ОТ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ЭКСТРЕМИЗМА К УНИЧТОЖЕНИЮ ИСКУССТВА
История художественного освоения реальности дает нам множество примеров спиралеобразного развития эстетических идеалов от невнятных черт и цветных клякс к высокохудожественным образам палеолита и обратно к примитивизму. После высочайших достижений античности - темные века Средневековья. После вершин классицизма Просвещения - воинствующая деградация абсурдизма.
Последняя волна вульгарного примитивизма [1] накрыла нашу цивилизацию во второй половине 19 века и продолжает, как цунами, кататься по её культурным просторам, разрушая и вымывая всё, что ещё несёт в себе черты предшествующих эстетических достижений. Эта волна, рождена Великой французской революцией и последующими войнами, ввергнувшими Европу в политический хаос, и поднявших на поверхность общественной жизни из плебейских пластов социальную пену, хлынувшую, в том числе, и в область искусства.
Если в России, находящей в стороне от этих политических ураганов, искусство развивалась в стиле классицизма, и мы это видим в работах таких художников как:
Алексей Саврасов (1830 – 1897)
Иван Шишкин (1832 – 1898)
Михаил Клодт (1832 – 1902)
Пётр Суходольский (1835 – 1903)
Владимир Орловский (1842 - 1914)
Ефим Волков (1844 – 1920)
Василий Поленов (1844 - 1927)
Николай Астудин (1847 – 1925)
Иосиф Крачковский (1854 – 1914)
Николай Сергеев (1855 – 1919)
Константин Крыжицкий (1858 – 1911)
Алексей Писемский (1859 – 1913)
Владимир Муравьёв (1861 – 1940)
То, во Франции уже зрел кризис «отверженных», которые хотели быть так же знамениты, как и представители классицизма. В 1863 году Эдуард Мане (1832 – 1883) выставляет в «Салоне отверженных» [2] картину «Завтрак на траве» (1863) и активно выступает на встречах поэтов и художников в кафе Гербуа, которое посещали все будущие основатели нового течения, благодаря чему стал главным защитником современного искусства.
Во время франко-прусской войны (1870 - 1871) Клод Моне, Сислей и Писсарро отправились в Лондон, чтобы там иметь возможность изучить великих английских пейзажистов - Констебла, Бонингтона и Тёрнера. Что касается последнего, то уже в его поздних работах заметно, как постепенно у него исчезает связь с реальным изображением мира и уход в индивидуальную передачу впечатлений. Так начинает формироваться художественный экстремизм импрессионизма, заложивший основы европейского нигилизма, нашедшего своё отражение в романах И.С. Тургенева «Отцы и дети» (1860), Ф.М. Достоевского «Бесы» (1871).
Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара (1820 – 1910) [3]. Там было представлено 30 художников, всего 165 работ. Холст Моне - «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant), ныне в Музее Мармоттен, Париж, написанный в 1872 году дал рождение термину «импрессионизм». Малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье в журнале «Le Charivari» для выражения своего пренебрежения к новому художественному стилю обозвал всех представителей этой группы «импрессионистами». [3.1] Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление. Другой термин, который определял импрессионизм был «модернизм» обозначавший новое искусство и впоследствии соединил в себе все новые арт-течения конца 19 и первой половины 20 веков.
Австрийский историк и теоретик искусства Ганс Зедльмайр (1896 - 1984) негативно относился к модернистам, называя их экстремистами, пытающимися создать произведение искусства «автоматически», без какой либо индивидуальной интерпретации художественного образа.
Модернизм, в своих манифестах, заявлял себя как искусство протеста, эпатажа, стремясь задеть чувства благополучной буржуазии. Внешняя калейдоскопичность его художественных направлений в немалой степени определяется обширностью протеста: критическое отношение к классическим формам, неприятие человека в качестве меры миру, отрицание мимесиса как основания для актуализации средств выразительности. По Зедльмайру, именно здесь располагаются те «силы», которые способствуют формированию модернизма, источники, питающие его потоки.
Художественный нигилизм получил свое закономерное выражение в появлении беспредметного искусства получившего название «абстракционизм».
Годом рождения беспредметного искусства считается 1910-й, когда в Германии, в Мурнау, В.В. Кандинский (1866 – 1944) написал свою первую абстрактную композицию, которая в настоящее время находится в Национальном музее Грузии.
В 1910–1915 годах живописцы в России, Западной Европе и США начали создавать абстрактные произведения искусства; среди первых абстракционистов исследователи называют Василия Кандинского, Артура Доува, Пита Мондриана, Франсиса Пикабии, Казимира Малевича.
Эстетические концепции первых абстракционистов предполагали, что художественное творчество отражает закономерности мироздания, скрытые за внешними, наносными явлениями действительности. Эти закономерности, интуитивно постигаемые художником, выражались через соотношение абстрактных форм.
В 1911 году Кандинский опубликовал книгу «О духовном в искусстве», в которой размышлял о возможности воплощения внутренне необходимого, духовного, в отличие от внешнего, случайного.
Начиная с начала 20 века модерн, все чаще начинают назвать «авангардизм» или просто «авангард».
Всего шесть лет спустя после появления абстракционизма 5 февраля 1916 года в 6 часов вечера в тихом маленьком Цюрихе на Шпигельгассе, 12, собрались основатели художественного абсурда, который позже получил довольно странное название «дадаизм»: Марсель Янко, Тристан Тцара (наст.имя – Сами Розеншток), Жорж Янко, Ханс (Жан) Арп. В своём манифесте они заявляли: «Дада трудится изо всех сил и добросовестно распространяет повсюду идиотизм!».
