этого «Жука». Это творение художника Ильи Кабакова. А вы подумали, возможно, что это снимок майского жука из учебника про насекомых. И ошибётесь. Нет, - это такая инсталляция. А вы знаете, сколько стоит этот майский жук. В феврале 2008 года работа Кабакова «Жук» (1982) ушла с молотка на аукционе Phillips de Pury Company за 2,93 миллиона фунтов стерлингов (5,84 миллиона долларов). Не хило! А у Кабакова есть и другие произведения подобного рода, которые стоят и побольше. Но об этом речь ещё впереди.
Что интересно, этот майский жук вовсе не живописное произведение художника. Это очень качественная фотография, возможно, сделанная даже и не художником Кабаковым. Но на фотографии, если присмотреться, есть несколько поэтических строк. Такой милый детский стишок. Прочтём:
Я в траве нашёл жука.
Черный жук, блестящий.
Для коллекции моей
Самый подходящий.
Вырывается мой жук,
Прыгает, стрекочет.
Он в коллекцию мою
Попадать не хочет.
Смысл стихотворения довольно прост: ребёнок нашёл блестящего жука для своей коллекции, однако тот изо всех сил вырывается на свободу. В простой детский стишок, который мы читаем внизу фотографии, вложен глубокий смысл. Жук, стремясь вырваться из рук мальчика, не просто борется за свою жизнь. Он за свободу!А если кто не понял, то этот жук и есть сам художник Кабаков. Это его хотят посадить на иголке в некую коллекцию. Здесь чувствуется явная позиция человека, нежелающего быть составной частью некой коллекции-системы. Понятно, какую систему он имел ввиду.
Стишок похожий на простенькую детскую считалку. А потом вы в недоумении спросите себя: И за эту фигню почти 6 (шесть) миллионов долларов!? Да! Торжествующе ответит художник Кабаков. Именно шесть. А если не поняли за что, то что вам, невежественным дуракам, объяснять Всё равно не поймете. Потому как это концептуальная инсталляция. И после этого вы будете долго пристыжено чесать у себя в затылке.
Таким образом, художник установил новый рекорд по стоимости своих произведений. На картине Илья Иосифович крупным планом изобразил блестящего жука, сидящего на зелёном листике. Смысл стихотворения довольно прост: ребёнок нашёл блестящего жука для своей коллекции, однако тот изо всех сил вырывается на свободу. А «Жук», повторяю, - это опять-таки сам Кабаков. В простой детский стишок, который мы читаем внизу изображения, вложен глубокий смысл. Он объясняет высокую цену изображения. Жук стремится вырваться из рук мальчика. Он борется за свободу.
*****
Кабаков сегодня на Западе возможно самый известный российский художник. Это самое дорогое произведение из всех русских художников, проданных за границей на аукционах.
Но может быть мы что-то действительно не понимаем. А мы действительно не понимаем. Потому как Илья Кабаков не просто художник, он художник – концептуалист. Предвижу, что и здесь мы будем в недоумении. А что это такое? Ну тогда надо прочесть, как эти концептуалисты характеризуют себя сами. И как они объясняют это направление, ревностными адептами которого они являются. Вот давайте почитаем. И попытаемся понять. Хотя это будет и не легко. Но попробуем. Определение довольно пространное. Но ничего не поделаешь. Сделаем усилие. Итак:
«Концептуализм — направление схоластической философии, доктрина, согласно которой познание проявляется вместе с опытом, но не исходит из опыта.
Эти изображения представляют собой мысленное содержание, относимое ко множеству отдельных вещей на основании имеющегося сходства или совпадения между ними.
В споре об универсалиях концептуалисты, отвергая учение реализма, отрицали реальное существование общего независимо от отдельных вещей, признавали существование в уме общих понятий, концептов как особой формы познания действительности.
Согласно этой доктрине, проявление познания приходит вместе с опытом, однако не исходит из полученного опыта.
