Abominog

(альбом 1982 года Uriah Heep в контексте рок-музыки 80-х)

история с продолжением
для рок-гурманов
в 10-ти частях

Часть 1

(пластинка, вышедшая 5 февраля 1982 года)
С этого поворотного момента начинается Uriah Heep Мика Бокса. Совершенно другая группа, совершенно другой Uriah Heep, нежели тот, что был раньше. И потому требует совершенно другого подхода, а вовсе не сравнения с тем, что было раньше. Потому как в данном случае это всё равно, что сравнивать тёплое с… твёрдым.

(предмет спора)
Но имеет место интересный феномен – обида и плевки со стороны многочисленной армии почитателей акме-периода группы, во время которого были записаны шедевральные альбомы, ставшие самой что ни на есть золотой классикой рока. То, что связывается, прежде всего, с именами Дэвида Байрона и Кена Хенсли. 
А вот теперь – обида и плевки – дескать, совершенно не то! Хотя, казалось бы, не нравится – скажите: не моя музыка, мне не подходит, неинтересно… и ступайте дальше – к тому, что интересно. Но они исходят на слюну – почему?
Думаю, что первой причиной являются обманутые ожидания. Желание такой же ублажающей слух музыки, которая была раньше: Хенсли – основной композитор, прекрасный мелодист, Байрон – обладатель невероятной красоты голоса.
Однако после ухода из Uriah Heep и до своей смерти в 1985 году Байрон успел выпустить три альбома, Хенсли штампует их до сих пор – следовательно, у всех есть возможность следить за дальнейшим творчеством этих музыкантов и упиваться им по мере возможностей. Но нет – не в меру агрессивным их почитателям этого недостаточно, им почему-то ещё нужно, чтобы Бокс заткнулся. Ибо вторая причина, по которой исходят на слюну, это – название. Когда нынешний состав именуют «Лже-Хип» или «Мик Бокс Бэнд», это означает ту мысль и то чувство, что кому-то крайне неприятно, что при столь кардинальном обновлении состава и неизбежном при этом изменении музыкальной концепции, сохраняется прежнее название. Им хотелось бы, чтобы оно раз навсегда было изъято из употребления и не компрометировало – по их мнению – прежних достижений.   
Но давайте задумаемся: что все эти люди могут предъявить естественному правообладателю названия и, по сути, главному (на пару с Байроном) создателю группы? Это ведь не случай Pink Floyd – когда за название судятся в официальном порядке – стало быть, конфликт и разночтения налицо. Ни Хенсли, ни Байрон никаких претензий никогда на этот счёт не предъявляли – и не могли предъявить.
И ещё. Те, кто криком и проклятиями встречают каждый новый альбом Uriah Heep, начиная с 80-х, забывают о том, что кроме их мнения существует и другое. Таких же, как и они, почитателей славного прошлого Uriah Heep, но в отличие от них вполне лояльно относящихся к тому, что удалось сделать Мику Боксу сотоварищи после поворотного момента в истории группы. Посему формулируем главный вопрос: ТАК ЧТО ЖЕ ЕМУ УДАЛОСЬ? 

(возвращение Керслейка)
После альбома 1980 года «Conquest» группу покинул Кен Хенсли, а затем и новобранцы Джон Сломэн и Крис Слэйд. Бокс и Болдер обращаются к Байрону с предложением вернуться в группу, но тот послал их куда подальше. После чего ввиду безнадежности предприятия уходит и Болдер, присоединившись к Wishbone Ash.
Как лихо, однако, закручен сюжет! Если глядеть на историю Uriah Heep из сегодняшнего дня, то это место видится как яма, из которой выбраться просто невозможно. Утрата всех связующих компонентов, полное разрушение организма, после чего не способна помочь никакая реанимация.
Но продолжение таки последовало, и оно носило конкретное имя – Ли Керслейк. Он ушел еще перед «Conquest», после «Fallen Angel» – из-за конфликта с лидером – Кеном Хенсли и Джерри Броном – боссом-администратором. Играл у Оззи Осборна, но при первой возможности, когда, казалось бы, и возвращаться уже не было смысла – не преминул вернуться. Возвращение Керслейка означало ни много ни мало, что это не Мик Бокс Бэнд, а именно Хип. 
А представим гипотетически что было бы, если бы вернулся ещё и Байрон? Не иначе как возвращение в сказку. С которой всё и начиналось – с содружества Бокса и Байрона. Но… это как раз тот случай, когда нельзя дважды войти в одну реку. 
Этого возвращения не состоялось, поскольку он уже отработал своё. После отставки из Хип записав три альбома – не то чтобы совсем плохих, но и никак не шедевральных – он окончательно исчерпался. И когда дверь в Uriah Heep для него снова открылась, судя по всему, от него уже ничего не оставалось.   