Отказавшись от логики и разума, по мнению дадаистов, строгому racio вещного мира с его окровавленными телами на баррикадах войны дадаизм противопоставил всеобщий отказ от принятия мира. Задача дадаизма – тотальный нигилизм. «Нет! Нет! Нет!» – фраза, которая звучит рефреном в манифесте дадаизма Рихарда Хюльзенбека (1892 – 1974).
Лозунгом дадаизма был: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего».
Дада уничтожает смыслы предметов, что даёт великое поле для экспериментов. Для дадаизма говорить «да» значит говорить «нет». Поэтому абсурд - марка дадаизма.
Дадаизм стремился проявить себя в как можно большем числе искусств. Универсализм деятельности – очень характерная черта дадаизма, художники синтезировали искусства, создавая свои «дада-объекты».
Дада осознал фигуру художника в принципиально ином ключе. Теперь художник имел право объявить искусством любой предмет. Именно так поступил Марсель Дюшан (1887 – 1968) со своим знаменитым писсуаром «Фонтан» [4]: «Я швырнул им в лицо писсуар, и теперь они восхищаются его эстетическим совершенством», - писал десятками лет позднее Дюшан своему немецкому другу, художнику Хансу Рихтеру. Художник хотел донести до зрителя, что конец пришел не искусству в целом, а традиционному представлению о нем.
Реди-мейд [5] никак не обусловлен эстетически, это - просто рефлективное «выхватывание» объекта из реальности, потому что спонтанность - признак свободы. Реди-мейд – это визуальное равнодушие, «фактически полная анестезия» (Х. Рихтер). Это ирония над реальностью, которая выражалась в вопросе об оригинальности произведений искусства: «Искусство — это надувательство!». Сушилка и велосипедное колесо М. Дюшана – лишь выражение Ничто, фатализм.
Теперь можно было выставлять на выставки любой мусор с городских помоек и всё это превращалось в экспрессивные творческие инсталляции.
Фактически дадаизм поставил крест на искусстве как таковом. Отныне грань между искусством и реальностью была стёрта окончательно, но это вовсе не означало исчезновение эстетики как культурного цивилизационного феномена или возникновение анти-эстетики, как декларировали это абсурдисты. В их извращённом сознании эстетика и искусство тождественны, а потому не различимы, в то время как это совершенно разные явления, хотя и объединённые понятием эмоционально-чувственное отражение действительности.
Искусство это исключительно продукт творческой деятельности человека. Мы не знаем феноменов искусства у животных и растений.
Эстетика это феномен функционирования эстетической среды, которая включает в себя воздействующую и реагирующую материи и поле их взаимодействия. Поэтому эстетика существует до тех пор, пока существует хотя бы один элемент эстетической среды.
Термин анти-эстетика это феномен абсурдизма. Так называют то, чего быть не может по определению. В дословном переводе анти-эстетика это отсутствие эстетической среды, то есть отсутствие какой либо реальности - это «НИЧТО» или то, чего не существует. В больном сознании арт-маргиналов это их виртуальная реальность, но эти вопросы должна рассматривать не философия, а психиатрия.
Поэтому когда подобная ахинея культивируется вне специальных психиатрических изданий, это наводит на мысль: не являются ли их авторы латентными клиентами подобных учреждений?
[1] Волна вульгарного примитивизма – различные течения ухода творческой богемы от традиций классицизма к примитивизму массовой культуры: чем проще – тем возвышенней; чем уродливее – тем изящней; чем абсурдней – тем современней; и т.д. и т.п.
[2] В начале 60-х гг. в Париже официальные академические выставки, салоны, становились год от года все скандальнее. Происходило это из-за того, что академическое жюри салонов отвергало все, что не вписывалось в академическую систему. Это вылилось в конфликт: в 1863 г. открылся очередной Салон, в который не попало огромное количество художников.
Разозлившись, они собрались вместе и организованно обратились к Наполеону III с жалобой на салон и на действия «министра культуры». Наполеон III, видимо, почувствовал, что протест приобретает слишком публичные формы, и принял решение параллельно с официальным салоном открыть «Салон отверженных». Прошло два таких Салона - 1863 г. и 1865 г. В обоих салонах принимал участие Эдуард Мане, в 1863 году он выставил «Завтрак на траве», а в 1865 году - «Олимпию».
[3] В 1853 году Надар начал делать первые фотографии, в 1858-м сделал первую в мире фотографию с воздуха, поднявшись над Парижем на воздушном шаре.
[3.1] Французское слово "impression" имеет два смысла: одно - "впечатление", его и использовал Моне, другое - "печать", его использовал журналист. В понимании Моне "импрессионизм" означает "впечатляющий стиль", в понимании журналиста "импрессионисты" - "печатники" (вульгарные ремесленники).
[4] Как-то в 1917 году художник забрел в магазин сантехники и приобрел там обыкновенный писсуар. Дюшан поставил его вверх тормашками, расписался на нем псевдонимом R.Mutt и представил в качестве экспоната под названием «Фонтан» (Fountain) на выставке. Благодаря этой скандальной истории Марсель Дюшан приобрел бешеную популярность.
[5] Реди-мэйд - техника в разных видах искусства (главным образом — в изобразительном искусстве), при которой некоторые объекты или тексты, изначально созданные не с художественными целями, преобразуются автором в собственное произведение; техника «использования в искусстве вещей из магазина». Одно из направлений абсурдизма.