Концептуализм в живописи обращается не к духовно-эмоциональному восприятию того, что изображено, а к постижению увиденного посредством интеллекта. В концептуальном искусстве концепция художественных произведений, будь то картина или книга, или же музыкальное творение, важнее, чем его физическое выражение. Это означает, что основная цель искусства состоит именно в передаче мысли, идеи.
Одним словом, концептуализм – это торжество идеи над эмоциями".
Всё поняли? А прочитанное - это квазиунофантазия художников концептуалистов. Если не поняли, то это ваша проблема. Мы так видим мир, скажут вам концептуалисты. Ваше дело - подняться до наших концептуалистических видений.
*****
Хорошо, постараемся подняться. Но сначала давайте познакомимся с самим художником Ильей Кабаковым. И начнем с самого детства. То есть, с момента, когда он решил стать художником. А начало – это очень важно. Вначале было слово. Вот и дадим слово самому художнику, будущему концептуалисту. Он сам нами расскажет, как стал художником. Это интересно.
«Все произошло совершенно случайно. Во время эвакуации мы жили с мамой в Самарканде, отец ушел на фронт, а я учился в узбекской школе. И вот однажды после уроков мой соученик, чуть старше меня, спросил, не хочу ли я посмотреть голых женщин. Я, конечно, сказал, что хочу. Мне было тогда семь лет. И вот мы с ним вышли из школы, перешли через дорогу, перелезли через ¬забор и через окно залезли в какое-то большое четырехэтажное здание.
И в темнеющем уже воздухе мы увидели огромное количество голых женщин. Это были нарисованные изображения натурщиц. Мы залезли в помещение, которое занимала ленинградская Академия художеств, эвакуированная в Самарканд, и это были работы студентов.
Мой друг принялся страстно их рассматривать, но вдруг вскрикнул и с огромной скоростью исчез в окне, бросив меня на произвол судьбы. Оставшись один в этом темном коридоре, я вдруг увидел, как в конце коридора появилась огромная птица, которая на очень тонких лапках продвигалась в мою сторону. Я страшно испугался. Птица предстала передо мной в образе ¬невероятно страшной старухи, которая спросила меня: «Что ты тут делаешь?» Я ответил, что смотрю картины. «И они тебе н-н-нра-а-авятся?» На это я, как обычно, ответил по ситуации: «Конечно, нравятся!» «А ты сам рисуешь?» — «Конечно, — говорю, — рисую». — «У нас завтра будет прием в художественную школу, приноси свои рисунки, мы их посмотрим».
После этого старуха выпустила меня через дверь, и я оказался на свободе. Но разговор запал мне в душу. У меня, конечно, никаких рисунков не было. Я вырвал из тетради три страницы в клетку, на одной изобразил танки в большом количестве, на другой — самолеты, а на третьей — конницу. Поперек всего этого я расписался красным карандашом. С этими тремя изображениями я отправился в то здание и нашел там приемную комиссию из трех человек — директора школы, этой птицы, которая оказалась добрейшим существом, и еще одного педагога. Они посмеялись над моими рисунками и сказали, что я принят в художественную школу.
Таким образом я оказался на лестнице — или, лучше сказать, на эскалаторе этой карьеры, которая должна была привести меня к художникам. Конечно, это все выглядит очень случайным, но, с другой стороны, я в этом вижу голос судьбы. В основе искусства лежит страх, который я испытал, а птица — это символ творчества во фрейдизме. Ну и наконец, голые женщины, которые стоят у истоков изобразительного искусства».
*****
Интересно, правда. А если бы не желание семилетнего Илюши посмотреть голых женщин, то кем бы он стал? Но он стал художником.
. А семья у будущего концептуалиста была самая обычная. Отец, Иосиф Бенционович, работал слесарем, а мама, Белла Юделевна, - бухгалтером. Возможно, по именам родителей вы поняли, что маленький Илюша был таким симпатичным, кудрявым еврейским мальчиком. Когда началась Великая Отечественная война, папа мальчика ушёл на фронт, а самого его вместе с матерью вывезли в Узбекистан (Самарканд). Здесь, как было сказано, с 1943 года он стал обучаться рисованию в художественной школе, функционировавшей при эвакуированном из Ленинграда Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина.
