В Ставропольском музее изобразительных искусств постоянная экспозиция обновилась новой тематической выставкой «Пейзажный жанр разных стран и эпох от XVII до ХХ веков». Более ста полотен пейзажной живописи и графики дают полное представление о разных направлениях этого жанра. Как известно, пейзаж – это жанр, изображающий природу. А внутри жанра различаются еще и разные направления.
В первом зале музея можно полюбоваться старинными китайскими вазами с изображением женщин и двух даосских святых в саду. Это первый жанр в живописи Китая, когда человек или люди изображены на фоне природы и называется он «жень-хуа», что в переводе с китайского означает «человек и цветы». Кстати, пейзаж китайские художники в своих произведениях стали использовать с VI века, затем он появился и в японской живописи.
В Европе пейзаж как самостоятельный жанр появился значительно позже. Во времена Средневековья его использовали лишь как фон для картин религиозного содержания. Лучшие миниатюры в этом жанре можно увидеть в часословах братьев Лимбург первой половины XIV в., во многом определившими развитие Северного Возрождения. Не менее интересны прекрасные иллюстрации к часословам королевы Изабеллы Кастильской (1460) и Марии Бургундской (1480) Вильяма Вреланта (Вейланда). В живописи зарождение голландского пейзажа относят обычно к Ван Гойену, Де Молейну, Ван Рейсдалу. Они первыми стали писать природу, конкретную местность. И что особенно характерно для голландцев – не боялись показывать скромную природу Голландии, не приукрашивали ее. Это хорошо видно на офортах XVII века, представленных в первом зале музея: Антониса Ватерлоо «Деревенский пейзаж с крестьянским домом» и Рембрандта «Деревенский пейзаж». Представлена также французская школа - офорт XVIII в. «Пейзаж» П. Муатта с оригинала Рубенса, картина Ж.Жазе «Потоп» (копия с работы Ж. Мартена), гравюра Дюре П.-Ж. «Праздник на берегу Тибра в Риме»». Об итальянской школе XVIII века можно судить по цветной гравюре неизвестного художника «Пейзаж с жанровым мотивом», испанской – по гравюре Франсиско Мунтанера «Вид Аранхуэссе» (1775). Немцы представлены офортами штуттгардских мастеров-оформителей к «Атласу рисунков по всемирной истории художников старого и нового времени», изданного в XIX веке, литографией австрийца И.Штрюдта «Виды Зальцбурга». Почти все эти работы поступили в Ставропольский изомузей из Эрмитажа в 1960-е годы.
Во втором зале показаны графические и акварельные работы русских мастеров. В русском искусстве пейзаж всегда присутствовал на иконах, как фон. В одном из залов как раз представлены старинные иконы с разным пейзажем. Очень интересен пейзажный фон на иконах XVIII в. «Взыскание погибших...», «Огненное восхождение пророка Илии», а также на иконах XIX в. – святые Константин и Елена, «О тебе радуется» с преподобными Савватием и Серафимом, и другие. Поскольку на иконах перспектива перевернута, пейзаж со зданиями, реками и полями как правило под ногами святых и выписан мелко.
Как самостоятельный жанр русский пейзаж появляется только в конце XVIII века, его основоположником считается Семен Щедрин. С изобретением в XIX веке тюбиковых красок появился пейзаж на пленере, то есть на самой природе. Во втором зале – только русская школа. Например, акварели В. Верещагина «Улица в восточной деревне», А. Бенуа «Церковь в Компьене» и «На озере» (1916); рисунки А. Горавского «Горная деревня» (1856), И. Репина «Пейзаж» (1891), Кустодиева «Лесной пейзаж» (1917), и А. Корина «Река Плес»(1890), В. К.Червинского «Станция Военно-Грузинской дороги Ларс» (1873), А. Боголюбова «Морская набережная». Здесь же и живописные работы Ю. Клевера В Гатчинском парке из собрания ставропольских купцов Алафузовых (1894), К. Коровина «Охотино, сентябрь» (1915), В. Поленова «Курган» (1902), А. Куинджи «Сумерки в степи», В. Васнецова «Вид на Аю-Даг» (1868), А. Боголюбова «Скалы», Левитана «Березы. Опушка леса», С. Васильковского «Околица», Р. Садковского «Морской пейзаж».