(Боб Дейсли)
Из группы Оззи Осборна Керслейк пришёл не один, а вместе с басистом Бобом Дейсли. И поскольку личность этого перекати-поле из Австралии весьма значима как для Uriah Heep, так и для рока вообще, остановимся на ней более подробно.
Начинал он на родине, в группе Kahvas Jute, затем поиграл в английских Chicken Shack (блюз-рок) и Mungo Jerry (рок-н-ролл), после чего оказался в составе супер-группы Widowmaker, поучаствовав в записи двух её альбомов. Но по-настоящему засветился, то есть приобрёл статус музыканта экстра-класса, в Rainbow, на «Long Live Rock 'n' Roll» (1978). И хоть дальше одного альбома дело не пошло, этого – как королевской печати – оказалось достаточно, чтобы стать навсегда востребованным музыкантом.
Дальнейшая судьба привела его в компанию Осборна, где он и пересёкся с Ли Керслейком. Судя по тому, сколько было вместе сделано, с Оззи он в общем-то ладил, в конфликт же вошёл, по всей видимости, с его женской половиной – да так, что даже вспыхнуло судебное разбирательство за авторские права…
Не менее насыщенной была его карьера и после двухлетнего пребывания в Uriah Heep. Вторым после Осборна музыкантом, с которым он записал больше трех альбомов, стал Гэри Мур (Дейсли играет на семи его альбомах, включая знаменитый «Still Got the Blues» (1990)). Параллельно опять сотрудничает с Оззи, а также с Black Sabbath – на «The Eternal Idol» (1987), с Ингви Малмстином на «Одиссее» (1988), наконец, участвует в сборных супер-группах Mother’s Army, The Hoochie Coochie Men и Living Loud.
Но вернёмся к его приходу в Uriah Heep в 1982 году. Для Бокса это стало спасением: Керслейк-Дейсли – с такой ритм-секцией ничего не страшно – это было то, на что могла опереться его гитара. Опора и прикрытие – цемент – как в хоккее мощная защита и надежный вратарь.

(новый замысел Бокса)
И совсем другое дело – те, кто занял две оставшиеся вакансии. В отличие от Дейсли ни Пит Голби, ни Джон Синклер не имели сколько-нибудь внушительных послужных списков. Первый был известен своей работой в Trapeze – группе, где начинал когда-то Гленн Хьюз, второй – в Heavy Metal Kids. Более-менее широкую известность они приобрели как раз благодаря недолгому пребыванию в Uriah Heep. А между тем – обратим внимание – это ведь игра на двух главных для Uriah Heep позициях. На тех, где Байрон и Хенсли!
Всё, однако, станет ясно, когда мы поймём общий замысел. Дело в том, что на эти позиции музыканты подбирались вовсе не с целью поставить их во главу угла. Лидер здесь – гитарист. А от этих двух требовалось стать частью монолита, раствориться в общем звучании, в мощном хард-роке, который стал концепцией обновленных Uriah Heep.
Боксу не нужно было того, кто – как то было раньше – напрочь затмевал бы его самого. Ему нужна была не головная боль в лице не в меру амбициозных и капризных суперзвёзд, а группа, которая бы шла по заданной им траектории. Ибо главным дирижером должен был оставаться он сам. Потому как ведущей должна была стать гитара, а не клавиши как было раньше.