Проучился он в Самарканде 2 года. После окончания войны в 1945 г. мальчика перевели в среднюю художественную школу в Москве (МСХШ). Окончив её, он поступил в Суриковский институт на отделение графики (был студентом с 1951-го по 1957 годы). То есть, получил он основательное художественное образование. Хотя о самом себе он писал так:
«Ничего абсолютно мне не хотелось. Дело в том, что никаких художественных талантов у меня не обнаружилось, я не чувствовал ни цвета, ни колорита, ни пропорций — я оказался в этой профессии бастардом. Никакой особой радости по поводу того, что я попал в художественную школу, у меня не было, но у меня было пламенное желание, чтобы меня не вышвырнули, — видимо, это была какая-то врожденная любовь к институции. Уйти из институции, провалиться куда-то за край — это было для меня смерти подобно. Это было невероятное мучение, тоска и скука выживания.»
Вот так юный Кабаков учился. Впрочем, для того, что он стал творить впоследствии, знание цвета, колорита, композиции и пропорции вовсе не требовалось.
А потом он пошел работать Простым художником, не концептуалистом. Он рисовал детские картинки. Он стал иллюстратором книг в издательстве "Детгиз" (позже его переименовали в "Детскую литературу"), сотрудничал с журналами "Мурзилка", "Весёлые картинки", "Малыш". Но эти картинки ему не нравились. Так, халтура. Чтобы жить.
Детская литература – дело святое. Но вот как он сам описывает своё творчество на этом поприще:
«У меня отсутствовала любовь к художественному труду. Я этого терпеть не могу. Я безумно люблю халтурщиков и высоко ценю их ревностное старание, ужимки, увиливание, когда они всучивают заведомую халтуру вместо полноценного продукта. Вся моя детская иллюстрация построена на этом. Я оказался в мире профессии, которая мне невероятно тягостна и чужда, но я ничем другим не способен заниматься. Я, как загнанный заяц, стал художником, помимо самого себя. У меня было полное непонимание того, как перенести впечатления от натуры на бумагу. Мне не оставалось ничего другого, как имитировать чужие рисунки, сделанные с натуры.»
Его тянуло другое. И вот как он сам нам об этом поведал:
« К огромному счастью, это происходило, уже когда этот Людоед умер (Если кто не понял, Людоед – это Сталин) Началось то, что называется, «вегетарианское» время — появилась возможность жить частной жизнью. В сталинское время был контроль за всем, что делает ¬художник.. В хрущевское и брежневское время то, что ты говоришь у себя на кухне и делаешь в своей мастерской, уже никого не интересовало. Прекрасные времена. В Москве примерно к 1957 году возник совершенно изумительный подпольный, подземный, подасфальтовый мир неофициального искусства. Там были художники, поэты, писатели, домашние богословы, композиторы. У этих людей не было ни выставок, ни критики, ни галерей, ни продаж. Это была жизнь в бомбоубежище. В бомбоубежище, вы знаете, все дружны, каждый делится — кто бутербродом, кто яблоком, все загнаны в одну ситуацию, поэтому уважают и понимают друг друга. Когда же дверь бомбоубежища открылась, примерно в 1987 году, у каждого оказалась своя судьба.»
То есть, началась эпоха Андеграунда. В смысле заработка она ничего не давала, зато какая ширь и какой простор для души.
Что же касается советских авангардистов 1960–1980-х годов, то непропорционально большое количество евреев в этом гнобимом государством художественном кругу дало повод называть это отъединение «абрамгардизм». Но, ладно, не будем об этом, Это другая тема. Болезненная для кого-то. Не будем.
*****
Но уже в это время он всей душой стремился на Запад. Вот там простор и свобода. Только как бы это вырваться? Но не сказать, чтобы его сильно держали в стране. Участвовал он, к примеру, уже в 1965 году в международной выставке в Италии. Он выставил свою работу, которую назвал «Душ». Эта живопись его – примитивизм, доведённой до крайности. Здесь и позже я посоветовал бы обратиться к Википедии и найти изображение в поиске по названию картины. А это абсолютно нужно сделать, чтобы убедиться в справедливости моих слов.
