Золотое руно как отрицание русского и не русского

Художник Владимир Крылов
"ЗОЛОТОЕ РУНО" КАК ОТРИЦАНИЕ
РУССКОГО И НЕ РУССКОГО АВАНГАРДА


Во всяком произведении искусства,
великом или малом, вплоть до самого малого,
всё сводится к концепции.
                В. Гёте

В марте 2008 года в Третьяковской галереи прошла выставка ""ЗОЛОТОЕ РУНО", у истоков русского авангарда. И это было заметным событием в культурной жизни современной России.
Номера самого журнала "Золотое руно" – великолепные музейные экспонаты и высочайшее достижение журнального дизайна.
Изысканное графическое оформление!
Роскошные иллюстрации и глубокое содержание текстов!
На выставке были представлены произведения замечательных мастеров России и Франции.
Врубель, Борисов-Мусатов, Ге, Головин, Рерих, Сезанн, Гоген, Донген, Редон – не полный перечень известных художников!
Публика увидела размах и глубину издательской деятельности Николая
Рябушинского, его авторские художественные работы!
Прекрасное событие современной художественной жизни!
Казалось бы, можно только радоваться такой эстетической и духовной роскоши и благодарить устроителей и организаторов!
Но, увы, ни благодарить, ни радоваться никак невозможно!
Никак невозможно потому, что название выставки звучит как
"ЗОЛОТОЕ РУНО, у истоков русского авангарда". И статья по поводу этой выставки в журнале "Третьяковская галерея" № 1 2008 (18) называется ""ЗОЛОТОЕ РУНО".  1906 - 1909: у истоков русского авангарда". То есть, из такого названия следует, более того, нас хотят убедить, нас хотят заставить поверить, что искусство Александра Иванова, Михаила Врубеля, Николая Ге, Виктора Борисова-Мусатова и было той благодатной почвой, из которой сформировался, вырос и достиг мирового признания знаменитый русский
авангард ХХ столетия! По мнению авторов и устроителей этой выставки, русский авангард есть естественное продолжение, развитие и совершенствование великого классического русского искусства. Они уверены и стараются уверить зрителей и читателей, что русский авангард – это наивысшее достижение русского духовного искусства ХХ столетия.
И редакция журнала "Третьяковская галерея" присоединяется к такому мнению и своим авторитетом такое мнение поддерживает.
Известные и уважаемые учёные, и литераторы уверены, что пластические поиски Казимира Малевича и Василия Кандинского – это и есть продолжение и естественное развитие великого русского искусства.
Принять такое мнение, поверить ему и согласиться с ним нет никакой возможности!
"Открытие древнерусского искусства как мощного источника эстетического и духовного воздействия сыграло огромную роль в направлении поисков молодых художников и формировании принципов русского авангарда", - пишет автор статьи Ида Гофман.
"Голубая роза" и "Золотое руно" явились его (авангарда) питательной средой, дали ему импульс, толчок", - утверждает она далее.
"Новое поколение русских художников, обретая уверенность, взяв равнение на великих французских новаторов, понеслось по этому пути с такой русской удалью и
размахом, что вскоре оказалось впереди тех, кого поначалу догоняло и, в свою очередь, повлекло их вслед за собой к новым, ещё более смелым открытиям. Ничто уже не смогло заглушить и уничтожить тех художественных принципов, за которые боролось "Золотое Руно", - завершает свои размышления современный русский искусствовед
Ида Гофман.
Вот прекрасный пример искусствоведческой науки, о которой ещё в позапрошлом веке написал немецкий философ Шасслер: "... изящная фразистость без всякого содержания,  отличающаяся большею частью  самой односторонней поверхностностью".   
Я, художник Владимир Крылов, совершенно уверен в том, что такое мнение не только не соответствует действительности, не только является опаснейшей подменой реальной ситуации, но несёт в себе угрозу, и это не преувеличение, самому существованию человеческой цивилизации.
Я глубоко убеждён в том, что творчество и русского и нерусского авангарда принципиально направлено на подмену искусства, как феномена духовно-нравственного развития человека, в лучшем случае мастерством оформителя, бойкостью массовика-затейника или удачными спекуляциями финансового менеджера.
То есть, по своему содержанию, оно направлено на уничтожение человеческой духовности, а, в конечном итоге, такое творчество чревато неотвратимым уничтожением духовно-нравственной среды обитания человечества и самоуничтожением самой человеческой цивилизации.
Позвольте высказать свои аргументы.
Искусство, как я пытаюсь доказать в четырёхтомнике "Рукописи не горят", есть особая, утилитарная и необходимая для  человечества область деятельности, которая является инструментом создания новой положительной духовной энергии.

 Многие с этим не согласны.

Но эта область имеет свою особую и вполне утилитарную задачу. И эта задача, не может быть решена ни в каких других областях деятельности человеческой цивилизации.
Искусство есть инструмент духовно-нравственного развития человечества и создания, в конечном счёте, положительной духовной энергии планеты и Космоса.

Это основная функция и истинное предназначение искусства.