(тяжёлый, как сама жизнь)
Итого, классический хард-рок – тяжёлый, жёсткий, ритмичный – но, пожалуй, что именно это и не устраивает многих почитателей прежнего Хип, поскольку раньше это был не классический хард-рок, а нечто совершенно уникальное.
И когда под чутким руководством Мика Бокса они создали ABOMINOG – народ, приученный к былым красотам, закричал (и продолжает кричать до сих пор): что общего это имеет с «Magician’s Birthday» и «Sweet Freedom»? Да разве ж это Uriah Heep?! 
Однако хочется сказать… Ребята, вы совершенно не правы! Потому как ABOMINOG сравнивать нужно не с альбомами Uriah Heep начала 70-х, а с чем? Правильно – с тем, что его окружало – с рок-музыкой 80-х. По той причине, что ни одно явление нельзя правильно понять без контекста.

Часть 2

Дальний круг

Каков же контекст? В какой энергетической среде родился ABOMINOG? Попробуем, восстановить картину в более-менее полном объёме. И начнём с наиболее сложных форм рок-музыки – с арт-рока (потому как «Salisbury», «Demons and Wizards» и «Magician’s Birthday» – вершинные творения Uriah Heep – с полным на то правом можно отнести к данному направлению).

Итак, 1982 год. Что же происходило с корифеями жанра арт-рок? 
Yes: 1980 – «Drama» – арт-роковая инерция, очень хороша первая вещь – 10-минутная «Machine Messiah», но в целом разве можно это сравнить с ещё совсем недавним «Going For The One»? Но если это ещё в духе 70-х – развернутое свободное мышление, – то альбом 1983 года – «90125» – коммерчески, кстати, самый успешный в истории группы – полное изменение концепции в сторону структурного упрощения. 

То же самое происходит с Genesis: 1980 – «Duke», 1981 – «Abacab», 1983 – «Genesis» («Mama»). Разве это та же самая группа, что создавала «Selling England By The Pound» и «The Lamb Lies Down On Broadway»? Это ведь трудно назвать арт-роком – синтезаторно-кислотный поп-сироп, синтетика, нейлон 100%. Не Genesis, а Майкл Джексон.

Emerson, Lake & Palmer: после весьма красивой, но несколько облегчённой эстрадизированной пластинки 1978 года с соответствующим названием «Love Beach», группа распалась. Видать, сработал предохранитель – чтобы не выродиться окончательно в попсу… или в какую-нибудь волну новую.
Эмерсон ушёл в свободное плавание: саундтрэки к кинофильмам «Inferno» (1980), «Nighthawks» (1981) – музицирование очень далёкое от собственно рока. Весьма интересен сольный альбом «Honky» (1982) – но и это свободный полёт – джаз-рок, фьюжн, свободная форма. 
Палмер влился в состав супер-группы «Азия», дебютировавшей в 1982-м одноимённым диском. Что можно сказать о записанной на нём музыке? Это как если бы в «Пет Шоп Бойз», «Сикрет Сервис», «Лэд Бэк» добавить помпезные арт-роковые оркестровки. Попса под арт-роковым соусом.
Лэйк же записал два сольных чисто мейнстримовских (или как еще говорят – АОРовских) альбома с Гэри Муром на гитаре. По сути в том же стиле, что и «Азия», но с тем отличием, что Лэйк и в таком виде оказывается приятен на слух. Вероятно, потому что голос у него как всегда хорош, нет той помпезности в аранжировках, и гитара Гэри Мура не тонет в общей каше. И ещё потому, что это сольный проект певца, под которого всё и заточено, а не группа с невразумительной концепцией отовсюду понемногу. Впрочем, это уже чисто субъективное.

Но идём дальше. King Crimson: 1982 год, альбом «Beat» – это вовсе не «Кримзон» 70-х, а совсем другая группа, играющая другую музыку – вместо арт-рока нью-вэйв, кислота. Но что интересно: общее с предыдущей инкарнацией у нового проекта то же, что и в случае с Uriah Heep – гитарист, он же дирижёр проекта, и барабанщик. 

И завершая обзор о положении дел в арт-роке начала 80-х, вспомним ещё, как в том же 82-м Джон Лорд записывает не концептуальные симфонические «Сюиту близнецов», «Окна» или «Сарабанду», а просто сборник довольно незамысловатых песен «Before I Forget».
А через два года Роджер Гловер предлагает послушать не рок-оперу «Бал бабочек», и не арт-роковые «Элементы», а нововолновские «Маски».

И какой же из всего этого следует вывод? А то, что в начале 80-х арт-рок расплылся, потерял сущностные ориентиры, весь вышел. 

