На фото – Гаустад, психиатрическая клиника в Осло.
Осе Минде
ИСКУССТВО КАК АРХИТЕКТОР ДУШИ,. Искусство, безумие и терапия, М, 2014
Ase Minde. Kunsten som sjelens arkitekt.Kunst, galskap og terapie, Oslo, 2000, Gyldendal Akademisk
Фрагменты из книги приводятся с разрешения автора
От переводчика: Гениальность и безумие часто стоят рядом и в бытовом сознании и как предмет изучения в сфере психиатрии и психологии. Занимает эта тема также и исследователей в сфере литературоведения и культурологи.
Осе Минде ; специалист по арт-терапии, практикующий психотерапевт . Она - автор книг « Терапия с помощью искусства » и «Терапия с помощью драматического искусства «( в соавторстве с Сью Йеннингс ), а также исследования «Из кокона выходит бабочка »( в соавторстве с Унни Сторенг ). В настоящее Осе Минде возглавляет клинику для пациентов с нарушениями пищевого поведения в Осло.
Осе Минде убеждена, что искусство способно исцелить душу и сделать нашу жизнь гармоничной. В 2017 году Осе Минде была удостоена Королевской медали за заслуги перед отечеством
ПCИХИЧЕСКИЕ СТРАДАНИЯ И ТВОРЧЕСТВО
О взаимосвязи искусства и безумия существует множество мифов, мне представляется важным подчеркнуть, что ни в коем случае не следует романтизировать или ставить знак равенства между творческой деятельностью и безумием. Если человек переживает творческий подъем или, напротив, находится в состоянии кризиса, то движет им и в том и в другом случае некое внутреннее беспокойство, которому так или иначе необходимо найти выход, в той или иной форме. Во время психического кризиса обостряются многие внутренние противоречия. Видеть связи между разного рода противоречиями является решающим моментом для процесса творчества. Проецируя свои внутренние противоречия в сферу искусства, многие выдающиеся художники творили шедевры, но многие великие произведения были созданы теми, кто не испытывал психических страданий. Выше мы уже говорили о том, как французский композитор Гектор Берлиоз и писательница Вирджиния Вульф не сумели трансформировать свое внутреннее страдание в творчество, когда это страдание стало чересчур сильным.
Кей Редфилд Джемисон1) ПРИМЕЧАНИЕ: Редфилд Джемисон, клинический психолог Университета Джонса Хопкинса США, профессор психиатрии является автором фундаментального труда посвященного изучению связи между маникально – депрессивным психозом и творческим темпераментом, в котором ею были рассмотрены биографии, семейные истории, художественные произведения, а также записи личных бесед. Свои собственные наблюдения она сопоставляет с наблюдениями других исследователей. Все свидетельствуют о том, что среди выдающихся деятелей искусства в значительной степени присутствуют личности, страдающие маникально--депрессивным психозом. В частности она ссылается на исследования Адели Юда 2) ПРИМЕЧАНИЕ: Juda, Adele (1888-1949), – немецкий психиатр, которая интервьюировала 5000 человек и наблюдала за их жизнью в течении семнадцати лет. Адели Юда выяснила, что в творческой среде гораздо больший процент людей с психическими отклонениями и число самоубийств по сравнению с обычными гражданами. Она также показала, что этот процент различен среди различных категорий творческих личностей.
В исследовании доктора Коллина Мартиндейла1)Сноска современный американский психолог, основанном на изучении биографий двадцати одного известного английского поэта (родились в период между 1670 и 1890гг) и двадцати одного известного французского поэта (родились в период между 1770 и 1909 гг), было установлено, что 55% английских поэтов и 40% французских страдали отчётливо выраженной психопатологией, например, нервными срывами, склонностью к алкоголизму и суициду.
Профессор Джемисон сделала вывод, что подавляющее большинство среди творческих личностей, страдающих маникально-депрессивным психозом – это поэты и что склонность к этому заболеванию в среде творческих личностей значительно выше, нежели в среде рядового населения.