Все остальные качества и свойства этого многогранного феномена –
эстетическое удовлетворение, познавательные возможности, развлекательные свойства, самовыражение и т.д. обогащают искусство, но как дополнительные грани этого сложного феномена.
        Иногда такие возможные способы творчества существуют самостоятельно как формы похожие на искусство внешним образом.
Любые формы творчества могут оставаться в области феномена искусства только в одном случае. Только если данная форма творчества выступает как способ духовно-нравственного развития человечества, тогда её можно причислить к области  феномена искусства. И весь четырёхтомник "Рукописи не горят" посвящён доказательству этого понятного тезиса.
Это не единственное требование, но самое важное.
Произведение искусства, в первую очередь, обязательно складывается из двух необходимых составляющих. Первая составляющая произведение искусства - это совершенная эстетическая форма.
Не эпатаж, не бойкость и смелость, не новизна, не придумывание чего-то небывалого, новенького, но совершенная эстетичная форма любой стилистики, основанная на высоком профессиональном мастерстве. Произведение приобретает такое качество, если при его создании художник сознательно или интуитивно использует совершенные законы и взаимодействия окружающего нас мира, укладывается в них, вписывается в них, согласуется с ними.
Разумеется, что формальные приёмы развиваются вместе с непрерывным изменением и усложнением человеческих взаимоотношений.
Поэтому изменяется  стилистика творческих произведений во всех видах творчества.
Окружающий нас мир совершенен не потому, что всё в нём прекрасно и гармонично,  а потому, что его фундаментальные законы и взаимодействия совершенны и всякое нарушение этих фундаментальных законов подсознательно воспринимается здоровым человеком как нечто чуждое, болезненное, уродливое, опасное для человечества и для самого этого человека лично.
Нарушение совершенных законов совершенного мира приводит к
подсознательному отторжению всего, что несёт в себе эти искажения.
Конечно, если мы имеем дело не с извращёнными, а со здоровыми формами жизни и творчества.
Можно на некоторое время приучить к диссонансам, привыкнуть к безобразному, но противоречие с естественными законами нашего мира обязательно будет преодолено. И наоборот, совершенное, но непривычное в формах творчества может некоторое время отторгаться, но если в основе такого явления лежат совершенные и фундаментальные законы, то оно обязательно займёт своё место среди эстетически совершенных произведений.
В 1889 году в Париже была построена знаменитая Эйфелева башня. Парижская общественность была шокирована появлением такого чуда архитектуры.
        И рядовые парижане, и знаменитые личности дружно ругались, плевались, негодовали и протестовали.
Но прошли годы, и сегодня это сооружение предмет поклонения и гордости французов и символ Парижа и Франции.
В чём причина такого изменения в настроениях общественности?
Дело в том, что конструкция Эйфелевой башни с точки зрения физики является схемой  распределения сил земного притяжения в нижней части бедренной кости человеческого скелета. Только выполнена эта схема в форме стальной башни из сборных  металлических конструкций.
Очевидно, что распределение гравитационных сил в человеческом скелете абсолютно совершенно.
Парижане не привыкли, не смирились с уродливым монстром. Они очень скоро почувствовали фундаментальное математическое совершенство этой конструкции, несмотря на откровенное отличие её форм от господствующей  в то время архитектурной стилистики.
Но заметим, что математическое совершенство принимает внешние эстетичные формы, но не может вызвать человеческое переживание.
Это логическое совершенство есть внешнее выражение математической логики. Графики, иллюстрирующие математические формулы, вызывают эстетическое удовлетворение, потому что они и есть объективные и совершенные законы нашего мира, но искусства в таких формах быть не может, потому что математическая логика бесстрастна, она лишена человеческого переживания. А искусство без человеческого переживания невозможно.
Эту тему мы подробно рассмотрим в главе о современной архитектуре. А сейчас подчеркнём ещё раз, всякое произведение искусства вырастает из чувственных переживаний на фундаменте совершенной эстетической формы. Но совершенная эстетичная форма есть функция дизайна, но не искусства. Эйфелева башня совершенна, она красива, но она только соседствует с областью искусства. Совершенная эстетичная форма предрасполагает зрителя к восприятию произведения искусства, но это ещё не искусство.
Если автор не смог достичь даже совершенной эстетичной формы, значит, он не дотянулся даже до дизайна! Стало быть, искусства быть не может с гарантией!
Но сегодня множество творческих произведений не имеют совершенной  формы.
        У концептуалистов они вообще могут не иметь формы!
А это означает, что их невозможно рассматривать в области пластического изобразительного искусства!
Но определения искусства нет!
Значит, можно тащить в область пластического изобразительного искусства  пустую раму,  голые ягодицы олегакулика, кучку пепла, постукивание  по водам Чёрного моря,  новенькую, прямо с завода, кабину лифта и что угодно!
И даже если эстетичная форма достигнута, это ещё не значит, что мы обязательно оказались в области искусства.
Эстетическое удовлетворение не является функцией искусства!
Это логическая ошибка!
Красота не гарантирует принадлежности к искусству. Эту тему мы рассмотрим в главе "Может ли красота спасти мир" в книге "Кто скажет, что такое искусство".
Эстетическое удовлетворение лишь функция высокого мастерства или выражение совершенных законов мироздания.
Но для искусства этого недостаточно!
Необходимо, чтобы совершенная эстетичная форма наполнилась в произведении искусства трепетанием человеческой души.
Художник, создавая произведение искусства, вовсе не занимается созданием красивых, эстетичных вещей.
Это задача  оформителя,  декоратора,  дизайнера,  портного,  парикмахера, ювелира, кого угодно, но не художника.
