Советы молодым композиторам 13

Родионов Виталий Константинович
Бела Барток

«Каждый человек, когда он взрослеет, должен определить, за какую идеальную цель он хочет бороться, чтобы сообразно с этим формировать всю свою трудовую деятельность, каждый поступок. Что касается меня, я всю свою жизнь, во всех областях, всегда всеми средствами буду служить одной цели – благополучию  венгерской нации и венгерской отчизны».
Б. Барток.

Произнося эти красивые слова, 22-летний Бела Барток незаметно для себя оказывается под гнётом национализма! Давайте взглянем на отдельные произведения композитора, и тогда поймём, какая у него музыка. Назовём лишь те пьесы, в названиях которых встречаются слова «венгерский», «румынский», «трансильванский». Взгляните на список: Кошут-симфония, Венгерские народные песни, Два румынских народных танца, Румынский танец, Румынские рождественские гимны, Шесть румынских народных танцев, Румынские народные танцы, 15 венгерских народных песен, Три венгерские народные мелодии, Импровизация на темы венгерских народных песен, Трансильванские танцы, Венгерские пьесы, Венгерские крестьянские песни, Венгерские народные песни, Румынские танцы.

Музыка Белы Бартока изнутри национальная, хотя далеко не всегда поднимается до общечеловеческого содержания.


Игорь Стравинский

«Единственно возможный комментарий к музыкальному сочинению – другое музыкальное сочинение».
И. Стравинский.

На русскую былинно-сказочную музыку Николая Андреевича Римского-Корсакова Игорь Стравинский «отвечает» красочными балетами «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная». Между учителем и учеником существует тесная связь.

«Искусство должно быть холодным».
И. Стравинский.

В первом (русском) периоде творчества Игорь Стравинский обращается к русскому фольклору, вызывающему у него ощущение близости к родной земле, к сказочно-фантастической музыке учителя Римского-Корсакова. К произведениям второго (неоклассического) периода Стравинский подходит рационально, с точки зрения воссоздания классического искусства. Стравинский руководствуется холодным интеллектом, хотя в это время он иной раз и пишет «тёплую» музыку. Если балеты «Жар-птица» и «Петрушка» дышат радостным восприятием жизни, то неоклассические балеты, вроде «Пульчинеллы» или «Поцелуй Феи», согревают душу теплом минувших эпох. В них присутствует стилизованная красота и стилизованное благоухание природы.

«Мою музыку лучше всего понимают дети и животные».
И. Стравинский.
Наверно, Стравинский имеет в виду красивые и безмятежные балеты неоклассического периода «Аполлон Мусагет», «Орфей», «Персефона». Они согревают душу и приносят удовлетворение.

«Слишком многие музыкальные сочинения кончаются гораздо позже финала».
И. Стравинский.

Композитор-модернист отдаёт предпочтение лаконичным формам музыкального высказывания, о чём свидетельствуют его оперы и балеты, в частности знаменитый балет «Весна священная».

«Современные трубадуры пользуются не мандолинами, а автомобильными гудками».
И. Стравинский.

Стравинский иронизирует по поводу таких произведений, как симфоническая пьеса «Пасифик-231» Ф. Пуленка, симфонический эпизод «Завод» А. Мосолова, балет «Стальной скок» С. Прокофьева. К счастью, мода на «индустриальную» музыку быстро проходит.

«Искусство – это, прежде всего мастерство, умение создавать совершенные по форме вещи».
И. Стравинский.

В творчестве Стравинского экспрессивная энергия сменяется поисками идеальной формы. Кульминация русского периода – «Весна священная», неоклассического – «Персефона».

«Я любил всё, что бы ни делал в данный момент, и с каждой вещью я чувствую, что наконец-то нашёл путь и только сейчас начал сочинять».
И. Стравинский.