Она также проследила, как фактор страдания влияет на творческие возможности и карьеру. Согласно ее мнению, переменчивость умонастроений может переплавиться в «божественное безумие». В качестве примера она приводит следующее соображение: творческие личности, страдающие маникально-депрессивным психозом, воспринимают его как некую созидательную силу, но это ощущение часто имеет следствием невыносимое страдание. Профессор Джемисон подчеркивает также, что хотя современные исследования и обнаруживают большую частотность возникновения маникально-депрессивного психоза среди творческих личностей по сравнению с обычными людьми, необходимо помнить, что не все талантливые люди и даже не большинство из них обязательно страдали какой-то формой маникально-депрессивного психоза. Кроме того она пишет, что к многим недоразумениям приводит незнание сущности этого заболевания. Ведь, кроме всего прочего, страдающие этим заболеванием, большую часть времени не испытывают его симптомов.
Каждый человек в течении своей жизни ведет постоянный диалог с самим собой, подобно тому, как его вел Гамлет, об этом говорится в главе первой. Как связать эти внутренние противоречия с творчеством? В дальнейшем мы постараемся понять, чем профессиональные творческие личности отличаются от просто творческих людей.
Творчество и интеллект
Творческие возможности человека могут развиваться в течении всей его жизни. Наблюдая за игрой ребенка ,мы замечаем, как он постоянно в процессе игры находит все новые возможности и решения. Картонная коробка может служить для него лодкой, а через минуту с таким же успехом и автомобилем. Геер Кауфман, профессор философии Бергенского университета, в своей статье в газете «Дагенс Нерингслив» 1)Сноска «Экономическая газета» писал следующее:
«Мозг по своей природе консервативен, он склонен управлять своим хозяйством, как строгая экономка, но если с ним правильно обходиться у него могут появиться творческие возможности. Между творческой деятельностью инженера, писателя и дальновидного предпринимателя есть поразительное сходство. Механизм их творческой активности совершенно одинаков, но профессиональные творческие личности более креативны, потому что они постоянно сосредоточены на творческой деятельности и им в большей степени присущ навык игры с материалом».
Новейшие исследования, связанные с изучением мозга и творческой жизни человека, свидетельствуют, что творческим людям присуща способность воспринимать явления с разных точек зрения. Они достаточно легко разрушают привычные стереотипы и находят новые пути, в то время как просто интеллектуал способен использовать и развивать существующие структуры. Например, когда у Моне стало ухудшаться зрение, он не отказался от своей творчества, а нашел своеобразный выход: стал использовать для своих картин холсты колоссальных размеров.
Американский невролог, профессор педагогики и писатель Ховард Гарднер, 1)ПРИМЕЧАНИЕ:. Ховард Гарднер ( Howard Gardner, род. 11 июля 1943, Пенсильвания) – американский психолог, известный как автор понятия «множественный интеллект» специалист в области клинической психологии и нейропсихологии является автором фундаментального труда, посвященного изучению интеллекта и творческой деятельности. В этом своем, ставшем уже классическим, труде, Frames of mind «Границы интеллекта» (1983), он радикально изменил представление об интеллекте. В нем он выступил против западного культа логического мышления. В 60-ые годы прошлого века Гарднер работал с особо одаренными детьми и в то же время со взрослыми с нарушениями интеллекта, и именно этот опыт изменил его взгляд на природу интеллекта. Интеллект существует отнюдь не в вакууме, можно говорить о нескольких типах интеллекта, все они управляются разными отделами головного мозга. По его мнению, отдельный человек может считаться интеллектуалом, мудрецом, знатоком в рамках определенной культуры в том случае, когда те или иные качества, присущие ему, рассматриваются как полезные с точки зрения данного общества. Так, например, в «охотничьем обществе» умение владеть своим телом и ориентироваться на местности гораздо важнее, нежели умение совершать арифметические действия. Именно этой логикой руководствовался Гарднер, введя новые принципы определения понятия «интеллект». Исследовательская деятельность привела его к следующему выводу: можно говорить о семи различных типах интеллекта, играющих значительную роль в человеческом развитии. Первый из них -- лингвистический: умение говорить, читать и писать. Есть интеллект, ответственный за логико-математическую область -- умение воспринимать и пользоваться математическими понятиями, а также и умение мыслить логически. Телесно -- кинетический интеллект характеризует способность тренировать свое тело и управлять им, а также успешно работать с различными материальными объектами. Музыкальный интеллект – способность двигаться в соответствии с ритмом и тактом, играть на музыкальном инструменте, сочинять музыкальное произведение или петь. По отношению к отдельной личности Гарднер выделяет две категории: межличностный интеллект -- способность понимать других людей и внутриличностный интеллект -- способность иметь адекватную самооценку и принимать решение, уметь делать эффективный жизненный выбор. В 1995 Гарднер добавил к перечисленным еще один тип интеллекта – природный, то есть способность распознавать и классифицировать бесчисленное количество обстоятельств и факторов внешней среды. Такие люди обладают даром сопереживать и взаимодействовать с другими живыми существами, приручать различные живые существа. Насколько каждый из нас талантлив в той или иной области, зависит от взаимодействия генетических факторов и факторов внешней среды.