Художник исследует движение человеческой души, человеческое переживание, фиксирует это исследование в своём эстетически совершенном произведении и, таким способом, передаёт это пережитое, осмысленное и законсервированное в произведении искусства движение человеческих душ другим людям, другим поколениям, следующим за нами эпохам, и Космосу.
То есть, художник, таким образом, увеличивает духовно-нравственный потенциал человечества и всего космоса.
Зрители-слушатели, соприкасаясь с произведением искусства, сопереживают и, в какой-то степени, продвигают свои человеческие души к духовному развитию.
Такая духовная работа и такое духовное усилие рождают новое для зрителя или слушателя его вновь созданное внутреннее духовное богатство. А сам зритель воспринимает этот процесс как состояние восторга от очищения, расширения, одухотворения, развития и роста своей собственной души, а мы называем это катарсисом.
И только такое творческое произведение, которое по своему основному, сокровенному содержанию может быть понято как инструмент духовного развития человека, имеет право называться произведением искусства.
Только в таком понимании работа художника, который исследует, фиксирует и передаёт трепетание человеческой души другим людям, развивая тем самым всю духовно-нравственную среду обитания человечества, может оправдать существование, труд и жизнь всех художников и искусствоведов, проживающих на нашей планете.
Все другие виды творческого труда авторов могут быть талантливы,
профессиональны и блистательны, но их место в общей массе жизнедеятельности человеческого сообщества всегда будут занимать достаточно скромное место.
Увеличение положительной духовной энергии остро необходимо и каждому человеку и человечеству, и Космосу.
Великолепные яйца гениального ювелира Фаберже интересны как образцы эстетического совершенства узкому кружку обеспеченных и пресыщенных граждан и обслуживающих этих граждан торговцев.
А духовная работа художника в области искусства может быть оценена как самая главная работа на нашей планете. Потому что без такой работы исчезнет духовно-нравственная среда обитания, и человечество непременно деградирует и погибнет.
Все поиски и усилия, направленные на создание эстетически совершенной формы, даже самые удачные и гениальные, останавливаются на уровне украшения, эстетического освоения окружающего пространства и повышения комфорта проживания. Выжить с комфортом – это наивысшая цель первого уровня эволюции (книга "Кто скажет, что такое искусство"). Это полезная, достойная, но далеко не первоочередная задача творческого человека.
Но если творчество превращается в бессмысленную или, того хуже, в
безнравственную клоунаду или в спекуляцию физиологическими инстинктами человека в формах, похожими внешним образом на искусство, то это прямое духовное преступление.
Я не могу не вспомнить в таком контексте многочисленных, успешных и популярных властителей современной моды.  Все эти известные люди в юности хотели быть художниками, но не хватило таланта, не оказалось достаточного духовного потенциала и масштаба личности, и они занялись похожим на искусство делом - красить валенки оранжевой гуашью, растолковывать богатым людям, что сегодня ширинка на брюках должна быть сбоку, но послезавтра обязательно спереди. Что в этом году , если вы хотите слыть цивилизованным человеком, нужно непременно покупать зелёные узкие брюки, а сразу после Нового Года широкие и малиновые.
Дурачить, с определённой находчивостью и блеском, состоятельных людей и заставлять их каждые полгода менять свой гардероб – занятие весёлое и прибыльное, но эта профессия не имеет никакого отношения к искусству, если мы понимаем искусство как инструмент духовно-нравственного развития человечества.
Нельзя не восхищаться чувством вкуса и великим ремесленным мастерством ювелиров, портных, сапожников, кузнецов и парикмахеров. Их произведения могут быть совершенными, утончёнными, прекрасными, эстетичными. Но это творчество не может быть искусством, потому что существо этих произведений исчерпывается только совершенной формой и не вырастает до духовно-нравственного переживания человеческой души.
Но творческое произведение в любом виде творчества, если оно наполняется человеческим переживанием, имеет шанс переместиться в область искусства.
Никакого прикладного искусства быть не может!
Точнее, не может быть такого названия, такого сочетания слов.
Искусность - это не искусство, хотя и похоже на него.
Есть искусство – это  изучение, фиксация и развитие трепетания человеческих душ и есть  высокое, даже божественное, но ремесленное мастерство – искусность. Ни в коем случае нельзя объединять эти два слова. Они несут в себе принципиально разные фундаментальные понятия.
Мастерство не гарантирует принадлежности к области искусства.
Футболист может быть великим мастером футбола, он может вызывать своей игрой чувство восторга и даже эстетического удовлетворения, но его игру нельзя называть искусством.
Прекрасные животные эстетически совершенны, безупречна форма снежинок и кристаллов, которые вызывают чувство эстетического удовлетворения, но это вовсе не искусство.
И проститутка может быть виртуозной умелицей, но эротического искусства быть не может, потому что эротика – это физиологические ощущения животных организмов, но не человеческое переживание. Только любовь, чувство, возникающее из физиологической, сексуальной потребности или из родовой привязанности, но наполненное человеческим переживанием и духовно-нравственным содержанием, может трепетать в произведении искусства, но никак не эротика, не животный восторг физиологического организма. Эротика полезна, интересна, увлекательна, но эротика - это всегда занятия или упражнения больших человекообразных обезьян. Но у обезьян нет искусства. Эротика – это первый уровень эволюции. Искусство – это основной инструмент, который способен решить конечную задачу существования нашего мира.
Приравняв искусность к искусству в любых вариантах словосочетания