В начале творческого периода Стравинский основательно обновляет музыкальный язык и любое новое произведение он стремиться усовершенствовать. В результате, идёт непрерывный поиск ранее неприменяемых выразительных средств.
К «русскому» периоду надо отнести балет «Весна священная», «Свадебку» (русские хореографические сцены с пением и музыкой), к неоклассическому – оперу-ораторию «Царь Эдип», Симфонию псалмов, оперу «Похождения повесы», к серийному - Реквием («Заупокойное песнопение» на латинский канонический текст). Стравинский – всегда нов, всегда оригинален.

«Композитор не подражает – он крадёт».
И. Стравинский.

Цинично, но верно! Кто знает, какое число русских народных песен он разрабатывает в балетах «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», в «Свадебка»? Заимствованием чужого материала он открыто или скрытно занимается также в неоклассический период. Стравинский – не столько автор, сколько соавтор народной музыки и музыки гениальных композиторов!

«Профан воображает, что для творчества надо ждать вдохновения. Это глубокое заблуждение».
И. Стравинский.

Труд и мастерство необходимы, чтобы написать талантливую музыку. Однако нужно и вдохновение. Что такое вдохновение? Оно бывает двух видов: вдохновение, возникающее в процессе труда, и вдохновение, ниспосылаемое Богом. Игорю Стравинскому известен первый вид вдохновения и, возможно, второй, когда он создаёт ораторию «Плач пророка Иеремии».

«Я был рождён не вовремя. По темпераменту и склонностям мне надлежало, как Баху, хотя иного масштаба, жить в безвестности и регулярно творить для установленной службы и для Бога».

И. Стравинский.
Стравинский – композитор ежедневного добросовестного труда. Родившись в элитной семье, он с детства соприкасается с искусством. Его учителем по композиции становится педантичный Римский-Корсаков. Далее Стравинский занимается на юридическом факультете Петербургского университета. Эти обстоятельства жизни молодого композитора содействуют развитию в нём потребности в самодисциплине. Создавая музыку, он обращается к источникам всей мировой культуры, начиная от софокловской трагедии «Царь Эдип» (опера-оратория «Царь Эдип») и кончая музыкой Петра Ильича Чайковского (балет «Поцелуй феи). Музыкальная всемирность Стравинского действительно позволяет сопоставлять его талант с масштабным талантом Иоганна Себастьяна Баха.

 
Антон Веберн

«Человек стремится передать в музыкальных звуках нечто такое, что иначе не скажешь. Музыка является в этом смысле языком».
А. Веберн.

Творчество Антона Веберна направлено на исследование форм музыкального языка. Серийную технику Шёнберга он превращает в сериальную, т.е. такую, в которой все без исключения элементы музыкальной речи подчиняются высшему принципу. Стремясь к предельной лаконичности высказывания, Веберн каждый звук уподобляет атому, а последовательность звуков – траекториям атомов. Речь идёт о пьесах зрелого периода, в частности о Вариациях для оркестра, op.30.


Борис Асафьев

«Мелодия – душа музыки».
Б. Асафьев.

Неожиданная мысль из уст музыковеда! Видимо, она исходит от Асафьева-композитора. Людям нравятся его песенно-революционный балет «Пламя Парижа», пленительный «Бахчисарайский фонтан», интимный Концерт для гитары и струнного квинтета. В творческом багаже Асафьева 11 опер и 27 балетов. Композитор знает цену мелодии!


Альбан Берг

«Хорошо, что Гендель и Бах родились... не двумя столетиями позднее! Ведь теперь одного в той же мере обвинили бы в отсутствии оседлости, как музыку второго нашли бы культурно-большевистской».
А. Берг.

Альбан Берг с отчаянием говорит о надвигающемся фашизме. Его разум отказывается принимать ненависть и презрение к людям. Берг – музыкальный Франц Кафка. Не зря его называют «певцом человеческих страданий». В опере «Воццек» действует «маленький человек», бесправный солдат. Униженный и обманутый, он убивает жену. Утратив разум, тонет в реке. Этим способом не смоешь кровь!
Гуманистические идеалы Генделя и Баха перечёркнуты, как жестокой эпохой, так и модернистской оперой Берга.