При этом Гарднер убежден что мы способны развивать свой интеллект во всех направлениях. В своей книге «Creative minds» «Творческий интеллект» (1993) проводит данные по изучению интеллектуальных способностей семи выдающихся личностей. Это Зигмунд Фрейд, Сергей Эйнштейн, Пабло Пикассо, Игорь Стравинский, Т. С. Элиот, Марта Грэм и Махатма Ганди. В этом исследовании исходил из своей теории семи различных типов интеллекта и выбрал для рассмотрения семь личностей, каждая из которых является ярким представителем того или иного типа интеллекта. Все они жили приблизительно в одно и то же время, родились между 1856 и 1894. Рассмотрев истории их детства, условия взросления и становления, взаимоотношения в семье, с друзьями и коллегами, Гарднер обнаружил наличие некоторых определенных общих черт, которые и счел принципиально важными для творческого развития каждого из них. Исследователь сосредоточил свое внимание на моменте обретения творческого успеха, прорыва, у каждого в своей области, открыл некие общие закономерности, которые являются определяющими в понимании творческого процесса как такового. Всем этим индивидам было присуще особое сочетание интеллекта и личных качеств.
Правда, наряду с этими качествами были и другие решающие факторы для развития личности каждого из них и для высокого уровня их творческих достижений. Всех их объединяло, что огромную роль в их становлении сыграли люди, которые верили в них, в их способность к радикальному повороту, прорыву в сфере своей деятельности. При этом не менее важную роль сыграли критические замечания коллег, конкурентов и последователей. Он также отмечал, что им всем без исключения понадобилось десять лет, для того чтобы занять достойно положение в своей профессии, и еще десять лет для последующего рывка вперед. Если хочешь добиться выдающихся успехов в сфере искусства, это требует многих лет упорного труда. Чтобы достичь своей цели, всем этим семи личностям пришлось приложить значительные усилия, проделать внутреннюю работу над собой, и ради этого от многого отказаться в жизни. Большинству из них это стоило личных отношений, они были сосредоточенны исключительно на собственных устремлениях. Гарднер употребляет выражение «продажа души дьяволу в духе фаустовского договора». Он имел в виду, что их сосредоточенность на своей работе была столь всепоглощающей, что была похожа на продажу души дьяволу. Как мы уже говорили ранее, всем людям присуща творческая одаренность, но она у каждого своя. Что отделяет профессионального художника от обычного человека так это, вероятно, большая степень одаренности и тяжелый целенаправленный труд. Великая танцовщица Марта Грем служит тому примером.
Марта Грэм1)
ПРИМЕЧАНИЕ- Марта Грэм (англ. Martha Graham; 1894 – 1991 американская танцовщица, создательница американского танца модерн.
Марта Грем родилась в 1894 году в городе Аллегейни, в штате Пенсильвания. Отец был ирландского происхождения, по профессии врач, он любил играть на музыкальных инструментах и петь для нее и двух ее младших сестер. Мать происходила из пуританской семьи и воспитывала дочерей очень строго. Еще совсем маленьким ребёнком Марта должна была ходить в церковь, она страшно скучала во время богослужений и часто начинала танцевать между церковными скамьями.
