Книга Молдова. Опера. Балет

                Авторское предисловие

Сборник публикаций «Молдова. Опера. Балет» предназначен для широкого круга читателей и повествует о личностях и постановках в истории оперно-балетного искусства Молдов
Молдавский театр оперы и балета был создан в 1957 году. 62 года – заметный срок для становления и развития  столь крупного явления. Тем более, что музыкальный театр в Молдове один и только ему уготована слава лучшего театра страны!
У нас самая крупная театральная труппа в Молдове - численность сотрудников в разные времена составляла от 600 до 900 человек. Национальный театр оперы и балета имени Марии Биешу – это не только огромный талантливый коллектив, но и самое мощное и эффектное театральное здание в республике. Работать в такой организации – большая ответственность, каждый специалист уникален и каждая постановка – событие исторического значения.   
Не менее ответственна роль музыкального критика в освещении деятельности столь яркого и неповторимого явления, как оперно-балетное искусство страны. Тем более в Молдове – стране многонациональной, противоречивой - на грани ХХ и ХХI веков. Но я всегда знала, что стану сотрудником театра и буду помогать его продвижению в информационном пространстве.
Солисты называют меня Ангелом-хранителем коллектива. Не знаю, смею ли претендовать на столь высокую миссию, но признаюсь, что вместе с коллегами проживала репетиции, спектакли и премьерные эксперименты, за которыми имела возможность наблюдать. И не только я. Театр – единый организм, в котором каждое подразделение –  часть общей кровеносной системы. Не раз ощущала, как во время спектакля создается мощное эмоциональное поле в зале, на сцене, за сценой, в гримёрках и во всех подразделениях  театра. Это энергия единства коллектива и мощная поддержка, выражающая огромную любовь к искусству оперы и балета! Театр надо любить, хранить и служить его идеям, иначе нет смысла в нём работать.
О театре я писала многие годы и накопила больше количество материалов, которые заслужили размещения в отдельном сборнике. На самом деле, у меня их куда больше - всегда осознавала некую ответственность перед оперным искусством, ибо с детских лет была приучена слушать лучших вокалистов мира в лучших партиях и спектаклях.
И в этом заслуга моего отца – тенора Узуна Степана Дмитриевича, прослужившего в Национальной опере Молдовы 20 лет! Папа привил мне любовь к оперной музыке и волшебству звучания голосов талантливых исполнителей. Он стал моим проводником в мир музыки. Поэтому в сборнике появилась публикация  «Судьба певца: мой отец Степан Дмитриевич УЗУН». Отец работал со многими известными личностями – Марией Биешу, Тамарой Алёшиной, Людмилой Ерофеевой, Валентиной Савицкой, Михаем Мунтяну, Владимиром Закликовским, Владимиром Драгошем, Борисом Материнко, Еленой Герман, Виталием Чиреш. Они составили историю и славу театра и пошли в рубрику Персоны так же, как и публикациями о представителях более молодых поколений. Уделено в сборнике внимание Оперной и Балетной истории Молдовы, а также Премьерным постановкам последних лет. 
В оперном театре не работают – театром живут, это судьба человека. И не столь важно, посвятил ты всю жизнь одному театру или работал в разных коллективах. Театр тебя не отпустит, музыка тем более! Поэтому моя книга о театре содержит публикации не только о наших сотрудниках, но и личностях, которые, так или иначе, соприкасались с историей театра – Елена Образцова, Методие Бужор.
И я хочу вместе с вами, зрители, музыканты, сотрудники Национального театра оперы и балета имени Марии Биешу, вспомнить о вокалистах, дирижёрах, спектаклях, чтобы в итоге составить единое историческое панно из множества ярких событий, создающим Историю молдавской оперы и балета!
Любите театр, не забывайте о нём никогда, ибо нет ничего более яркого и проникновенного в истории музыки – искусстве человеческой судьбы и уникально одарённых людей!
               
                ИСТОРИЯ

                Опера  Молдовы

Молдова известна прекрасными голосами и не раз привлекала внимание различных оперных трупп. Здесь в своё время побывали  Фёдор Шаляпин и Энрико Карузо. Хорошо известно имя Марии Чиботари, прославившей нашу страну в Вене, Дрездене и Берлине.
Идея возникновения оперного театра стала актуальна на грани XIX-XX веков. К тому времени Молдова славилась именами мирового значения. Оперные сцены Парижа, Вены, Милана, Берлина, Сиднея, Бухареста, Санкт-Петербурга и Москвы в начале прошлого столетия приютили артистов-выходцев из Бессарабии. Мир узнал имена певцов Л. Липковской, М. Чобану, Е. Куза, А. Антоновского. В 20-е годы ХХ столетия Кишинёв стал известным культурным центром, где активно исполнялась оперная музыка и даже фрагменты оперы Р. Вагнера «Лоэнгрин».
Начиная с середины 40-х годов в Бессарабии стали открываться оперные классы. А в 1946 году появились первые постановки в оперной студии Молдавского музыкально-драматического театра – «Евгений Онегин», «Мадам Баттерфляй», «Демон» с участием Т. Чебан, В. Дорош, Е. Уреке, П. Есина, Н. Калкатова, В. Петлюка, С. Вайнштейна.
В 1956 году в Молдове состоялась премьера первой национальной оперы «Грозован» Давида Гершфельда, что стимулировало создание Национального театра оперы и балета, отмеченного именами Валентины Савицкой, Фёдора Кузьминова, Полины Ботезат, Бориса  Раисова, Александра Фоменко, Николая Башкатова, Виктора Третьякова. Так, начиная с 1957 года, происходило постепенное становление оперно-балетной труппы.
В июле 1957 года театр выделился в самостоятельный коллектив. Тогда же появились постановки опер молдавских композиторов: «Аурелия» Давида Гершфельда (1959), «Сердце Домники» Алексея Стырчи 1960 года, (в новой редакции «Героическая баллада», 1970).  Мировая классика и произведения советских композиторов, в том числе оперы — «В бурю» Тихона Хренникова (1962), «Оптимистическая трагедия» Александра Холминова (1967), «Укрощение строптивой» Владимира Шебалина (1972), «Кето и Котэ» Виктора Долидзе (1972). «Обручение в монастыре» С. Прокофьева, «Маркитантка» («Матушка Кураж») С.  Кортеса
Национальный театр оперы и балета всегда жил насыщенной творческой жизнью. Его история началась в тяжёлое послевоенное время восстановления страны после разрухи. В начале 1960-х в состав труппы вошла выпускница местной консерватории Мария Биешу, в итоге ставшая величиной мирового значения. По её инициативе в 1990 году был организован ежегодный оперно-балетный фестиваль «Приглашает Мария Биешу», который более четверти века собирает в Молдове лучших артистов со всего света. Сегодня единственный в Молдове Национальный театр оперы и балета носит имя Марии Лукьяновны Биешу.
Своей славой театр обязан целому ряду замечательных артистов. Среди них можно назвать вокалистов Тамару Алёшину, Людмилу Ерофееву, Михая Мунтяну, Владимира Драгоша, Иона Пауленку, Людмилу Алёшину, Николая  Башкатова. Незабываемые образы на сцене созданы Б. Раисовым, И. Гели, С. Александровым, А. Жариковым, Л. Михайловым, Э. Парники, А. Шевченко. Заметный вклад в историю молдавского вокала внесли с такие мастера сцены,  как Иван Кваснюк, Борис Материнко,  Андрей Донос, Елена Герман, Петру Раковицэ, Валериу Кожокару, Виталий Чиреш, Юрий Гыскэ, Николай Бусуйок, Татьяна Бусуйок, Виорел Згардан, Лилия Шоломей, Мария Цонина, Анжелина Арти. Активно проявляют себя Юрий Маймеску, Ион Тимофти, Алексей Дигоре, Сергей Пилипецкий, Алексей Ботнарчук, Адриан Цымпэу, Игорь Цуркан, Виталие Чеботарь, Марианна Буликану, Надежда Стоянова, Марина Кара,  Родика Пичиряну, Анжела Пихут, Ольга Христя-Стан,  Гюльнара Райляну, Ирина Щеголева. Ирина Виноградова.
Спектакли, показанные за прошедшие годы, представляют внушительную картину. У театра накопился богатый репертуар. Театральный образ в «Монастырской свадьбе» С. Прокофьева и «Колокольчике» Г. Доницетти, трагический колорит «Нормы» В. Беллини, неистовство страсти в «Сельской чести» П. Масканьи, озорные интриги из «Свадьбы Фигаро» В.-А. Моцарта – в разных ипостасях человеческих душ достигают актеры достоверного воплощения человеческих характеров и жизненных обстоятельств.
Этому способствует и работа опытных дирижёров, хормейстеров и режиссёров. Важный вклад в деятельность коллектива внесли дирижёры М. Шеппер, Исай Альтерман, Леонид Худолей. Многие страницы жизни театра связаны с именами Льва Гаврилова, Бориса Милютина, Альберта Мочалова, Иона Янаки. Им на смену в театр пришло новое поколение дирижёров,  стимулировавшее творческий рост труппы: Александру Самоилэ, Альфред Гершфельд, Михаил Сечкин, Юрий Флоря, Николае Дохотару. Ныне труппа гордится именами Андрия Юркевича, Думитру Кырчумару, Светланы Поповой, Вячеслава Обручкова.
Театр знаменит именами хормейстейров: Б. Пиккера, Г. Стрезева, В. Кондри, А. Мовилэ, М. Балана, И. Виноградского, О. Константинова.
Как известно, основу выразительных постановок составляет вклад режиссёра, чья личность определяет облик спектакля. Работы молдавских режиссёров хорошо известны  за пределами театра.  Напомним: Г. Геловани, Б. Навроцкий, Е. Пла¬тон, Б. Массини, Ю. Иванов, Э. Константинова, М. Тимофти. Выпускники ленинградской школы покойный Еуджен Платон, Элеонора  Константинова и Михай Тимофти воплотили в жизнь творческие принципы режиссёров с мировыми именами В. Фильценштейна, Б. Покровского, ставя  целью воспитание певца-актера и тенденцию идти в ногу со временем. В последние годы театр получил интересный  опыт сотрудничества  с драматическими режиссёрами Андреа Баттистини (Италия) и Александру Василаки (Молдова).
Среди заслуг Национального театра оперы и балета Молдовы имени М. Биешу следует упомянуть тот факт, что его коллектив взрастил артистов, которые впоследствии стали артистами других прославленных театров.
Театр Молдовы стал известен благодаря большому количеству постановок, которые не раз отмечались признанием общественности, хвалебными отзывами в прессе, премиями и поощрениями на известных престижных конкурсах.
В репертуаре Национального театра оперы и балета Молдовы ведущее место отдано итальянской классике. Мир героев Д. Россини («Севильский цирюльник»), В. Беллини («Норма»), Г. Доницетти ( «Лючия ди Ламмермурр», «Любовный напиток»), Д. Верди, Д. Пуччини, Р. Леонкавалло («Паяцы»), П. Масканьи («Сельская честь»), перенесённый на молдавскую сцену, стал плодородным материалом для творческой работы коллектива на протяжении многих лет.
Трогательная Аида и возвышенная Норма Марии Биешу, трагичная и жаждущая мести Азучена Тамары Алёшиной, нежная Джильда Людмилы Ерофеевой, бравый Калаф и отважный Радамес Михаила Мунтяну, несчастный и обманутый Риголетто Бориса Раисова, мужественный Граф ди Луна Владимира Драгоша и безжалостный Скарпиа Бориса Материнко – этот ряд незабываемых образов, переданных мастерами разных поколений, может быть продолжен.
Вокалисты Молдовы Мария Биешу, Михай Мунтян, Наталья Гаврилан  прошли стажировку в знаменитом театре «Ла Скала», где педагоги постоянно отмечали родство голосов молдавских певцов итальянскому бельканто. По-своему объяснил интерес театра к итальянскому репертуару режиссёр Еужен Платон: «Повышенная эмоциональность, богатые тембры, душевная искренность,  идущая от сердца к сердцу, родственны художественному темпераменту молдавских певцов». Возможно, именно благодаря этому факту состоялся дебют Марии Биешу в «Тоске», а также её блистательная победа на международном конкурсе в Токио, который в свое время принёс ей звание самой лучшей Чио-Чио-Сан в мире. Благодаря неустанным художественным поискам Марии Биешу многие итальянские произведения обрели сценическую жизнь в Молдове. Так, например, состоялась постановка оперы «Норма» В. Беллини и «Турандот» Д. Пуччини. Выдающиеся успехи в процессе постановок классических итальянских произведений были достигнуты в создании спектаклей «Адриана Лекуврер» Ф. Чилеа и «Дон Карлос» Д. Верди. 
Но ни один оперный театр не может развиваться без русской музыки. «Пиковая дама», «Евгений Онегин», «Чародейка» «Иоланта»  Петра Чайковского, «Царская невеста», «Золотой петушок», «Моцарт и Сальери» Н. Римского-Корсакова, «Князь Игорь» А. Бородина, «Сорочинская ярамарка»  М. Мусоргского, «Алеко» С. Рахманинова неизменно украшали репертуар прошедших лет. Большой успех имели также оперы французских композиторов: «Искатели жемчуга» и «Кармен» Ж. Бизе, «Фауст» Ш. Гуно, «Манон» Ж. Массне.  Английская опера была представлена концертной версией «Дидоны и Эней»  Г. Пёрселла.
Одним из самых важных направлений в деятельности театра является работа с местными авторами. Её конечным результатом становятся оперы и балетные спектакли разных жанров. Большое внимание уделяется разработке исторической тематики: «Петру Рареш» Еуджена Кауделла (1990); «Грозован», «Аурелия» (1959), «Сергей Лазо» (1980) Давида Гершфельда; «Сердце Домники» Алексея Стырчи (1960), «Александру Лэпушняну» Георге Мусти (1967). В молдавской опере появились образы литературных героев, классических и современных, для взрослых и детей: «Каса маре» Михаила Копытмана (1968), «Коза и три козленка» Златы  Ткач (1966), «Глира» Георге Няги (1974), «Дракон» Эдуарда Лазарева (1976), «Карлсон, который живёт на крыше» Альфреда Гершфельда (1988), «Пэкалэ и Тындалэ» Виталия Верхолы (1989), «Атех» Геннадия Чобану (2005).
Зрелость Национального театра оперы и балета, который накопил собственные богатые традиции, многосторонне проявляется в его современной жизни, где главная роль отводится художественным поискам. Наряду с оперными спектаклями на афиши театра выносятся такие шедевры как «Реквием» Д. Верди, «Реквием» В. А. Моцарта, «Кармина Бурана» К. Орффа, «Стабат Матер» Д. Россини, исполненные на театральной сцене и  хорошо принятые публикой. Оперные артисты выступали и с концертными программами. Циклы этих программ были представлены широкой аудитории Марией Биешу, Михаем Мунтяну, Светланой Стрезевой, Владимиром Драгош, Еленой Герман, Анастасией  Буруянэ, Петру Раковицэ и другими. Большое число артистов оперы и балета удостоились высоких наград и почетных званий.
Динамика наших дней диктует новые формы и отношения в жизни и деятельности оперного театра. В последнее время театр организовал ряд зарубежных турне. Иностранные импресарио, которые посещают театр, делают ставку на конкретный репертуар. Поэтому эти спектакли включаются в программу турне. Таким образом, театр смог представить спектакли, заказанные импресарио для лирических сцен многих стран: Италии, Франции, Румынии, Болгарии, Испании, Германии,  Португалии, Англии, Голландии и других.
Сегодня театр продолжает жить насыщенной творческой жизнью, рассчитывая на перспективы роста.  Каждый год отмечен знаменательными премьерными постановками такими, как  «Дон Жуан» В.А. Моцарта (2007), «Манон» Ж. Массне (2012), «Пиковая дама» (1965, 1983, 2016)  и «Иоланта» П. Чайковского (1979, 2005),   «Моцарт и Сальери» Н. Римского-Корсакого (1998),  «Отелло»  (1964, 1998, 2015) и «Макбет» Д. Верди (2017), «Тайный брак» Д. Чимароза (2018), «Сказки Гофмана» Ж. Оффенбаха (2018). В репертуаре появились также оперетты «Летучая мышь» И. Штрауса (1965, 2013) и «Весёлая вдова» Ф. Легара (2012). (Напомним, что в репертуаре театра уже была постановка оперетты  «Цыганский барон» И. Штрауса).
У театра есть планы, мечты. Возможно, это будет еще одна версия балета «Лучафэрул», а может «Фальстаф», «Манон Леско»,  «Симон Бокканегра»,  «Дон Паскуале», «Баядерка». Много идей витает в воздухе.
Уверенность продвижения Национального театра оперы и балета Молдовы в мире высокого искусства основывается на преодолении местных ограничений, с которыми раньше приходилось сталкиваться театру, в стремлении закрепить всё реализованное, в поддержании накопленного репертуара, в использовании потенциала каждого артиста и в пополнении коллектива новыми кадрами.
               
                Балетное искусство Молдовы

Хореографическое искусство Молдовы имеет богатые традиции, корнями уходящие в танцевальный этнос Древней Греции, Рима и народов Балкан. В Молдове всегда поддерживался большой интерес к опере и балету, но только в 1957 году появилась возможность создания профессионального театра. Для этого Ленинградская балетная школа подготовила специалистов из представителей местных кадров:  Владимир Тихонов, Петр Леонарди, Виталие Поклитару, Вера Салкутан, Клавдия Oсадчи, которые после хореографического училища имени «Вагановой» вернулись в Кишинев, чтобы обеспечить основу балетной команды. Затем в труппу была приглашена молодая балерина Галина Мелентьева и уже опытный танцор Павел Фесенко. Пермскую балетную школу представила Людмила Недремская.
Первый балетной постановкой в Молдове стал «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева в  версии хореографа Александр Протенко по источнику Р. Захарова. Роль Вацлава исполнил Владимир Тихонов, Марии - Галина Мелентьева, Хана Гирея – Павел Фесенко. Представление имело необычайный успех и продержалось на балетной сцене в течение многих лет.
Вскоре репертуар театра пополнился балетами «Тщетная предосторожность» П. Гертеля, «Штраусиана» И. Штрауса, «Лебединое озеро» П.Чайковского и «Вальпургиева ночь» Ш. Гуно.
Наряду с известными классическими опусами в театральных постановках начались поиски своего собственного стиля и, как следствие, создание национальной хореографической школы. Композитор Василий Загорский в 1960 году создаёт балет «Рассвет», реализованный в постановке хореографа В.Варковицкого. По мотивам стихотворения Михая Еминеску «Призраки» Эдуард Лазарев в 1960 году написал музыку к балету «Сломанный меч», известный в постановке хореографов К. Дречина и Н. Данилова. Партия Аральда в этом балете стала одной из лучших в репертуаре Владимира Тихонова, в роли Огня прославился Пётр Леонарди. В 1965 году был поставлен лучший  балет Эдуарда Лазарева  «Антоний и Клеопатра», имевший  громкий успех как в Молдове, так и на сцене Большого театра СССР. В 1970 появились также балетные «Арабески» Эдуарда Лазарева. Весьма важен вклад Златы Ткач, создавшей балет для детей «Андриеш» по произведениям Емелиана Букова в 1979.
Период расцвета Молдавского театра оперы и балета тесно связан с именем хореографа Марата Газиева, сумевшего объединить в один коллектив представителей не только Молдавии, но и Украины, что  в итоге обеспечило высокий профессиональный уровень всего коллектива.
 Газиев поставил «Сонеты» на музыку Б. Бриттена и «Арабески» на музыку Эдуарда Лазарева. Ему также принадлежат достижения в классических постановках: «Сильфида», «Баядерка». Заслуги Марата Мусаевича очевидны на примере возобновления балета Э. Лазарева «Антоний и Клеопатра», а также формирования таких великолепных мастеров балета В. Гелберт, В. Щепачёв, О. Гурьевская, О. Ионел и другие.
Интерпретация  балета «Баядерка» является сложной задачей, и в этом спектакле особое признание публики получили В. Щепачёв, Р. Потехиина, А. Михалаки, В. Гелберт.  Следует вспомнить и балетмейстера Татьяну Легат, сумевшую достойно осуществить эту постановку на молдавской сцене. 
Первое десятилетие становления профессиональной балетной плеяды стало временем творческого подъема, когда каждое новое представление становилось большим событием. Начались балетные туры в Болгарию, Москву и Киев. Любители музыки с нетерпением ждали встречи с такими мастерами, как Петр Леонарди, Владимир Тихонов, Розита Потехина, Александра Михалаки и другие.
Со временем Кишинев  стал балетным центром, его посетили такие  знаменитости, как Владимир Васильев и Екатерина Максимова, Елена Рябинкина, Раиса Стручкова, Андрей Уваров, Людмила Семеняка, Борис Ефимов, Николая Цискаридзе, Морихиро Ивата. 
Новая постановка балет «Кармен-сюита» Ж. Бизе-Р.Щедрина состоялась в Кишинёве 1971 году и продемонстрировал высокое мастерство  Галины Мелентьевой, известной также в партиях Одетты-Одилии, Феи Зимы и  Клеопатры. На молдавской сцене появились также балеты  «Тропою грома» Кара Караева (1961) и «Барышня и хулиган» Дмитрия Шостаковича (1968),
В 1964 году, возвратившись в родной город после окончания Московского хореографического училища, молодой Михаил Кафтанат становится ведущим солистом театра. Его лучшая партия в то время - Принц Дезире в «Спящей красавице» П. Чайковского
Театр оперы и балета в Кишиневе стремится, прежде всего, сформировать классический репертуар, без которого невозможна реальная драма на сцене. Основной репертуар театра формируется из традиционных балетов: «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик», «Жизель», «Сильфида», «Коппелия» и т.д.    
Балет «Щелкунчик» П. Чайковского оказался особым фаворитом нашей публики. И это прямое  влияние московской балетной школы в знаменитой хореографии Юрия Григоровича (в подготовке спектакля участвовала также Наталья Бессмертнова, декорации Симона Вирсаладзе). Премьера современной версии  состоялась в 1998 году, и она по сей день имеет колоссальный успех!
В 1983 году состоялась премьера балета Евгения Доги «Лучафэрул» по одноименной поэме Михая Эминеску - последнего из великих романтиков  XX столетия. Утончённость и философская глубина поэзии Еминеску обусловила поэме статус шедевра мировой литературы. Сложность поэтической вселенной, переплетающаяся с уникальной прозрачностью поэзии Эминеску, оказалось весьма неоднозначной для музыкально-сценического решения поэмы «Лучафэрул». Это первая работа в жанре балета для композитора Евгения Доги, в которой автор объединил принципы классических симфонических и национальных музыкальных традиций. В. Щепачев, В.Гелберт, О. Гурьевская  и А. Александров, воплотившие главные образы балета, справились с творческой задачей  как истинные мастера сцены.
Первое представление балета «Лучафэрул» по либретто Эмиля Лотяну состоялось 6 июня 1983 года в постановке киевского балетмейстера Валерия Ковтуна. Позже
был снят и одноименный музыкальный фильм-балет на студии «Молдова-филм». Вторая постановка этого же балета состоялась в 2007 году в версии балетмейстера Георгия Ковтуна из Санкт-Петербурга, сумевшего синтезировать классические и самые современные течения в хореографии. Во второй постановке в главных партиях выступили танцовщики Кристина и Алексей Терентьевы, Мария Полюдова и Владимир Статный.
Наряду с классическими балетами, репертуар театра включает в себя современные спектакли, такие как «Белоснежка и семь гномов» по Б. Павловскому (под редакцией Г. Майорова), «Ромео и Джульетта» С. Прокофьева, а также «Принц и нищий» Н.Симонян  в постановке талантливого хореографа Еуджена Гырнеца.
Национальная опера Молдовы известна такими именами, как: Михаил Кафтанат – танцовщик-постановщик.  Еуджен Гырнец – хореограф,  Ольга Гурьевская - педагог-репетитор. Среди её учеников артисты Aнастасия Хомицкая, Владимир Статный, Алексей Терентьев, Кристина Терентьева, Раду Думиникэ, Николай Балан, Светлана Балта. Особый вклад в историю молдавского балета внесла ветеран сцены педагог-репетитор Тамара Подаруева.
Театр вправе гордиться  плеядой талантливых танцовщиков, создавшей неповторимый имидж современной труппы Национальной оперы имени Марии Биешу. Это солисты: Надежда и Егор Щепачевы, Кристина и Алексей Терентьев, Андрей Литвинов, Геннадий Бэдикэ, Анастасия Хомицкая, Надежда Котец, Владимир Статный и Мария Полюдова, Сергей Василица, Владимир Бондаренко, Игорь Герчиу, Александр Балан, Евгений Ткач.  Они – слава молдавского балета, блистательное созвездие личностей, сумевших не только продолжить, но и приумножить славу молдавской хореографии.
Балетная труппа Национального театра оперы и балета имени Марии Биешу создала нескольких поколений хореографов и танцовщиков, команду высококвалифицированных талантливых профессионалов. Это иллюстрируют результаты гастрольных туров в России, Лаосе, Вьетнаме, Болгарии, Италии, Румынии, Англии, Швейцарии, высоко оцененные театральными критиками этих стран. Балетная труппа театра полна энергии, идей и творческого горения осваивать все новые спектакли. Наш балет любим публикой и всегда собирает полные залы.
Влияние Ленинградской балетной школы, изначально сформировавшей стилистику нашего балета, сказалось в еще одной этапной постановке нашего театра. Это балет «Спартак» Арама Хачатуряна в версии ленинградского хореографа Игоря Чернышёва. В 1972 году Чернышёв ставит «Спартак» в Одессе. Затем становится Главным балетмейстером Молдавского театра оперы и балета. И ставит балет Хачатуряна в Кишиневе в 1975 году.  В июне 2016 года наша труппа восстановила на сцене театра «Спартак» 1975 года, что возымело большой резонанс.
Балеты «Антония и Клеопатра» (1968, Ленинградский Малый оперный театр) и «Спартак» в постановке Чернышёва важными этапами в становлении современного балета. И это очень важно, потому что репертуар нашей труппы – балетная классика!
Можно смело утверждать, что мировая современная хореография весьма интересно развивалась благодаря двум представителям Молдовы - Борису Эйфману и Раду Поклитару. Они сформировали  два пути развития балета второй половины ХХ  и ХХI века.  Оба начинали в Молдавском театре оперы и балеты и продолжили свой творческий путь в других странах. Оба создали уникальные  балетные коллективы - Государственный академический театр балета Бориса Эйфмана в Санкт-Петербурге и  Киев модерн-балет Раду Поклитару  в Киеве.  Это яркие мастера сцены, «говорящие» экспрессивно-смелым языком современной хореографии - импульсивные в своей южной колористике и неповторимые в постановочном темпераменте. Борис Эйфман и Раду Поклитару – хореографы–новаторы, и Молдова заслуженно гордится их достижениями! Оба сумели оставить неизгладимый след в истории мировой хореографии, осуществив более 40 постановок каждый!
Покинув родные пенаты, они не прерывали связь с Родиной. К 50-летию в 2007 году Национальной оперы Молдовы Борис Эйфман поставил свой знаменитый «Реквием» на музыку В.А. Моцарта на сцене нашего театра. В 2017 Эйфман привез в Кишинёв свой знаменитый балет «Братья Карамазовы».
Сын  известной балетной пары Людмилы Недремской и Виталия Поклитару, Раду Поклитару  в короткий срок сумел поставить  колоссальное количество балетов в самых различных жанрах и городах: Кишиневе, Киеве, Риге, Москве, Перми и др. Начав свой балетный путь как танцовщик Белорусском театре оперы и балета,  в 2001-2002 годах он  приглашен на должность главного балетмейстера в Национальный театр оперы и балета Молдовы.
«Кишиневский период» в творчестве хореографа весьма результативен. Под руководством Поклитару постановки классических балетов преобразились: труппа стала динамичней, легче, работала с большим энтузиазмом. Молдавских танцовщиков  стали чаще приглашать в зарубежные турне. Мария Полюдова, Андрей Литвинов, Егор и Надежда Щепачевы стали победителями международных конкурсов именно в постановках Поклитару.
Благодаря Раду Поклитару молдавская балетная труппа успешно работает в современной пластике и впервые столкнулись с новейшей балетной драматургией. Поклитару совершил настоящий переворот в нашей традиционной стилистике исполнения, за что мы ему весьма признательны.
Раду Витальевич запомнился Молдове  вечерами современной хореографии и  изобретательными миниатюрами, поставленными в Кишиневе: «Безделушка» Б. Мак-Феррина (1999), «Отчалившая Русь» Г.Свиридова (2001), «Чокырлия» (2001), «Плач Христа», «Три румынские песни» (2002). В Молдове он поставил и более крупные композиции: «Болеро» и «Вальс» М.Равеля, «Кармен» Ж. Бизе  и « Quo Vadis». В июне 2005 тоже в Кишиневе состоялась премьера монооперы Геннадия Чобану «Атех или откровения принцессы хазарской» с внедрением хореографии Раду Поклитару и режиссуры Петру Вуткарэу.
Раду Поклитару – частый гость кишинёвских сцен. Его труппа «Киев модерн- балет» не раз выступала на фестивалях Марии Биешу, «Мэрцишор» и  «Бьеннале театра Ионеско» с балетами «Щелкунчик», «Веронский миф. Шексперименты», «Кармен», «Underground»,  «Лебединое озеро», «Жизель», «Дождь», «Палата №6» и др. 
В 2012 в Молдове была издана книга известного музыковеда Елены УЗУН «Раду Поклитару. Свободный танец», ставшая первым автобиографическим исследованием 16 балетных постановок мастера постмодернизма.  В 2018 года Елена продолжила освещение еще 7 премьер хореографа в книге «Перекрестки судьбы».
В 2016 году Раду Витальевичу присудили звание Народного артиста Молдовы.  11 марта 2015 года Раду Поклитару поставил балет «Гамлет» в Большом театре России и в конце прошлого года он поставил «Симфонию в трех движениях» Игоря Стравинского в Мариинском  театре  в сотрудничестве с дирижером Валерием Гергиевым, чем окончательно утвердился в позиции одного из самых известных хореографов мира!