Третий зал выделен для живописных работ европейских мастеров живописи. Тут можно посмотреть батальную картину на фоне пейзажа Э. Де Сен-При «Аустерлицкое сражение 1805», написанную через 3 года после битвы, морские пейзажи итальянца Демрата Лаури «Гавань» (1871), голландца И. Схотела «В гавани» (начало XIX в.), бытовой пейзаж испанца И.-Б. Галофра «В горах Сицилии» (1885). Огромную роль в изображении пейзажа сыграли живописцы венецианской школы. Еще в XVIII веке они создали жанр городского пейзажа как панорамы – ведута. Самым знаменитым представителем этого стиля стал Антонио Каналетто. В экспозиции есть представитель этой школы француз Карнье (Карл Кауфман) с картинами «Большой канал Венеции» и «Вид на набережную канала Сан-Марко в Венеции». Еще один француз представлен жанром архитектурного пейзажа – это картина Ш. Перонн «Вид мечети» и «Улица в Каире». Есть также представитель Дании Г. Бунцен, его картина «Дворец в парке» (1871) явно написана под влиянием английских мастеров паркового пейзажа. Пейзаж с пастухами и стадом овец, устроившихся на ночлег у озера (1831) голландского живописца Й.Книппа является чисто идиллическим пейзажем, именно для него характерны деревья с густыми кронами, развалины, озеро, ручьи, птицы, пасущиеся стада. Кстати, родоночальником этого жанра считается Клод Лоррен. Горный пейзаж показан на картинах немецких мастеров И.Тейруха «Горное озеро» (1871) и «Горный вид в Швейцарии», Лехёнрока «Вечерний пейзаж», а также на полотне А. Мещерского «Сумерки в горах» (1891).
Нельзя не сказать, о прикладном искусстве, представленном в экспозиции. В частности, о растительном орнаменте на статуэтках и пейзаже на фарфоре. Декоративные фигурные композиции «Вакханалия» и «Похищение Европы» XVII века (Германия) из слоновой кости украшены виноградной лозой, ракушками и цветами, и выполнены столь искусно, что глаз не оторвать. Не менее интересны рисунки на мейсенском фарфоре. Мейсенская столовая посуда традиционно украшена бытовыми сценками на фоне пейзажа. На стеклянных витринках - соусники, пирожковые тарелки, флаконы с рельефными цветами, вазами для фруктов или сладкого, блюда этой знаменитой саксонской мануфактуры.
Германский фарфор появился благодаря химику И. Беттгеру и физику Э.-В. фон Чирнхаусу. С обнаружением белой глины в городке Мейсен неподалеку от Дрездена в 1710-м году, (главного компонента фарфоровой массы, который придает пластичность), строительства первой фарфоровой мануфактуры, начался расцвет саксонского фарфора. Первые изделия появились уже через 3 года после открытия фабрики, но знатоки обратили внимание на то, что поверхность изделий была в пузырьках и неровная. Чтобы скрыть эти недостатки матера придумали украшать фарфор рельефными цветами, лепниной. Однако и после того, как качество фарфора стало высоким, эта традиция сохранилась. Мейсенская продукция пользовалась огромной популярностью и в России, где ее очень полюбили. Мейсенская мануфактура выпускала не только столовые сервизы, вазы, но и статуэтки, туалетные и письменные фарфоровые приборы, табакерки, бонбоньерки, трубки для курения и даже черенки для вилок и ножей. Все это делалось вручную, и продолжают делать до сих пор, как и 300 лет назад. Каждая вещь – штучный товар. Целая мастерская художников украшает эти предметы уникальными росписями. Мастера используют около 10 тысяч оттенков красок, рецепты которых держатся в тайне несколько сотен лет. А чтобы уберечь свое доброе имя от подделок, основатели Мейсенской мануфактуры придумали эмблему – кобальтовые скрещенные синие мечи, с 1772 года он стал товарным знаком и наносится вручную на каждое изделие. Подделать его невозможно.
Словом, описывать предметы искусства из этой замечательной экспозиции можно долго, за каждым художником и его картиной – своя история, хватит на целую книгу. Выставка предоставляет возможность познакомиться с шедеврами «Золотой коллекции» до осени. Каждый найдет для себя тут интересное и берущее за живое.