В детстве Марта имела склонность ко лжи и часто страдала от этого. Мать подала девочке мысль устроить дома небольшой театр, чтобы у нее появиться возможность делать и говорить «все что угодно». А ее отец, когда обнаружил, однажды, что дочка скрывает правду, сказал: «Ты что думаешь, что когда ты так поступаешь, я ни о чем не догадываюсь? То, как ты ведешь себя, твои движения, когда ты пытаешься водить меня за нос, всегда выдают тебя. Неважно, что ты говоришь, ты сжимаешь кулачки, ты начинаешь смотреть вниз, выпрямляешь спину, переминаешься с ноги на ногу. Движения не лгут. »
Реакция отца на в общем-то вполне невинное детское прегрешение оказалась весьма важным сигналом, сыгравшим большую роль в дальнейшей судьбе Марты. То, что движения не лгут и, как ничто иное, способны передать человеческие чувства, стало основополагающей истиной для танцовщицы Марты Грем.
Когда девочке было четырнадцать лет, семья переехала в Санта Барбару в Калифорию. Марте там понравилось гораздо больше, чем в Пенсильвании, она почувствовала освобождение от узкого пуританского мирка. Здесь стала хорошо учиться в школе, легко усваивала необходимые знания. Она много читала и даже одно время была редактором в литературном журнале. Писала рассказы, участвовала в школьном театре, играла в баскетбол и хорошо шила.
В 1911 году ей попалась на глаза концертная афиша, в которой говорилось, что в Лос Анжелесе, в оперном театре, должна была выступить экзотическая танцовщица по имени Рут Сен-Дени, . Марта уговорила своего отца поехать с ней на представление. Происходящее на сцене совершенно захватило ее. «Я немедленно хотела начать учиться, чтобы танцевать так, как эта богиня. «С первой секунды моя судьба была решена» – вспоминала она позднее. Но одно дело вдохновиться, страстно желать танцевать, а другое – сделать на этом поприще карьеру, при том что родители не очень-то радовались подобным жизненным планам, но тем не менее согласились, чтобы она училась в школе искусств. Марте нравилась царившая в школе атмосфера свободы. Когда в 1914 году умер ее отец, ей было двадцать лет. Марта поняла, что она совсем свободна и вправе принимать самостоятельные жизненно важные решения, и в 1916 году она записалась в летнюю школу танцев при балетной школе в Лос Анжелесе. Эта школа была основана той же самой Рут Сен-Дени. впоследствии эта школа приобрела известность тем, что из нее вышли многие прославленные танцоры. Одновременно В то же самое время с Мартой Грем там училась и Мэриан Чейс, впоследствии известнейший специалист и основательница танцевальной терапии.
В двадцать два года уже очень поздно начинать карьеру танцовщицы, большинство начинает в детстве, когда еще нет и десяти лет. Марта была невысокого роста, очень изящная и гибкая, она вкладывала в танец всю свою душу. Часто она оставалась после занятий и продолжала заниматься в одиночестве. При этом Рут Сен-Дени, считала Марту недостаточно привлекательной, чтобы стать танцовщицей, она оценивала ее внешность как невыразительную и не хотела ее обучать, но предложила Марте обучаться в школе ее мужа, Теда Шонна. В его школе Марта проявила невероятное упорство и прилежание и в результате стала ведущей танцовщицей. Она заявила :«Я достигну вершин, и сделаю это совершенно самостоятельно. Ничто не остановит меня».
В 1923 году Марта Грэм переехала в Нью-Йорк, чтобы иметь возможность зарабатывать деньги, она начала выступать в бродвейской танцевальной группе и вскоре стала звездой, ее прославило исполнение экзотических восточных танцев. Она зарабатывала 350 долларов в неделю, что было по тем временам весьма значительной суммой. Марта танцевала в составе многих ансамблей, ставила перед собой конкретные творческие задачи и добивалась их осуществления. Увидев однажды полотно русского художника Василия Кандинского, на котором было изображено красное пятно на синем фоне, она произнесла: « Вот так я бы хотела танцевать».
Спустя несколько лет она создала собственную танцевальную труппу. Это стало поворотным моментом в ее жизни. 18 апреля 1926 года в Нью Йорке состоялось первое выступление этой небольшой труппы. Марта работала до поздней ночи и редко испытывала чувство удовлетворения. Она смертельно боялась однообразия и постоянно выступала все в новых и новых образах.