"прикладное искусство", мы создаём неразрешимую путаницу в фундаментальных человеческих понятиях, в важнейших для человечества терминах анализа феномена искусства, и разобраться в них становится совершенно невозможно. А такое аморфное положение в терминологии открывает широкий путь для любых подмен, спекуляций, подтасовок и искажений в самой сложной, самой тонкой и самой важной для выживания человечества - в области духовно-нравственной среды обитания, а, стало быть, и в области искусства.
Без чёткой терминологии наука невозможна!
Эта тема крайне сложна и требует ещё нескольких принципиальных оговорок, которые я обязательно сформулирую. Но сейчас я ещё раз повторюсь и подчеркну основной критерий принадлежности творческого произведения к области искусства.
Любое творческое произведение, любого стилистического направления и любого вида искусства может претендовать на звание произведения искусства, если в нём автору удалось выделить, рассмотреть и зафиксировать трепетание человеческой души, человеческое переживание, биение человеческого сердца.
Любое творческое произведение, любого стилистического направления, любых профессиональных достоинств, наполненное самыми сильными физиологическими ощущениями физиологического мира не может войти в область искусства, если оно не выполняет задачу преодоления физиологии, если оно не способно переработать физиологические ощущения в духовное человеческое переживание.
Самое совершенное творение самых гениальных пластических достоинств не способно войти в область искусства, если в нём нет ассоциативных мостиков с планетарной кладовой человеческого духовно-нравственного переживания.
Но мы так далеко ушли в своих размышлениях, что уже и забыли какие проблемы, и с какой точки зрения рассматривала в своей статье ""ЗОЛОТОЕ РУНО": 1906 - 1909: у истоков русского авангарда" современный русский искусствовед Ида Гофман.
Напомним отрывок из её текста.
""Голубая роза" и "Золотое Руно" явились его (авангарда) питательной средой, дали ему импульс, толчок". - утверждает Ида Гофман. "Новое поколение русских художников, обретя уверенность, взяв равнение на великих французских новаторов, понеслись по этому пути с такой русской удалью и размахом, что вскоре оказались впереди тех, кого поначалу догоняло и, в свою очередь, повлекло их вслед за собой к новым, ещё более смелым открытиям. Ничто уже не смогло заглушить и уничтожить тех художественных принципов, за которые боролось «Золотое Руно», – завершает свои размышления современный русский искусствовед Ида Гофман.
О каком же процессе в развитии искусства говорит в этом отрывке автор?
Необходимо признать и подчеркнуть, что вопрос, который затронут в этом небольшом отрывке, имеет колоссальное значение для понимания всего современного культурного процесса.
К сожалению, в искусствоведческой литературе этот процесс упоминался множество раз, но всегда достаточно поверхностно и без чётких выводов.
Я не искусствовед и, конечно, не философ. Я художник-практик.
И моя задача – понять основные механизмы работы феномена искусства, потому что я пытаюсь заниматься этим самым искусством, всю свою жизнь, и мне важно знать, как этот феномен работает.
Какая же тема поднята автором в приведённом выше отрывке?
Я, как художник-практик, предполагаю, что автор имел в виду важнейшую тенденцию в развитии искусства, которая привела к особому стилистическому оформлению всего современного искусства.
Что же это за тенденция?
Классическое изобразительное искусство использовало самые разные материалы: темперу, масло, акварель, пастель, уголь и многие другие, но всегда основной целью было передать человеческие переживания, внутренний мир человеческих отношений через изображение явлений окружающего мира.
При этом чувственные качества самого материала, которым пользовался художник, практически целиком исчезали.
Вспомните портреты Леонардо, Рафаэля, Микеланджело, Брюллова, Энгра и множество других замечательных художников. Вы не увидите в них ни мазков, ни фактур.
Только блистательное изображение окружающего мира и, именно через это изображение, глубокое человеческое переживание.
Малые голландцы вообще уничтожили даже воспоминание о материалах, которыми исполнены их гениальные работы. В их полотнах звенит тонкое стекло бокалов, сияют блики металлов, струиться вода, пахнут цветы и фрукты. И через эти чувственные ощущения мы переходим к человеческому переживанию.
Никаких следов кисти, мастихина или красок.
Чувственные качества самого материала целиком уничтожены.
Всё мастерство истрачено на передачу чувственных  качеств предметов и явлений окружающего мира. И для этого потребовалось огромное профессиональное умение.
Мастерство!
Но, практически с момента зарождения и формирования классического
изобразительного искусства, работали великие мастера, которые обладали прекрасным профессиональным мастерством, великим талантом и которые чувствовали, что и сам материал, краски, левкас, мастихины, фактуры имеют свои возможности воздействия на зрителя.
В теоретической литературе по изобразительному искусству господствует  устоявшееся мнение, что корни современного искусства лежат в творчестве Сезанна. Потом был кубизм, а потом, включая русский авангард, всё современное искусство.
Творчество Поля Сезанна и кубизм мы рассмотрим во второй книге четырёхтомника «Рукописи не горят или что такое искусство» под названием «Хитрый испанец Пабло Пикассо». А сейчас коротко, в виде схемы, рассмотрим весь фундаментальный процесс понимания, что и чувственные качества материала имеют важнейшее значение для создания значительного произведения искусства.
В творчестве Эль Греко, ещё во второй половине ХVI века, появился мощный темпераментный мазок, который не прятал качества материала, но привлекал внимание и создавал особые пластические и эмоциональные достоинства произведения.
В ХVII веке Рембрандт, на базе великолепного профессионального мастерства, стал использовать мощные фактуры и достигал удивительных пластических и духовно-нравственных результатов.
В середине ХVIII века русский художник Рокотов тоже использовал фактурные пластические качества материала.