                ПЕРСОНЫ               
               
           Судьба певца: мой отец Степан Дмитриевич УЗУН

Я, Елена УЗУН – хорошо известный в Молдове музыкальный критик. Но не все знают, что мои творческие пристрастия были предопределены профессией отца. Папа – Узун Степан Дмитриевич, гагауз по национальности, родился в 1928 году в Молдавии в самом большом селе Европы – Конгаз. Село с историей - в 2019 году Конгаз отметит свое 208-летие! Мой дед, Узун Дмитрий, был асфальтоукладчиком и не мог дать особого образования сыну, тем более, в голодные 1940-е годы, когда дети в семье подросли, и надо было определяться, кем стать в жизни. Именно тогда семья Узун уезжает в Абхазию.
Степан Узун начинает свой трудовой стаж в 1947 году в Керчи – вначале токарем на заводе «Керчь металлургстрой», затем такелажником и судосборщиком на заводе имени Серго Оржоникидзе. В 1953 году с завода пришлось уволиться из-за проблем со зрением. И он решил прослушаться на должность певца хора в знаменитый Ансамбль песни и пляски Черноморского Флота, куда его тут же взяли за прекрасный лирический тенор, весьма органично звучавший в хоровом ансамбле. Так с 25 лет пение в хоре стало главным делом жизни Степана Дмитриевича Узуна, хотя специального музыкального образования он так и не получил.
Вернувшись в Кишинёв в 1955 году, Степан устроился работать в знаменитую хоровую капеллу «Дойна» при Молдавской филармонии, которой тогда руководил Владимир Минин, затем Вероника Гарштя. В 1968 поступил на работу в хор Молдавского театра оперы и балета, где прослужил 20 лет.
Любил он музыку всегда и с большим пристрастием собирал книги и виниловые пластинки  известных вокалистов мира. По словам солистов Национальной оперы Молдовы, знаю, что он прекрасно разбирался в тонкостях вокала и даже давал советы зрелым мастерам сцены. То есть был талантливым самородком, которому судьба улыбнулась, дав возможность реализоваться в довольно солидных музыкальных учреждениях.
    У многих певцов старшего поколения судьбы складывались непредсказуемо. Поначалу не думали о вокале – пели для души в школьной или заводской самодеятельности. Мой отец так же, как Владимир Закликовский и Владимир Драгош, начинал с производственной сферы. Так было и с Борисом Материнко, который получил диплом портного мужской одежды. Иван Кваснюк начинал как математик. Но каким-то волшебным образом судьба либо создавала препятствия на уже существующем пути, либо посылала умных советчиков, направлявших способных молодых людей к их истинному предназначению. В любом случае, рождённые для оперной сцены, попадали именно туда, где им было суждено реализоваться творчески! Согласитесь, это очень интересно, и у меня создается впечатление, что оперный театр обладает могучей амплитудой притяжения, против которой устоять не реально.
Поэтому я обратилась к коллегам из оперной труппы Молдовы с просьбой рассказать о моем отце. Они прошли долгий совместный творческий путь. и многое пережили вместе.
Народный артист Молдовы Владимир Федорович Драгош
-  Я помню Степана Узуна как большого фаната оперного вокала. Он постоянно коллекционировал книги, пластинки и, в принципе, всю последнюю информацию о лучших вокалистах мира и о новых мировых постановках. Одним словом, он всегда был в курсе последних оперных новостей в мире. Более того, анализировал, кто как поёт. Разбирался в пении во всех нюансах и тонкостях! И даже нам ведущим вокалистам давал вполне дельные и уместные советы, к которым мы, будучи несколько помладше годами, охотно прислушивались. Человек он был добрый, внимательный, дружелюбный и творческий. У Степана Дмитриевича был прекрасный тенор, и он до последних лет держал голос в форме - был костяком группы теноров театра! Любил сцену и очень серьезно относился к трактовке своих персонажей.
Заслуженный артист Молдовы Борис Васильевич Материнко
-  Степана Дмитриевича помню прекрасно – хороший был тенор, заметный, крепкий. Он жил театром и был тонким прогрессивным музыкантом. Мы уважали его за честность, принципиальность, корректность и творчески-неравнодушное отношение к делу и к людям в коллективе. Всему, чего он достиг, обязан был только самому себе. Степан Узун был редким примером постоянного самосовершенствования и самообразования, чего я бы пожелал и молодым исполнителям. Всегда был в курсе творческих новостей ведущих театров мира. Был весьма эрудированным человеком, и нас снабжал новейшей информацией о ведущих оперных театрах мира.
Народный артист Молдовы Владимир Павлович Закликовский
-  Со Степаном Дмитриевичем мы входили в теноровую группу театра, и нам было о чем поговорить, поделиться впечатлениями. Он был мудрым, доброжелательным наставником для нашего поколения. Всегда понимал, поддерживал в нужный момент. Умел тактично отметить достоинства и недостатки, чем очень помогал в работе.
Судя по высказываниям коллег, мой отец не только обожал оперную музыку и знал все о великих певцах ХХ века. Он был в курсе новейшей мировой оперной истории, просвещал и наставлял молодых коллег-вокалистов, чем подсознательно предвосхитил мою службу в театре в качестве музыкального критика. Знает оперный театр, кого к себе притянуть и как выстроить судьбу людей, способствующих его прогрессу и творческому развитию!            

                Тамара Алёшина-Александрова

Знаменитое  меццо-сопрано Тамара Григорьевна Алешина-Александрова оставила неизгладимый след в истории молдавской оперной сцены. Родилась певица  в 1928 году в Харькове на Украине. По окончании харьковской консерватории стала солисткой Молдавского театра оперы и балета. С 1969 года преподавала пение в Молдавском институте имени Г. Музическу. С 1978  – заведующая кафедрой вокала, в 1981
 - доцент. В 1967 Алешина получила звание Народной артистки Молдавской ССР, а в 1976  - Народной артистки СССР. Умерла 24 декабря 1996 года в возрасте 68 лет в Кишинёве.
    До семидесяти лет Тамара Григорьевна не дожила лишь года полтора, но дай Бог каждому такую яркую артистическую судьбу. За 40 лет существования молдавской оперы это было самое мощное меццо-сопрано с колоссальным звуковым диапазоном и драматическим дарованием. Достаточно вспомнить тот факт, что она была удостоена звания Народной артистки СССР, её, как и Марию Биешу, звали петь в Большой театр, в Москву! И не просто петь, а остаться и работать в московской труппе. 
    «В Москве и Ленинграде Алёшину признали лучшей исполнительницей партии Азучены в «Трубадeре» Д. Верди, - вспоминал Главный режиссер молдавской оперы Еуджен Платон. – Её Ольга в «Евгении Онегине», Графиня в «Пиковой даме», Любаша в «Царской невесте»,  Кармен, Аида и Амнерис, Княгиня в «Чародейке» были не только выразительны и потрясающе убедительны.  Искусство Алёшиной отличали особая гражданственность и актуальность. Ее роли были поразительно современны и чутко перекликались с проблемами нынешних поколений. Хороших голосов я на своём веку слышал немало, но творчество Алёшиной уникально благодаря сплаву вечного и современного, подтверждая давнюю истину, что искусство вне времени не бывает.  Коллектив её очень любил - так и называли «наша Тамара». И,  несмотря на то, что родом она была с Украины, стала истинной патриоткой молдавской оперы. Алёшина настолько вросла в театр, что никакие, казалось бы, более престижные предложения не убедили её расстаться с родным любимым коллективом.  Более того, она создала  ряд интересных образов  в операх молдавских авторов: Ольга в «Героической балладе» А. Стырчи,  Кэтэлина в «Аурелии» и Роксанда в «Грозоване» Д. Гершфельда».               
   Украинская певица пришла в молдавскую оперу, решив, что в молодом формирующемся театре будет интереснее, и сразу стала одной из ведущих солисток. Начинала вместе с Василием Третьяком, Валентиной Савицкой, Фёдором Кузьминовым, Виктором Куриным, Полиной Ботезат, Людмилой Ерофеевой, Анной Шевченко, Николаем Башкатовым, Борисом Раисовым и Кирой Горлач. Это было первое поколение певцов-энтузиастов, очень дружное, единое в своих устремлениях и фактически определившее имидж театра.
    «Алёшина была смелой, решительной, не боялась новых ролей и трудных партий, много сил отдавала общественной работе, была в Президиуме Театрального общества, успешно преподавала и меня привлекла к педагогике, - признаётся Народный артист Молдовы Владимир Драгош. – Аристократка, интеллектуалка, очень принципиальная, требовательная к себе и коллегам по сцене, она учила студентов не подражать, а искать свои краски, нюансы, хотя такой, как она, быть трудно. Её мощный трагедийный талант, безусловно, свойство врождённое. Подражать можно было скорее её преданности делу и профессиональной гордости. На таких именах театр держался, её актерская сила создавала своего рода электрическое поле, мгновенно преображающее всю сцену, хотя она не подавляла, а вела за собой, вдохновляя своим примером. Мнение Алёшиной было очень авторитетным, но, ни в коем случае, не авторитарным».
    Она получила прекрасную вокальную школу и не терпела вольностей в стиле, строго следовала академическим правилам. В то же время, умела постоянно быть интересной, импровизировала на сцене.  «Это только кажется, что артист поёт одно и то же, - размышляла певица. - У меня своё правило – каждый спектакль начинать так, как будто я свою роль до конца не представляю. Эта игра – часть моего профессионализма. И, конечно, часть характера: мне действительно любопытно, как поведёт себя моя героиня.
А ещё больше – окружающие её герои. Ведь это всегда почва для неожиданностей, особенно если партнёр – живой ищущий певец».
    «Алёшина – это глыба, и, если провести аналогию с живописью, то это мастер крупного мазка. Она именно оперная певица, умевшая подчинить себе публику благодаря редкому сплаву сильнейшей актерской экспрессии, точной эмоциональной  выразительности и глубокого знания законов музыкальной драматургии, - отмечает коллега и однофамилица Тамары Григорьевны Людмила Алёшина. – Когда приходит молодёжь в театр, мы говорим: ну, распоётся со временем, научится. Алёшина сразу заявила о себе и, подобно локомотиву, тянула на себе весь спектакль. На неё равнялись, рядом с ней халтура была непозволительна. Её ученики поют в Кишиневе, Испании, Киеве, Констанце. Алёшина влияла на молодежь, главным образом, как личность – яркая, эрудированная, величественная и очень сценичная».
    Сохранились высказывания Тамары Григорьевны об оперном искусстве, по сей день актуальные и поучительные.
-  Труд оперного певца – это «сладкая каторга», а сама опера – искусство мудрое и заслуженное, вдохновенное и загадочное…
-  Опера – это неповторимый взгляд на жизнь во всем её переменчивом многообразии.
В опере действуют, во всяком случае, должны действовать живые люди, а не персонажи. Я не исключаю интереса публики к выступлению того или иного артиста. Но главная причина  интереса к знакомым операм в неисчерпаемости богатства мыслей и чувств, рождаемых оперным представлением в целом - звучанием оркестра, пением солистов, хора, работой художника…
- Меня всегда настораживала слишком активная режиссура в опере. Мне видится за этим какая-то угроза композитору. Какое-то ущемление его власти. Возможно, я в чём-то слишком традиционна или старомодна. Но я в опере молюсь только двум богам – композитору и режиссёру. Так было и в борьбе за мою Кармен. Особенности характера, ведущие к гибели. Какие они? Нет, дело не только в демонических страстях. Мне не хотелось делать ее «роковой женщиной». Кармен лукава, жизнелюбива, а временами и возвышенно лирична. Удивительный образ! Всё время в резких внезапных переходах, сменах настроений, в эмоциональных взрывах. Кармен любит глубоко страстно, самозабвенно, гордо и красиво. Так и умирает. Всё это есть в гениальной музыке Бизе.
    Я  не отвергаю режиссуру. Но я за то, чтобы режиссёр помогал зрителям волноваться  открытиями в музыке,  в композиторском мышлении.  В них масса неожиданностей, поиски ради максимального раскрытия знакомой, но всегда в чём-то новой музыки
и через неё характера героя…
- В искусстве понимать, значит, уметь. Когда этого соответствия нет – нет и искусства. Уметь для меня значит с самого начала точно взвесить свои профессиональные возможности. Надёжны ли мои конкретные знания предмета, скажем, истории нравов, обычаев народа, о котором рассказывает опера? Все ли понятно в либретто? Верно ли я ощущаю стилистику автора, понятны ли  мне вокально-драматические задачи? С таких вопросов начинается путь к образу. Но одно дело понять, каким путём идти к нему, а другое – суметь это сделать…
- В моих работах  часто отмечали сочетание ясности формы. То есть классики с романтической приподнятостью чувств. Я, действительно, стараюсь в каждой роли сочетать и то, и другое. И если к вокальной стороне образа отношусь преимущественно как «классик», то к драматургической - как «романтик»… Мне импонируют актеры страстные, открытые, это не значит, что я противница творческого самоконтроля. Я – за ясность и чистоту, искренность рисунка любой роли. Выражение самой бурной эмоции окажется самым поверхностным, будет коробить своей прямолинейностью, если чувство не проверяется художественным интеллектом.
 www.belcanto.ru -2012               

                Людмила Ерофеева

Людмила Васильевна Ерофеева - молдавская советская певица, лирико-колоратурное сопрано, стоявшая у истоков профессионального музыкального театра в Молдавии. Ерофеева принадлежит к числу тех певиц, которые в советские годы, обладая высоким классом мастерства,  не сделали головокружительной карьеры, оставаясь сравнительно малоизвестной даже в СССР, не говоря уж о Западе, несмотря на звания и регалии. Творческая жизнь артистки Ерофеевой была полностью отдана служению одному
театру – Кишинёвской Опере.
    Людмила Ерофеева родилась 13 сентября 1937 года в тогдашнем Калинине, в древней Твери. Окончила Калининскую детскую музыкальную школу им. М. Мусоргского (1951) и Калининское музыкально-педагогическое училище (1955). В 1960 году окончила Государственный музыкально-педагогический институт имени Гнесиных в Москве по классу Н. А. Вербовой, в том же году стала солисткой Молдавского театра оперы и балета в Кишинёве. Гастролировала в Великобритании, Египте, Болгарии и других странах, пела во многих театрах СССР, неоднократно выступала в родном Калинине.   
    Среди основных партий Ерофеевой — Марфа в «Царской невесте» Н. Римского-Корсакова, Розина в «Севильском цирюльнике» Д. Россини, Виолетта, Дездемона и Леонора в операх Д. Верди «Травиата», «Отелло» и «Трубадур», Маргарита в «Фаусте» Ш. Гуно. В 1976 году Людмила Ерофеева была удостоена высокого звания народной артистки СССР.  Умерла 11 марта 2003 году в столице уже независимой Молдавии Кишинёве в возрасте 65 лет.
    «Вокально-сценические образы, созданные Людмилой Ерофеевой, ярко индивидуальны и не схожи между собой, но всех их объединяет глубокая человечность и правдивость, - отмечала музыковед Елена Абрамович. - Среди множества сыгранных ролей самыми значительными, самыми близкими сердцу Людмилы Ерофеевой стали Виолетта, Марфа и Розина. Ерофеева-Розина была обворожительна и скромна. Она сразу покорила зрителей лукавством, обаянием и женственностью. Голос лился свободно и широко, и певица продемонстрировала отличную кантилену и сочное яркое звучание верхних нот. Виртуозным колоратурам Ерофеева придала выражение лукавства, жизнелюбия и веселья...
    Виолетта-Ерофеева – любящая страдающая женщина. Актриса раскрывает целую гамму переживаний Виолетты – от мучительной тревоги к протесту, через душевное смятение к мужественной решимости. В сцене последней встречи с Альфредом Людмила Ерофеева достигает глубоко драматизма. Виолетта смертельно больна. Актриса не подчёркивает внешних признаков болезни, а показывает внутренний мир своей героини, надломленный тягостными переживаниями, убитой горем. В музыкальную канву арий она вкрапливает полуразговорные интонации, очень тихие и нежные, несколько замедленные. Певица сумела создать полный жизненной правды образ героини, прекрасной в своем чувстве, вечном, как сама жизнь. Марфа у Ерофеевой — подлинно русский характер, трагедия которого порождена рабским положением женщин в эпоху Ивана Грозного. Марфа-Ерофеева словно ожившая из старинной русской песни девушка, статная красавица, кроткая и нежная, излучающая обаяние юности. Безоблачен внутренний мир Марфы: она самозабвенно любит своего жениха, мечтает о счастье, вспоминает о беззаботном детстве и не подозревает о роковых событиях, которые разворачиваются вокруг неё».
    В своей книге «Людмила Ерофеева» 1989 года музыковед Зиновий Столяр рассказывает: «Ерофеевой повезло. Одной из первых на афише Молдавского театра появилась опера «Риголетто» Д. Верди. Спектакль был поставлен в 1957 году. В трактовке Ерофеевой переживания Джильды предстали не кукольными страстями, а подлинной жизненной трагедией. Её первой самостоятельной работой стала Фраскита в «Кармен» Бизе. И уже в этой партии чувствовалось, что в театр пришла певица с ярко выраженной индивидуальностью».
    Первой опереттой на молдавской сцене стал «Цыганский барон». «Работа над образом беззаботной, избалованной дочки сельского богатея, — рассказывает Людмила Васильевна, — была нелегкой. Музыка Штрауса изобилует виртуозными фиоритурами, высокими нотами, скрытыми динамическими звучаниями оркестра. Большое значение в оперетте приобретает умение владеть техникой разговорного речитатива. Оперетта есть оперетта!»
    После весёлой и жизнерадостной Арсены лирико-трагедийный образ Дездемоны в опере «Отелло» Верди стал серьёзным испытанием в сценической жизни Ерофеевой. Новая работа требовала от неё крутого поворота, резкой смены психологии, ощущений и поступков действующего лица, перехода от одного проявления человеческого характера к крайне противоположному… Её Дездемона – тонкая, нежная, чуть замкнутая – воплощение высокой идеи самопожертвования. Она не щадит жизни, чтобы убедить любимого человека в своей верности. Ерофеева пела очень просто, предельно искренно, без нажима и это более всего убеждало в правде чувств.
    Большой творческой удачей стала Маргарита Ерофеевой в «Фаусте» Гуно, в образе которой яркая жизнерадостность органично сочеталась с взволнованными, трагически окрашенными эпизодами последних картин. Её Маргарита – хрупка, это чистая душа. А грудной, очень тёплый голос умел выразить смущение, восторг, удивление и глубину разгоревшегося чувства к Фаусту, ужас прозрения своей вины в смерти брата.
    Разнообразие вокальных и актерских красок – характерная черта певицы. Постепенно, начиная со сцены дуэли и смерти Валентина, Ерофеева переводит действие в трагическую сферу, которая достигает кульминации в сцене безумия Маргариты. Памятным сюрпризом для кишиневской публики стало появление в репертуаре Молдавской оперы «Искателей жемчуга» Бизе. Постановщиков привлекала зрелищность, экзотическая красочность сюжета, включающего занимательную интригу и возможность работать над малоизвестным широкой публике произведением в расчёте на то, что само это должно привлечь внимание. Чарующе призывно звучало сопрано певицы в партии Лейлы. Блестяще исполняя сложнейшие пассажи, она держалась на сцене свободно и естественно. Буря чувств отражается в её голосе, мимике лица, жестах рук, то умоляющих, то гордо отталкивающих. В её склоненной позе видишь и скорбь, и отчаяние, и непреклонную решимость бороться за счастье.
 