Марта Грэм явилась основателем школы современного танца, ее называли «матерью современной хореографии». Она сумела изобрести новый язык танца, язык ,который был связан не только непосредственно с телодвижениями, но своим рисунком давал интерпретацию событий, современности. Будучи танцовщицей, она увлекалась литературой, сумела посредством танца передать свое понимание литературных произведений, особенно греческих трагедий. В тридцать лет она стала знаменитой танцовщицей. Сама она рассказывала, что ей понадобилось десять лет упорного труда, чтобы научиться хорошо танцевать. Вот ее слова: «Мне понадобилось десять лет на то, чтобы стать непринужденной и лаконичной». И добавила: «Различие между профессиональным художником и просто одаренной натурой состоит отнюдь не в способности чувствовать. Разгадка состоит, в том что профессионал способен, выразить те чувства, которые присущи нам всем». Последние восемнадцать лет жизни она работала как хореограф. Больше всего на свете она любила танцевать. Ее карьера завершилась в 1990 году постановкой танца «Maple leaf rag» 1)Сноска -Кленовый листок Через год после этого она умерла. Ее биограф, Эрнестина Штодель написала следующее: «Репертуар Марты – это великий репертуар, который не может не вызывать восхищения, он уникален и многообразен, подобного репертуара до Марты Грем не сумел создать ни один хореограф, его можно сравнить с драматургией Шекспира и живописью Пикассо».
Страстная любовь к танцу и вера в его возможности заставляли Грэм держаться на сцене и в жизни, а ожесточенная конкурентная борьба требовала стойкости, а также постоянного поиска новых путей. Сама она как-то сказала следующее: « Все рождаются гениальными, но у большинства это продолжается лишь несколько минут». Для достижения своей цели приходится отказываться от многого. У Марты были любовные отношения с несколькими мужчинами, она была замужем за одним танцовщиком в течении нескольких лет, но так как для нее искусство танца было превыше всего, она избегала слишком глубоко затрагивающих ее отношений. Марта стремилась сохранить молодость как можно дольше, и как женщина, и как профессиональная танцовщица, всякое проявление старения пугало ее. Марта Грэм начала танцевать поздно, но ее карьера длилась долго. Она танцевала даже когда ей было далеко за шестьдесят, что бывает в высшей степени редко. Возникает вопрос: что отличает Марту, например, от какой-то другой талантливой и упорно работающей танцовщицы, которой не удалось достичь такой известности?
Я убеждена, что ответ кроется в одном из высказываний самой Марты Грэм: «Я – воровка и не стыжусь этого. Я краду лучшее, и среди тех, кого я обокрала, Платон, Пикассо, Бертрам Росс. ПРИЕЧАНИЕ;Сноска американский киноактер, род в1920г. Я – воровка, и благодаря этому купаюсь в лучах славы… Я одержима воровством, вполне осознаю ценность украденного, оно дорого мне как некий дар или наследство».
При этом Марта Грэм отнюдь не подражала другим. Она находила в них то, что могло служить почвой для ее собственного развития. Она вкладывала в работу всю душу, формируя уникальный танцевальный репертуар.
В западном искусстве можно найти множество примеров, когда уместно говорить о «краже» каких-то элементов у примитивных культур. Но мы отнюдь не всегда так честны, как Марта Грэм, признавая, что научились чему-то и черпали вдохновение от других художников и иных культур. Марта черпала вдохновение из этих источников, она отнюдь не копировала их, но использовала в качестве, так сказать, сырого материала, для создания чего-то нового и оригинального. Как сказал однажды художник Эвард Хоппер 3)ПРИМЕЧАНИЕ : (Edward Hopper; 1882 – 1967)— популярный американский художник, видный представитель американской жанровой живописи, один из крупнейших урбанистов XX в. : «... проблема оригинальности состоит не в способности к изобретательности или каком-то особенном современном подходе к искусству. Объяснение лежит гораздо глубже, оригинальность связана с самой творческой личностью. »
Танец был страстью и самой жизнью для Марты Грэм. Он стал выражением самой сути ее уникальной личности, она сумела достичь той жизненной цели, которую она поставила перед собой в молодости. Вероятно, для многих ее самоотверженный труд на грани самоистязания может показаться безумием. Многие обстоятельства и жизненные факторы были против нее, но она обладала такой психической стойкостью, что никогда не позволяла им доминировать над ней. Она осознавала, что танец приносит ей такую радость, что делает ее психически стойкой, танец был для нее самим существованием, и отними у нее возможность танцевать, она потеряла бы смысл жизни.