В конце ХVIII века взошла звезда  Джозефа-Маллорда-Вильяма Тёрнера. И уж тут пластические качества материала проявились в полной мере.
Наконец, Александр Иванов, завершив работу над полотном "Явление Христа народу", приступил к выполнению грандиозного замысла – к библейским эскизам. И в этих работах даже ограниченные пластические качества акварели и гуаши превратились в фейерверк мастерства, чувственной пластики и человеческого переживания!
Какой Сезанн?
        Поль Сезанн с трудом и напряжением, но очень плохо рисовал.
        Достаточно посмотреть на руки и обнажённые фигуры в его работах, что мы подробно сделаем в главе, посвящённой творчеству этого мастера!
Пластические находки Александра Иванова подхватил Михаил Врубель. И эти качества произведений Михаила Врубеля невозможно сравнивать со скромными успехами французского новатора Сезанна.
Уж у Врубеля – это просто пиршество пластических качеств материала,
наполненных масштабом личности художника и поднятых до вершин духовных человеческих переживаний!
Какой Сезанн?
Мы ещё вернёмся к этой теме, но нам постоянно твердят: Сезанн, Сезанн, Сезанн. Сезанн мог уверенно нарисовать яблоко. Это огромное достижение! Но как только он приступал к созданию картин, где были ноги, руки или попы на холсте случалась катастрофа. И не надо говорить, что это предвестие мировой катастрофы. В это же время Серов гениально рисовал Иду Рубинштейн, а Модильяни своих прелестных натурщиц. Сезанн просто не мог нарисовать человеческую руку. А уж грудь, бёдра, попу и ноги совсем не мог никак. Если математик не умеет считать - это катастрофа! Если художник не умеет рисовать - закрывайте лавочку!
        Наверное это плохо, но мне не нравятся великие художники, которые не умеют рисовать!
А вот мастера, творчество которых пропагандировал журнал
"Золотое Руно", Николай Ге, Александр Иванов, Михаил Врубель, Виктор Борисов-Мусатов не только обладали блистательным профессиональным мастерством, которое было для них настолько органичным, что они его уже и не замечали, но и огромным духовным потенциалом своих личностей. И этот потенциал позволял им ставить перед собой и решать основную и первейшую задачу художника – исследование движения человеческих душ.
Конечно, интересно писать груши и яблоки – это вполне достойное дело и человеческое переживание можно передать через изображение предметов, и мастерство своё показать. Всё это так.  Но сам  человек несёт в себе куда больше духовно-нравственной и декоративной информации. Правда, если изображать человека, то его нужно уметь рисовать. А это не всегда и не у всех получается. Но русская школа имела огромное количество блистательных мастеров. И любые фундаментальные проблемы искусства решались великими русскими мастерами на базе чувственных качеств материала, мастерства и глубоких ассоциативных запасов их личностей. И именно эти качества являются основополагающими в нашем алгоритме определения искусства.
Михаил Врубель, опираясь на великолепную профессиональную школу Павла Чистякого, и отталкиваясь от библейских эскизов Александра Иванова, выработал свою систему живописи, которая использовала резкий геометрический, ломающийся штрих, совмещение нескольких планов в изображении предметов, расчленение объёмов на множество пересекающихся граней и плоскостей, мозаичный мазок и эмоциональные
цветовые сочетания, покидающие плоскость изображаемого объекта.
Такие творческие приёмы большинство исследователей относят сразу, только и исключительно к творчеству Сезанна и к кубизму. Но эти приёмы были использованы Врубелем задолго до Сезанна и, тем более, до кубистов.
И на таком профессиональном уровне, который и не снился и не грезился французской школе живописи того времени. Профессиональный уровень русской школы изобразительного искусства  того периода был несопоставимо выше профессиональных возможностей их французских коллег.
Поэтому, нашим художникам не было никакой надобности брать "равнение на великих французских новаторов...", как утверждает современный русский искусствовед Ида Гофман.  Достаточно было посмотреть вокруг.
И Иванов, и Врубель, и Ге – это недосягаемые вершины рядом с талантливыми, но робкими и часто самодеятельными попытками французов и скромными достижениями Поля Сезанна лично.
И журнал "Золотое Руно", чего не захотела заметить Ида Гофман, настойчего напоминал об этом своим читателям, терпеливо разъяснял любителям искусства, что великие русские художники добились замечательных успехов в области пластической формы и сделали это самостоятельно, блистательно, раньше и профессиональнее знаменитых французов!
А это очень важно!
Ещё более важно то, что эти приёмы живописной манеры Иванова, Врубеля, Борисова-Мусатова или Ге не были изобретены ради пластических экспериментов и поисков новых, новеньких, необычных, небывалых форм самих по себе, а родились как средство выражения вновь открывающихся сложных граней переживания человеческой души в новую эпоху развития и усложнения человеческой цивилизации.
То есть, новая форма явилась как необходимое средство изучения новых движений человеческой души в новых обстоятельствах.
Борисов-Мусатов был занят не поисками красивых цветовых сочетаний, пластически выразительного рисунка и совершенной композиции, а стремился предельно сильно передать тонкие нюансы человеческого переживания новой эпохи.
В процессе развития человеческой цивилизации постоянно  рождаются,
развиваются и умирают всевозможные способы человеческих взаимоотношений.
Художник замечает эти новые отношения, новые движения человеческих душ, изучает их и передаёт свои исследования другим людям через свои произведения. И в таком бесконечном процессе естественным образом рождаются новые формальные приёмы и новые средства построения произведений искусства. Но фундаментом всегда остаётся человеческое переживание в своих новых проявлениях.
А что же авангард?
Малевич своими многочисленными указами в письменном виде вообще запретил обращаться к изучению переживаний человеческой души как к бесполезному пережитку прошлого, как к устаревшему и умирающему миру "мяса и кости".