К 30-летию Победы в Великой Отечественной войне Молдавский театр подготовил оперу «А зори здесь тихие» К. Молчанова. И стало ясно, что Людмила не из тех певиц, которые во всем согласны с дирижёром. Ерофеева — думающий художник, она самостоятельно осмысливает образ и отстаивает свою точку зрения.
    Певица так рассказала о своей работе над образом Сони Гурвич: «Эта роль принесла мне огромное творческое удовлетворение – я ведь впервые встретилась на сцене со своей современницей. Я сама переживала ужасы войны, бомбежки, близость смертельной опасности. Мне были очень близки эти девчонки – Соня и её подруги, их судьбы и ненависть врагу. И мне казалось, что, играя этот спектакль, я нахожусь в реальной ситуации».
    Последующие годы творческий путь Ерофеевой отмечен работой над двумя операми Пуччини – «Богема» и «Турандот». Партия невольницы Лиу стала заметным явлением на молдавской оперной сцене. Пела Людмила и партию самой Турандот, но в творческой биографии артистки она не ставила заметного следа. А вот Мюзетта в «Богеме» стала её главной победой – колоритный и рельефный образ, имеющий большое значение в сложной психологической коллизии сценического действия. Интересно, остро рисует свою Мюзетту Ерофеева. Прекрасная внешность, свободная пластика, чудесный голос - всё вместе рождает ощущение очарования это своенравной и по сути несчастной девушки.
    В 1980-е годы Ерофеева участвовала в постановках опер «Дуэнья» Прокофьева и «Маркитантка» Кортеса. И, если в работе над Прокофьевым можно было опираться на опыт других театров и накопленные в этом плане традиции, то в сценическим воплощении оперы белорусского автора всё приходилось делать изначально и самостоятельно.
    Не раз обращалась певица и к произведениям русской музыки, исполняя арии из опер Н. Римского-Корсакого «Садко», «Снегурочка, «Сказка о царе Салтане», «Золотой петушок» и «Сорочинская ярмарка» Мусоргского. Богат и разнообразен был её камерный репертуар, которым она покорила концертные залы у себя на Родине и за рубежом. Творческие успехи певицы получили различные формы признания: медали, грамоты, лауреатские дипломы, и конечно,  самое главное и вполне заслуженное — звание Народной артистки СССР!»
www.belcanto.ru -2012

               
               
                Страхи и радости королевы сцены.
                Интервью с Еленой Образцовой

На оперном «Мэрцишоре-2013» самой ожидаемой была встреча с великой певицей Еленой Образцовой, посетившей Молдову после длительного перерыва.  Милая, трогательная, но всё такая же статная, необыкновенная – королева сцены! Спела несколько камерных вещей на французском, сцены из «Пиковой дамы» Чайковского и «Периколы» Оффенбаха, и, конечно, «Аве Марию» Каччини в память о Марии Биешу. Романтичная, нежная, утонченная, утопающая в роскоши своего  шикарного меццо-сопрано, Образцова и сейчас доступно-проста в общении, как все именитые оперные дивы. Тем более, что выступила она в тёплом семейном окружении вместе со своей дочерью певицей Еленой Макаровой, стажировавшейся у самой Монсеррат Кабалье.
- Елена Васильевна, сколько лет Вы не были в Молдове?
- Уже и не припомню, но точно скажу, что «Сельскую честь» я здесь пела впервые в 1971 году.
- На фестиваль «Приглашает Мария Биешу» приезжали?
- Нет, а на «Мэрцишоре»  бывала,  как и в этом году…
- Вы дружили с Марией Лукьяновной?
- Мы часто встречались и на разных сценах. Пели вместе «Пиковую даму». Часто виделись в Москве, Мария и в гостях у меня бывала. В жюри много раз сидели вместе. Я очень Машу любила, потому что она была женщина открытая, откровенная – такая, как есть. И могла себе это позволить, потому что состоялась как личность, ей не надо было казаться и создавать какие-то имиджи
- На концерте Вы исполнили «Сцену смерти Графини» из «Пиковой дамы». В Большом Вы тоже её поёте в новой постановке?

- Новая версия «Пиковой дамы» мне не нравится. Руководство театра обещает восстановить её в прежней версии, что меня утешает
- Помню Вашу Эболи в «Дон-Карлосе» - это было потрясающе…
- Я также очень люблю Марфу в «Хованщине», Амнерис в «Аиде», Азучену в «Трубадуре»…
- Вы столько лет на сцене – как  меняются ощущения певицы со временем?
- Вначале страх жуткий – вдруг что-нибудь не получится, как тебе хочется. Стремишься петь очень громко, ярко и показать свой голос! Потом идёт углубление в музыку, какие-то тонкие нюансы хочется сделать и передать свой жизненный образ в исполнении. Когда достигаешь  апофеоза, (певица скромно усмехнулась), начинаются страхи. Ведь нужно удержаться на заявленном уровне, и опять страхи -  а вдруг не хватит дыхания, здоровья, вдруг скажут, вот бабка, чего вылезает, сидела бы уж на пенсии. Поэтому каждый выход на сцену – это самоутверждение и желание остаться на уровне.
- В советские времена была блистательная плеяда вокалистов: Вы, Вишневская, Архипова, Нестеренко. И сейчас много талантливых вокалистов в России. Но почему уровень Вашей славы остается недосягаемым?
- Потому что нет персоналий – поют ноты, а не музыку. А чтобы петь музыку, во-первых, надо быть поцелованной Боженькой, очень много знать и читать. Надо знать литературу, историю, живопись.
- Сейчас не знают?
- Не знают и книг не читают, сидят в компьютерах и всё, что очень жалко. Потом, мы многое пережили с самого девства, я-то с младенчества пережила блокаду в Ленинграде. Мы знали цену жизни, были очень бедными, жили плохо, сурово, цеплялись за жизнь, как могли. И поэтому у нас понятие жизни другое, чем сейчас – более сущностное, глубокое.
- А кто Вам нравится из молодых певиц России?
- Юлия Лежнева. Она колоратура с колоссальным диапазоном. Сейчас она поёт во всем мире и очень хороша в интерпретации музыки барокко.
 Панорама, март 2013

                Певица, стоявшая у истоков театра

В 2012 году Национальному театру оперы и балета имени Марии Биешу исполнилось пятьдесят пять лет. Одновременно с этим юбилеем оперная труппа 9 октября отметила ещё одно важное событие – 85-летие певицы Валентины Савицкой.
    В концерте  «Виват, Валентина Савицкая» приняли участие солисты, хор и оркестр под управлением Рэзвана Чернат. Прозвучали произведения Верди, Пуччини, Римского-Корсакова,  Гершфельда,  Гуно,  Доницетти, Карла Орфа.
    Народная артистка Молдовы  Валентина Савельевна Савицкая  родилась в 1927 году. Первые её творческие шаги начались с 1947 года на радио. В 1954 году молодая певица закончила Кишинёвскую консерваторию по классу Давида Гершфельда и Лидии Бабич.  В 1952-56 годы  работала в Молдавском музыкально-драматическом театре. А когда в 1956 году Давид Гершфельд поставил в театре оперы и балета свой первый национальный спектакль «Грозован», Валентина стала солисткой новой музыкальной труппы в Молдове.   
     Валентина Савицкая  - Лауреат 1-ой премии Международного фестиваля молодёжи и студентов в Варшаве (1955) и 2-й премии в Москве (1957). Среди известных партий в её исполнении: поражающая своей душевной чистотой Марфа в «Царской невесте», женственная Дездемона в «Отелло», наивно-безропотная Микаэла в «Кармен», страдающая Виолетта в «Травиате», юная  Маргарита в «Фаусте», по-детски доверчивая Джильда в «Риголетто», покорная судьбе Мими в «Богеме».  И, конечно, Флорика в «Грозоване», ставшая визитной карточкой певицы.  Флорика - простая крестьянская девушка - вполне характеризовала саму Валентину, молодую, доверчивую, только вступившую в мир искусства.
    Лирико-колоратурного сопрано Савицкой запомнилось хрустально-серебристым тембром, непосредственностью и свежестью исполнения. Истоки музыкальности певицы были заложены  в её семье. У матери был прекрасный голос, отец играл на мандолине и гитаре. На праздники пели всей семьей: колядки, молдавские, украинские, польские народные песни. Певицей стала и старшая сестра Валентины - Тамара Чебан, которая служила в церковном хоре при кафедральном соборе и привила любовь к пению самой Валентине.
    Родители скончались рано, и Тамара была для Вали и матерью, и отцом, показав пример целеустремлённого движения  к музыкальным высотам. Определяющей личностью в своём творчестве певица считала композитора Давида Гершфельда: «Этот дорогой нам человек, который с консерваторских лет всегда интересовался нашей с Тамарой судьбой, поддерживал нас морально, а после смерти родителей - и материально. Впервые выступив в роли Флорики, благодаря Гершфельду я сделала первые шаги на пути к успеху. Благодарность и признательность этому человеку я пронесла через всю свою жизнь. Он был для нас с Тамарой вторым отцом! К тому же это один из моих любимых композиторов».
    Валентина Савицкая часто исполняла музыку  молдавских композиторов: С. Шапиро, В. Ротару, А. Муляра, Д. Георгицэ. Была мастером в интерпретации романсов Н. Римского-Корсакова и С. Рахманинова. Своим чудным голосом она покорила Венгрию, Прибалтику, Германию, Польшу, Швецию и Финляндию.
    Достижения Валентины Савицкой  были признаны и отмечены наградами. Это Орден Трудового Красного Знамени, юбилейная медаль Всемирного комитета защиты мира, почётная грамота Общества дружбы и культурных связей с зарубежными странами. В числе особо ценимых наград - Орден Республики. В 1964 году певица была удостоена звания Народной артистки Молдовы. Долгие годы Савицкая - глава Лиги ветеранов сцены. И, самое главное, что певица, несмотря на свои 85 лет, бодра, энергична, даёт интервью и посещает спектакли и концерты национальной оперы. Многие лета, Вам, Валентина Савельевна! Всех благ!       
Панорама - октябрь 2012

            Секрет вечной молодости. Михай Мунтян «Паяцы»

Опера Руджиеро Леонкавалло «Паяцы» давно стала визитной карточкой театра благодаря участию метра тенорового репертуара Михаил Иванович Мунтяна. Михаил Мунтян - не только исполнитель знаменитой партии Канио, он стал и режиссёром-координатором постановки.
     Имя Народного артиста Молдовы Михаила Ивановича Мунтяна хорошо известно любителям оперного искусства. Он прославил Молдову во всём мире - гастроли Молдавского театра оперы и балета с его участием проходили с неизменным успехом.
Заслуги Мунтяна давно определены: обширный оперный и камерный репертуар, многолетнее служение Молдавской опере, пропаганда классического искусства на Родине и молдавского искусства в мире. Высокие звания, награды, премии, многолетнее преподавание в Молдавской академии музыки, театра и пластических искусств. И плеяда замечательных учеников, сегодня поющих на многих мировых сценах.
    Михаил Мунтян дебютировал в Национальной опере в 1972 году после окончания Молдавской консерватории. А в 1977-1978 гг. стажировался в театре «Ла Скала». На счету Михаила Ивановича должность Генерального директора Национального театра оперы и балета,  долгий опыт заведования кафедрой вокала в Академии музыки, театра и пластических искусств, а также функция председателя жюри фестивалей «Серебряная хризантема» и «Два родственных сердца». Михаил Мунтян - народный артист МССР (1980) и СССР (1986), Лауреат государственной премии (1988), Кавалер «Ордена Республики» (1993).
    В его репертуаре практически весь драматический теноровый «арсенал»: Радамес, Альфред, Манрико, Дон Карлос, Отелло, Каварадосси, Пинкертон, Калаф, Туридду,
Канио, Хозе, Герман и Ленский. Но особую значимость творчеству известного тенора придаёт роль Канио в «Паяцах».
    Михаил Мунтян – настоящий представитель бельканто с крепкой школой, полученной на стажировке в миланском театре «Ла Скала». С яркими верхними нотами, кантиленой на большом дыхании, активным и одновременно мягким нежным звуком. Его сценических героев отличает чувственность,  мужское начало, прямолинейность и открытость душевных порывов.
    Голос маэстро Мунтяна заявляет о себе ясно и сразу, его ни с кем не спутаешь, не сравнишь, ибо это особый тембр и характер, отражающий непростую историю своей страны. Независимый, гордый, уверенный в себе, заботящийся о своих учениках и своей родной культуре. Это именно он – ведущий тенор театра — спокойный, пренебрежительный к суете, хозяин сцены, привлекающий внимание одним жестом, движением, взором. Он заявляет о себе сразу, степенно, уверенно и неоспоримо. И в то же время изящно и крепко в вокальном плане. Мунтян остался таким же, каким был изначально – вне возраста и времени, как и положено любимому персонажу артиста, набирающему только лучшее из жизненного и творческого опыта!
               
                Владимир Драгош. Юбилей

1 марта 2018 года свой 75 день рождения отпраздновал известный баритон Народный артист Молдовы Владимир Федорович Драгош! Ветеран cцены,  именитый артист  молдавской оперы, известный педагог Владимир Драгош  знаком не только в Молдове, но и во всём оперном мире. И не только потому, что он и по сей день крепкий вокалист и хороший организатор. Драгош – настоящий музыкант, сердце театра, и он по праву руководит коллективом, потому что давно стал совестью театра и мерилом художественного уровня. На него равняются, надеются, к нему приходят за помощью, советом и возможностью уладить сложные вопросы. И он находит выход из любой ситуации, предлагая неожиданные и интересные решения. Энергичный, моложавый, доброжелательный и бесконечно влюблённый в свою профессию.
    Лауреат Государственной Премии Молдовы, дипломант конкурса им. Глинки 1973 года, Народный артист МССР,  обладатель ордена «Глория Мунчий», профессор, Владимир Драгош, прежде всего,  прекрасный певец, обладающий лирико-драматическим баритоном красивого тембра и полного диапазона. Самой известной в репертуаре вокалиста является партия Риголетто в одноименной опере Д. Верди - именно эта работа прославила его в Англии, Голландии и на Украине. Второй блистательной победой на сцене можно смело назвать образ Ренато в опере «Бал-маскарад»  – смелый, сильный и мощный в плане вокала. Запомнился Драгош во всех постановках с его участием: Набукко в «Набукко», Жермон в «Травиате», Амонасро в «Аиде»,  Яго в «Отелло», Скарпия в «Тоске», Шарплесс в «Мадам  Баттерфляй», Грязной в «Царской невесте»,  Марчелло в «Богеме», Тонио в «Паяцах», Фигаро в «Севильском цирюльнике».
    А начиналось все просто. Родился Драгош в Молдове в селе Басарабяска 1 марта 1943 года. Но певцом  стал не сразу.
- В Кишинев я приехал в 17 лет, однако в музучилище меня не взяли, поскольку на вокал принимали только с 18 лет. По молодости решил  пойти в ПТУ имени Федько, - вспоминает Владимир Федорович. - Там выбрал специальность мастер железной дороги. В училище была сильная самодеятельность, и я стал петь. Меня заметил педагог консерватории Петр Алексеев (ныне Академия музыки, театра и изобразительных искусств). И помог поступить сразу в музыкальный ВУЗ, где два подготовительных курса я прошёл за один год. Со второго курса меня призвали на флот в Севастополь, потом в Киев в воинскую часть особого назначения. Туда мы попали вместе с Михаилом Мунтяном. На четвёртом курсе я был солистом Радиотелевидения, затем работал  в филармонии, театральную карьеру начал не в Молдове, а в Бурятии в Улан-Удэ. И лишь позже по приглашению Марии Биешу я вернулся  в Молдову.
- Вы спели практически весь баритональный репертуар в оперном театре?
- Подлинное мастерство нарабатывается с годами. Просто голые ноты петь нельзя – образ отшлифовывается постепенно. Над каждой партией я работаю долго, изучая все доступные материалы, что всегда настоятельно советовал и своим ученикам. А среди них уже много известных имен: Елена Герман, Петру Раковице, Лилия Шоломей, Надежда Стоянова, Наталья Гаврилан (Италия), Роман Яльчик (Германия), Дигай Елена (Россия).
- Владимир Драгош гастролировал в Италии,  Голландии, Англии, Германии, Бельгии, России, Украине, Румынии и Болгарии. И чем наша вокальная школа отличается от других?
- Вокальная школа включает два компонента: саму технологию и исполнительский стиль, и это не надо путать. Нет особых отличий в немецкой, русской или другой какой-либо школе. Есть вокальная технология, в которой итальянцы достигли наивысших результатов, всё остальное производно. В Молдове много талантливых голосов, но сложно с педагогами – их с годами всё меньше. У меня самого в жизни были вокальные проблемы, «ломал» голос несколько раз, пока нашел наилучшую позицию.  Каждый голос требует индивидуальной шлифовки. Не бывает плохого голоса и короткого диапазона. Зачастую человек с посредственными данными добивается большего, чем талантливый. Певец, особенно оперный, учится всю жизнь. И надо заботиться о молодых талантах, чтобы  по окончании ВУЗа они умели многое, а не начинали в театре все с нуля.
- То есть Вам и по сей день приходится учить в театре молодежь, хотя вы ушли с должности Заведующего кафедрой вокала?
- И замечания делаю, и наставляю, хотя молодежь нынче амбициознее, чем мы в своё время. Когда мы начинали в театре – акцент делался на высоте искусства, самом пении, коллективности исполнения. Мы жили театром, мечтали петь и совсем не задумывались о материальной ситуации. Сейчас жизнь совершенно другая, возможностей больше, у всех запросы, ну и конкуренция.
- И каково Вам сейчас в роли Художественного руководителя?
- Я не впервые на этой должности – уже работал при Андрее Лозоване, четыре года заведовал оперной труппой при Аурелиане Дэнилэ и 10 лет руководил кафедрой вокала в Академии театра, музыки и пластических искусств.
- Ваши задачи на этом посту?
- Моя цель - наладить механизм работы, упорядочить систему репетиций. Театр старается, но  что-то из этого механизма постоянно вылетает.  Нужно работать со зрителем, привлекать детей, представителей разных профессий и поколений. Для детей мы возобновили балет «Белоснежка и семь гномов».  Чтобы привлечь широкую публику, мы впервые поставили оперетту «Весёлая вдова».  Придёт зритель на балет, на оперетту, глядишь, и станет посещать серьёзные крупные постановки, а их много у нас в репертуаре. В последние годы мы возобновили постановки оперы «Отелло» и балета  «Спартак». Впервые поставили оперу «Манон» и «Макбет». Оперный театр дело такое - если втянешься, уже не расстанешься с ним никогда. Но и нам надо стараться удивлять, радовать зрителя, вести с ним диалог.
- Каковы перспективы оперного театра в столь непростое для страны время?
- Оперный театр -  удовольствие не из дешёвых, требует крупных вливаний. Я слежу за профессиональным уровнем и творческим процессом. Театр – дело коллективное, всё делаем вместе. Но чтобы самое дорогостоящее национальное достояние привести в порядок, надо начинать с себя. Надо много и упорно работать, тогда и получим по заслугам.                Февраль 2018

          
                К 70-летию Владимира Закликовского          
               
Имя Народного артиста республики Владимира Закликовского более 40 лет тесно связано с  оперным театром Молдовы.  Театр принес ему признание и славу в многоличии вокального и актерского мастерства.  Живой, подвижный артист на сцене  – он наиболее ярко раскрывается в ансамбле с коллегами-вокалистами, придавая каждый раз новые краски самым различным образам: комическим,  лирическим,  злым или любезным. В желании перевоплощаться он неутомим и сегодня, покоряя новые творческие высоты.
- Вы родом из Мурманска. Какими судьбами оказались в Молдове?
- Родители жили в Мурманске, затем переехали в Украину.
- Они были музыкантами?
- Нет, и я не стремился. Мечтал стать военным. Поступал в мореходку, затем в военное училище, но не прошел по математике. Педагоги заметили, что голос у меня командирский! Пел с детства. Вначале в хоре машиностроительного завода, где слыл запевалой. Затем в школе. В классе 8-9 у меня прорезался голос, но всё равно хотел стать военным. Меня остановил педагог, посоветовавший всё же попробовать свои силы в трех консерваториях - во Львове, Кишинёве или Одессе. Я отправился на вокзал, где купил билет на самый ближайший поезд – на Кишинев!
- Судьба сама определила Вашу карьеру в Молдове…
- Именно. Меня сразу взяли на подготовительное отделение молдавской консерватории, в которую я поступал как лирический баритон. К третьему курсу женился, и голос стремительно пошел вверх. Таким образом,  закончил консерваторию как лирико-драматический тенор в классе замечательного педагога Арнольда  Григорьевича Азрикана.
- И Вас взяли в театр оперы и балета?
- Причем на самые сложные партии, буквально «с места в карьер»! Я начал с партии Хозе в «Кармен», Канио в «Паяцах» и Альваро «Силе судьбы». Тогда молодому певцу не давали время на раскачку, как сейчас. Нас сразу испытывали на выносливость в сложных ведущих партиях, и если могли выдержать – солист состоялся!
- Но связь с военными не прервалась…
- Судьба так сложилась, что я пел  в двух ансамблях песни и пляски - в Германии и на Северном флоте. Таким образом, посредством музыки сбылась моя мечта соприкоснуться с военным делом. Сейчас я, кстати, я сотрудничаю с Президентским  оркестром Молдовы, с которым во времена руководства Владимира Воронина я исполнял патриотические и песни военных лет. А теперь мы исполняем итальянский и румынский репертуар.
- Что запомнилось за годы пребывания в театре?
- У меня не было особых проблем в карьере и с коллективом отношения были прекрасные, без конфликтов. Поворотным моментом для меня стало выступление в Большом театре СССР в роли Дона Джерома в опере «Обручение в монастыре» Сергея Прокофьева. Тогда я получил максимально положительный резонанс  московской  критики. Это были 1981-1982 годы,  я жил ещё в общежитии с семьей. По приезде в Кишинёв я получил звание Заслуженного артиста и в скором времени - собственную квартиру.                - Вы очень пластичны как актер.  В Вашем репертуаре: Хозе и Данкаиро в «Кармен», Канио в «Паяцах»,  Каварадосси и Сполетта в  «Тоске», Рудольф в «Богеме», Горо и  Принц Ямадори в «Мадам Баттерфляй», Панг в «Турандот», Туридду в «Сельскй чести», Базилио  в «Свадьба Фигаро», Измаил в «Набукко», Гонец в «Аиде».
- Моя душа – это русская опера: Владимир Игоревич в «Князе Игоре» А. Бородина, Водемон в «Иоланте», Трике в «Евгении Онегине» П. Чайковского, Гвидон в «Сказке о царе Салтане» , Бомелий в «Царской невесте» Н. Римского-Корсакова, Антонов  в «В бурю» Т. Хренникова. Рад был сотрудничеству и с молдавскими композиторами: Генерал в «Сергее Лазо» Д. Гершфельда, Моцок в «Александру Лэпушняну» Г. Мусти.
- Вам многое удалось - это везение?
- Скорее любовь  к профессии  и жажда новых ощущений. Со мной легко было работать, я быстро выполнял поставленные задачи и очень благодарен сотрудничеству с режиссёрами Еудженом Платон, Элеонорой Константиновой, Юрием Ивановым, дирижёрами Александру Самоилэ, Исаком Альтерманом, Львом Гавриловым, Николае Дохотару, поставившими высокую планку мастерства для нас исполнителей.               
По мнению Заслуженного артиста Молдовы Бориса Материнко
- Володя очень корректный, добрый человек, профессионал и фанат вокала. В концертном плане вообще бесподобный! Мы знакомы ещё со студенческой скамьи, и смолоду он был весьма мудрым, отзывчивым: в трудные времена посоветует,  как выйти из тупика, утешит, облегчит боль. Партнёр на сцене колоссальный, изобретательный – шутник, весельчак, изобретатель. Его герои запоминались живостью характера и неповторимой мимикой.
Народный артист РМ Владимира Драгош 
 -  Владимир Закликовский ярко проявил себя с первых выступлений на сцене.  Очень способный, активный он освоил весь теноровый репертуар в театре. Он из тех, кто предан театру всю жизнь и посещает все спектакли! Прекрасный партнер, чудесный актер -  незаменимый Трике в «Евгении Онегине». Умеет найти свои краски в каждом образе, в его интерпретации даже небольшая роль становится особенной и неповторимой!
   Владимир Павлович Закликовский участник многих концертных программ в Кишиневе и за пределами Молдовы.  Но более всего он любит выступать на родной сцене.
                www.talenthouse.md  май 2017
               
               