Как и в этом случае, вы сами увидите, что для такой «живописи» никого умения и таланта вовсе не надо. Вы увидите изображение на шести картинках одного голого мужика, стоящего под душем. И кое у кого эта картинка вызвала досаду, как могли этого «живописца» представлять советское искусство. Уже скандал. А вроде бы ничего в детской картинке и нет. Да вот и есть. Стоит мужик под лейкой душа, но вода льётся и не касается его. По мнению западных критиков, эта работа символизировала недостаток материальных ресурсов при коммунистическом режиме, и они окрестили Кабакова голосом антисоветского поколения.
Но Кабаков включил здесь дурака. Он, по его словам, просто изобразил человека, который постоянно чего-то ждет. Я вот рисую, а это ваше дело додумывать. Я никакой не диссидент, - утверждал он. Однако, позже он уже не скрывал, кто он есть. Крутой антисоветчик. Но даже и тогда он и участвовал в международных выставках, будучи уже московским концептуализмом. Что это такое – смотри выше. Никто его не гнобил.
*****
Это в детстве и позже в художественной школе, и позже в институте Сурикова Кабакова серьёзно и обучали держать кисть в руке. Обучали настойчиво, долго и бесплатно. Обучал его по большому счёту тот самый злобный режим во главе с Людоедом и сделал из него довольно среднего художника, но и за это ни слова благодарности. Внутренне он считал, что этот режим сдерживал его фантазии и творческие порывы.
Зато на Западе с ним носились даже не столько осторожно, сколько с восторгом. Преференции о которых можно было только мечтать. Стипендии, гранты, известность и даже слава. Но это с началом Перестройки. А потом и вовсе, поняв, что у нас с этим его андеграудом он не добьется того, что хотелось, он и вовсе свалил из страны. Сегодня его считают американским художником. Он уехал в США в 1988 году.
И действительно. Только на Западе он и сумел себя реализовать. Стал всемирно признанным художником. Не надо бояться и стесняться. Драгоценная свобода. И чем же он стал поражать мир, читай Запад. А тем, что оплёвывал страну и её историю, которая была его бывшей Родиной. Он быстро понял, что более всего востребовано на Западе. И не только востребовано, но и очень хорошо оплачивается. А именно то, что в историческом противостояние, надо просто встать на правильную доходную сторону. Ну и понятно, на какую сторону он встал.
*****
В 1987 году Кабаков получил первый зарубежный грант – от австрийского объединения Graz Kunstverein — и построил в Граце инсталляцию «Ужин». Год спустя он устроил первую «тотальную инсталляцию» из проекта «Десять персонажей» в нью-йоркской галерее Рональда Фельдмана и получил стипендию французского министерства культуры. В 1989 году Кабакову дали стипендию в фонде DAAD (Германская служба академических обменов),
И были его персональные выставки. Много выставок. С начала 1990-х годов у Кабакова прошли десятки выставок в Европе и Америке, в том числе в таких крупных музеях, как парижский Центр Помпиду, норвежский Национальный центр современного искусства, нью-йоркский музей современного искусства, кельнский Кунстхалле, а также на Венецианской биеннале и на выставке Documenta в Касселе. 1990-е годы стали временем признания художника: в это десятилетие он получил награды от датского, немецкого и швейцарского музеев, титул кавалера Ордена искусств и литературы от французского министерства культуры. Это уже Слава.
Какие же были его самые выдающиеся работы. Я говорю работы, потому как речь идет не о живописных картинах, а об концептуалистических инсталляциях. Одна из них называется «Красный вагон». Смотрим Википедию. Почему Красный понятно и так, без объяснений.
Эта инсталляция было сотворена в 1991 г. Кабаков создавал тотальный образ пугающей страны, из которой он прибыл. И его проекты для европейских и американских музеев рассчитаны именно на пересказ советского опыта западному зрителю. «Вагон» следовало читать как метафору трех ступеней развития советской культуры, как ее понимал Кабаков.