Ларс Хертервиг
В свое время многие творческие личности были признаны «неизлечимо психически больными». По прошествии времени возникает желание задать вопросы тем, кто ставил эти диагнозы, которые подразумевают наследственное заболевание. Как мы уже говорили в первой главе, интерпретация произведения искусства тем или иным психиатром, ничего не понимающим в искусстве, служило основанием для постановки диагноза его создателю. А это часто приводило ложному истолкованию творчества и навешиванию на автора ярлыков типа «невротик», хотя тут-то невроз как раз был не при чем. Так, например, Ларс Хертервиг был одним из художников, которому поставили диагноз «dementia praecox», форма шизофрении, которая считалась наследственной. В те время диагноз душевнобольной делал человека отверженным даже в среде своих близких.
Норвежский художник Ларс Хертервиг (1830 – 1902) родился на острове Боргойя провинции Рюфюльке. Уже в пятилетнем возрасте он начал рисовать. Красок у малыша не было, и он нашел выход. Вместо карандаша использовал щепку с острым концом, а краской служила кашица из толчёного древесного угля с водой. Хертервиг рисовал всю свою жизнь. Сегодня его имя стоит в ряду самых выдающихся мастеров живописи Норвегии, но, увы, умер он в нищете и безвестности .
Всю свою жизнь Хертервиг жил в ужасающей бедности, почти не ходил в школу, и родные мало чем могли помочь ему. Незаурядные способности Хертервига впервые были оценены ставангерским купцом и судовладельцем Х. Г. Б. Сундтом. Несколько обеспеченных жителей Ставангера, во главе которых был Сундт, сумели оплатить Хертевигу художественное образование в столице, в Кристиании. Позднее он направился в Германию, в Дюссельдорф, где стал учеником Гюде1) ПРИМЕЧАНИЕ:. Ханс Гюде (Hans Gude 1825-1903) норвежский художник, живший в Германии, в соавторстве с Тидеманом им было создано прославленное полотно «Свадебная процессия в Хардангере», 1848
Зимой 1854 года он заболел и вынужден был вернуться в Норвегию. В 1856 году его положили в психиатрическую клинику Гаустад, где он провел полгода. По своему характеру Хертервиг отличался мнительностью и недоверчивостью, и время от времени у него случались галлюцинации. В то время многие психиатры считали, что творческая деятельность может приводить к психопатологии. По их мнению, в жизни всегда лучше заниматься какой-то более прикладной деятельностью. Лечение в Гаустаде, судя по всему, Хертевигу никак не помогло. Он был выписан с приговором «неизличимо психически больной». Бывает, что пациент не обнаруживает признаков улучшения состояния и мы, психиатры, поспешно награждаем их ярлыком «неизлечимый», не задумываясь при этом, что, возможно, просто наши методы лечения не столь эффективны. Пребывание в психиатрической клинике имело следствием лишь усиление замкнутости и изолированности Хертервига. Согласно мнению Хольгера Коефода2), категорическое утверждение о психическом нездоровье «явилась причиной изоляции и главным фактором непризнания Хертервига профессиональным художником».
Совершенно очевидно, что психическое состояние Хертервига оказывало влияние на его творческую деятельность, но взгляд тогдашнего общества на психические страдания был таков, что автоматически превращал мастера в маргинала и изгоя. Естественно, это и явилось решающим фактором, почему он не был оценен по достоинству как великий художник -- пейзажист, каковым он являлся. Вероятно, многие искали в его творчестве признаки болезни, но не делали попыток судить об его творчестве в соответствии с эстетическими теориями. Так, например, доминирующие коричневые тона многих картин Хертервига были присущи также полотнам художников известной в то время Дюссельдорфской школы, так что характерную для него гамму тонов можно было рассматривать и как влияние этой школы на художника, и как один из признаков депрессивного состояния. Пребывание в психиатрической клинике всегда оставляет глубокий след в душе пациента, и пребывание Хертервига в Гаустаде оставило в его душе многочисленные раны.