                Борису Материнко 70  лет   
               
Борис Васильевич Материнко служит в Молдавском театре оперы и балета с 1975 года – и это уже 42-летний рубеж! За эти годы он исполнил целый ряд ведущих партий в репертуаре. Много пел Верди: Жермон («Травиата»), Амонасро («Аида»), Эрнани («Дон Карлос»), Ренато («Бал-маскарад»), Набукко («Набукко»), Ди Луна («Трубадур»), Яго («Отелло» ). Запомнился как: Эскамильо («Кармен»), Тонио («Паяцы»), Скарпиа («Тоска»), Шарплес («Чио-Чио-Сан»), Князь Игорь («Князь Игорь»), Томский («Пиковая дама»), Царь Додон («Золотой петушок»), Грязной и Малюта («Царская невеста» ), Леско («Манон»).   
    «С Борисом Материнко мы на сцене уже давно и поём практически одни и те же партии, - отмечает Народный артист Молдовы Владимир Драгош. – Борис - певец универсальный, блестяще владеющий всем спектром баритонального  репертуара. Для него не ничего невозможно, он прекрасный партнер на сцене! Объездил всю Молдову с концертами, много гастролировал по странам СНГ,  в Киеве даже спел в «Тангейзере» Р. Вагнера! Очень порядочный, достойный человек, чуткий друг, на которого можно надеяться в трудной ситуации».
    Великолепный бархатный тембр, мощный артистизм, богатство вокально-драматических красок, насыщающих творческий арсенал артиста, хорошо известны и любимы публикой. Борис Материнко украшает сцену Молдавской оперы совершенством исполнения и выпуклой яркостью образов, исполнению которых нет равных. Опытный профессионал, он органичен в любой роли. Эмоциональная непосредственность, искренность его пения, сценическая свобода, личностное обаяние и естественность всегда покоряют зрителя.
    «Борис Васильевич всегда заметен на сцене, его очень любит зритель, - отмечает заслуженный  концертмейстер РМ Тамара Махаева. – Он очень способный человек во всех смыслах. Рукастый, как принято говорить. Если нужно было помочь посадить деревья,  он тут же приезжал к коллегам на помощь. Сам поставил себе дачу, сам вырыл колодец, великолепно работал с деревом. Он даже сам cшил себе костюм, а дочери пальто! Бывший боксёр, он был всегда подтянут, спортивен, статен.  И всё ему удается одинаково хорошо и добротно. Не припомню случая, чтобы он жаловался на нездоровье. Всегда в форме, в настроении. Прекрасный вокал, самоподача на сцене – музыкален, артистичен, красив и величав – Борис Материнко настоящий оперный персонаж, которым по праву гордиться коллектив  Национальной оперы Молдовы».
    «С Борисом Материнко я знакома со времен его студенчества, - вспоминает  Народная артистка Молдовы режиссёр Элеонора Константинова. – Его творческое становление происходило на моих глазах, и надо отметить, что он активный, эмоциональный, творческий, обязательный,  деловой человек! Когда спектакли шли в нашем театре каждый день, то не было времени расслабиться.  В то время театр много гастролировал и выступал на самых известных сценах союзных республик. Особенно запомнился его «Князь Игорь», премьера которого состоялась в Ставрополе. Успех был шумным:  роль князя Игоря Материнко очень шла – монументальный, благородный, яркий, он производил неизгладимое впечатление, что регулярно отмечали критики, музыканты-профессионалы и меломаны. Борис  Материнко был очень убедителен как драматичный Амонасро в «Аиде», мощный Навуходоносор в «Набукко» и тонкий, экспрессивный Скарпиа в «Тоске». Из последних работ запомнились сразу две его партии в «Царской невесте» - Грязной и Малюта - ярко, убедительно, незабываемо! Ну и, конечно, хочется отметить человечность, коммуникабельность Бориса Васильевича. Он очень хороший друг, просто безотказный, отзывчивый помощник в любом деле или просьбе, с которой к нему обращались. Так что, пожелаем юбиляру здоровья, творческого долголетия, верных друзей  и благодарной публики!»                www.talenthouse.md - апрель  2017               
               
               
               
                Перфекционистка Елена Герман

Народная артистка Молдовы Елена Герман - имя, хорошо известное в музыкальном мире Молдовы, но она так и осталась неспокойной творческой личностью. Постоянно в поиске новых партий и образов, её любят в Молдове, ценят в Англии, зовут в Голландию и считают родной в Румынии. Елена - человек яркий, импульсивный, порывистый, но, вглядываясь в фотографии её персонажей, легко заметить беззащитность и нежность, тонкость и грацию. Любит жизнь, моду, спорт, одним словом, женщина во всех своих проявлениях. Но, главное, это профессия и фанатичная преданность театру.
    Она умеет возвыситься над будничностью и вносит «искорки жизнелюбия» во всё, что её окружает. Ранима, не выносит погрешности в артистическом деле, устанавливая  высокую профессиональную планку и стремясь во всем достичь совершенства. Ибо оперная певица - образец вкуса, элегантности, её голос обязан быть радовать, невзирая на простуды, личные проблемы или сложности вокальной партии.
- Долгие годы Вашей особой любовью была Виолетта в «Травиате»?
- Все так и сегодня, «Травиата» для меня - главное. У любой певицы исполнение этой роли проходит «красной нитью» через всю жизнь. Она так многогранна и полноценна, так изумительно красива и гениальна, что, пропев уже сотню раз, я каждый раз нахожу в ней что-то новое: в гриме, в мизансцене, в оттенках звучания. Порой и зрителю не всё заметно, но я каждый что-то добавляю, ведь важен каждый штрих и каждый нюанс.
- Не все актёры столь чувствительны, не многим дано проживать предложенную роль как свою собственную. Сценические героини влияют на Вашу судьбу?
- Очень заметно. У меня очень изменчивый характер, и настроение может смениться моментально, а то и несколько раз за одну минуту буквально. Сама не знаю почему, на все реагирую очень сильно. Не знаю хорошо это или плохо, но я сильно преобразилась за эти годы. К каждому спектаклю я готовлюсь задолго, за несколько месяцев. И вот эта длительная внутренняя работа очень помогает «вживанию» в образ, причём взаимно: роли преобразуют меня, а я их. У меня супруг был очень ревнивый, точно Отелло! Потому образ  Дездемоны мне  как родной. Я практически жила с Отелло, играть тут ничего не надо. Для меня реакция Дездемоны - самая естественная.
-  Что ещё для Вас значит «Отелло»?
- Это грандиозный замысел. Одна из самых сложных и драматически напряженных опер итальянского репертуара.  В свое время Дездемона была моей гордостью.
- Герман – признанная Мюзета в «Богеме». Но на фотографии в английском буклете у Вашей Мюзетты лицо исполнено страданием…
- Это четвёртое действие, где она молится. Она  любит, страдает - всё очень искренне. Меня даже назвали лучшей Мюзеттой Европы. В моих героинях есть всё, начиная с кокетства и заканчивая глубоким драматизмом, многоликая изменчивая эмоциональность мне очень нравится, это моё.
- Настоящая актриса должна передать в образе какие-то контрасты и перепады настроений, в этих неожиданностях - вся прелесть актерства…
- Так получилось с «Дон Жуаном». По мнению режиссера Константиновой во мне есть вся палитра: от комизма до трагизма. Я могу здесь спеть три партии: Церлину, Эльвиру и Дону Анну. И вот задача: что выбрать? Церлина - колоратурная партия и мне по голосу подходит идеально, но она девочка-кокетка, Эльвира и Анна сложнее в образном плане, но я ещё не знаю, что мне будет интереснее сегодня.
- А Лиу, Ваша уникальная Лиу в «Турандот» Д. Пуччини?
-  Она такая чудная, это нежность, чувственность... Вообще, все мои партии такие роскошные, и я так счастлива, что мне удалось всё это спеть! Меня часто спрашивают, счастлива ли я? Безусловно! Да, у меня нет большой зарплаты, нет богатого дома, но зато я прожила жизни моих замечательных героинь. И это такое счастье, это необыкновенно.
- Бог не даёт всё сразу одному человеку: искусство, тем более, оперное, требует жертв?
- Ну, если бы я была женой и матерью, то была бы такой же талантливой, как в работе. А полная самоотдача и в доме, и в искусстве невозможна.
 www.talenthouse.md – 2017               

                «Путеводные звёзды» Натальи Марагарит

Не перестаёшь удивляться, сколь богата Молдова талантами, уже с мировым признанием и другим гражданством. Так получилось и с Заслуженной артисткой РМ Натальей Маргарит - известной солисткой Национальной оперы, обладательницей редкого по силе и красоте сопрано, да и внешне эффектной актрисой труппы.
    Родилась она в Молдове, здесь училась, а личная судьба определилась в Италии.  Но, как многие наши мигрирующие «звезды», Наталья осталась в душе местной, своей, остро переживающей сложности кризисной поры родных мест. Да и театр не забросила, активно выступала  на родной сцене и в гастрольных вояжах. В ней удивительным образом сочетаются свойства оперной дивы и совершенно земной тип нашей современницы, энергичной и интеллигентной. Она справляется с самыми сложными оперными образами и партиями - убедительна в «Тоске» и «Турандот». Работает мощно, скульптурно,  смело окунаясь в драматические ситуации!
- Самое важное - это голос и ощущение сцены - только там я чувствую себя настоящей, - комментирует певица.
- Вашими педагогами в консерватории были Полина Ботезат и Светлана Стрезева,
а как началась карьера?
- На пятом курсе я поехала на конкурс в Италию и сразу заняла первое место. Первые два года работала в Румынии в Тимишоаре, пела в операх «Тоске», «Аиде», «Чио-чио-сан», «Паяцах», «Набукко» и «Турндот».
- И уже с готовым репертуаром  Вам предложили работу в Молдове, тем более, что та же Абигаиль в «Набукко» не каждой вокалистке под силу, не говоря уже о Турандот.
- Для меня Турандот очень удобна, хотя многим певицам она не подходит. Первая моя Турандот была в Италии в Милане.
 - В каких странах побывали?
- Практически везде и в Америке тоже. Выступала вместе с Каррерасом в одном мужском монастыре в центральной Италии. Я там пела «Травиату» и «Богему» - очень интересно.
- Это любимые партии?
- Я люблю всё, что пою, мне нравятся сильные персонажи, мощные, властные. Обожаю Абигаиль, Турандот, Леонору, Виолетту - они все действительно героини!
- Но Ваша Турандот не так жестока - в ней много мягкости, женственности.
- Верно, я исхожу из текста, ведь что она говорит: что из-за мужчин умерла её прабабушка Лаолинь. Поэтому она ожесточилась и стала мстить мужчинам. Также и Абигаиль. Почему она стала такой жесткой? Потому что любимый отказал, а выбор был такой: или корона, или любовь. Я бы лично выбрала корону, любовь часто приносит лишь страдания.
- Какие события влияют на жизнь актрисы-певицы?
- Вся жизнь актёра - это окружающий мир, люди, от всех понемногу набираешься опыта. Я даже специально создаю ситуации в жизни, в которых могу проверить реакцию человека. Мне это важно для роли и для актерского самосовершенствования.
-  Вы сильная женщина?
- Я стараюсь не приспосабливаться, а создавать такую жизнь, какая мне нужна. Порой приходится быть пожестче. Хотя с годами я не такая максималистка: в характере больше жалости и понимания. И героини мои становятся все мягче и беззащитнее.
- Любите  путешествовать?
- Раньше очень любила, сейчас поднадоело
- Работа в большом коллективе  утомляет?
- Напротив, очень интересно, потому что это разные люди и разные характеры, полезные для актерского опыта.
- Любите работать «крупным мазком» или возитесь с детализацией?
- Без деталей никуда, это постоянная кропотливая работа, делающая образ неповторимым. А крупный план - это разделение на «черное и белое», это штамп.
    Настоящее искусство - это достижение высшей планки, а потом бегство от штампа, поиск своего я и умение защититься от грубости внешних влияний, пытливость к различным граням души человеческой и стремление стать особым, заметным в безумном беге времени. И тут, главное, правильно избрать ориентиры, свои единственные «путеводные звёзды», будь то люди, обстоятельства или роли. Это самое сложное в лабиринте жизни, и Наталье Маргарит это удалось.
  Панорама,  2010.      
               
                Виталий Чиреш. Открытый мир творчества

Всегда интересны люди с незамкнутой творческой перспективой, к числу которых можно причислить певца Виталия Чиреш. У него  редкий по глубине и силе бас. Он же – талантливый художник, получивший первое арт-образование как художник-декоратор. Чиреш  увлекается портретной живописью, любит отражать на полотне образы своих коллег. В последнее время всерьез увлекся музыкальной композицией, проявляя пинтерес сразу к двум стилевым направлениям: джазу и духовной музыке. Его последние джазовые опусы и «Литургия»  отражают желание двигаться вперед.
    Начинал Чиреш трудовую деятельность как художник в Национальном Дворце, затем поступил в консерваторию на кафедру вокала в класс профессора Николае Киоса. Работая в филармонии, брал частные уроки у солиста хоровой капеллы Золтана Шера, открывшего молодому певцу тайны голосоведения и секреты вокального мастерства. Живопись не забросил и даже организовал в консерватории персональную выставку. Свои работы он дарит, пишет не для денег - для души.
    Опыт художника пригодился Виталию на оперной сцене, которая стала главной в
его жизни. Прежде всего, в пластике, умении найти ракурс, повороты на сцене, способности ориентироваться в пространстве. На сцене Виталий - скульптор-ваятель, стремящийся довести работу над образом до совершенства.
    «Литургия» - первый опыт в сочинении культовой музыки, для Виталия  закономерный - он участвовал в премьерах многих хоровых сочинений в Кишинёве.  Пел партию баса в «Мессии» Генделя, «Стабат Матер» Дворжака. Обожает исполнять «Реквиемы» Верди и Моцарта, пел Мессу До-мажор Бетховена,  «Колокола» Рахманинова, причём в непривычной партии баритона.
    Определяющей в вокальной карьере Чиреша стала тоже культовая фигура Заккарии в опере Верди «Набукко» - величественная, монументальная. С «Набукко» началась и гастрольная деятельность Виталия. Едва разучив партию, он сразу был приглашен в Бельгию. Его Заккария имел успех  в городах Англии - Бристоле и Оксфорде,  о чём свидетельствуют отзывы в местной прессе. «Голос мощный, словно гул колокола, объёмный и абсолютно функциональный. Этот певец имеет красивейший голос, льющийся без границ и без усилий. Он одинаково хорош в басовом и баритональном регистрах - это большая редкость!»
    Чиреш запомнился публике в партиях: Верховного жреца  Рамфиса в «Аиде»,  Монтероне «Риголетто»,  Феррандо в «Трубадуре», Анджелотти в «Тоске», Дона Базилио в «Севильском цирюльнике». Убедительно прозвучал в премьерной постановке Манон в партии Графа де Грие. «Аиду» выделяет особо, потому что Рамфис - это «лавина звука», Монтероне - эффектный персонаж - драматический, роковой, мистический. А вот Дон Базилио - герой комический и его арию «Клевета» можно назвать эталоном басового репертуара.
    Его пристрастия на стороне таких имен, как Шаляпин, Пирогов, Михайлов, Петров, Нестеренко. Восхищается Гяуровым и болгарскими басами в целом. Любит «большие голоса» и тембр славян - красочный, мощный, широкий. Ценит русскую классику, поёт Гремина  в «Евгении Онегине» и Короля Рене в «Иоланте». «Колокола» Рахманинова считает своей удачей, поскольку в них заложено пение инструментального звукоизобразительного характера, имитирующее звучание колокола.
    Звукоимитация весьма характерна для Чиреша, его и в консерваторские годы
называли человек-оркестр за умение подражать звучанию джаз-бэнда и ударных
инструментов. Виталий - автор шести джазовых пьес-зарисовок для голоса, фортепиано и
скрипки с названиями «Вдохновение», «Автопортрет», «Мистер-джаз», «Художник
всегда одинок»...
    Разнообразие художественных вкусов Чиреша объединяет одна общая линия - он сторонник академической базы  в живописи, в опере и в джазе. Он творит в разных сферах параллельно и в каждой достигает определенного уровня, не стремясь к стилевому авангарду. Это спокойный тип художника, интровертный и конкретный,  вполне коммуникабельный и достаточно глубокий. Его не назовешь скромником, на сцене он в себе уверен, но без основательного анализа ситуации не действует. «Я хочу быть тотальным певцом, не ограничивающим себя одним оперным миром. Певец будущего должен владеть всеми жанрами и музыкальными стилями, тогда он развивается и всем интересен». Чиреш пел в Испании, Греции, Италии, Англии, Бельгии, Португалии, Голландии.
    Друзьям запомнились его портреты теноров Теймураза Гугушвили, Михаила Мунтяна, Игоря Макаренко, Ахмеда Агади, Огнян Николов, баритонов Владимира Драгоша и Бориса Материнко, баса Валерия Кожокару, сопрано Натальи Маргарит. И что интересно, эти работы выполнены на гастролях в перерывах между спектаклями.
Панорама,  май 2012      
             

                Соловей оперной сцены Лилия Шоломей

Колоратурное сопрано всегда украшает оперный спектакль, а звонкий ясный тембр Лилии Шоломей запоминается сразу в сочетании с обаянием, интеллектом и тонкостью исполнения. Лиле под силу любой репертуар, и она оставила неизгладимый след в истории молдавской оперы. Отважно стремится к любой самой трудной цели и достигает её, несмотря на любые препятствия.
    Энергичная Лилия Шоломей нужна всем. Её регулярно приглашают на шахматные турниры в украинское Мукачево, где исполняет сложнейшие оперные номера. Она замечательно справилась со сценой сумасшествия Марфы на концерте русской музыки на «Мэрцишоре» в оперном театре. Блистательно исполнила Микаэлу в концертной версии «Кармен» тоже на «Мэрцишоре-2010» вместе с дирижером Робертом Лютером. Её Микаэла звучит в Португалии в Лиссабонском театре оперы и балета, дополнив список  15-ти стран Европы, которые Лиля успела покорить. Не так давно ей присвоили звание Народной артистки Молдовы.
    Лилия всегда импульсивна, неспокойна, заряжена «бациллой» творческого поиска. Внешне кажется успешной и хрупкой, умеющей «монтировать» подле себя действительность удобную и светлую. Она как бы живет в своем особом мире и в то же время вполне в объективной реальности, хорошо чувствуя окружение и контакт с ним.
    У Лилии редкий европейский имидж, соединяющий активность, утонченность и многоплановый артистизм. В ней сочетается ранимость и решительность, утонченность и сила воли, и никакие экономические трудности не заставят Лилю покинуть сцену – она из тех фанатов искусства, которых ведет собственная планида и бережет ангел-хранитель из тех самых фантомов оперы, с которыми не сложно подружиться.
   
 В душе Шоломей сосуществуют юность и зрелость, опыт и чистота. Златокудрая Золушка из сказки, для которой сцена - драйв и без которой существовать невозможно.
    Легкий весёлый нрав, звонкий голосок вначале устремили Лилю навстречу карьере эстрадной певицы, но затем  пришло твёрдое решение, что именно опера - призвание и способ полного самовыражения. Пению училась долго, многоэтапно: на Украине, в Кишиневе и в Германии.  А начиналось все как у всех.
    - Мама у меня украинка, а отец из Дрокии. Родители врачи-ветеринары, а я с четырех лет начала петь и уже ни о чем другом не мечтала. До 17 лет увлекалась эстрадой. После 10 класса поступила в кишинёвское музучилище, затем в консерваторию, которую окончила по классу вокала у Светланы Стрезевой. Учили меня жестко и требовательно. Светлана Филипповна помогла не только выработать волевой характер, но и разработала мой голосовой диапазон от лирического сопрано до лирико-колоратурного. Ей же я обязана чёткой вокальной техникой и умением доводить все до совершенства
- Довольна ли ты своей карьерой?
- По природе я оптимистка и вроде везде на виду, участвую в концертах высокого уровня, но это не то, что хотелось бы. Само положение музыканта в Молдове не столь уж престижно, а ведь мы несём искусство высокое и сложное, и мало кто знает, как мы живём на самом деле.
- Когда пробудился интерес к современной музыке?
- Ещё в 1993 году, когда я рискнула исполнить итальянского композитора Мадзони. В аспирантуре пела знаменитый «Лунный Пьеро» Шёнберга, затем были фестивали Новой музыки, где мне доверили болгарскую и финскую музыку. Потрясением стала моноопера Пуленка «Человеческий голос», которую мы исполнили с фортепианным дуэтом Анатолия Лапикуса и Юрия Маховича. Успех был сумасшедший. Женщины прибежали ко мне в слезах, а мужчины искренне не понимали иступленной любви моей героини. Я до сих пор спокойно не могу это вспоминать, для вокалиста – это испытание и школа отменная.
- А что ближе в искусстве: тонкость, контрастность, неожиданность или продуманность?
- Неожиданностью для меня стал «Лунный Пьеро», продуманным, как ни странно, Пуленк. Самый любимый образ - Оскар из «Бал-маскарада» - это целостность, солнце, блеск. Затем Розина в «Сивильском цирюльнике» - яркость, свежесть, кокетство. Обожаю Джильду в «Риголетто» - тонкую, хрупкую, нежную. Дорожу Микаэлой и Фраскитой в «Кармен». Обожаю Мюзетту в «Богеме»  и Сюзанну в «Свадьбе Фигаро». Незабываемой стала Виолетта в «Травиате» - это была главная моя мечта. Драгоценным стал опыт в исполнении партии Кэтэлины в постановке балета Евгения Доги «Лучафэрул» - сам автор отметил мое исполнение как лучшее. Вокал в балете редкость, партия сложная, напряжённая для голоса, но я люблю постигать новое и преодолевать творческие рубежи.
   Оперный театр Молдовы сегодня переживает серьезные экономически потрясения, как впрочем, бывало и раньше. Оперное дело, вообще, хрупкое и не только в наше время оперные театры то открывались, то закрывались, отдавая предпочтение временной антрепризе.  Но сегодня в театре много молодых голосов, есть место и репертуар для всех вокалистов, было бы желание творить и развиваться, ориентируясь на таких требовательных к себе исполнителей, как Лиля Шоломей. 
               