        Движение человеческой  души, по Малевичу, запрещается как предмет творчества.

Техническое творчество и опознавательный знак – вот единственно достойное занятие для художника.
 
Впрочем, нет!
        Художника, с точки зрения основателей авангарда, тоже надо выбросить из современного мира!

И, конечно, искусство вообще не нужно!

Чистый холст – это самое большое, самое лучшее и самое нужное, на что может рассчитывать зритель, с точки зрения Малевича.
Кандинский, автор гениальных формулировок по определению искусства, на практике предлагает декоративные композиции, рассчитанные на эстетическое общение, но не со зрителем, а с потребителем промышленных товаров. Чтобы товары массового потребления лучше покупались их необходимо красиво оформить. То есть, творчество должно быть подчинено сбыту и прибыли!

        Об этом прямо пишет и Пит Мондриан!

        А это опять означает, что искусство не нужно, но крайне необходим дизайн, как подручный инструмент торговли!
Поэтому, с точки зрения Кандинского-теоретика, самое главное – это  развитие человеческой души. А с точки зрения Кандинского-практика, для полного человеческого счастья вполне достаточно иметь гармоничные сочетания декоративных пятен! Их можно использовать как эскизы линолеума или тканей, как декоративные пятна в интерьерах.
"Новое поколение русских художников, обретая уверенность, взяв равнение на великих французских новаторов, понеслось по этому пути с такой русской удалью и размахом, что вскоре оказалось впереди тех, кого поначалу догоняло и, в свою очередь, повлекло их вслед за собой к новым, ещё более смелым открытиям. Ничто уже не смогло заглушить и уничтожить тех художественных принципов, за которые боролось  "Золотое Руно".
Не устаешь восхищаться и удивляться!
"... взяв равнение на великих французских новаторов...".
Но у нас впереди ещё целая глава о творчестве Поля Сезанна и я обещаю привести достаточное количество аргументов, которые подтвердят, что Михаил Врубель  и Николай Ге – просто вершины Монблана рядом с Полем Сезанном и догонять его, для русских мастеров – значит уничтожать свой профессиональный уровень, свой масштаб личности и пятиться назад.
        Сезанн действительно сделал принципиальное открытие. Но ни сам Сезанн, никто во Франции и на Западе вообще этого открытия не заметил, не понял и не использовал. Оно было развито в России. Что за открытие я расскажу в той же книге "Кто скажет, что такое искусство".
Куда же "понеслось" новое поколение русских художников?
В четвёртом томе сборника "Рукописи не горят или что такое искусство", который  будет называться "Супрематизм крупно", я постараюсь на конкретных примерах показать, что новое поколение понеслось к опознавательному знаку, к эмблеме торгового предприятия, к информационным знакам технологической цивилизации, к дизайну, к рекламе, то есть к обслуживанию рыночного общества западного типа. А это означает, что новое поколение  авторов с удалью и размахом понеслось вон из искусства, вон из второго уровня эволюции к бытовым задачам выживания с максимальным комфортом.
Действительно, Малевич выставил пустой чистый холст как предел возможностей художника и изобразительного искусства в целом.
        И действительно, французский автор Франсис Пикабиа его обогнал. Он выставил просто пустую раму!
        И действительно, это значительная, самоубийственная, но значительная  идея. Но в такой идее нет никакого чувственного фундамента. А это значит,
что такая интеллектуальная информация не может иметь отношения к искусству в принципе без всяких уточнений.
Франсис Пикабиа вслед за Малевичем откровенно заявил свою позицию:
Зачем нам искусство?
Искусство надо уничтожать и уничтожить!
Надо признать, что это столь же значительное достижение, как и перевёрнутый унитаз Дюшана.
Перед нами продуманная концепция уничтожения искусства, уничтожения потенциально духовного человека, всей цивилизации, а для маскировки клоунада на пустом месте.
Дерзкая и выгодная клоунада на пустом месте.
Развлечение публики за деньги.
Духовный мир западной цивилизации предпочитает сытое и забавное существование среди унитазов, пустых рам и изящного нижнего белья.
И от этого никуда не уйти.
И не могу не заметить, что "Золотое Руно" и великие мастера "серебряного века" никогда за такие принципы не боролись! Их божественный эстетический уровень всегда сочетался с глубоким духовно-нравственным содержанием.
И здесь нет никаких расхождений с приведённом в книге "Кто скажет, что такое искусство" алгоритмом определения феномена искусства. Наши качества произведения искусства подтверждаются.
Основное внимание и все силы авторов нового искусства, куда приглашает нас современный искусствовед Ида Гофман, сосредоточены на изобретении новеньких стилистических форм, на развлечении публики, на эпатаже, на привлечении любыми способами внимания к себе и своему творчеству.