Вы входите в этот красный вагон, построенный из досок и фанеры, окрашенные в красный цвет. Внутри вагона темно, вместо окон висят соцреалистические холсты и играют бравурные сталинские марши 30–40-х годов. Это такое материальное представление социалистического реализма, рассчитанное на чувственное восприятие. А на выходе из вагона валяется груда мусора, оставшаяся от постройки вагона, — это послевоенные руины сталинской культуры.
*****
А вот ещё одно произведение. Так мило называется «Туалет» 1992 г. Это уже ретроспективный взгляд из «нормального настоящего» в сюрреалистическое прошлое. Прошлое- это история советского прошлого. А это ещё и сравнение советской жизни с уютно обустроенным общественным сортиром. "Туалет" пользовалось в западных музеях огромным успехом.
Московский концептуализм нашёл своё продолжение в работе «Расписание выноса мусорного ведра» (1980 г.) Вновь ищем в Википедии. Здесь Кабаков со свойственным ему издевательством изобличает советский быт. Это собственно даже и не живопись. Это сфотографированный список с очерёдностью выноса мусора. Вынос ведра для людей, живущих в коммунальной квартире, художник преподносит не в виде повседневной необходимости, а как тотальный закон, который невозможно нарушить.
В 1980-х годах он всё острее выражает своё недовольство советским бытом. Одна из любимых кабаковских линий — издевательское обличение коммунального быта. Коммунальная кухня и тема мусора идут сквозь его творчество красной нитью. Тусклый и неказистый быт Кабаков превращает в тошнотворную метафору советской жизни, в которой, если верить художнику, не остается никакого места для человеческих чувств. Вынос ведра, который по очереди осуществляется воображаемыми жильцами некоей метафизической коммуналки.
*****
Картины и инсталляции его уже были хорошо известны за рубежом и нашли там своё признание, в то время как на родине о художнике знали только в узких кругах. В 1982-1986 годах Кабаков работал над композицией «Человек, который улетел в космос» (Обязательно прибегаем к помощи Википедии.) Возможно вы подумали о Гагарине, первым улетевшем в космос. Совсем нет. Это он так о самом себе, в его стремлении окончательно свалить на Запад.
В инсталляции чётко показана грань между ограниченными возможностями маленького человека и его мечтами. Сделав примитивный летательный аппарат из подручных средств, главный герой композиции улетел в неизвестность, пробив головой потолок своей убогой комнатушки. После эмиграции Кабакова стало понятно, что в роли этого человека художник изобразил самого себя, навсегда покинувшего Союз.
Тут ведь как надо понимать Кобакова. То, что именно его страна первой вышла в космос, это не про то. А про то – это как он сам вырвался в Космос. А Космос в его видении весь уместился в США. Каждый художник представляет мир так, как он его видит. Кабаков увидел в стране, где родился только коммуналки, с населяющих их быдлом, да ещё вот туалеты и мусор.
Зато в Америке его ждали комфортабельные туалеты, приведшие его в восторг. А то, что в разорённой стране нам не хватило средств на устройство такого жизненно необходимого для жизни приличного стульчака, так для концептуалиста Кабакова на это не хватило воображения, чтобы понять. Зато у страны, на которую не упала ни одна фашистская бомба, денег на это устройство было в избытке. Видимо это и было у Кабакова главным побудительным мотивом, чтобы валить в США.
В его картине противопоставляется ограниченное убожество быта и дерзновенная мечта маленького человека, который из подручных средств соорудил летательный аппарат и, пробив потолок своей оклеенной социалистическими плакатами каптерки, умчался куда-то в свободную и беспредельную неизвестность. Сейчас понятно, что космосом оказалась не абстрактная бесконечность, а вполне конкретная страна неограниченных возможностей — Америка, куда художник и отбыл в 1988 году. «Человек, улетевший в космос» — это фантазия о побеге в прекрасное и свободное будущее, И он действительно улетел, но вернуться не обещал. Но вернулся. Погостить.