Тогда же, в начале 80-х, ряд знаменитых культовых групп с богатой историей подошли к фактическому своему финалу, знаменуя тем самым конец эпохи – акме-периода в истории рок-музыки – и начало чего-то другого.
Вышел последний альбом Soft Machine – «Land Of Cockayne» (1981) – приятный на вкус, не имеющий, однако, ничего общего – ни в плане персоналий, ни в плане музыки – с тем, что составило культ этой команды. Вместо атонального звучания школы Колтрейна и Коулмана классический джаз-рок-фьюжн. Начинали одни (Уайатт, Ратлидж, Хоппер, Дин) – заканчивали абсолютно другие люди (Дженкинс, Маршалл, Холдсворт, Брюс…). 

Забавно завершился умопомрачительный французский проект барабанщика Кристиана Вандера Magma. Вышедшая в 1984 году пластинка «Merci» в отличие от всего предшествовавшего творчества содержала в себе не мрачные картины Кобайской цивилизации, а вполне земной – приготовленный, правда, в присущей этой группе совершенно отвязной манере – джаз-диско-коктейль (с присовокуплением весёлого рассказа про знаменитого оккультиста Элифаса Леви). На этом – финита ля комедия – вплоть до возрождения 20 лет спустя.   

Другой французский – вернее, базировавшийся во Франции интернациональный проект Gong к тому времени – после ухода отца-основателя Дэвида Аллена – существовал в виде джаз-рок-группы Pierre Moerlen's Gong. В 1981-м выходит одна из наиболее филигранных их работ «Leave It Open» (с 18-минутной сказочной красоты заглавной композицией!), после чего… группа прекращает своё существование. А через 5 лет (1986) выныривает с диском «Breakthrough», отличающимся от предыдущего как земля отличается от неба. 

Наконец, Pink Floyd – это было начало конца – после вершины «The Wall» (1979) и перед эпилогом «The Final Cut» (1983). 

Часть 3

Ближний круг

От арт-рока и прочего фьюжна перейдём, что называется, поближе к телу. К ближнему кругу контекста, то есть к тому, что ближе всего к Uriah Heep и к их альбому 1982 года «Abominog».

(о субъективном)
Но прежде чем сфокусировать взгляд на содержимом этого круга, уясним одну простую истину. Не для кого не секрет, что у каждого времени своя музыка. Но, кроме того, ещё и у каждого места своя музыка. В том смысле, что одни и те же группы в различных странах – например, в Штатах и в Союзе, – воспринимались по-разному. В силу различных причин как субъективного, так и объективного свойства. Поэтому их популярность, иерархия и авторитет в различных странах также различны.
Это к тому, что иногда встречаешь высказывания о том, дескать, что это у нас некоторые группы – например, те же Uriah Heep, или, скажем, Nazareth – почитаются великими, а на самом деле – то есть на Западе, это группы второго-третьего ряда. Возможно, и так, но возникает вопрос: почему НА САМОМ ДЕЛЕ – это у них, на Западе, а не у нас? Потому что группы эти принадлежат им? Но ведь часто со стороны бывает виднее.
Наглядный пример: группа Smokie – безумно популярная у нас, чего нельзя сказать о них. Кстати, как говорится, век живи век учись. Не так давно настоящим открытием стало для меня осознание того факта, что песню «What Can I Do» поёт вовсе не лидер-вокалист Крис Норман, что у отечественных меломанов как-то само собой разумелось, а гитарист Алан Силсон – он и автор этой песни. Но интересно еще и другое. То, что она отсутствует в различных официальных сборниках «Greatest Hits», «The Best» и т. д. По той причине, что не попадала в западные хит-парады. Зато у нас – мега-хит!   
И что же – из-за того, что у них эта песня не пользовалась популярностью, мы должны отказаться от своего восприятия и признать её плохой? Подобная история и с «Белладонной» группы UFO. 
Поэтому единственно верно, на мой взгляд, будет не подгонять своё мнение под то, как у них – какое место в чартах и сколько продано экземпляров пластинок, – а опираться на собственный опыт, на собственное восприятие.
При этом, правда, желательно, чтобы на него действительно можно было опереться. А это значит, что твоё субъективное должно быть расширено настолько, чтобы ты мог видеть с разных сторон, изнутри и снаружи, в деталях и в целом. Иными словами, чтобы твоё субъективное могло вместить в себя объективное.   