Журнал "Золотое Руно" столь сомнительными принципами никогда не занимался.
И как бы ни были похожи на произведения художников внешне отдельные работы авангарда, даже в этих редких случаях, они работают в другой нише человеческого сознания, заняты принципиально другим делом,
которое не только не имеет отношения к искусству, но, очень часто, прямо разрушает и само искусство, и духовно-нравственную среду обитания.
Исследованием человеческих отношений, которые постоянно меняются и развиваются, можно заниматься столько, сколько будет существовать человеческая цивилизация. Поэтому искусство на уровне человеческого существования – вечно.
А возможности изобретения новеньких форм, завлечения зрителей
занимательностью и эпатажем существенно ограничены и почти ничтожны.
        Поэтому ни Иван Ургант, ни Михаил Жванецкий никогда не сравняться с Антоном Чеховым.
Поэтому творчество авангардистов переполнено повторами. Скрипка Пикассо и русской художницы Поповой практически одинаковы. Неужели внутренняя духовная вселенная испанца и мужчины точно повторяет духовную структуру молодой русской женщины?
Этого никак не может быть!
Нам остаётся предположить, что мы оказались не в области искусства, но в области ремесленного производства произведений определённого стилистического направления. 
        Именно в ремесленном творчестве важно стилистическое направление, но авторство не важно. Ремесленное произведение может быть анонимным.
Исчерпав возможности придумывать новенькие формы изобразительного пластического искусства, авторы авангарда вынуждены перемещаться в области соседних видов искусства. Хеппенинг, перформанс, инсталляция, искусство действия – это упрощённые формы театра. Это творчество актёра и режиссёра. То есть, эти авторы уходят из изобразительного искусства, в котором им уже нечего делать, к работе в области режиссуры и к актёрским экспериментам.
А откуда режиссёрские и актёрские таланты у олегакулика?
Им не откуда взяться!
Авторы авангарда не могут иметь успех в режиссуре, они просто слабые художники, и они выполняют свою самодеятельную режиссёрскую работу на примитивном, беспомощном уровне. Поэтому они не могут конкурировать с Михалковым или Захаровым,  и вынуждены покидать и области соседних искусств.
В результате, буксуя на месте, значительная часть авторов авангарда, от отчаяния, бессилия и острого желания славы и денег, в бесконечных поисках новенького, шокирующего, завлекая публику любыми способами, неизбежно переходят к острым физиологическим ощущениям, к абсурду, похабщине и членовредительству.
Им остаётся оглушить зрителя взрывной, эффектной и самоубийственной физиологией! И авторы авангарда выходят к зрителю с хамством, патологией и кровью. Они спускают штаны, трясут своими причинными местами, отрубают себе пальцы и детородные органы.
Вот где в полной мере становится очевидным масштаб личности этих авторов.
Вот где убедительно видна их несовместимость со вторым уровнем эволюции.
И такова неизбежная логика развития творчества авангарда во всех его
подразделениях. Разумеется, никогда невозможно охватить весь поток творчества любого направления. Всегда будут исключения. Рассмотреть и классифицировать можно только основную тенденцию, основное направление. И это тоже общее правило любого анализа.
И, конечно, такая, рассмотренная нами и основная тенденция, не имеет ничего общего с деятельностью журналов "Золотое Руно" и "Голубая роза".
"Ничто уже не смогло заглушить и уничтожить тех художественных принципов, за которые боролось "Золотое Руно"".
Да нет!
Именно авангард и русский, и не русский вытеснил, прекратил и, в значительной степени уничтожил эти принципы великого русского искусства, которые пропагандировал, растолковывал и популяризировал этот замечательный журнал.
Русский авангард начала ХХ столетия провозгласил как свою принципиальную задачу отказ от традиций и существа русского классического искусства.  А Ида Гофман утверждает, что журналы "Голубая роза" и "Золотое Руно" явились его (авангарда)  питательной средой, дали ему импульс, толчок.
Авангард добился многого!
Значительно упал профессиональный уровень!
Духовно-нравственная среда обитания замусорена этикетками от пива, катушками, на которых намотаны километры верёвок, перевёрнутыми унитазами, похабными рисунками и картошкой слепленной из шоколада.
Откуда может взяться положительная духовная энергия?
Господа КОСМОС!
Вы зря затеяли этот проект с трёхмерным пространством!
Мы, люди, бессмысленны, тварны и недалёки!
Но необходимо разобраться во всём этом хаосе, аргументировано и подробно.
У нас просто  нет другого выхода!
 