*****
Его спрашивают: Когда вы уехали за границу и перестали носить эту советскую маску, вы почувствовали облегчение?
Давайте прочтём его занятный ответ:
« Все это время я прекрасно понимал, что за чертой нашего котлована находится человеческая жизнь, где идет художественный процесс. Когда я выехал, то встретил тех, о ком мечтал. Это напоминает сказку Андерсена о гадком утенке. Лебеди действительно существовали. Я попал к своим. Счастлив я был безмерно — как музыкант, который переезжает из одного концертного зала в другой и везде дает концерты. Кроме того, было большое внимание и любопытство к тому, что выехало из этой Северной Кореи, и на этом любопытстве мной было сделано много выставок. Я был Синдбадом-мореходом, который должен был рассказать Западу про эту страшную яму, из которой я смог принести какие-то сигналы и рассказы. Я думал, что этой злости, отчаяния и тоски мне хватит на всю мою жизнь, но так вышло, что вывезенный мной с родины бидон очистился, и теперь мне больше нечего рассказать»
В 2006 году в нью-йоркский музей Гуггенхайма отправилась программная выставка «Russia!». В нее была включена инсталляция Кабакова «Человек, который улетел в космос». А кто был рядом с этой инсталляцией. А рядом висели иконы Андрея Рублёва и Дионисия. А ещё американские любители искусства могли познакомиться с работами Брюллова, Репина и других. И как вы видите в этом славном ряду «шедевр» Кабакова? Кому в голову могла прийти идея поместить этого русофоба в этот зрительный ряд. Она ведь посвящена бегству Кабакова из этой самой Раши
*****
Новый вопрос: Когда вы вернулись в Россию после эмиграции, почувствовали перемены?
"Во-первых, я не эмигрант. У меня нет ощущения эмиграции, у меня есть ощущение командировки. Это очень важно психологически и очень точно. То же чувство испытывали многие композиторы и музыканты. Я просто очень долго путешествую и показываю в разных местах свои работы. Но так как я не живу в нашей стране, я не могу вам сказать ни одного слова о том, что там происходит. Вот и все. Про художественное, если вы меня спросите, я что-нибудь такое пролепечу, а про это — нет".
Ещё один вопрос: Как вам впервые пришла в голову идея тотальной инсталляции.
Он отвечает: «Она мне пришла в голову еще в Москве, в 1984–1985 годах, когда я уже проектировал разные инсталляции, которые нельзя было сделать в Москве. Как только я выехал, там это стало возможно. Вот видите, я про Запад всегда инстинктивно говорю «там», хотя, конечно же, это «здесь». Да, я остаюсь, конечно, тем же самым человеком — я же до 50 лет прожил здесь, в Советском Союзе, а там я работаю. Очень смешно все это. Я принадлежу к тому типу, который ни, там ни здесь.»
Вот так, ни там, ни здесь. Ну тогда как же быть с этими строками Пушкина:
Два чувства дивно близки нам,
В них обретает сердце пищу;
Любовь к родному пепелищу,
Любовь к отеческим гробам.
Ну, конечно, ничего нам не ответит на это концептуалист. Но про себя наверняка подумает: Да в гробу я видел ваши гробы и пепелища.
«Так что место моего рождения инстинктивно связано с Западом, и, говоря «там» и «здесь», ты всегда как бы сидишь на двух стульях. Сегодня, думаю, многие это понимают» Это его фраза без всякого изъятия.
А вот и ещё одна фраза: «Окружающая действительность (советская) — это было тоскливое свинское одичание и повседневная одичалость, которую представляла собой советская жизнь, давал благотворную почву для художественной работы» Художественная работа - это уже упомянутые коммуналки и туалеты.
И последний вопрос:Но многие иностранцы восхищались советской культурой?
У Кабакова есть и на это ответ . «Надо отличать туристический взгляд от реальности. И Горький, знаете, тоже ездил на Соловки и там посещал тюрьмы — это все туризм. Турист всегда смотрит с интересом, даже если ему показывают гильотину.