Хертервиг – это удивительный художник, на многих своих полотнах он изобразил нежные шелковистые облака, игра света придает особую атмосферу его созданиям. «Его рисунки и акварели представляют собой мистический мир, от которого порой веет сюрреализмом. » Многие произведения Хертервига дают ощущение тишины, покоя и грёз. Одновременно на них лежит печать чего-то призрачного, тяжелого и мрачного. Эти произведения западают вам в душу, так как в них, можно сказать, заключено некое послание от человека, у которого были свои мечты, желания и стремления и который был отринут немилосердным обществом.
Художник Франс Видеpберг2) ПРИМЕЧАНИЕ: Франс Видеpберг (Frans Widerberg род. в 1934году) – норвежский художник, живописец и график. ,однажды сказал:» Искусство является подлинным языком, выразителем сути человеческой сути. Не философия, не наука, не какие-то факты и события, не войны. А источником этого языка являются сны и мечты. Художника, точнее, живописца можно назвать «лацаронни языка», тем бродягой, оборванцем, который все видит и понимает, но ничего не способен сделать. Искусство можно назвать картиной жизни». Если вместе с Видербергом мы попытаемся проанализировать искусство Хертервига, то и его творчество вполне можно назвать обобщенной картиной человеческой жизни. Произведения Хертервига содержат в себе и темноту человеческой души, и одиночество, и поиски смысла жизни. Его пейзажи во многом ассоциируются с гамлетовским «Быть или не быть» Некоторые его изображения как бы замерли, ожидая ответа на свой немой вопрос о смысле существования. Никакие слова не способны выразить в полной мере те причудливые оттенки, нюансы настроений, которыми проникнуты его пейзажи. Когда мы вглядываемся в небо, свет, облака на его картинах мы ощущаем, как глубоко эти образы проникают в сердце. Эти картины не просто отражают определенные пейзажи или свидетельствуют о профессиональном мастерстве художника: краски на холсте почерпнуты из самой глубины его души, это она говорит на его полотнах.
Погрузиться в собственную душу
В связи с открытием в октябре 1997 в Бергене своей выставки художник из Саннефьорда Оддвар Турсхейм1) Примечание: Оддвар Турсхейм (Oddvar Torsheim род. 1938), норвежский художник заявил в своем интервью газете «Дагбладет, что» переживает депрессию и именно это дает ему энергию и объясняет его работоспособность в этот период. Турсхейм признался, что ощущает себя совсем разбитым и «именно поэтому для него хорошо время от времени глубоко погружаться в собственную душу».
И действительно, в периоды душевного кризиса у многих появляется желание «погрузиться в собственную душу». Мы рассмотрим это более подробно на следующем клиническом случае.
Клинический пример: творчество шизофреника
Джеку двадцать четыре года , он – один из четырех детей в семье, с раннего возраста был склонен к агрессии. В шестнадцать лет он сбежал из дома и начал экспериментировать с ЛСД. После нескольких психопатических выходок ему был поставлен диагноз «хроническая шизофрения». Впервые я увидела Джека в одном из крупных госпиталей США, где он находился уже в течении года. Джек всегда держался особняком , скрывал лицо за длинными волосами, его глаза были опущены, он не хотел ни с кем встречаться взглядом. Завидев кого-то, он стремился, как невидимая тень, проскочить мимо. При этом Джек был любил читать и рисовать. Он читал, например, Карла Юнга и журнал National Geographic. Когда Джек не читал, то сосредоточенно рисовал. Каждый день делал несколько рисунков.
В соответствии с существовавшим в отделении порядком все пациенты были обязаны посещать три раза в неделю психотерапевтические группы. Мне достались самые трудные и неразговорчивые пациенты. Вместе с коллегой мы работали в группе, состоявшей из двенадцати пациентов, и нередко восемь из них переживали психический срыв. Положительная динамика была весьма незначительной, большинство из этих людей были заняты собой и совсем не обращали внимание на происходящее вокруг них. Правда, находясь в группе, все они сидели рядом и рисовали. В конце занятия каждый должен был показать свой рисунок и рассказать, что именно он или она пытались изобразить. В распоряжении пациентов имелось множество разнообразных материалов: краски, карандаши, фломастеры и пр. Поначалу Джек пользовался исключительно карандашом. Он делал рисунки, в которых было множество всяких деталей, к тому же на его рисунках было много надписей, повсюду он писал какие-то обрывки слов и фраз.