               

           Марина Радиш: «Опера увлекла меня полностью»

Певица Марина Радиш  - загадка и радость Национальной оперы, она довольно рано получила звание  Заслуженный деятель искусств! Хотя какой Марина деятель? Хрупкая милая девушка с глазами газели, тонким вкусом, нежным сердцем и настоящим отношением к профессии. Если поёт – то лучше всех, прелестная актриса, пытливая, ищущая, она нужна не только в Молдове. Ей аплодировали: Германия, Голландия, Бельгия, Швейцария, Россия, Казахстан, Турция, Кипр, Румыния.
    Марина – гагаузка по национальности и выбиться в люди ей помог именно характер, воля и упорство, которые присущи этой редкой, достойной нации. Родилась она в Казаклии, поначалу хотела быть кардиологом. Затем остановила свой выбор на эстрадном пении. Когда столкнулась с классикой всерьез, сомнений не осталось – рождена для оперной сцены!  Не забудем, что в детстве она опер не слышала, девочкой была не городской. Талант, самолюбие, упорство и любовь к музыке сделали своё дело – стала одной из ведущих певиц в театре.
- Как Вы решились стать певицей?
- Я с детства пела, сначала меня заметил учитель в садике и сказал маме: «У вашей девочки очень красивый голос и хороший слух». Воспитательницы давали мне конфетку и просили спеть песню «Миллион алых роз». В школе я стала солисткой учебного хора, приняла участие в местном конкурсе пения и заняла 1-е место, и уже оттуда в Чадыр-Лунге на конкурсе пела, в Комрате.
- Родители как отнеслись к профессии музыканта?
- Одобрили мой выбор.  Мама всегда пела народные гагаузские песни, папа  играл на аккордеоне. Поначалу я тянулась к медицине, но потом поняла, что можно лечить сердца людей искусством. В 1999 году закончила в Казаклии среднюю школу и поступила  на подготовительный курс академического вокала при консерватории в класс Ивана Васильевича Кваснюка. 
- Почему остановилась на классике?
- В консерваторию приехала поступать на эстрадный вокал, но мест не было, и я пошла на академический курс, чтобы через год перейти на эстрадный вокал. Но вскоре забыла о своём желании перейти на эстраду, потому что опера -  не просто 3 минуты короткого рассказа о чём-то, но возможность показать глубокие чувства и эмоции. Опера увлекла меня полностью, заполнив всё моё существо. Еще очень понравилась старинная музыка, в ней я ощущала чистую гармонию с Богом.
- Давайте вспомним, Марина, кто из гагаузов пел в молдавской опере? А знаю Вас, Галину Влад, Стефана Курудимова и моего отца Степана Узун, который отдал театру 20 лет.
- У нас очень талантливый народ! Была еще певица Мария Златова – она родилась в Комрате в 1884 году.   
- Гагаузы не просто талантливы - они самолюбивы и упорны, и если уж за что берутся, то доводят дело до блеска! Характеры  крепкие у всех, а вот в искусстве самовыражение достаточно тонкое, изящное. Думаю, это восточные корни - такая изысканность, пряность, витиеватость. Ну и Вы постаралась, понимая, что за спиной никто не стоит и надо пробиваться самой. А какой конкурс стал для Вас определяющим?
- Румыния, Брэила – мой первый конкурс в 2003 году и Специальная премия. Это был первый выезд за границу, когда все было в новинку.  Затем в Кишинёве в 2007 я стала лауреатом конкурса «Чио-Чио-Сан».
- Поначалу в театре пели в хоре?
- Да, в конце пятого курса консерватории я была принята в наш хор, где отработала три месяца, а затем спела прослушивание и сразу стала солисткой. 
- Какие партии определили певицу Марину Радиш?
- Я очень люблю все свои партии. Крепко встать на ноги мне помогла партия Адины в «Любовном напитке» и большое влияние дирижёра Андрия Юркевича. В последние годы я работала со множеством дирижёров из разных стран и у меня появилась такая мысль. Есть дирижёры, которые любят дирижировать, а есть те, кто любят голоса! Так вот, Юркевич - это дирижёр, который любит голоса и даёт им развиваться, жить на сцене, творить. Если он видит, что ты вдохновлён каким-то образом или мыслью, то сразу же тебя подхватывает и идёт рядом.
- Что дали Вам разные роли?
- Возможность показать грани души. В моём репертуаре: Виолетта из «Травиаты», Микаела и Мерседес из «Кармен»,  Донна Анна из «Дон Жуана», Марфа из «Царской невесты», Анна из «Набукко» и последняя моя радость – это главная партия в опере «Манон».
- Что для Вас значит опера?
- Я поняла, что другой человек никогда не сможет прочувствовать ту боль, которую испытываешь ты. В опере главное - это обнажить души моих героинь, ведь люди часто стыдятся своих страданий и стараются скрыть их, особенно в наше время. Нас с лёгкостью ранят грубостью и очень неохотно вспоминают нежные и греющие душу слова. Мне  хочется, чтобы люди поняли,  что переживает человек, которого они ранят…
- Думаете, опера способна от этого излечить?
- Уверена! Пусть не весь зал изменится, но если есть хоть один человек, который получил моё послание, то моя миссия исполнена.
- Что привлекает в современном театре, о чём мечтаете?
- Привлекает режиссура со вкусом,  когда умело, ярко и остро показан каждый характер. Очень хочу спеть Лючию. Нравится Аида, Тоска, Татьяна в «Евгении Онегине». Моя профессия даёт полное удовлетворение.
- Что желаете своему театру?
- Чтобы жизнь в нём кипела, бурлила, и чтобы стало понятно, насколько это тяжёлый труд, в первую очередь эмоционально и физически тоже. Тогда у нас будет стимул трудиться от души, иначе опера невозможна и музыка тоже! Певцы в нашем театре очень талантливы, но отсутствие финансовой стабильности не даёт им полностью реализоваться.                Панорама - 2013
               

                Удачи Ольги Бусуйок

В последнее время вокалисты из Молдовы занимают всё более прочные позиции на мировых высотах оперного искусства. И среди очевидных избранниц судьбы назовём Ольгу Бусуйок, получившую ряд престижных конкурсных премий в весьма короткие сроки.
    На конкурсе «Опералия» в Москве летом 2011 году Ольга заняла второе место. Осенью прошлого года она стала второй на конкурсе молодых вокалистов в Риме. Зимой 2012 года целеустремлённая молодая певица получила высшую награду конкурса Франциско Виньеса в Барселоне. И это девочка  родом из Молдовы! С дипломом местной  Академии музыки, театра и пластических искусств, которая, кстати, успела пройти стажировку в итальянской Модене у знаменитой Миреллы Френи.
    Успешная карьера Ольги стала закономерным результатом истории большой музыкальной семьи.  Её ближайшие родственники –  личности с яркими именами и биографиями. Родители Татьяна и Николай Бусуйок – солисты Национальной оперы. Отчим Андрий Юркевич – дирижер, прекрасно зарекомендовавший себя на Украине, в Италии и в Молдове. Супруг Ольги Игорь Стрибицкий – участник известной в Молдове молодежной группы «Аcоrd»
    От мамы Ольга унаследовала эффектную внешность, умение держаться на сцене, прекрасный южный тембр, чувственность и уверенность в себе. От папы – мягкость, лирический темперамент  и тонкое ощущение партнерства на сцене. Ольга –  сопрано, так же как и мама. Но репертуар у певиц разный. Татьяна –  меццо-сопрано,  Ольга – лирико-драматическое.
     Мама стала строгим педагогом Ольги в Молдавской Академии музыки, театра и пластических искусств. Серьезную подготовку к «Опералии» Бусуйок прошла с Миреллой Френи, с которой целых три месяца готовила сцену письма Татьяны из «Евгения Онегина».
- В жюри конкурса входили Пласидо Доминго и сама Галина Вишневская…
- Присутствовал и Георгиев. Я очень волновалась, поскольку из Молдовы на конкурсе такого уровня еще никто не участвовал.
- И какова была реакция Галины Вишневской?
- Она сказала, что я подлинно оперное сопрано. А конкурс был сумасшедший - 800 заявок и всего 40 участников!
- На участие в «Опералии» вдохновила Френи?
- Нет, это моя инициатива. Френи сейчас 77 лет, она в прекрасной форме, еще поет, и советовала мне не спешить. Её поколение находилось в более льготных условиях – им многие помогали. А современной вокальной молодежи надо бороться за своё успешное завтра.
- Вас поддержала мама Татьяна Бусуйок?
- Конечно, она ездила со мной в Москву, переживала. Но желание рисковать на конкурсах – всегда мое личное.
- У вас вся семья артистическая, наверное, видитесь редко?
- Мы оба с моим супругом Игорем гастролируем, но разлук не боимся - стараемся совмещать графики разъездов, чтобы быть подольше  вместе.  Я выступала в Испании, Франции, Австрии, Молдове и России, но работать хотелось бы в  Америке, скажем, в Сан-Франциско, если повезёт. Конечно, скучаю по дому. Весной на фестивале «Мэрцишор» в Кишиневе я с удовольствием исполнила партию Мими в «Богеме», была в делегации на Днях культуры Молдовы в России, участвую в концертах, фестивалях. И очень рада, что меня зовут на родную сцену, в любимый Кишинёв и дорогую сердцу Молдову. У нас на Родине сейчас много  талантливых вокалистов – молодых и востребованных на мировой оперной сцене. Конкуренция – лучший стимул для профессионального роста, и это подтвердил Первый конкурс  вокалистов имени Марии Биешу.
- Вам понравились победители конкурса?
- Прекрасные ребята. Очень рада за Марианну Буликану. Она выросла, преуспела – очень яркая певица. Порадовали обладатели первой премии Азамат  Желтыргузов из Казахстана и наш молдавский тенор Игорь Цуркан.
- В чем смысл такого конкурса в Молдове?
- Он давно необходим хотя бы для наших ребят, которые могут посоревноваться, померяться силами и увидеть, каковы их шансы в сравнении друг с другом и участниками из других стран. Не все имеют возможность выезжать за рубеж, хотя в последние годы молдаване все чаще стажируются в России, Италии, Германии, Австрии. И сразу видны результаты – они поют на европейском уровне  и вполне могут занимать серьезные места в конкурсах и выступать на лучших сценах мира.
- Не все сразу…
- Конечно, но всё возможно, потому что природные данные у наших ребят очень сильные. 
                www.belcanto.ru -  2012
               

            Вдохновенное сопрано Гюльнары Райляну

Приятно писать о людях талантливых, искренне увлеченных своей профессией. К числу таких принадлежит Гюльнара Райляну - молодая солистка Национального театра оперы и балета имени М. Биешу. Совсем недавно она представила партию Тоски в одноименно опере Джакомо Пуччини. А стоит напомнить,  что «Тоска» была первой оперой в репертуаре таких звёзд, как Мария Биешу и Михай Мунтяну.
    Тоска не стала первой в судьбе Гюльнары. Ученица Заслуженной артистки Молдовы Татьяны Бусуйок Райляну вошла в театр с очень сложной партией Амелии в «Бал-маскараде». И это не всё. Райляну - певица весьма перспективная с серьёзными вокальными и актерскими данными. В её репертуаре уже Лиу, Лиза, Сантуцца. И, судя по результатам, Гюльнара и впредь намерена двигаться отнюдь не лёгким путем, покоряя всё более сложные партии.
    Последнее достижение Гюльнары - Дезедмона в «Отелло». В прошлом году на премьере «Отелло» она еще не была на сцене, но наблюдала за спектаклем так эмоционально, что стало ясно – Дездемона в её планах. Потом несколько дней я встречала её в театре - в глазах всё тот же восторг и счастье от возможности петь в опере, любить своё дело и служить ему.
    Она скромна, приветлива  и последовательно движется к своим целям. Здоровая амбициозность в сочетании с самокритичностью – хороший синтез, дающий верные результаты. Гюльнара - боец на сцене, не боится соперничать и старается быть в ряду лучших, что было  заметно в её «вокальной дуэли» с Марианной Буликану на Концерте 7 марта 2015 года. 
    Её «боевые свойства» обнаружились  на известных вокальных состязаниях. Гульнара  - дипломант Четвертого Международного конкурса имени Ирины Богачевой в Санкт-Петербурге (Россия) и Седьмого Международном конкурсе вокалистов имени Хариклеи Даркле (Румыния).
   «Гюльнара Райляну – одна из ведущих певиц  в нашем театре, - утверждает дирижёр Думитру Кырчумару. – Я не разделяю артистов на молодых и опытных, главное, какой ты музыкант. Как она сделала центральную арию и финалы второго и третьего акта в «Тоске»! Она неповторима, и я рад, что увидел саму Гюльнару, её Тоску и то, как она видит образ. Роль Тоски созвучна внутреннему состоянию певицы, и для меня большое удовольствие работать с ней! Спектакль шел с такими мастерами, как Борис Материнко  (Скарпиа) и Игорь Макаренко (Каварадосси) – они оба Народные артисты. Но мы дали возможность вести спектакль именно ей, Гюльнаре, потому что её работа стоила усилий и внимания всех участников. У нее особый, сильный темперамент артиста, умение создать экспрессивный образ, сконцентрированный внутри,  очень нежный и, в то же время, яркий на выходе. Такие контрасты даны не многим».
- Почему такое необычное имя - Гюльнара Райляну? Есть ли в семье музыканты?
- У меня папа азербайджанец, а мама молдаванка. Из музыкантов – никого. Я сама удивлена, откуда у меня талант к музыке. Выходит – от Бога.
- Как стали певицей?
- Музыкой занималась с первого класса,  9 лет пропела в хоре. Петь любила и хотела на сцену, но в эстрадных жанрах. Об опере поначалу не думала. Уже в музыкальном училище мне сказали, что в голосе явно слышны оперные данные, хотя многие не советовали всерьез увлекаться пением. Сомнения продолжались, пока мой педагог Владимир Викил  решительно заявил: «Девочка, не играй с огнём. У тебя явный талант оперной солистки».
- Затем была педагог Татьяна Бусуйок?
- Она вела меня в Академии музыки, театра и пластических искусств, за что я ей безумно благодарна. После Академии мы продолжали заниматься еще 2 года и лишь потом решились показаться в Национальной опере.
- Она заботится и опекает Вас.
- Научила меня максимальной требовательности и самоотдаче. И теперь я просто не могу жить без театра. Не мыслю себя без оперы ни одного дня в жизни!
- Скажите, когда Вы готовите партию, сомнения терзают?
- На первом выходе, конечно. Сейчас у меня вторая «Тоска», и я уже знала всё, что мне надо доделать!
- Тоска – удивительный образ. Она свела с ума Каварадосси и всесильного Скарпиа! 
- Тоска - настоящая дива. Во имя любви она может всё - убить, защитить, спасти любимого и умереть ради него. Мне нужны подлинные страсти, острота драматизма – кровь, мясо, чтобы меня терзали, душили в спектакле.
- Хотя выглядите как человек тонкий, хрупкий, нежный.  Вам нравятся сложные партии?
- Я обожаю «Турандот». И обязательно спою Лиу. В классе у Татьяны Бусуйок я всегда распевалась на Турандот. И еще, Мими в «Богеме».
- О чём мечтаете, есть ли желание спеть концертную программу?
- Подготовила «Реквием» Верди. Хочу попробовать Леонору из «Трубадура». Ну, из романсов я бы предпочла Сергея Рахманинова. Обожаю петь арии, опера у меня в крови.   
                Панорама - 2016


            Думитру Кырчумару: «Я люблю нестандартные решения»

Музыкальный театр зиждиться на двух важных основах: музыка и режиссура. Какие сюрпризы может преподнести  оперный или балетный спектакль, каким видится сегодня концертная сцена – нам поведает молодой, активный дирижёр Национальной оперы Молдовы Думитру КЫРЧУМАРУ.
    Дебют Кырчумару за оперным пультом состоялся стремительно и неожиданно, как, впрочем, всё в его биографии. Четыре года назад всего за 2 недели он подготовил   «Травиату»  вместе со своей будущей супругой Марианной Буликану. Марианна блестяще справилась с Виолеттой, а Кырчумару заявил себя как вдумчивый и мобильный дирижер, способный, в первый раз став за театральный пульт, найти точки соприкосновения с опытным коллективом.  А надо сказать, что оркестр и вокальная труппа не так легко принимают указания новичка. Но от судьбы не уйти, и театральная среда окончательно  притянула к себе молодого дирижера, талант которого рассмотрел его педагог Евгений Вербецкий.
-  Судя по имени педагога, поначалу Вы учились как кларнетист?
-  У меня и выбора не было. Я был обречен стать музыкантом по решению моего отца директора театра имени А. Матеевича Евгения Петровича Кырчумару. Я поступил в лицей имени Порумбеску и с четвертого класса стал учеником Вербецкого, который до того преподавал только в консерватории. По окончании лицея я направился прямиком в Академию музыки, театра и пластических искусств, чтобы продолжить образование у того же Евгения Николаевича. Но патрон резко изменил мои намерения, предложив поступить на кафедру оркестрового дирижирования, которой руководила Илона Степан.
-  Кларнет забросили?
-  Ни в коей мере. Я продолжал учиться у Вербецкого, затем как симфонический дирижер у Михаила Сечкина,  а со второго курса - на кафедре академического пения у Валерия Вдовиченко. Смешно другое, как Вербецкий меня представил кафедре: «Высокий, видный. Можно брать в дирижёры!»
-  Был опыт обучения в Германии?
-  Прошел стажировку в Штутгарте, Мюнхене, работал с Камерным оркестром Берлинской филармонии.  Затем продолжил учиться в мастерате Академии муызки, театра и пластических искусств у Георгия Мусти.
-  У Вас было много наставников?
-  Мне везло на педагогов и в Молдове, и в Германии. Но создал меня как музыканта именно Вербецкий, определив творческие ориентиры ещё с детских лет.
-  И что  привлекло в опасной дирижёрской доле?
-  Стремление быть первопроходцем в раскрытии замыслов композитора - мне всегда хотелось найти свою трактовку. И в этом смысле мне близок Бруно Вальтер, пояснявший, что далеко не всегда концепция произведения состоит в ритмичности и правильности исполнения. В знаменитой Девятой симфонии Бетховена начало напоминает хаос сотворения мира, и это не может быть точно исполнено. Нельзя заранее знать, какие требования  выдвинет сама музыка. Нужно думать, искать.
-  Не боитесь замучить оркестрантов сомнениями?
-  Ну что Вы, напротив. Счастье совместного исполнения как раз в том, что мне интересно мнение каждого музыканта. И только вместе мы можем создать свою музыку, свой театр. В Молдове есть замечательная возможность сочетать сразу три музыкальных традиции: итальянскую, русскую и немецкую. Итальянцы близки молдаванам по крови – мы воспринимаем мир темпераментно и эмоционально. Россия дала нам прекрасную педагогическую базу, направив в Молдову многих выпускников московских музыкальных ВУЗов. Германия помогает совершенствоваться молодым музыкантам сейчас, cтрого следуя своим национальным традициям и современным тенденциям в Европе.
-  Часто сотрудничаете с Евгением Догой?
- Это чудесный опыт ярких концертных программ, на которых удалось проявиться не только мне, но и многим молодым вокалистам. Я люблю праздник на сцене, который дарит творчество Евгения Дмитриевича. Был у меня и опыт исполнения Новогодней  программы в оперном театре. На «Мэрцишоре» мы поздравили милых дам уникальной программой из  малоизвестных в Молдове произведений. Надеюсь, мой концертный опыт  продолжится, это интересная возможность экспериментировать.
- В театре Вы успели многое.
- И очень этому рад. Первой была «Травиата», которая определила не только мою театральную карьеру, но и личную жизнь. Марианну Буликану я знал давно, а вот истинное чувство меж нами вспыхнуло именно в театре. Теперь у нас семья: Я, Марианна и наша дочь Эльмира, которую мы назвали в честь моей мамы.
- И как живётся двум ярким музыкантам в одной семье?
- Чудесно. Я счастлив возвращаться после репетиций к супруге, с которой у нас столько общего. Это не значит, что мы во всём потакаем друг другу. Иногда спорим, какой может быть трактовка того или иного образа. Но мы музыканты, одно целое – и это удача моей судьбы. Такое же единение я ощущаю с оркестром и с коллективом театра. За 5 лет мы вместе «одолели»  партитуры опер «Риголетто», «Набукко»,  «Трубадур», «Манон»,  «Евгений Онегин», оперетты «Весёлая вдова» и балетов «Белоснежка и семь гномов», «Щелкунчик», «Ромео и Джульетта». И самый главный «подвиг»  - это опера «Пиковая дама», в которой я нашёл для себя массу.
- Каково быть дирижёром в наше время?
- Прежде всего, нужно сбросить с себя ярмо диктатуры банальной манеры самовыражения. Я люблю нестандартные, смелые решения, когда сами музыканты стараются найти новое в исполнении. Мне  не свойственно разделение на «дирижёр и оркестр» – мы работаем вместе.
- А бывает так, что музыка не даётся, сопротивляется и трудно найти решение?
-  Это нормально. Приходиться многое преодолевать, обдумывать, пробовать, пока оркестр почувствует тебя и поверит решениям дирижёра.  Но в этом и есть радость творчества, для этого мы живём и работаем в загадочном мире под названием «ТЕАТР»!                Панорама - февраль 2016
 
                Ускользающий шлейф вилисы…          

Жемчужину балетной классики «Жизель» на фестивале Марии Биешу-2014 представили солисты Национальной оперы Народные артисты Молдовы Кристина и Алексей Терентьевы сразу после успешных гастролей в Испании.  Три года назад мне повезло увидеть «Жизель» с Кристиной Терентьевой и уроженцем Молдовы, ныне танцующем в Вене, Михаилом Сосновским. И это было нечто потрясающее. Причем, Кристина была намного убедительнее заморского гостя.
 - Михаил мой одноклассник по Кишиневу, и он не танцует классические партии, – отмечает Кристина. - У него в репертуаре больше современная хореография, в «Жизели» он танцевал впервые по нашей с Алёшей инициативе.
- У меня впечатление, что эта партия Вам особенно подходит, поэтому и результат такой запоминающийся.
- Я танцую «Жизель» 10 лет, но всё равно переживаю, и, честно признаюсь, что в ночь перед спектаклем не могла заснуть. Всё прокручивала во сне, где на ножку наступить,
как посмотреть, преподать образ, чтобы зрителю было естественно с нами, потому что
в ХХI веке изменилось отношение к стилю танца.
- Вы настолько юная, трепетная, пульсирующая на грани жизни и смерти, что Ваша Жизель кажется естественным продолжением реальной жизни...
- Надеюсь, что я в равной мере справляюсь со всеми своими партиями. Но эта на самом деле символична, потому что она сыграла особую роль в жизни многих великих балерин. Все помнят Ольгу Спесивцеву, которая просто сошла с ума, танцуя Жизель. Великая Анна Павлова стала знаменитой именно благодаря «Жизели».  И я всегда ищу что-то своё в спектакле, потому что копирование мало кому интересно. 
- А что значит «Жизель» для Алексея Терентьева?
- Это один из самых трудных спектаклей классического репертуара для ведущего солиста, - поясняет танцовщик. - Физически я бы, наверное, сказал, что самый трудный. Плюс ярко выраженная драматическая роль.
- То есть, большое нервное напряжение?
- Эмоции практически натуральные – все пропускаешь через себя и отдаешь в зрительный зал.
- Что для Вас значит фестиваль Марии Биешу?
- Престиж и возможность пообщаться с приглашенными звёздами-коллегами, получить  новый опыт, связи, контакты.
- А что ожидать в дальнейшем от Вашей балетной пары?
- Мы много ездим, даём до 100 спектаклей в год в разных странах. С удовольствием выступаем на родной сцене и надеемся, что театр найдет возможность обновлять репертуар премьерами, в которых так нуждаемся и мы солисты, и зритель.
    Но что привораживает в этом балете? Почему зритель многократно его посещает?
Мне кажется, это душа героини. Я вспомнила Марию Полюдову в этой партии, теперь внимательно наблюдала за Кристиной и поняла, что в сцене сумасшествия живёт незащищенная пульсирующая душа, искренно пытающаяся удержаться за веру
в людей. Жизель хватает руками воздух, пытается спастись, сжимая в кулачках пространство тепла и понимания. Но ей некому помочь, и хрупкий мир её веры разрушается, забирая душу в неприкасаемый мир видений и призрачных вилис - невест, не доживших до собственной свадьбы. 
    Жизель равнозначна природе творчества – оно живёт лишь краткое мгновение, то ускользающее, то осязаемое. Жизель необъяснима, но любима - живой ли, мёртвой по сути, не важно. Ведь это Душа и без неё нет ничего и ничего не нужно.
    Кристина Терентьева удивила пульсацией образа, то лихорадочно-волнующей в конце жизни, то тихо-замирающей в небытии загробного царства. Знаменитая белая Жизель у Кристины не мертва, она такая же тепла, мила и только чуть замедлена в несмелой попытке остановить время и вспомнить нечто. Её замедления лишь зрительны, потому что темп музыки сохраняется прежним, в чём заслуга дирижера из Беларуси Виктора Плоскина, впервые посетившего наш фестиваль.
    Альберт Алексея Терентьева красив и осознанно метафизичен. Это умный танцовщик, тонкий и сильный в прыжке. Он грустен глубоко и обреченно, но, всё же, тянется к сердцу любимой. В своей обречённости они оба спокойны и совершенны как настоящие мастера, уже всё доказавшие и живущие только искусством. Отметим и Анастасию Хомицкую в партии повелительницы вилис – Мирты. Она строга, грустна и неумолима, словно изваяние из прозрачного мела.       
                Сентябрь 2014


   

       Возвращение на любимую сцену – Мария Полюдова и Владимир Статный. 

