6.6а.Франция XIX века. Барбизонцы. Милле, Коро
В середине XIX века ведущее место в изобразительном искусстве Франции заняло направление реализм, которое более всего интересовалось современностью, повседневной жизнью обыкновенных людей. Реалисты стремились передавать реально существующих людей, природу - без искажения и приукрашивания.
Одно время работал в Барбизоне Жан Франсуа Милле (1814— 1875). Родившийся в крестьянской среде, Милле навсегда сохранил связь с землей. Крестьянский мир — основной жанр Милле. Но пришел к нему художник не сразу. Из родной Нормандии Милле в 1837 и 1844 годах приезжал в Париж, где приобрел славу портретами и небольшими картинами на библейские и античные сюжеты.
Однако Милле сложился как мастер крестьянской темы в 40-х годах, когда приехал в Барбизон и сблизился с художниками этой школы, особенно с Теодором Руссо. С этого времени начинается зрелый период творчества Милле, В Салоне 1848 года картина «Веяльщик» была встречена с восторгом, хотя некоторые критики отмечали шероховатость письма. Полотно купил министр французского правительства Александр Ледрю-Роллен. На этом полотне Милле впервые обозначил сельскую тему, ставшую ведущей в его творчестве.
Его героем отныне и до конца его творческих дней становится крестьянин. Подобный выбор героя и темы мало отвечал вкусам буржуазной публики, поэтому всю жизнь Милле терпел материальную нужду, но теме не изменил. В маленьких по размеру картинах Милле создал обобщенный монументальный образ труженика земли. В картине «Сеятель.1850» он показал сельский труд как естественное состояние человека, как форму его бытия. В труде проявляется связь человека с природой, которая облагораживает его. Человеческий труд умножает жизнь на земле.
Этой идеей пронизаны картины почти всех картин Милле. В картине «Анжелюс».1859» (лат. Angelus Domini),- вечерняя молитва, посвящённая благовещению Богородицы) Милле написал крестьянина и его жену на закате. Они стоят со склоненными головами, слушая церковный колокол, призывающий к вечерней молитве. Действие происходит во время произнесения молитвы, когда две кроткие фигуры, совсем земные, одновременно с этим прикасающиеся к вечности. Простота и благочестие картины завораживали зрителей, и вскоре почти в каждом французском доме появилась репродукция этой картины.
Картина «Собирательницы колосьев.1857» тоже рассказывает о тяжёлом крестьянском труде. Сборщицам разрешалось проходить по полям на рассвете и подбирать колоски, пропущенные косцами. На этом полотне художник изобразил трёх из них, согнувшихся над землёй в низком поклоне — только так им удаётся собрать оставшиеся после жатвы колосья.
Пейзажный образ характеризует: пластичность, материальность изображений, эмоциональную роль освещения. Сохраняется определенную связь с романтической школой.
И всё-таки велико влияние Барбизонской школы на последующее развитие реалистического пейзажа как во Франции, так и в других странах. Для почерка Милле характерен предельный лаконизм, отбор главного, позволяющий передать общечеловеческий смысл в самых простых, обыденных картинах повседневной жизни.
Милле достигает впечатления торжественной простоты спокойного мирного труда при помощи объемно-пластической трактовки и ровной цветовой гаммы. Он любит изображать спускающийся вечер, как в сцене «Анжелюс», когда последние лучи заходящего солнца, освещают фигуры крестьянина и его жены, бросивших на миг работу при звуках вечернего благовеста. Приглушенная цветовая гамма составлена из мягко сгармонизированных красновато-коричневых, серых, голубых, почти синих и сиреневых тонов. Темные силуэты фигур со склоненными головами, четко читаемые над линией горизонта, еще более усиливают общую лапидарность композиции, имеющей в целом какое-то эпическое звучание. «Анжелюс» — это не просто вечерняя молитва, это молитва за умерших, за всех тех, кто работал на этой земле. Большинство произведений Милле пронизано чувством высокой человечности, покоя, умиротворения.
Но среди них есть один образ - «Человек с мотыгой.1863», в котором художник хотя и выразил предельную усталость, измождение, измученность тяжелым физическим трудом, но сумел и показать огромные дремлющие силы труженика-исполина. Правдивое и честное искусство Милле, прославляющее человека труда, проложило пути для дальнейшего развития этой темы в искусстве второй половины XIX века и в XX столетии.
Говоря о пейзажистах первой половины—середины XIX века, нельзя обойти молчанием одного из самых тонких мастеров французского пейзажа—Камиля Коро (1796—1875). Коро получил образование в мастерской пейзажиста Пьер-Луи Делаваль Бертена (сына Бертена старшего, нарисованного Энгром) и почти в тридцатилетнем возрасте впервые попал в Италию, чтобы, по его словам, писать круглый год этюды под открытым небом.
Через три года Коро возвращается в Париж, где его ждут и первые успехи, и первые неудачи. В Салонах он хотя и выставляется, но всегда помещается в самых темных местах, где пропадает весь его изысканный колорит. Наполеон III говорил: «чтобы понимать Коро, надо научиться рано вставать». Знаменательно, что Коро приветствуют романтики. Не впадая в отчаяние от неуспеха у официальной публики, Коро пишет этюды для себя и скоро становится создателем интимного пейзажа, «пейзажа настроения», как например, картина «Воз сена.1860». Про Коро ходил анекдот «Коро написал около 1000 пейзажей, причём 2500 из них находятся в Америке.
Он много ездит по Франции, некоторое время следит за развитием живописи барбизонцев, но находит свой собственный «Барбизон» — маленький городок под Парижем Билль д'Аврэ, где его отец, парижский торговец, покупает дом.
В этих местах, Коро нашел постоянный источник своего вдохновения, создал лучшие пейзажи, которые часто населял нимфами или другими мифологическими существами, свои лучшие портреты. Но что бы он ни писал, Коро следовал непосредственному впечатлению и всегда оставался предельно искренним. Человек в пейзажах Коро органически входит в мир природы. Это не стаффаж классицистического пейзажа, а живущие и делающие свою извечную, простую, как жизнь, работу люди: женщины, собирающие хворост, возвращающиеся с поля крестьяне, крестьянские дети, как это показано в картине «Дети у ручья.1840».
В пейзажах Коро редко встретишь борьбу стихий, ночной мрак, что так любили романтики. Он изображает предрассветную пору или грустные сумерки, предметы в его полотнах окутаны густой мглой или легкой дымкой, прозрачные лессировки обволакивают формы, усиливают серебристую воздушность.
Но главное —изображение всегда пронизано личным отношением художника, его настроением. Его гамма цветов как будто не богата. Это градации серебристо-жемчужных и лазурно-перламутровых тонов, но из этих соотношений близких красочных пятен разной светосилы художник умеет создать неповторимые гармонии.
Письмо Коро размашистое, свободное, «трепетное». Пример такого пейзажа «Мост в Манте.1868». Этой свободе Коро учился у английских живописцев, прежде всего у Констебла, с пейзажами которого познакомился еще на выставке 1824 года.
Наряду с пейзажами Коро часто писал портреты. Коро не был прямым предшественником импрессионизма, но его способ передавать световую среду, его отношение к непосредственному впечатлению от природы и человека имели большое значение для утверждения живописи импрессионистов и во многом созвучны их искусству.