Многие полагают, что плоды творчества шизофреника вообще невозможно понять, что в них нет никакой внутренней связи. И тем не менее, если кто-то о по-настоящему внимательно изучит произведения шизофреников то четко обнаружит какие-то закономерности , но при этом оказывается, что отдельные детали соединены вместе таким образом, что для непосвященного почти невозможно собрать все необходимые нити, распутать этот сложный клубок. В целом для шизофренников характерно вневременное восприятие реальности, и часто события, как произошедшие и двадцать лет назад, и прошлогодние, так и случившееся за завтраком,-- все может быть сплетено воедино. В этом хитросплетении могут также проявиться черты какой-то конкретной личности, то, на чём зациклен пациент. Произведения шизофреника могут быть наполнены объектами, которые кажутся зрителю случайными. Но если нам известно что-то из прошлой жизни автора, шизофреника, то мы легко сможем увидеть, что он через изображение пытается осуществить связь между прошлым, настоящим и будущим.
Для картин Джека было характерно множество деталей, символов, причудливо преобразованных слов, так, например слово «перекрёсток» он мог написать как «перкрсток». При этом все картины Джека были посвящены одной теме – противостоянию добра и зла. Добро всегда было настолько переплетено со злом, что их невозможно было различить. Время взросления Джека было отмечено этим переплетением добра и зла: родное и близкое , представлявшееся нежным и теплым ,оказывалось связанным с сексуальным насилием и болью. В течении года, три раза в неделю на сеансе психотерапии, я всякий раз спрашивала Джека, не хочет ли он поделиться с нами мыслями о содержании своих рисунков, но Джек не удостаивал меня ответом. И тем не менее я постоянно ощущала его присутствие. Он обязательно садился рядом со мной, и получалось так, что мы как будто бы вели своего рода молчаливый диалог. Прошел уже год моей работы с этой группой пациентов, когда вдруг Джек обратился ко мне. «Осе», – произнес он на норвежский лад мое имя, англоязычные люди редко произносят его именно так. «Осе, можно попросить у тебя акриловые краски и цветную бумагу», – обратился он ко мне, глядя на и материалы, которые в течении целого года лежали прямо перед ним во время наших групповых занятий. Я пододвинула их поближе к нему, и неожиданно он принялся рисовать красками.
Как обычно, в конце нашей встречи каждый из пациентов группы пытался объяснить другим свой творческий замысел. В тот день Джек выставил вперед картину и впервые за все время обратился к группе: «Я изобразил себя, ползающим во тьме, и решил, что должен обратиться к вам, прежде чем улечу отсюда и встречусь с окружающим миром».
Таким образом с помощью этой картинки Джек сумел установить связь со мной и другими членами группы. Это был его первый шаг в мою сторону, совершенно новый этап в терапевтической работе с ним. После этого Джек посещал нашу группу в течение еще полутора лет. Он рисовал картины, создавал скульптуры, используя материалы, которые требовали усилий при их использовании. Постепенно Джек стал обращать внимание на внешний мир. После выписки из больницы он продолжал рисовать. Свои произведения он посылал мне через моего коллегу-терапевта. На этих картинах всегда были запечатлены смены настроений Джека, в периоды психических кризисов его картины были заполнены характерными для него высказываниями и обрывками фраз и слов.
За годы своей работы терапевтом я собрала почти двадцать тысяч картин, созданных людьми в состоянии психического кризиса. С точки зрения формы и стиля они очень различались между собой, но было у них всех и нечто общее. На этих картинах запечатлено человеческое одиночество, изолированность человека от других. Параноидальных постоянно личностей не покидает чувство, что их якобы преследуют, и это может отразиться в их картинах: они часто изображают множество преследующих их глаз. Человек с низкой самооценкой часто рисует себя очень маленьким по сравнению с другими. При этом краски, тона этих картин способны передать различные оттенки настроений их авторов: депрессию, радость, ярость.