        Нам никто не собирается помогать.

Армию искусствоведов вполне устраивает первый уровень эволюции, стилистические подробности и количество любовниц у Пабло Пикассо.
Русский авангард  хронологически следует за серебряным веком русской культуры. Но этот факт, ни в коей мере не означает, что рассвет русской культуры серебряного века и есть исток, основание, источник, корневая субстанция, из которой, продолжая поиски великих русских художников, вырос и развился русский авангард.
Дело обстоит прямо противоположным образом.
Авангард стал инструментом уничтожения классического русского национального искусства и общечеловеческой духовности.
Такое, казалось бы, невинное и даже романтическое словосочетание:
""Золотое Руно". У истоков русского авангарда" категорически не приемлемо.
Это откровенная подмена!
Предлагаемое родство серебряного века русского искусства и авангарда, по своему содержанию, означает, что великое русское искусство в своём логическом развитии ведёт к уничтожению искусства как феномена духовно-нравственного развития человечества, к уничтожению духовно-нравственной среды обитания и ставит человечество на грань самоуничтожения.
Кто может с этим согласиться?
Родство авангарда и классического национального искусства – это  в лучшем случае ошибка, но, может быть, и преднамеренный обман.
Конечно, в искусствознании принято небрежно относиться к терминологии. Это почти традиция. Повсеместно расцветает "изящная фразистость без всякого содержания".
Но выше приведённые тезисы утверждают, что авангардное творчество, разрушая основной смысл духовного творчества, порождено и выращено великой русской культурой. То есть, русская национальная духовность и породила  весь  тот  кошмар,  который  мы в изобилии наблюдаем в современном творчестве.
Кому нужна такая логика?
Георгий Васильевич Свиридов точно охарактеризовал сущность современного направления творчества, которое, почему-то, назвали авангардом:  "Мне лично казалось, что "новое" искусство (главным образом ХХ век) – есть продолжение старого, его следующая ступень...  Но теперь ясно видно: это искусство обладает глубокими чертами "несовместимости".
Оно призвано не продолжать ряд классического искусства, а заменить его собою, уничтожить его. Да, такова – идея, такова платформа этого нового искусства. Всем своим строем, всем смыслом оно активно направлено против основной идеи, основного пафоса классического Русского искусства и предназначено сменить его. И не то чтобы эта смена произошла естественно, как бы по желанию публики, слушателей, народа, назовите как угодно. Совсем даже наоборот: сами эти вкусы народа, вкусы публики будут объявлены отсталыми, косными, национально-ограниченными, вредными.... следовательно, подлежащими упразднению, что ли, осмеянию и сдаче в архив. Силою, огромной силой, организованностью в государственном (не менее) масштабе будет это искусство отброшено, сдано в архив, как, например, сдано в архив, уничтожено великое, гениальное искусство Русского православного хора, как попросту уничтожены десятки тысяч церквей и монастырей, икон и других бесценных сокровищ, творений Русского гения, саму память о которых стараются уничтожить" .
Первая книга сборника «Рукописи не горят или что такое искусство» посвящена определению некоторых фундаментальных качеств искусства.  Потому что для анализа феномена искусства необходимо на что-нибудь опираться. Сам феномен искусства, и ещё в большей степени безбрежный поток творческих, произведений, которые похожи на искусство издали, безграничен и находится в состоянии хаоса.
         Поэтому полное определение искусства будет сформулировано и проверено в следующих книгах четырёхтомника.
Но заметим, что дела все ещё не так плохи, чтобы рассчитывать на быстрое улучшение.

P.S.
Книги "Убить искусство" и "Кто скажет, что такое искусство" по почте
artttkrylov@ mail.ru