Удовольствие от достойной балетной постановки вряд ли с чем сравнишь. Тем более, если на сцене настоящие мастера танца. Особенно радует, когда таким совершенством отличаются наши земляки Мария Полюдова и Юрий Статный. Заслуженные артисты Молдовы, они c 2009 года прочно «осели» в оперно-балетной труппе Одессы, но по сей день  помнят родную кишиневскую сцену и радуют нас вдохновенным танцем.
   «Дон Кихот» — их «фирменное блюдо», полностью соответствующее темпераменту танцовщиков. Их мастерство, пластика, умение создать безупречное – не требуют подтверждений. Публика всё решает, когда комментирует «Браво»!
    В чём же отличие именно этих мастеров сцены? В умении создать праздник — легкий, искрящийся, заводной и неповторимый. В танце Полюдовой и Статного есть некая зацепка, интрига, штрих, который придаёт особый шарм, некую краску в завершении. У них есть своя подчёркнутость, cвой щелчок, усиливающий радость и умеющий зажечь публику. Это и великолепные костюмы, которые они заказали специально для постановки и сами расшили прозрачными каменьями. И безупречная техника исполнения, прекрасные поддержки, когда Мария взмывает в руках Володи, как факел, заставляя всех задержать дыхание. Публику заводит игривый нрав пары. Их «Дон Кихот» — это шутка, энергия и «баловство таланта».
    «Мне понравилась эта пара, — отметил белорусский дирижер Виктор Плоскина. – Очень понравилась Молдова – тёплая, гостеприимная и люди прекрасные. Фестиваль Марии Биешу – это масса интересных встреч, новых друзей и атмосфера сердечности. У вас чудесные, просто удивительные голоса и танцовщики очень сильные — довелось здесь дирижировать балетами «Жизель» и «Дон Кихот». Оркестр порадовал - гибкий, опытный, профессиональный».
— Что значит для Вас Молдова и возвращение на фестиваль Марии Биешу?
— Не скажу,  что это возвращение. Мы – дома, и этим все сказано! – радуется Володя. – «Дон Кихот» для меня наслаждение и удовольствие от контакта с публикой. И тепло — оно исходит от всех, от зрителей, друзей и коллег!
— Мы здесь в своей стихии — вздыхает Мария. — Родные глаза - костюмеры, гримёры, учителя. Ответственность, но не через тот нерв, как в девстве. Теперь внутреннее спокойствие, потому что рядом сильная поддержка наших педагогов – это очень душевно. Родные места всегда остаются в сердце. И я обожаю сцену Молдавской оперы. Она большая, объёмная, и я могу развернуться на ней во всю ширь. Фестиваль Биешу мы всегда ждём с нетерпением. И я пользуюсь любой возможностью, чтобы вернуться в театр.
— А что интересного произошло в Одессе?
— Вместе с моим супругом Володей Статным мы участвовали в постановке «Весны Священной» И.Стравинского, очень порадовали нас партии Марии и Кронпринца в балете «Тайна Венского леса» на музыку Густава Малера и Иоганна Штрауса, был также балет «Нуриев forever…». Особенно запомнилась премьера балета «Крик» в постановке Алексея Меркурьева. Алексей представляет Большой театр России, но балет получился в Одессе. Это современная работа, очень глубокая.
— Балет — дело тонкое,  коллективное. Ваша пара со Статным стала тандемом мастеров — импозантных, уверенных в себе, вызывающих желание подражать.
— В балете, точнее в спектакле, нет разделения на главное и не главное. Важны и солисты, и кордебалет. И мне очень радостно, что балетная труппа молдавского театра так собралась и прекрасно себя проявила. Сейчас балет в хорошей форме, работает слаженно, индивидуально, и смена растет чудесная в хореографическом колледже.
— Какие партии Вам ближе?
— Люблю характерные, темпераментные образы. Моя Джульетта в постановке Еуджена Гырнеца — моноплановая, всё на пластике, на чувствах, «глаза в глаза», без особой техники и пируэтов. Но с Китри интереснее — она яркая, вся «на технике». Жизель — героиня сложная, двуплановая: она и юная влюбленная крестьяночка, и серьезная, страдающая, поэтичная в потустороннем мире. Надо хорошо продумать, как подать обе грани образа.
— Вспоминаю Вас в балете «Лучафэрул». Главную партию исполнил Владимир Статный, сочетавший безупречную  возвышенность  с любовью к земной девушке…
 —   Кэтэлина — одна из лучших моих партий, ставшая определяющей в моей карьере. Она была высоко техничной, экспрессивной, что требовало больших усилий. Это новый виток в творчестве, сочетавший и страх, и восторг.
— В каких странах и коллективах Вы еще работали?
— С концертами и балетами «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Ромео и Джульетта», «Коппелия», «Щелкунчик» гастролировала в Великобритании, Китае, Германии, Дании, Голландии, США, Италии, Испании, Франции,  Швеции, Норвегии, Колумбии, Сербии и Черногории. Сотрудничала также с московскими театрами: «Имперский русский балет», «Русский национальный балет» и театром балета классической хореографии La classique. Преподавала классический танец в ряде городов США.
— Что нравится в развитии?
— Люблю перемены в творчестве. Даже в отработанных спектаклях нужны какие-то коррективы из года в год. Импровизация заложена в самой природе танца. Важно, чтобы зритель воспринимал все органично, надо все обыграть профессионально и не выйти из текста общего хореографического рисунка.
- Балерина режиссер, балерина-драматург – это Ваша стихия. А кто Вам интересен в балетном мире?
- Люблю Махалину, Надю Павлову, Екатерину Максимову - они очень гибкие и разноплановые, могут танцевать любой репертуар.
- Сотрудничество с балетмейстерами помогает?
- Особенно запомнился Поклитару. Он работал в нашем театре чуть более года, но мы его очень любим. Раду Витальевич внёс новую жизнь в наш коллектив, помог танцорам раскрепоститься. Он учил танцевать современный балет, даже говорить во время танца, чтобы мы ощутили полную свободу и раскованность.
- Танцовщики «говорят» жестами, Поклитару  помог Вам раскрыться актёрски и выразить себя многопланово. А что у вас есть в современной хореографии?
- Первый танец с ним был на тему «Чокырлии». Затем – «Две румынские песни» из репертуара фольклорной певицы Марии Тэнасе. Этот номер Раду Витальевич ставил специально на меня и на Володю Статного для хореографического конкурса «Арабеск 2002» в Перми.
- В Перми учился и сам Поклитару?
- Да, и его там очень любят. Мне приятно было там побывать еще и потому, что мама там училась.
- Кто еще запомнилась из постановщиков?
- Мне удалось сотрудничать с  московскими мастерами Юрием Григоровичем,  Гедеминасом Тарандой, Юрием Ветровым,  Галиной Шляпиной, Сергеем и Еленой Радченко. Повезло работать с нашим земляком, ныне петербуржцем Борисом Эйфманом  и Георгием Ковтуном из Одессы.
- У вас есть склонность что-то менять прямо на спектакле …
- Импровизация заложена в самой природе танца. Все исходит от актера изнутри. Отсюда и свобода творческая. Если чувствуешь себя уверенно на своем месте, чужеродное к тебе не прилипнет. Важно, чтобы балетмейстер заметил индивидуальность каждого и направил в правильное русло.               
Панорама, сентябрь 2014

 
         «Воскресший образ» или уникальное дарование?

Имя молдавского вокалиста Методия Бужор хорошо известно  за пределами нашей страны, но особый резонанс  вызвало его сходство с Муслимом Магомаевым после передачи «Достояние республики». Поразило отнюдь не сходство со знаменитым баритоном советской эпохи. Совсем другое. Свои версии песен из магомаевского репертуара показали Эмин Агаларов, Алексей Воробьев, Валерий Меладзе, Тамара Гвердцители, Марк Тишман, Максим Катырев, Валерия и Филипп Киркоров. Но самое большое оживление вызвал Методий. Почему?
    Потому что у него шикарный мягкий благородный тембр бас-баритон, которым был одарен и Магомаев. Оба певца южане, и даже, если бы Методий не подражал манере исполнения азербайджанского коллеги, он все равно стал бы заметен. Методий талантлив голосово, артистически, чуть резок, импозантен в пластике, благороден, одарен здоровым мужским темпераментом  – так создается эффект перевоплощения в образ. 
    Вот впечатления самого Муслима Магометовича после первой встречи с молодым коллегой. 
 - Вчера в гости заходил певец Методие Бужор. Молдаване славятся прекрасными голосами! А этот бас-баритон превзошёл все наши с Т.И. Синявской ожидания! Я о нём много слышал, но, «живьем»! Мы помузицировали... Сыграл я ему Эскамилио, а потом он захотел попеть мне песни из моего репертуара. Я подумал... Ну-ну. Знаем мы, как вы - оперняки поёте песенки - как один Варяжский гость! Но то, что я услышал – потрясло - между молодым Муслимом Магомаевым и Георгом Отсом! ... Если я в каких-то интимных признаниях проговариваю музыку, то он её «пропевает» сердцем. Да! Не перевелись музыканты-певцы.
    Между Магомаевым и Бужором целая эпоха. Оба покоряют зал одним жестом, сдержанной мужской полуулыбкой, какой-то внутренней силой, ненавязчивой, но врезающейся в память. Это впечатлило Тамару Синявскую, почтившую Методия особым вниманием. Тамара Ильинична тактично подчеркнула, что он лишь отдалённо напоминает Магомаева, не стремится его копировать.
    Методие Бужор родился в 1974 году. Окончив Кишиневскую Музыкальную Академию имени Гавриила Музическу в 2000 году в классе Михая Мунтяна, он начал свою карьеру с работы в трупе Московского театра «Новая Опера» под управлением Евгения Колобова. Дебютировал в партии Спарафучили  вместе с Риголетто Дмитрием Хворостовским. Затем ему доверили Гремина в  «Евгении Онегие», Сесила в «Мария Стюарт», Сальери в «Моцарте и Сальери».
     Методие Бужор становится лауреатом ряда Международных конкурсов оперных певцов. В 2001 он получает две Третьих премии:  на  Конкурсе  «Hareclea Darkle» в Брэила, Румыния и на  Конкурсе  «Francesco Vinas» Барселона, Испания. В 2002 году у него уже Вторая премия на Конкурсе  имени «Елены Образцовой» в Санкт-Петербурге. И , наконец, в 2004 году Бужор заслужил Первую премию на Конкурсе оперных певцов  в Италии.
    В «Новой опере» Методий надолго не задержался и в 2002 становится солистом Академии молодых певцов Мариинского театра в Санкт-Петербурге.  Здесь он - Фома в  «Чародейке» и Мороз в  «Снегурочке» под руководством Валерия Гергиева. Далее сотрудничество с Лейпцигской оперой  и партии Колина в «Богеме», Рамфиса в «Аиде», Мефистофеля в «Осуждении Фауста», Понте в «Трое» и Битерхолфа в «Тангейзере». Особо запомнился «Темистокль» И.К. Баха как интересное сочетание ультрасовременной сценографии и музыки барокко. 
    М. Бужор гастролирует во Франции, Германии, Италии, Испании, Финляндии, Голландии. Успел побывать и в родной Молдове весной 2011 года, где участвовал на творческом вечере Евгения Доги в Национальном дворце. Он выступает с концертами  в Америке, Англии, Китае, Швейцарии, Испании. В 2008 пел премьерные спектакли Михайловского театра: «Сельская честь», «Паяцы»,  «Любовный напиток».
    Широкой публике Бужор известен как исполнитель песен классического и эстрадного направления. Его хитами стали «Свадьба», «Мелодия», «Чёртово колесо», «Зимняя любовь» из репертуара Муслима Магомаева, Эдуарда Хиля, Евгения Мартынова, Юрия Гуляева, а также собственного сочинения. На сцене театров и концертных залов, он проявил себя не только как певец, обладающий мощным и бархатистым тембром голоса, но и как исполнитель, владеющий драматическим актёрским мастерством.
    Яркое выступление Методия Бужор на передаче «Достояние республики» подтвердило одну простую истину – нет пророков в свое отечестве! В 2011 году Молдова ошеломила оперный мир своими дарованиями: Валентина Нафорница, Ольга Бусуйок, Олег Цыбулько, о которых мы говорили неоднократно. И, наконец, Бужор, увенчавший серию побед наших земляков, увы, покинувших свою Родину. Алексей Ботнарчук, Адриан Цымпэу, Думитру Кырчумару, Игорь Цуркан – далеко не весь список талантов, признанных  не только в Молдавской опере, но и в Берлине, Швейцарии, Румынии и России.  Кто-то работает сразу на нескольких сценах одновременно, кто-то покинул театр в силу семейных обстоятельств, как Анжела Пихут и Гюльнара Райляну – что ж приезжайте, возвращайтесь. Мы всех помним и ждем.
               
                ПРЕМЬЕРЫ
               
                Macbeth -2017

Премьера оперы «Макбет» Д. Верди 28 и 30 июня 2017 года в Национальном театре оперы и балета М.Биешу стала весьма громкой, обозначив рубеж между традиционными постановками и прорывом в искусство современного театра, столь долгожданным на молдавской сцене.
    Режиссёр Андреа Баттистини предложил перевести действие в начало 40-х лет прошлого века, трактовав оперный спектакль как некую модель античного театра, имеющую тесные связи с современными коллизиями. Таким образом, знаменитая «драма ужасов» Верди-Шекспира стала связующим звеном от античности к XXI веку, акцентировав извечно порочный круг узурпации власти и, как следствие, беды и тяготы беженцев, не знающих покоя на родной земле. Актуальность темы оказалась настолько  острой, что исполнение «Макбета» стало подлинным откровением как для коллектива театра, так и для зрителя.
Юрий Гыскэ, Народный артист РМ, Макбет(29.06.2017)
- Репетировали много,  сосредоточенно. Не припомню такой степени концентрации и целеустремлённости в процессе освоения премьерного спектакля.
Пламен Дмитров, Болгария Макбет (30.06.2017),
- Вокально партия Макбета очень тяжёлая, эмоционально требующая максимальной отдачи. Макбет, на самом деле, хороший человек и настоящий воин. Но благодаря внушению  Леди Макбет он совершает цепь убийств – и перед нами безумец! Дункан был для него как отец, но в итоге он убивает даже прототип своего отца. Его раздирают противоречия, совмещающие желание властвовать, мстить, сцены безумия и покаяния. И я весьма рад, что у меня такая обаятельная и убедительная партнерша Анжела Пихут в роли леди Макбет.
- В чем разница постановки в Варне и у нас?
- В Варне спектакль академического типа, в Молдове – современное решение. И это не простая задача – сделать актуальнo, сохранив наполненность смыслов на уровне классической драмы. Ваш спектакль убедительнее многих других, где осовременивание не оправдано и опустошает саму суть спектакля.
Анжела Пихут, Леди Макбет (30.06.2017)
- Наш театр впервые ставит оперу «Макбет». Леди Макбет - образ необычный, и это большой вызов сыграть негативную роль, учитывая, что отрицательных женских персонажей в оперном репертуаре немного.
- Леди Макбет – абсолютное зло или степень безумия?
- И то, и другое – мне кажется, это врожденные свойства! Все началось с того, что она потеряла ребенка, затем ее жизнь превратилось в месть…
- А как Вам сама партия?
- Сложная, но мне подошла, и я чувствую себя вполне естественно вокально и актёрски.
- Как режиссура?
- Мне интересен замысел Баттистини. Нравится чувствовать себя частью драматического театра. Андреа Баттистини творит из нас драму.
Владимир Драгош, народный артист РМ
- Этот спектакль впервые должен был состояться 25 лет назад с дирижером Александру Самоилэ. Был очень интересный материал для постановки: тема узурпации власти, актуальная в любом обществе. Мы начали работать, пошили костюмы, были уже спевки, но помешали финансовые трудности. Вот теперь в 2017 году всё сошлось - режиссёр, дирижёр, опыт труппы. Видимо, современные коллизии - повстанцы, беженцы, тема преступления и наказания сегодня совпадают по резонабельности с музыкально-сценическим воплощением драмы Шекспира и Верди.
Андреа Баттистини, режиссёр, Италия
- История «Макбета» для меня не глобальна. Это «Он и Она», то есть драма двух людей. И уже потом - шотландское королевство и кровавая история восхождения на престол семейства Макбетов! И я рад, что это уже четвертая моя совместная работа с оперой Молдовы после «Отелло», «Кармен» и «Риголетто».
Елена УЗУН, музыкальный критик, пресс-секретарь театра
- Самый впечатляющий момент в постановке - огненный круг, вовлекающий героев
в роковой поток неизбежности, как символ кровавой человеческой мясорубки, управляемой духами Подземного значения.  Но Тёмные силы - не единственный стимул движения в драме, есть и силы Небесные, помогающие разрешиться ситуации должным образом. И это самые мощное столкновение сил из тех, что были призваны в операх Верди.
    На самом деле, Магический круг не самостоятелен - он не оторван от вязкой паутины действия. Нам только кажется, что короли управляют страной. Oни вовлечены в жестокую игру, результат которой изначально не предсказуем. Запутавшись в паутине террора и мести, властители погрязают в тяжелейшей цепи кармических обстоятельств, вовлекая туда и позитивные силы, и обычных граждан.
    В итоге террор завершается ответным террором, безумие Леди Макбет передается её супругу и смерть порождает смерть. Имена персонажей, сражающихся за власть, в корне едины - МАКдуф убивает МАКбета. Первое и последнее убийство драмы свершаются якобы не со злыми намерениями. Опасность всей ситуации раскрывается в непрерывности вендетты, и, чтобы уничтожить источник террора, надо самому родиться не совсем человеком, а быть вырезанным из чрева матери.
    Зло невозможно остановить - его нужно изжить, уничтожить и побороть усилиями многих и многих. В конце спектакля навстречу Макбету выходит не только Макдуф, но и войско с красными копьями - неумолимый частокол Красного леса, против которого Злу устоять невозможно.
    При этом сам Лес подвергается трансформации - вначале служит укрытием для убийства позитивного героя, а в конце сам побеждает Зло как символ всенародного гнева! Сложнейшая цепь трансформаций с одновременной концентрацией символов добра и зла в одном персонаже, образе или стихии, чему яркое подтверждение - пластический Квинтет ведьм. Они настолько многоплановы и равнозначны, что сразу всё и не упомнишь.
    Во-первых, ведьмы – зеркала мистических сил, они предсказывают ход событий.  В третьем действии зеркальность раскалывается на три видения гибели Макбета, показанные ведьмами со спины, как ситуации-оборотни. Во-вторых, квинтет ведьм символизирует пять призраков персонажей, убиенных Макбетом. Они же камеристки во время Бала. Их движения зомбированы, напоминают действия монстров-наркоманов. Затем они варьируются - от зыбко-страшного театра видений до элементарно комической неуклюжести. Ведьмы - одновременно и шоу-элемент, и двигатель драмы. Они не просто отражают событие с опережением, а, по сути, им руководят, иронизируя над происходящим.
    Особый респект хору театра, играющему многозначную роль комментатора действия, подобно античному хору. Стиль античной драмы ощущается в жестикуляции, замирании и акцентах. Хор - это второй зеркальный слой действия после квинтета ведьм. И он также мощно влияет на динамику разворачивания спирали действия. И тут безусловная заслуга Главного хормейстера театра Мастера искусств Молдовы Олега Константинова.
    Многослойность фильтров действия отражается и во вневременных акцентах, поскольку действие спектакля перенесено из ХI столетия в ХХ век во времена Второй мировой войны, начиная с 1939 года. И тут вполне уместно высказывание, что историю творят не властители, а народ. Властители в «Макбете» - всего лишь зомби и слепое орудие черных сил, рвущееся к власти и не способное менять ход истории всерьез. Великая мысль о том, что именно народ должен созреть к преобразованию общества - вот идея Макбета, и как она нам созвучна! Да, поначалу народ только свидетель игр неба и земли, но искоренить Монстра должен именно он, потому что перед силой народа Зло бессильно! Какая мощь и какой Верди...
    Итоговое слово хочется посвятить оркестру Национальной оперы и дирижеру Народному артисту РМ Николае Дохотару. Прозвучали сдержано, мужественно с точным ощущением контрастов, акцентов и ударов Судьбы. Постепенно оркестр овладевает ситуацией и становится то неумолимым судьёй, а то защитником многочисленных жертв Рока.
    В премьере оперы «Макбет» все сошлось - яркая драма У. Шекспира, трактовка режиссёра А. Баттистини, сценография Ю. Матей, отточенная музыкальная подготовка театра и давнее желание зрителя увидеть современный музыкальный театр в Молдове!

30 июня 2017
               
       
            Премьера «Отелло», или новая попытка прорыва

Самая новаторская опера Джузеппе Верди «Отелло» - тяжёлое испытание для любой оперной труппы. В 2015 году в Молдове она ставилась в третий раз, предыдущие постановки было совершенно иными и шли с большими перерывами - в 1964 и 1998 гг. Первый спектакль был мне недоступен в силу возраста, второй я знаю – довольно интересное решение режиссёра Еуджена Платон.
    Но почему вновь «Отелло» - такой риск в конце сезона? Кишинёвская труппа спокойно исполняет монументальные «Реквием», «Аиду», «Бал-Маскарад» Д. Верди, «Турандот» и «Тоску» Д. Пуччини. Вопрос лишь в том, верит ли труппа дирижёру и режиссёру?
    «Отелло» - это колоссальное напряжение, экспрессивная, сложная по тесситуре партитура, пронизанная огнем, ядом и молнией.  Это не просто страсть, а максимально-вселенское столкновение веры, ревности и любви, где солисту надо осилить не только вокальные скачки, но и постоянное напряжение драмы, выстроенное на внутренних иглах и молниях. Верди «подрывает» драматургию «Отелло», как на минном поле. Все внутри наполнено импульсами-вспышками, не оставляющими в покое персонажей ни на минуту. «Покой нам только снился» - вот это «Отелло».
    Главный магистр оперной драматургии маэстро Джузеппе осознанно «задавал театру перца» в виде сложно преодолимых партитур, которые и через пять веков останутся загадкой для музыкантов. Его можно понять: то, что ясно и легко, быстро становится не интересно. А нагнетание амбиций на уровне «Отелло» - это подвиг, за который каждый исполнитель благодарен судьбе.
    Поэтому начало спектакля – по сути, весь спектакль, режиссёр Андреа Баттистини решил конкретно – выставил на авансцену огромные решетки, за которыми скрывается хор, тревожно ожидающий прибытие нового губернатора Кипра Отелло, попавшего
в шторм. Постепенно в ход идут не только голоса, руки и головы артистов. Возникают
ножи и пики, как символы войны и борьбы за свободу. Интервально-динамические
волны быстро захлестывают хоровое волнение, пока на гребне эмоций ясным Солнцем возникает Отелло, на время убеждающий народные массы, что всё хорошо! 
Далее сцена, где Яго напевает свою любимую арию. Он близкий друг, рубаха-парень, а хор веселиться в круговом танце, напоминающем молдавскую хору. И тут параллель – толпа, решетки, желание вырваться из беды. Беззаботная хора – суть нашей жизни, полной радужных обещаний и желаний прорыва в светлое завтра, закрытое новыми решётками. И суть этих решёток – неверие в себя.
    Был и в Отелло некий комплекс, грань, о которую раскололось счастье нежной любви к Дездемоне. Он до конца не верил в равенство чувств мавра и белокожей девы, не понял суть женской души. Изнутри его подъедал червь сомнений: а могу ли я быть счастлив? Так возник хитрец Яго, хорошо знавший пороки и комплексы Отелло. Порывистый мавр со страстной душой ждал только побед и не был готов к коварству. Яго же был готов ко всему. Открывается главная карта драмы - кто же главный герой? Отелло? О нет - Яго! Он король драмы, вершитель судеб, в итоге и сам жертва трагедии.
    Именно он - гениальный интриган, по сути, Мефистофель, постоянно подбрасывающий поленья в топку, сжигающую разум Отелло и превращающий благородный героизм и нежную любовь в бессмысленное кровопролитие. Не зря сам Верди поначалу хотел назвать оперу именем «Яго». Потому что его коварство - главная пружина драмы, её кровь и жёсткая обреченность.
   И нам весьма повезло, что в кишиневской премьере 26 июня 2015 года в партии Яго выступил Народный артист Молдовы баритон Юрий Гыскэ. Он абсолютно вписался в образ коварного циника Яго - холодного, жесткого и жаждущего абсолютной власти!    Характерный прищур Юрия, умение держать сцену, накалять ситуацию, смешивать юмор с коварной ухмылкой - всё это пригодилось и в сложнейшей партии Яго, презиравшего всех и вся.  Да, Яго удался, и это непростая «виктория» -  волевая и довольно убедительная.  Гыскэ сумел в двух-трёх штрихах-жестах дать зерно образа и буквально с первых фраз показать драматургию тембра. Он одинаково хорош в «изображении» верной дружбы с импульсивным Отелло ив  цинично-холодной «сцене с платком».
    Но что ж Отелло? Неужели он только наивен, порывист и прост в своих темнокожих комплексах и стремлении возвыситься над белой аристократией? О нет, он тоже интригующе привлекателен в исполнении солиста Национальной оперы Болгарии Даниэля Дамьянова. Даниэль владеет этой сложной партией вокально, ансамблево
и актёрски, и опыт заметен. Героически-гордый красавец вначале, он постепенно превращается в странного безумца с блестящими очами наркомана, ошарашенного вымышленной изменой Дездемоны. Его сознание не может принять удара, и он крушит все вокруг, оглашая сцену измученным стенанием всё ещё сильного мужчины, любящего, но уже стремящегося к гибели.
Сложнейшее испытание легло и на плечи сопрано Родики Пичиряну, которой пришлось нести на себе груз страданий Дездемоны в сочетании с работой режиссёра-координатора в спектакле. Отметим также выразительное пение Николая Васкауцана в партии Кассио - он держит образ и зал, стараясь не уступать лидирующей двойке Отелло и Яго. Хорош Родриго - Виктор Новицкий, решительно вступающий в интригу с Яго. Внушителен Валерий Кожокару в партии Лодовико. Вызывает доверия чуткая Эмилия – Татьяна Вырлан, пытающаяся остановить колесо драмы. Отметим и Монтано - Максима Иващук, уверенно владеющего голосом и сценой.
    Ну и конечно, хор,  активный, выразительный,  с самого начала убеждающий, что мы в сердце драмы, что все по-настоящему - без всякой оперной условности. Хоры в «Отелло» мощные, особые, возникающие в острые моменты драмы и поворачивающие действие, словно штормовой ветер.
    И в этом явная заслуга дирижера Народного артиста Молдовы Николая Дохотару и режиссера Андреа Баттистини. Маэстро Андреа создал очень итальянскую атмосферу
в спектакле - суетно-смятенную вначале и нежно-пасторальную в сценах женщин и
детей. Античная драма просматривается в дуэтах Яго и Отелло и фресковое величие
в сцене с Лодовико. Тут явное влияние итальянской живописи и архитектуры в самой атмосфере, наполненной тайной венецианской истории и роковыми переплетениями английской драмы. Для Баттистини – это, прежде всего, драма Шекспира и уже после музыка Верди! При всей традиционности постановки он оставляет шлейф таинственности, загадочности и неумения уберечь светлое чувство, уступающее жестокости социума...
    Что же до уровня чисто музыкального, то хор убеждает не только актёрски, но и
мощно в плане вокала. Непреклонно движутся к цели Отелло и Яго, преодолевая одну сольную преграду за другой. В музыкальном плане «Отелло» равен Везувию - кто не сорвётся, не попадет в клокочущую лаву извержений - тот закален как вокалист надолго. Это же относится к оркестру, призванному нагнетать сумасшедшее напряжение, погружая зрителя в непрерывные волны-спирали бесконечной драмы. А потому поздравим Национальную оперу с боевым крещением в горниле «Отелло». 
  24 июня 2015