Нельзя было жить в Советском Союзе и не дистанцироваться от общего одичания. Ирония — это была дистанция. К этому могло быть разное отношение — либо этнографическое, когда ты чувствовал себя посланцем английского географического клуба в Африке, который смотрит на жизнь людоедов. Либо гневное отношение: «За что мне такая собачья жизнь?» Это отчаяние. И еще было третье — ощущение себя маленьким человечком Гоголя. Несмотря на то, что тебя давят, у тебя есть твои идеалы, шинель, твое пищащее самосознание. С одной стороны, ты наблюдатель, с другой стороны — ты пациент». Философски рассуждает концептуалист.
Даже время оттепели для него «тот же мороз, да только грязью» . Нет, нет жизни здесь. Грязь, коммуналки, туалеты. Нет свободы, нет простора для моих концептуалистических инсталляций. Да и кому они здесь нужны, в то время как там, на Западе, очень нужны, и главное, за них хорошо платят.
Как было сказано, сегодня Илья Кабаков — самый знаменитый и востребованный русский (?) художник, классик мирового современного искусства. Он создал более 200 инсталляций в разных странах, его работы находятся в собраниях многих музеев мира, включая Музей современного искусства. Нью-Йорк Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, Музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду, Париж, и другие
. Ну раз он такой признанный, то почему бы и у нас не признать. И признают. Да ещё и как! Побежали впереди паровоза. Две инсталляции Ильи Кабакова *В шкафу» (1997) и «Туалет в углу» (1992) будут подарены Государственному Эрмитажу и станут частью постоянной экспозиции музея современного искусства, который предполагается разместить в Главном штабе.
Но и Третьяковская галерея не отстает. Просто взапуски. В ней прошла выставка -инсталляция Ильи Кабакова. Он и его жена-соавтор Эмилия приехали в Москву, чтобы показать сразу шесть своих проектов разных лет на разных площадках города — в Пушкинском музее, на «Винзаводе» и в новооткрывшемся пафосном Центре современной культуры «Гараж».
Москва встретила классика с энтузиазмом. «Московскую ретроспективу» поддержали не только многочисленные частные фонды, но и Министерство культуры РФ.
Сам концептуалист Кабаков и его жена, которая эмигрировала в США ещё ранее супруга, очень добрые люди и щедрые. Они сделали дар Третьяковке. «Мы решили передать мастерскую Ильи Кабакова Третьяковской галерее, потому что нам очень хотелось ее сохранить как место, где в 1970-х и 1980-х собирались художники и где происходило что-то важное. Почему именно Третьяковская галерея? Она сейчас очень изменилась. Конечно, благодаря ее директору Зельфире Трегуловой, которая полностью перестроила эту старую машину».
"Старая машина" - это та самая Третьяковка, которую мы все любим.
А вы знаете, как директриса Трегулова перестроила «эту старую машину»? Сейчас расскажу. Есть ещё один художник московский концептуалист. Монастырский. Как понимаю, друг Кабакова. У него тоже есть своя инсталляция. Длинная сухая палка,найденная на помойке, которую он прикрепил скотчем к фанерному листу. А потом мадам Трегулова купила эту палку за несколько миллионов рублей и поместила её в одном из самых престижных залов Третьяковки. Это зал великой картины Иванова «Явление Христа народу». Инсталляцию-палку очень дорогую установили прямо перед картиной Иванова. Это так мадам Трегулова перестраивает «старую машину».
И последнее. В моих глазах Кабаков вовсе не художник. Даже и близко ничего к тому нет. В самом деле, возьмите того же "Жука". Фотография с детским стишком. Это что, живопись? Даже и стишки не его. Тогда, что это? И за это платить 6 000 000 долларов? Мы что, все ненормальные, чтобы ценить такую "живопИсь". Шарлатан - хуже Чумака. И сколько народу повелось на такую концептуалистическую неумелую мазню в результате его пасов До чего докатились!