                «Риголетто» в Бутученах

Ещё год назад не верилось, что где-то возле скалы в низине Бутучен возможно выступление оперного театра.  Но состоялось - и мы услышали оперу «Риголетто» и «Реквием» Джузеппе Верди в природном амфитеатре
среди театральных колонн и высоких грозных гор. И, надо сказать, природная акустика прекрасна! За день до выступления ни природа, ни скалы не пускали сюда человека. Как я и предвидела в прошлом году, не сдалась стихия на милость человеку. Нет! На Бутучены обрушились мощные ливни, со скалы низвергались водопады, а в низине было грязно и мокро. Но 4 июня 2016 года всё стало спокойно, солнечно, как в самом спектакле «Риголетто», где есть сцена грозы!
    «Риголетто» прошёл не просто, глухая скала не приняла людей сразу. Была величаво холодна, но и сопротивление не оказала -  обсыхала после дождя. Очнулись птицы, активно подпевавшие вокалистам, проснулись и заклокотали лягушки, на свет софитов активно слетелась мошкара. Не отдаёт природа своих владений, не надейтесь, только ненадолго уступает, ну потому что Верди - с ним не поспоришь. Да и где звучать опере, если не в самом красивом месте Молдовы - в Бутученах?!
    Здесь бывали музыкальные фестивали, звучал джаз, фолк, рок, но опера вошла в горное царство впервые, и впервые в Молдове свое первое крещение получил фестиваль «DescOpera». Вначале Бутучены дали обжиться австрийскому дирижеру Фридриху
Пфайфферу. Затем подпустили к себе оркестр, хор, солистов. Ну и, наконец, позволили публике все это слушать и лицезреть.
    С музыкальной точки зрения «Риголетто» был хорош, корректен, точен. Убедили солисты Ион Тимофти (Герцог) и Анна Черникова (Джильда), хотя пение с микрофоном ветреным сырым вечером было отнюдь непростым.
    Сценически спектакль ожил, освободился благодаря активной работе итальянского режиссера Андреа Баттистини. Как и в прошлогодней премьере «Отелло», Андреа весьма активизировал хор и действие с самого начала. Такой энергетический выброс участников спектакля в самом начале важен и дает импульс всему действию - в этом стиль Баттистини.
    Весьма смело и свободно расположил декорации сценограф Юрий Матей, используя изгибы ландшафта предгорья. Хорошо держал сцену Владимир Драгош (Риголетто), явившийся одним из инициаторов самой постановки. Восторженно следил за действием местный инициатор оперных выступлений - энергичный Анатолий Ботнару, сумевший все обустроить, подогнать технику, обеспечить дикое предскалье электричеством. А сколько усилий стоило все это привезти, сохранить от ливня и поверить, что всё возможно. Ведь это опера возле дикой скалы, где нет сцены, нет даже обычных фонарей - нет ничего!   Ситуацию увенчала надпись R I G O L E T T O, выставленная белыми буквами по центру скалы, подобно знаменитой H O L L I W O O D! Для этого явно понадобились скалолазы, одним слово, стоило поехать и посмотреть.
    «Панорама», 9 июня 2016

               
                И в третий раз Бутучены. «Кармен»

покорили слушателя, зрителя, детей и взрослых выступлением Национального театра оперы и балета имени М. Биешу, приютив в своих «зелёных чертогах» непокорную «Кармен» Д.Бизе. И теперь мы точно знаем - Фестивалю Классической музыки «Descopera» быть и процветать в предгорье Старого Орхея - в самом загадочном и прекрасном месте Молдовы!
   Сам фестиваль очень юный - ему второй год. Но оперный театр дружит с «Eco-Resort Вutuceni»  уже три года благодаря хозяину этих мест Анатолу Бoтнару и Народному артисту Молдовы Владимиру Драгошу, сумевшему вдохновить труппу театра на столь необычный эксперимент, а именно, слияние элитного оперного искусства и совершенно архаичной маленькой деревеньки Бутучены, расположенной у подножия огромной дикой скалы. Предгорье Бутучен оказалось весьма удобной сценой для выступлений, послужив неким вариантом природного амфитеатра, когда гора служит мощным резонатором звука, а колоритные окрестности предстают в роли живых декораций.
   2015 год стал первой попыткой освоить акустику Бутучен, представив концертную программу хитов классической музыки в исполнении солистов Национальной оперы. В июне 2016 года состоялась масштабное представление оперы «Риголетто» Д. Верди. И вот теперь 10 июня 2017 года в Бутученах зазвучала великолепная музыка Д. Бизе и всеми любимая опера «Кармен», действие которой большей частью как раз происходит в предгорье и на открытом пространстве.
   Вспомним, второй акт и знаменитый Квинтет контрабандистов - тут завязывается криминальная драма оперы, соединившая воедино весьма противоречивые персонажи - добродетельного Хозе и вольнодумную цыганку Кармен, Фраскиту и Мерседес. Великолепно-финальный выход Тореадора и сам праздник корриды - тоже событие массовое на открытом воздухе, а потому весьма эффектное на фоне скалы, но все по порядку.
   Фестиваль «Descоpеra», ещё в прошлом году казавшийся не реальным, в 2017 собрал немыслимое количество зрителей! Они прибывали волна за волной, заполнив поле перед импровизированной сценой так плотно, что сесть было негде! Хотя и сцены толком не было - обычные камни, лужайка - минимум декораций. В этот раз природа Бутучен приняла театр, не мучая солистов и зрителей дождями-ветрами, как это было в прошлом году. Освоились с аппаратурой звукорежиссёры, хор и певцы, представив спектакль, реально слившийся с непокорно-девственной природой Бутучен.
   Работницы сигаретной фабрики, солдаты, контрабандисты и тореадоры ощущали себя своими людьми, зашедшими на огонёк к жителям села и любопытным зрителям из разных частей Молдовы. Начало  «Кармен» и не спектакль вроде – солисты и хор прохаживались у подножиях скaлы в простеньких костюмах солдатов и цыган, напевая несложные мелодии и весело заигрывая друг с другом. И публика не молчала, возбуждённо переговариваясь и свободно перемещаясь, словно каждую субботу выезжает на представление оперы на природу.
   С наступлением темноты действие стало напряжённым, страсти накалились, и роковая история любви - драматичнее и горячее. Кармен в трактовке Надежды Стояновой воспринималась не столь уж роковой красоткой. Она была  романтичной, откровенно эротичной, стремящейся покорить всех мужчин, и, в то же время,  нежной, ранимой, не столько уверенной в своих поступках. И это правдиво, ибо не все порывы Кармен, полагаю, были понятны ей самой. Она ведь женщина, как все мы, сомневающаяся, не без странностей - просто очень увлекающаяся, красивая и cвободолюбивая.
   Прекрасно звучала Микаэла в исполнении Анны Морару. Вот она был тверда в своей добродетели, хоть и не смогла уберечь Хозе от трагической развязки драмы. Опытная Фраскита - заслуженная артистка Молдовы Мария Цонина - прелестно дополняла ансамбль контрабандистов и уверенно вела за собой молодых вокалистов, среди которых отметим Мерседес - Таисию Караман.
   Ярко и страстно звучал Хозе приглашённого тенора из России Руслана Юдина. Ему отлично контрастировал Эскамильо - Юрий Маймеску и Цунига - Максим Иващук. Весьма оживлённо и колоритно показали себя артисты хора.
    А какой финал! Эффектным парадом прошлись красавцы торерос, блиставшие шелковыми шляпами и шикарными костюмами, расшитыми золотом. Как эффектно проскакали великолепные всадники на гнедых породистых скакунах. Публика аплодировала во время выступления и взорвалась возгласами «браво» сразу после спектакля, доказав неизменное величие оперы над всеми другими видами искусств!
   Поздравим оркестр и неизменного дирижёра выступлений театра в Бутученах - представителя Австрии Фридриха Пфайффера. Фридрих давно подружился с нашим коллективом, знает тонкости и особенности всех исполнителей, а потому оркестр звучал  ярко, эмоционально и драматургически оправданно. Пфайфферу и оркестру удалось воссоздать подлинно оперные контрасты между изысканной лирикой французский музыки, роковыми страстями цыганки Кармен и испанцев Хозе и Эскамильо!
   Много усилий к адаптации спектакля к необычным условиям приложили итальянский режиссер Андреа Баттистини и сценограф Народный артист Молдовы Юрий Матей. Я уверена, публика не забудет победоносное шествие «Кармен» в Бутученах и будет с нетерпением ждать третьего выпуска фестиваля "Descopera- 2018"                11 июня 2017


             «Дон Жуан» в Национальной опере

В Молдове оперы Моцарта звучат не часто, постоянно в репертуаре только «Свадьба Фигаро». Была попытка концертной версии «Волшебной флейты» силами студентов и выпускников Академии музыки, театра и пластических искусств в Органном зале под руководством тенора Сергея Пилипецкого. Получилось весело, современно, с молодыми звонкими голосами, но это разовое выступление быстро забылось и ушло с афиш. И вот – грандиозная премьера «Дон Жуана» - событие уникальное, учитывая, что оперные премьеры у нас чрезвычайно редки. Решилась на это режиссер Элеонора Константинова, подобравшая удачный состав исполнителей -  молодой, голосистый и внешне эффектный.
    В Молдову испанский гуляка-аристократ прибыл лишь в 2007 году. И безусловной удачей стал выбор баритона Юрия Гыскэ на роль Дон Жуана - это творческий взлет и важный этап в певческой карьере. Партия легкомысленного красавца и прожигателя жизни только внешне легка и эффектна, на самом деле, она очень сложна технически, и не всякий вокалист с ней справится. Гыскэ проявился виртуозно, легко и актёрски ловко: ему равно удались знаменитые арии и длинновато-старомодные речитативы. Его Дон Жуан прозвучал на подлинно европейском уровне, на одном дыхании, без сучка и задоринки.
    Ещё одна удача спектакля - костюмы и сценография Ирины Пресс. Дорогие ткани, огромные перья, безумный шик и блеск аристократии. Какие причёски, украшения - в такой интеллигентной манере у нас ещё не пели и не играли. Благодаря Ирине опера приобрела высокий пафос и экспрессию, в её костюмах невозможно было не вжиться в образ и плохо спеть. И самой шикарной дамой спектакля стала Елена Герман в роли Донны Анны, умеющая концентрировать на себе внимание зрителя и партнеров по сцене.  Герман держит сцену, как магнитное ядро, притягивающее к себе все заряды. Она внутренне режиссирует и выстраивает действие, к ней подтягиваются молодые певцы, выстраивая вместе мизансцены, богатые сложными нюансами - ведь Донна Анна роковое увлечение Дон Жуана, любовь к ней обрекает его на гибель.
    «Дон Жуан» - самый драматичный шедевр Моцарта, это изумительное сочетание комедии и драмы. Он сложен по структуре, насыщен речитативными длиннотами, и
надо много мастерства и ухищрений, чтобы сделать спектакль интересным для зрителя. Опера построена на конфликте жизнелюбивого Дон Жуана и носителя смерти Командора. Борьба свободы и правил, любви и долга, жизни и смерти, мира земного и потустороннего -  магистраль драмы!
    Элеонора Константинова: «Дело в том, что настоящая личность приковывает внимание, и это, в первую очередь, относится к Юрию Гыскэ и Елене Герман. Они несут активную энергетику, а это первооснова в творчестве. И тут режиссёр, творческий человек, тоже становится автором музыкальной драмы. Он должен выразить философию спектакля, вжиться сам эмоционально и зажечь своих коллег. Моя задача - выстроить органику спектакля так, чтобы энергетика и мастерство опытных вокалистов вовлекли молодые дарования в сложный творческий процесс, заставили их работать на самом высоком уровне. И в «Дон Жуане» это удалось. Молодые вокалисты Мушурова, Маймеску, Бантя, Караджа - для них это был ответственный момент, и не только потому, что премьера была приурочена к 50-летию театра, но и потому что Моцарт - это страх и ответственность, требующие огромного труда и самоотдачи.
    Мы работали на пределе и счастливы результатом - все спектакли прошли при полном зале. Моцарт требует не только совершенного вокала, но и характеров, контрастов, динамики. Современность спектакля, на мой взгляд, состоит в умении взглянуть на архитипичную классику с позиций сегодняшнего дня. Вот образ Дон Жуана - легкомысленного гуляки, что о нём скажешь нового? Он - носитель настоящего мужского начала, столь редкого в нашей жизни, он умеет любить женщин и всегда влюбляется по-настоящему. Это особый дар во времена стирания граней пола, когда женщины активны, как мужчины, а мужчины нежны и женственны. И тут очень важно показать Дон Жуана, его умение видеть прекрасное в женщине и искреннее желание ею восхищаться. Моцарт писал «Дон Жуана» в период ссоры с отцом, и образ Командора близок сути отца гения, властного, сухого, слишком правильного. Моцарт сам похож на Дон Жуана - он тоже увлекался женщинами, обожал весёлые вечеринки и свободную жизнь. Для меня «Дон Жуан» - это опера личностей, персоналий, где каждый персонаж, каждый певец может выразить себя и показать самым достойным образом».
    Елена Герман: «Я шла к Моцарту всю жизнь, слушаю его каждый день - это обязательно, как утренняя чашка кофе. И я очень рада, что мне предложили партию Донны Анны... Из Моцарта мы в театре пели «Свадьбу Фигаро». Я солировала в его «Реквиеме» и Мессе До-мажор, и это драгоценный опыт. Но Моцарт – не познанная вселенная, чем дольше его слушаешь, тем отчетливее понимаешь, как ты далека от совершенства. Надо очень много работать, чтобы отсечь все лишнее, внешнюю шелуху и эффекты. Я очень дорожу своей Донной Анной. Анна - мое любимое имя, так звали мою маму. Эту партию можно спеть только в зрелом возрасте, и мне она сейчас очень подходит».
В кишинёвском «Дон Жуане» совпало многое: опыт режиссёра Элеоноры Константиновой, визуальная интуиция и тонкий вкус Ирины Пресс, готовность оперной труппы к исполнению столь сложной партитуры и безумное желание петь настоящую музыку - сложнейший шедевр мировой классики. Это хороший знак здоровых перемен в театре, знак возрождения и движения к настоящему творчеству, ведь театр - дело коллективное, и победить могут только все вместе.                Молдавские ведомости, 6 марта 2009
       
               

                Опера «Манон» в Молдове

В начале 2012 года молдавская опера порадовала своих поклонников премьерой Жюля Массне «Манон». Эта опера никогда ранее в Молдове не ставилась, да и музыка Массне для нас явление редкое. Постановка знаменательна ещё тем, что пришлась на 55-летний юбилей театра, и вышла 19 января - в день исторической премьеры «Манон» в Париже.
В канун нового 2012 года труппе театра было присвоено 24 звания. И в данном спектакле уже в ранге заслуженных деятелей искусств участвуют дирижер Марин Балан и сопрано Марина Радиш.
    Опера «Манон» - новое слово на молдавское сцене - стилистика, удачно совместившая элементы утонченной классики и модерна.  Сложнейшая партитура Массне потребовала немало усилий от дирижёра, солистов, хора и оркестра. К премьере были сшиты сотни новых костюмов. Пришлось прибегнуть к помощи специальных педагогов из Франции, чтобы восстановить истинное языковое произношение, соответствующее времени создания оперы. 
    Впервые в качестве оперного режиссёра здесь выступил Санду Василаки, предложивший непривычную трактовку спектакля.  Его идея «человек-марионетка в руках судьбы» пронзила спектакль на всех уровнях. Это и театр кукол, и балетные номера, и бесплотные белые марионетки, проецирующие «человеческую историю» в виде ожившего барельефа в верхней части сцены.  «Игрушечная белая драма» развивается сначала в кукольном домике совсем юной Манон, затем в аристократичных танцах третьего действия и в виде кукол-ангелов, возвышающих драму до уровня вневременных символов. 
    Дебютной на молдавской оперной сцене стала сценография и костюмы художника Юрия Матей –  удачные, стильные, элегантно оттеняющие изысканность французской мелодрамы. Любопытно оформление сцены в спектакле. Поначалу оно традиционно – античная колоннада, красивые вазы, фонтан в центре сцены. Но затем колоны превращаются в оконные витражи церкви, они начинают довлеть над психикой героев, когда возникает провокационная ситуация во время игры в карты. И в конце драмы мы видим, как измученный де Грие выносит на руках умирающую Манон на фоне обломков колоннады, символизирующих крах столь заманчивого мира иллюзий…
    Особой удачей спектакля можно назвать дирижера Марина Балан и исполнительниц главной партии Манон: Родику Пичиряну и Марину Радиш. Это две полярные грани Манон, очень разные, по-своему характерные, но в этом и пикантность двух исполнительских составов. Родика полнокровная с яркой голосовой подачей. Марина Радиш – кокетливо-хрупкая, неуловимо-скользящая нимфа, непредсказуемая, как сама любовь. Интресно справился с партией Де Грие Николай Бантя – лирический тенор с растерянно-меланхоличным взором.
    Поздравим остальных солистов: Бретиньи - Иван Кваснюк, Граф де Грие - Виталие Чиреш, Гильо де Морфонтен - Василий Микуша, Леско – Борис Материнко. А также хор и оркестр, которые успешно одолели не простые массовые сцены в спектакле.
    «Манон» - опера давно известная, повествующая о молодой горячей чувственности, ничем не скованной и не ограниченной, казалось бы, совершенно неуместной в наше время. Излишняя сентиментальность, концентрация на эмоционально-интимной жизни героев порой приобретает навязчивый, излишне слащавый характер. И, кажется, что всё может надоесть, если бы не абсолютная искренность, реальная неискушенность влюбленных, не умеющих отличить правду ото лжи, иллюзию от реальности. В итоге побеждает любовь, её настоящая пульсация, передающая само дыхание жизни. Нам хочется помочь героям, подсказать, что надо быть разумнее, поступать рационально.
    Но если бы не было греха, не стало бы ясно, что значит святость, если бы не ошибки, не было бы драмы. Всё в этом мире взаимосвязано и неровно, и нам остается только позавидовать пусть обреченным, но по-настоящему счастливым людям, покинувшим этот свет в состоянии вечной любви…
 www.belcanto.ru  и «Панорама», февраль 2012

   
                Премьера оперы «Тайный брак»

26 и 28 января 2018 года Национальный театр оперы и балета имени Марии Биешу показал премьеру оперы Доменико Чимароза «Тайный брак». Спектакль  «Тайный брак» состоялся на сцене Национального театра оперы и балета имена Марии Биешу в режиссуре Андреа Баттистини (Италия). Музыкальный руководитель и дирижёр Андрий Юркевич, сценограф – Народный артист РМ Юрий Матей, художник по костюмам - Анастасия Спэтару.
    «Опера-буффа «Тайный брак» в Молдове прозвучала впервые, - отмечает маэстро Юркевич.-  Она весьма позитивная и жизнеутверждающая, но за внешней легкостью и быстрой сменой эмоций, интриг и событий скрывается перспектива и мораль – как бы ни сложилась ситуация, всегда есть выход и движение, и не стоит долго страдать и мучиться. Куда интереснее погрузиться в саму жизнь, богатую множеством красок и радостей. Мы начали работать над оперой еще летом 2017 года, и, чтобы осовременить действие, решили исполнить её  не с традиционными речитативами, а с разговорными диалогами. Спектакль получился солнечный, живой, темпераментный, как и подобает итальянской музыке!»      
      Режиссёр Андреа Баттистини: «В музыкальной истории Италии опера «Тайный брак» считается самой лучшей из написанных в комедийном жанре. Этот опус Доменико Чимароза был весьма признан в Европе и России наряду с «Севильским цирюльником» Д. Россини и «Свадьбой Фигаро» В.А. Моцарта. Но с моей точки зрения «Тайный брак» лучше, ярче, богаче по краскам, потому что Чимароза был весьма осведомлен об опере-буффа не только как музыкант, но и как литератор-сценарист. Поэтому я выбрал именно эту оперу и сразу получил одобрение со стороны Главного дирижера молдавской оперы Андрия Юркевича, с которым мы и ставим премьеру. Стиль постановки традиционный, изящный – это легкое барокко на грани классицизма в манере Комедии дель Арте. С художником-сценографом Юрием Матей мы придумали такое оформление, будто действие происходит в театральном антураже – «театр в театре» или в музыкальной шкатулке, где персонажи напоминают мир кукол. Эмоции героев оперы вполне современны, активны - порой  молнениносны! Мы видим не столько оперу, а именно стиль барокко времен Екатерины II. Комические ситуации, виртуозное техника вокалистов молдавской оперы не могли оставить зрителя равнодушным. И я еще раз выражу благодарность Андрию Юркевичу за его прекрасное знание всех тонкостей итальянской музыки, что сделало наш творческий союз абсолютно взаимным!»
    Опера прозвучала блистательно благодаря тонкому вкусу руководителей проекта и полной самоотдаче вокалистов. Пеструю колористку театра дель Арте отразили цветные витражи Юрия Матея, давно известного своей тягой к арлекиниаде. Художник по костюмам Анастасия Спэтару постаралась передать свежеть и   утонченность театра  на грани XVII-XVIII веков, акцентировав палитру бирюзово-бордово-бежевыми тонами.         
    Весьма колоритно предстали на сцене Алексей Ботнарчук в партии негоцианта Джеронимо. Изумительно звонко, легко и артистично спела Каролину Анна Черникова - ей очень подошла героиня с переменчиво-капризным и, в то же время, нежным характером. Совсем другой была Каролина Марианны Буликану - характерно-яркая и лирично-глубокая. Марианна чудесно обогатила любовную линию в спектакле, открыв  в пестром рисунке действия  милые, трогательные фрагменты, показавшие Каролину как искренне влюбленную, бескорыстную молодую барышню, чувствительную  к  признаниям Паолино.
    Очень трепетно, страстно с весьма изобретательным артистизмом выступила Заслуженная артистка Молдовы Лилия Шоломей в партии хитренькой Лизетты, которую так же грациозно исполнила Лариса Чобану. Фидальма Анастасии Твердохлиб и Лилии Истрати прозвучала полнокровно, подчеркнуто строго, игриво и сексуально!   
    Виталий Чеботарь  и Юрий Маймеску эффектного изобразили жениха - графа Робинзона. У Виталия он смотрелся чувственно-сладким павлином, а у Юрия громко-импозантным сеньором. Отметим Паолино в трактовке совсем молодого исполнителя Даниеля Швеца и Николая Васкауцана, ставших не только персонажами, но и со-режиссёрами представления. Даниель привнес в роль краски юноши, порхающего на крыльях любви. А Николай показал образ более зрелый и романтичный.            
    «Карманный театр», кукольное представление, музыкальная шкатулка,  оживший сюжет старинной картины,  оперетта  и типичная Комедия дель Арте –  всё это о премьере «Тайного брака». Персонажи очень живые, характерные, импульсивные, в какой-то миг замирающие, как куклы в шкатулке, которым не хватило завода, или их заколдовали. Герои смещаются в иное время, пространство, в котором хозяйничает куратор-волшебник Паолино, направляющий запутанный клубок ситуаций в нужном направлении. И всё опять искриться, мелькает в сценическом калейдоскопе. Легко и весело, как в домашнем карманном театрике... 
   А попробуй исполнить эту темпераментно-грациозную музыку, от которой бьёт током итальянской страсти и пышет жаром южной жизни. Попробуй одолеть виртуознейшие пассажи, колоратуру и быструю смену эмоций. Попробуй и поймешь, что это под силу немногим...         
    Чимароза хорош, свеж и точен в  отражении эмоций-интонаций. Не знаю, есть ли влияние Моцарта, но, похоже, «Тайный брак» создан в прекрасном состоянии духа, когда нечто весьма вдохновило маэстро. Его сонаты и гобойный концерт не таковы. «Тайный брак» это жизнь - энергия через край, свидетельствующая  о необходимости новаторского подхода к музыкальному театру.  Хотя и персонажей всего шесть и условия буффа соблюдены - долгая любовная путаница и три счастливых пары в итоге. Но Чимароза здесь особый, влюбленный в жизнь и поверивший в свое творчество.         
    Музыка Доменико Чимарозав в Молдове мало известна, но очарование оперы «Тайный брак» настолько сильно, что вряд ли кого оставит равнодушным.  Премьера собрала полные залы и дала возможность участникам показать богатство красок и утонченность вокала каждого исполнителя. Тембровая динамика, великолепные ансамбли отражают такое множество бликов-красок, что каждая фраза открывает новую эмоцию и возможность постоянно любить и быть счастливым. Любовь также многогранна, как музыка - в этом особый дар Доменико Чимароза. Влюбленность в жизнь у него так заразительна, что вам захочется услышать «Тайный брак» ещё и ещё, ибо любовь неповторима и каждый новый спектакль не похож на прежний. С чем мы и поздравляем наш любимый коллектив Национальной оперы Молдовы!
                www.talenthouse.md -  30 января 2018


   
                Опасная невесомость Оффенбаха

Ну что ж, «Сказки Гофмана» театр одолел. Зал был переполнен! Прекрасный декор, продуманная концепция, состязание жанров оперы и балета, калейдоскопичность, зеркальность, мистификация, мир иллюзий...
    Но все по порядку. Опера Жака Оффенбаха «Сказки Гофмана» хорошо известна и идет во многих театрах мира. Спектакль не рядовой, весьма сложный и дорогостоящий, а посему Молдове до сих пор недоступный. Да, «Сказки Гофмана» в Национальном театре оперы и балета М. Биешу прошли впервые 21 октября 2018 года! И это шикарная новость, можно смело сказать, историческая!
    Уникальным можно считать и жанровое слияние оперы и балета в одной постановке, ибо спектакль обозначен как БАЛЕТ! Но так ли это? Не совсем. По мнению оперных солистов, перед нами ОПЕРА-БАЛЕТ, и это правда! Хореограф-постановщик Надежда Калинина из Санкт-Петербурга отмечает: «Это мой самый сложный спектакль, музыка гениальная, и есть вещи, которые нельзя станцевать, вернее можно, но не нужно. Для меня это было сложным в постановке – не быть на втором плане у оперы, чтобы балетное действие доминировало».
    То есть, Надежда намеревалась затмить оперное действие балетным, и поначалу в первом действии так оно и было. Хор и солисты-певцы расположились по краям сцены, комментируя действия балета и всё-таки соревнуясь с ним. Мне было жаль, что вокалисты не имели возможности артистически проявиться, хотя в процессе действия певцы перемещались к центру сцены, что выявило их доминирующее значение благодаря экспрессии исполнения.
    Высокое благородство вокала проявили хор и певцы Молдавской оперы как главные герои и комментаторы действия, что обнаружило ораториальный эффект в постановке. Опера заявила о себе темпераментом, богатством мелодизма и красотой тембровой драматургии, хотя в ней участвовало всего 4 солиста.
    Все партии сопрано - Стела, Олимпия, Антония и Джульетта - героически исполнила Марианна Бликану, как и было задумано Оффенбахом. Хотя в мировой практике их исполняют разные вокалистки в силу сложностей артистических и вокальных. Баритональные персонажи - Линдорф, Коппелиус, Дапертутто, Доктор Миракль - все это Алексей Дигоре. Самого Гофмана интерпретировал мастер искусств Молдовы - тенор Ион Тимофти. И, наконец, Музой стала меццо-сопрано Лилия Истрати.   
    И, чтобы завершить список исполнителей из Молдовы, отметим удачную работу хора и оркестра Национального театра оперы и балета М. Биешу, хормейстера Вячеслава Обручкова и дирижера Светланы Поповой. А, если уточним, что партитуру наш коллектив увидел за две недели до постановки, то можете себе представить, каких усилий это стоило!
   Уровень, тем не менее, был достойный - спектакль активный, остро динамичный, в плане чёткости метроритма именно балетный - без лишних длиннот и раскачиваний, чем  грешит опера. И в этом  заслуга дирижёра Поповой и хореографа-постановщицы Калининой, представившей продуманную концепцию, что и обнаружилось на премьере.
    В спектакле работают все элементы, представленные в экспонировании. Есть смысловая арка реприза-финал, когда начало возвращается в финале в совмещении всех костюмных героев одновременно. Ещё одна арка - зеркальная осколочность - ощущается с самого начала и подтверждается во втором действии реальными кусками зеркал в руках танцовщиков в костюмах телесного цвета. Зазеркалье, люстра-ладья, бесполая кукольность, множество двойников -  вполне в духе Гофмана. Стремление любить, творить свои миры - неверность любимой и верная муза. Гофман всю жизнь мечтал быть музыкантом, и Оффенбах осуществил его мечту в своих «Сказках».
    Танец в спектакле прекрасен, исполнители тоже, и мы с удовольствием их представляем, тем более, что это наши гости из России и Беларуси. Балетную партию Гофмана исполнил Константин Коротков. Вдохновенно-утонченный он с самого начала задаёт манеру изысканного модернизма, чему вторит большая часть балетной труппы. Балетной Музой обозначена Мария Репетиева. Клайнц Зак - Сергей Алексеюк!
    Но не все так однозначно. Иронично-фантезийные образы - Линдорф, Коппелиус, Дапертутто, Доктор Миракль - танцует Иван Савенков. И, как вы сами догадались, это двойники оперных персонажей, заложенных в сценарий самим Оффенбахом. Удвоение оперы балетом недостаточно хореографу Калининой. Экспонирование образа Гофмана множится появлением мужского кордебалета, копирующим его с самого начала. Забавный Коппелиус проявляется в утроенной версии, подчеркивая зеркальную природу «сказочных» двойников.
    «В основу декораций легла идея трюмо. То есть, один человек в трёх отражениях. Он смотрит на себя в зеркало и видит то один профиль, то другой. И это три совершенно разных человека. Трюмо – символ триединства, объединяющего, как минимум, три образа», - рассказал художник Сергей Новиков.
    Триединство обнаружилось и в стилевом языке постановки, обнаружившей черты классики, модерна и контемпорари. В итоге очевиден принцип тезис-антитезис-синтез, объединивший контрасты на разных уровнях в цельный финал, представляющий собой несколько волн-апефозов.
    Важный принцип спектакль - модификация декораций. За счет подвижных конструкций они постоянно создавали динамику во время действия. Художественное оформление соответствует стилю стимпанк, насыщенному механизмами-шестеренками в обрамлении центрального трюмо, а также в преобразованиях шикарной люстры в ладью или сказочную шкатулку-карету. Шестерёнки украсили также занавеси и верхние части декора, придав всему действию завораживающее впечатление.
    Ещё один эффект, замеченный мною - это фигура перевёрнутой трапеции. Именно такую форму имеет сказочное трюмо. Такова же графика фонарей и главный принцип построения сцены. Обратная трапеция видна и в люстре, и в жестах исполнителей. Не знаю, значит ли это мир перевернутых иллюзий или форма напоминает контур цветка и возможность к раскрытию действия? Предполагаю, что действие помещено внутрь Фонаря Сказок, где и образуется фантасмагория.
    Непрерывное преобразование персонажей, многоплановая система двойников, шикарный свет и множество подвесных фонарей создают впечатление подвешенной невесомости, когда все пространство сцены снизу доверху заполнено действием и движением! И это самый Мир Творческих Иллюзий, в который манит Гофмана неумолимая Муза. Творчество сильнее любви – вот что Муза с блеском доказывает бедняге Гофману, проявив железную верность взамен изменчивости и хрупкой кукольности других женских персонажей.
    Куклы очень важны в постановке. Они танцуют странные дуэты в белых безжизненных масках и прозрачных юбках, носят одинаковые костюмы, подчёркивая бесполую природу мира фантазий. В итоге любимая кукла Олимпия разбивается вдребезги, оставляя Гофмана в печальном одиночестве.
    Стремление к идеалу завершается разбитыми мечтами и безжизненной невесомостью, опасной для нервного здоровья Гофмана и Оффенбаха. Такова плата за талант и признание их загадочного творчества Вечностью!
    Но в этом новизна и главная ценность их общих усилий. Оба автора осмелились откровенно рассказать о странном мире творческих фантазий на грани ужасно-прекрасного в переплетении смелых эротических фантазий, грешащих отнюдь не самой чистой моралью. Мир очень разнолик, и никто вам не скажет, где ваше счастье и ваша свобода.
    Вправе ли мы осуждать их? О, нет! Мы наслаждаемся Опасной Невесомостью Талантливых идей Гофмана и Оффенбаха, вдохновивших Молдову, Россию и Францию на необычный оперно-балетный проект «Сказки Гофмана», состоявшийся 21 октября 2018 в Кишиневе!
    В добрый путь, смелые экспериментаторы. Путешествуйте и возвращаетесь к нам домой в Кишинев. Помните, публика полюбила вас и наверняка будет переполнять зал Национальной оперы Молдовы в надежде вновь увидеть чудо «Сказок Гофмана»!
    В итоге мне хочется напомнить, что в репертуаре Национального театра оперы и балета Марии Биешу идут ещё два спектакля на сюжеты сказок Эрнста Теодора Гофмана – «Щелкунчик» П. Чайковского и «Коппелия» Л. Делиба. И было бы замечательно показать публике все три спектакля вместе со «Сказками Гофмана» Оффенбаха. Поверьте, Гофман того стоит!                25 октября 2018

            
             Возрождение балета «Лучафэрул» Евгения Доги

2009 год для  Национального театра  оперы и балета Молдовы ознаменовался рядом ярких премьер, среди которых, весьма запомнилась новая постановка балета «Лучафэрул» Евгения Доги, приуроченная к 50-летию театра и 70-летнему юбилею композитора.
    Первое представление балета «Лучафэрул» по либретто Эмиля Лотяну состоялось 6 июня 1983 года в постановке киевского балетмейстера Валерия Ковтуна. Позже был снят и одноименный музыкальный фильм-балет на студии «Молдова-филм». «Начал я писать балет еще в 1973 году. Но, как только дошел до характеристики Лучафэрула – остановился, - вспоминает Евгений Дмитриевич. - Я был просто не готов, не нашёл для него музыкальных слов. И ещё десять лет работал - писал песни, музыку к кинофильмам, массу других вещей, пока не приступил к видеофильму «Этот фантастический мир», и почувствовал, что где-то рядом с этой ирреальной музыкой и лежит вечный мир звёздного неба, где жил Лучафэрул. Я много думал и вдруг за рекордно короткий срок - два с половиной месяца - создал балет. Балет необычный, со словами, ибо, как можно обойтись без слова Эминеску? Оно настолько ёмко, сильно и выразительно, что вряд ли ему можно найти адекват-заменитель. С самого начала мне стало ясно, что это будет нечто вроде балета-оперы, балета-оратории...»
    «Лучафэрул» -2007, действительно, стал новым веянием в молдавской хореографии: это масштабное воплощение идеи поэта Михая Эминеску в балете и самое значительное театральное сочинение Евгения Доги. А глубина и разноплановость образного решения в совокупности со звучанием хора и голосами солистов дают возможность неоднократно инсценировать замысел Доги-Эминеску и трактовать его самым различным образом. И если первая постановка 1983 года сравнима с лирико-романтической поэмой, решенной как балет концертного типа с доминированием бело-серебристых тонов, то последняя премьера преобразила партитуру маэстро, воссоздав философскую глубину творчества Эминеску через всю палитру музыкальных характеристик Доги.
    Благодаря новому либретто и постановке петербургского балетмейстера Георгия Ковтуна опус Евгения Доги превратилось в грандиозное балетное представление. Изменилась сюжетная линия, акцентировка образов, декорации и костюмы стали настолько красочными, выразительными и разнообразными, что смело могут соревноваться с мощным действом  «Спящей красавицы». Такой балет «Лучафэрул»  - вполне самодостаточное, художественно-оправданное и европейски современное танцевальное зрелище.
      Ковтун – хореограф с хорошей школой, известным именем и умением мыслить индивидуально. Выбор  оказался удачным и потому, что он родом из Одессы и
хорошо прочувствовал этнические моменты в музыке Доги, обладая практически
теми же южными корнями.
    Г. Ковтун работал во многих областях искусства: цирк, кино, балет на льду, драма, мюзикл, опера, оперетта, балет. Он автор 300 оригинальных постановок, среди которых самые последние «Распутин», «Пер Гюнт», «Сказание об Йусуфе», «Франческа да Римини», «Кармина бурана», «Щелкунчик». Работал он в Одессе, Киеве, Бурятии, Москве, Омске и в Санкт-Петербурском театре Новых направлений «Визит».
    Судя по стилистике кишиневской постановки Г. Ковтун - сторонник синтеза классики и самых современных течений в хореографии. И это вполне подходит к замыслу Евгения Доги,  в котором явно слышны мелодико-гармонические обороты ХХ столетия в чередовании с неоклассицизмом. Ковтун известен и как талантливый постановщик шоу-представлений, что отразилось и в новой версии «Лучафэрула», весьма эффектной и хорошо адаптированной ко вкусу зрителя: все ковтуновские новшества были абсолютно восприняты публикой, включая четко обозначенные акценты в драматургии. Балетмейстер внес значительные изменения  в номерную структуру балета, изменил чередование номеров, изначально спланированных Эмилем Лотяну как фильм-балет. Ковтуну удалось усилить драматизм действия в силу изменений сюжетных и структурных, и такое соавторство с Догой оказалось уместным для современной версии балета.
     Своеобразно Ковтун решает и фольклорные фрагменты балета, напоминающие своего рода цитаты хореографических спектаклей известного в Молдове танцевального этно-ансамбля  «Жок». Это такой несколько сувенирный стиль подачи национального начала, общепринятый с советских времен. Хорош он для иностранцев, понятен и нам, хотя здесь хотелось бы побольше символики. Что касается возвышенно-философской линии балета, выраженной образами Лучафэрула и Эминеску, Отца-Солнце и Матери-Воды,то эти персонажи наиболее удачны. Они выразительны и глубоки, сказочны и драматичны - та самая мистика, необходимая в искусстве и придающая вневременную загадочность всей постановке.
    Впечатляет экспозиция балета, разделяющая действие на две плоскости  «Землю»и «Небеса», что выражает главную идею произведения - это захватывающая аллегория удела гения. Она отражена в примечаниях к рукописи Эминеску: «Гению не ведома смерть, и имя его не может быть предано забвению, однако в земной жизни он не способен сделать кого-то счастливым и обрести счастье сам. Он не знает смерти, но не может познать и счастья. Судьба Лучафэрула в иносказательном смысле напоминает судьбу гения на земле...»
     И это вполне считывается в начале и финале балета, когда голубая звезда Лучафэра эффектно-мистически спускается на землю, но, не найдя понимания своей любви, возносится вновь на небеса, прихватив мятущуюся душу поэта Эминеску, также не понятую на земле...
    Космогонические идеи становятся толчком к началу постановки 1-ой картине 1-го действия «Небеса»: это магическое движение голубой и красной стихий Воды и Огня, из соединения которой рождается кристально-чистая голубая звезда Лучафэрул. Сцена  эффектная, красочная и очень выразительная в неторопливо-величавой пластике Отца-Солнце в исполнении Игоря Герчиу, Лучафэрула - Владимира Статного, Эминеску - Егора Щепачёва и Матери Воды - Анастасии Хомицкой. Похоже, это одна из самых удачных находок в творчесве балетмейсетра Ковтуна, сценографа Иванова, и автора костюмов Ирины Сафроновой. Сам Дога не пожелал бы лучшего воплощения своих идей в столь царственном величии. Вполне актуальна и фигура Эминеску, привнесенная идеей Ковтуна: гениальный поэт со взъерошенными волосами и безумными глазами перекатывает крупный шар из стороны в сторону, пытаясь решить проблемы Земли, еще не осознав, что они - лишь отсвет великих энергий Космоса...
    Образ великого поэта, потерявшего разум к концу жизни, весьма удался танцовщику Егору Щепачёву, сумевшему тактично отразить смятение в душе поэта-философа. Рискованный эксперимент со стороны Ковтуна, поскольку в Молдове Эминеску так не трактуют, и Щепачёву в этой роли пришлось соединить философскую глубину с психологической неадекватностью гения. Вполне объяснимы и фоновые декорации, прямо напоминающие лиловые полотна Врубеля о падшем Демоне. Ведь Демон - та же падшая звезда Лучафэрул, которой нет покоя на Земле, так же, как и душе поэта.
    Роль Лучафэрула вполне разумно было отдать Владимиру Статному, исполнившему её технически идеально, что требовал идеализированный образ небесно голубой звезды. Безупречная возвышенность главного персонажа сочеталась с драматизмом непонятости и невозможности воплотить свою любовь к земной девушке - отсюда изобилие технически сложных поддержек, совершенно не типичных для кишиневской  труппы. Особо отметим блистательные дуэты и трио в исполнении Владимира Статного, Марии Полюдовой и Егора Щепачёва - это новая страница в молдавской хореографии, поднимающая уровень труппы до европейских высот, пусть и в ограниченном числе солистов.
    Пожалуй, самый яркий образ балета - возлюбленная Лучафэра Кэтэлина в исполнении Марии Полюдовой. Мария всегда эффектна на сцене, но Кэтэлина, пожалуй, лучшее, что мне удалось видеть у нее. Балерина с абсолютным бесстрашием выполняет самые сложные пируэты и акробатические па, столь актуальные в современном балете. Полюдова легка, как девочка в картине «Земля», глубоко лирична в любовных дуэтах, и взволнованно противоречива в сценах, раздирающих её меж земной страстью к Кэтэлину и возвышенной манией к звезде Лучафэрул.
    Колористичо-сказочны сцены во дворце,  со свитой родителей Кэтэлины и Лучафэрула, хорош кордебалет в молдавских и восточных танцах, в символах земной, огненной и водной природы. И тут уместно вспомнить о работе кишиневского репетитора Елены Цариковой, сумевшей синтезировать идеи Ковтуна с пластическими возможностями молдавской труппы. Она довела сложнейшие технические элементы до абсолютной органики, тщательно отработав, как сольные партии, так и многообразные проявления кордебалета.
    Ковтун дал возможность проявиться всем и даже детям: у него все равно прекрасны и активны. И, главное, что за красочной балетной феерией не потерялся трагический смысл балета о невозможности счастья для бессмертной звезды Лучафэрул и мучительной судьбе гениального поэта.
     Пророки и звёзды, стихии и планеты, простые люди и царственные особы - все живут одним и тем же законом под неусыпным оком Всевышнего, вполне четко отраженном на декорациях. И, коли ты владеешь мыслью, способной охватить великие миры, земное счастье тебе не доступно, и ты возносишься к высоким чистым звездам  Эминеску и  Лучафэрул, или в спокойный домик под защитой Воланда, как Мастер и Маргарита...
    «Возвышенное и земное» - благодатная тема в искусстве, но редко кому удается это равноценно соединить. Как это получилось у Ковтуна - судить зрителю, но то, что это сделано достойно, с творческой отдачей, грандиозной многоплановостью и царственным величием, безусловно.               
 Журнал «Страстной -10» (Москва) и газета «Молдавские ведомости» 2009 год.
 

 
                «Спартак» взошёл на свой Эверест

Балет «Спартак-2016» взошёл на свой Эверест, «взял высоту», равную Прометею -
новую для молодого поколения, но уже не раз покорённую для людей, знающих театр лет сорок назад.  И это другой «Спартак», не тот, каким мы привыкли его видеть в Большом театре России. Совершенно иной - по пластическому языку, драматургическим акцентам, глубине и индивидуализации главных персонажей. И такой, возобновленный и совсем иной, он весьма интересен и важен для труппы Национальной оперы Молдовы, важен для всех нас. Почему? Ответ не прост…
    Премьерное восстановление «Спартака» Арама Хачатуряна по модели хореографа Игоря Чернышёва 1975 года стилистически напоминает балеты 70-х прошлого столетия. Масштабный, пафосный, убежденно-гражданственный –  атрибуты советского балета соблюдены. Но не в этом главное и не этим силён постановочный язык Игоря Чернышёва.  Уже после известных постановок Леонида Якобсона (1956 года) и Юрия Григоровича (1968 года) Чернышёв осмелился создать свой «Спартак» в Одессе и в Кишинёве в другой концептуальности, сменив полюса акцентов чуть ли не в противовес изначально мощнейшим и, казалось бы, незыблемо установленным Ленинградом и Москвой!   
    Но там Спартак – он в балете Чернышёва главный, и название балета, акцентировано на его имени - наиболее убедителен именно в версии семидесятых.  Здесь Спартак – не только лидер, борец, не сдающийся в любых обстоятельствах. Нет. Это, прежде всего, ЧЕЛОВЕК – ранимый, тонкий, подверженный сомнениям и стрессам, теряющий веру, затем вновь её обретающий. Здесь он мучительно неоднозначный, даже лирический персонаж, трактованный в высшей степени поэтично и жертвенно, что мы наблюдали в танце Народного артиста Молдовы Алексея Терентьева. Это не вымпел, не символ, а мужественный человек, закаливший свою волю не только из желания побеждать, а потому что за ним ЛЮДИ, и он ЧЕЛОВЕК.  Человек – как творение Божье, предназначенное божественной силой преодолеть непреодолимое, как это было в судьбе Христовой. Прямые ассоциации с участью Христа неоднократны в балете, что, кстати, смело для балетного языка советских времён.
Для Чернышёва Спартак – явно символ творения, даже творца, измученного необходимостью творить и жить в заданных условиях. Одновременно это и прямая ассоциация ленинградца, знавшего историю блокады, замкнувшей людей в кольцо немыслимой жестокости, в которой выжить невозможно.
    Сам тип драматургии спектакля – покадровый, кинематографический, странный. Кадры чередуются не связано, с намеренным разрывом. Следующая сцена возникает после паузы и темноты, обрывающей предыдущую сцену на самой ее кульминации. И чем дальше, тем бездна-разрыв между желаемым и действительным очевидней. Словно действие специально прервано, изранено и недоговорено, задыхается и продолжается вновь, не имея возможности до конца воплотиться во всей красоте и мощи.
    Красив балет Чернышева необычайно, эстетизирован с очевидной грацией и элитностью ориентальных линий нео-модерна. Красив откровенно, не груб и утончён. Этого Чернышев не боялся. Не побоялись эстетства красоты и хореограф по восстановлению спектакля Наталья Короткова, исполнившая также партию Эгины в «Спартаке-2016». Эгина Коротковой вызывающе эротична той высокой степенью ЭРОТИКИ ВЛАСТИ, перед которой устоять невозможно. В партии Фригии выступила Народная артистка РМ Кристина Терентьева, тонко дополнившая образ Спартака как его духовное продолжение. Красив и женский кордебалет в спектакле, особенно во втором действии и в финале.
    Но знаменит «Спартак» мужским танцем, силой и мощью мужской части балета которую кордебалетом назвать язык не поворачивается. Потому что налицо ХОРЕОДРАМА сильных мужчин, не сумевших спасти от рабства ни себя, ни своих женщин. И тут горе не общее, а беда каждого мужского персонажа.
    В целом, балет Игоря Чернышева – это балет монолиний: в мужском ансамбле,  в дуэтах и в сольных фрагментах – везде трагедия ОТДЕЛЬНЫХ ЛИЧНОСТЕЙ, что очевидно, если внимательно следить за неожиданными вычленениями персонажей из толпы. Кто-то обязательно не повторит общий рисунок, обязательно ндивидуализируется.  Так неожиданен в балете Чернышёва Красс, активный в пантомиме, но не танцующий.  Сейчас его исполнил Иван Иванишин, по сути, не создающий провокации борьбы и сопротивления.  Меня весьма убедил и экспрессивный Евгений Ткач в партии Грекораба.
    Игорь Чернышёв мыслил скорее камерно, чем массово. Он в большей степени мыслитель, а не динамизатор действия, хотя и массовые сцены у него интересны. Но в основе всё же ансамбль на уровне 4-5 исполнителей, то есть драма отдельных линий, а не масс.
     В итоге, надо отметить корректность, с которой был восстановлен балет Игоря Чернышёва, дополненный костюмами Анастасии Спэтару и обновленной сценографией Юрия Матея, оттенившей антично-центральную колоннаду боковыми кулисами с изображениями разрушений на фоне прозрачно-голубых небес. «Спартак-2016» сделан тщательно и динамически точно, как в сценической, так и в оркестровой версии дирижера Думитру Кырчумару, избравшего активные современные темпы, контрастирующие с пряностью знаменитых адажио Арама Хачатуряна. В итоге поздравим труппу Национального театра оперы и балета имени М. Биешу с восстановлением столь масштабной балетной партитурой ХХ столетия, совершившей переворот в становлении понятия «СОВРЕМЕННЫЙ БАЛЕТ». И пожелаем театру новых балетных откровений!
               
ОГЛАВЛЕНИЕ

ИСТОРИЯ
Опера  Молдовы
Балетное искусство Молдовы
ПЕРСОНЫ
Судьба певца: мой отец Степан Дмитриевич УЗУН
Тамара Алёшина-Александрова
Людмила Ерофеева
Страхи и радости королевы сцены. Интервью
с Еленой Образцовой
Певица, стоявшая у истоков театра
Секрет вечной молодости. Михай Мунтян. «Паяцы»
Владимир Драгош. Юбилей
К 70-летию Владимира Закликовского   
Борису Материнко 70  лет 
Перфекционистка Елена Герман
«Путеводные звезды» Натальи Марагарит
Соловей оперной сцены Лилия Шоломей
Марина Радиш: «Опера увлекла меня полностью»
Удачи  Ольги Бусуйок
Вдохновенное сопрано Гюльнары Райляну
Думитру Кырчумару:  «Я люблю нестандартные решения»
Ускользающий шлейф вилисы…          
Возвращение на любимую сцену – Мария Полюдова и Владимир Статный. 
«Воскресший образ» или уникальное дарование?
ПРЕМЬЕРЫ
Macbeth -2017
Премьера «Отелло», или новая попытка прорыва
«Риголетто» в Бутученах
И в третий раз Бутучены. «Кармен»
«Дон Жуан» в Национальной опере
Опера «Манон» в Молдове
Премьера оперы «Тайный брак»
Опасная невесомость Оффенбаха
Возрождение балета «Лучафэрул» Евгения Доги
«Спартак» взошёл на свой Эверест