(о сущностном)
В конце 70-х – начале 80-х на авансцену западной молодежной субкультуры вышли панк и новая волна. Проникало это и к нам, но воспринималось иначе. Без особой любви. Скорее всего, потому что не было у нас поп-индустрии со всевозможными чартами и хайпингом. У нас всё воспринималось стихийно – энергетически и сущностно. В том смысле, что рок у нас слушали не потому, что эта музыка была модной, а потому что она содержала в себе сущностную и энергетическую опору. Она была вне времени – в отличие, например, от диско. Кто сегодня вспомнит про тогдашних дискотечных кумиров? кто будет искать их записи? покупать их диски? Никто, ибо сущностно они были запрограммированы на краткий промежуток времени. Волна схлынула и больше не вернулась. И вместе с ней кумиры.
Другое дело рок – его энергетический заряд оказывается неисчерпаем, затрагивает он не поверхность, а более глубокие слои сознания. И поэтому мне в 2015 году совершенно не скучно писать (а вам читать) про альбом 1982 года «Abominog». 
Таким образом, новая волна западной моды разбивалась у нас о сущностные скалы хард-рока. Правда, с 10-летним запаздыванием она таки проникла к нам по-настоящему, но уже не как музыкальная мода, а как основа мировоззрения нигилистически настроенной молодежи. Это было уже в 90-х – панк-гуру Егор Летов и его «ГО», крушение Союза и поколение, которое на этот раз правильнее будет назвать не «потерянное», не «битое», а не иначе как «проклятое».
Но это произошло позже. В начале же 80-х новая волна западной моды разбивалась о сознание тех, кто был воспитан на крутом замесе 70-х. Да и то: как после Uriah Heep можно слушать Police?!

Но если лучшие рок-творения оказываются вне времени, то этого нельзя сказать о рок-творцах. Они-то должны идти дальше и создавать что-то новое в условиях нового времени. Или – если нечего больше сказать – отправляться на покой. 
Что же происходило в той рок-обойме наиболее почитаемых у нас групп, в которую входил и Uriah Heep? Тотальная смена эпох – повсеместно прослеживающийся водораздел:

- Rainbow. Это было время последних – «Straight Between The Eyes» (1982), «Bent Out Of Shape» (1983) – тогда горячо любимых мною альбомов. Впрочем, у Rainbow все альбомы были горячо любимы. Сегодня съевшему на рок-музыке собаку, искушенному во всех тонкостях эти вещи уже не воспринимаются как раньше, могут даже показаться довольно незамысловатыми. Здесь нет импровизационного рок-джазового заряда Deep Purple. Но почему нет? Потому что оно туда и не вкладывалось, потому что изначально были другие задачи. Если у Deep Purple музыка динамична, как ртуть, то у Rainbow статична, как камень. Это законченные архитектурные строения. По ассоциации на ум приходит «Stone Cold» – камень, из которого строятся замки. Краеугольный камень традиции, более изощренным продолжением которой является неокласскик-рок – Ингви Малмстин, Nightwish: Тарья Турунен и Туомас Холопайнен… а также пауэр-метал – Blind Guardian, Demons & Wizards, Masterplan с Йорном Ланде…
Сами же по себе, с высоты сегодняшнего дня, это просто хорошие песни. Почему, несмотря на течение времени, неизменную симпатию вызывают ABBA и Boney M? Только лишь ностальгия? Не без этого, конечно, но главная причина в том, что у них много по-настоящему хороших, просто превосходных, безукоризненно сделанных песен. То же самое у Rainbow.*

*Непосредственный комментарий к озвученной здесь характеристике Rainbow от московского музыканта Андрея Шурикова:

«Перпл от Рэйнбоу радикально отличает ритм-основа и само движение. Пэйс всегда барабанил в ДП не как машина, а как джазовый барабанщик, синтезитровавший в свою технику прог и рок-н-ролл. Гловер ему вторил, постоянно импровизируя и меняя свой бас с высоких на низы и наоборот. Отсюда мы видим творческое, разнообразное начало в ритм-секции. Лорд имел не последнее слово в саунде и аранжировке. Блэкмор великолепно и скрупулёзно делал подкладки (аккомпанемент) и лепил соляки, регулярно в них меняя движение и приемы звукоизвлечения (вплоть до работы рукояткой качка а ля Хендрикс)! Это делало "Пурпле" 70-х уникальными и востребованными. Рэйнбоу ставил целью зажигательный, модный, не без веяний новой волны (и в звуке тоже), коммерчески потенциальный Блэкморовский рок-н-ролл без намека на Перпл. За что Блэкмору, как честному музыканту, поклон. Ведь при желании он мог бы налепить с десяток а ля перпловских альбомов даже не морщась. Аранжировки Рэйнбоу более минимализированы, бас ровный, читаемый, барабаны без всяких там пейсовских свингов. Вещи балладные простые и законченные и без гиллановской, ковердейловско-хьюзовской приблюзовки. И обязательно готические, пробаховские соляки. Которые потом взяли за основу все нынешние великие дрочилы на гитарах. Для меня безликие и попсовые. Ричи делал это редко, но метко, и не превращая в товарный знак, как все очень многие в хевмет и т.д. гвардии. Конечно, несмотря на профи, Рэйнбоу пошиба 90-х был чисто для бабла. Блэкмор после этого шустро и капитально сменил формат. Что мы ныне и наблюдаем...»
 
- Gillan. 1982 – «Magic», для меня лично это был первый альбом сольного, то есть внедиппаловского Гиллана, который довелось услышать (где-то сразу после выхода). Мнение не изменилось до сих пор: хард-рок, не похожий ни на что, безбашенный и некоммерческий, как почти всё у сольного Гиллана. У него характерная черта – не в струю попасть стремится, а делает, что в голову взбредёт. После этого альбома группа была распущена, после чего певец неожиданно оказался в Black Sabbath. Мало кто мог ожидать такого, но на то и поворотный момент. 


Часть 4


- Whitesnake. 1982 – «Saints And Sinners», 1984 – «Slide It In». Сформулируем тезис: Whitesnake – под таким названием есть два проекта – британский и стейтовский. И начало 80-х – это конец первого, преддверие второго.
Думаю, никто не поспорит, что одним из главных – если не главным – рок-событием середины 80-х стало воссоединение Deep Purple. Подведшее итог не только тогдашним сольным проектам Блэкмора и Гиллана, но также ставшее водоразделом для Ковердейла.

Чтобы полнее ощутить дыхание того времени, вспомним, кстати, источник, из которого мы получили грандиозное это известие. Итак, в радио-выпуске BBC от 6 апреля 1984 года Сева Новгородцев – по тем временам главный наш информатор – сообщил буквально следующее:
«Из последних событий. Газета «Мелоди мейкер» на прошлой неделе сообщила о возрождении группы Deep Purple. Дело в том, что певец Ян Гиллан покинул недавно «Чёрную субботу» (Black Sabbath), гитарист Ричи Блэкмор распустил свою «Радугу» (Rainbow), а Джон Лорд с Яном Пэйсом ушли из группы Whitesnake («Белая змея»). И все бывшие участники Deep Purple решили вновь объединиться. Именно в таком составе Deep Purple существовали в 70-х годах, именно этой командой записали они свои классические пластинки.
Будем надеяться, что не потрескалась ещё футеровка в мартенах, не забило шлаком литейные желоба, не притупилось чутьё мастеров тяжёлого литья. Эх, раззудится молодецкое плечо, размахнётся богатырская рука, и огненной рекою хлынут по континентам потоки музыкальной легированной стали».
И раз уж речь зашла об этом персонаже…
Да, любил незабвенный Сева завернуть порой метафору. Вот что ещё запомнилось: «Как из искры возгорелось пламя, так из «Туристов» выпали в осадок «Юритмики», – это из той же передачи, в которой было объявлено о воссоединении Deep Purple, ибо основной рассказ (растянутый на несколько подач) был там не о них, и не о каких других рок-героях, а о нововолновском дуэте Eurythmics – кто-нибудь помнит таких? может, у кого в коллекции сохранились их пластинки? ; 
И потому сегодня – с высоты времени – обращаешь внимание не на цветистость стиля, а на характерную особенность: с нетерпением ждавшие столь необходимую тогда информацию о чём-то ценном вневременном советские меломаны (а именно им, находящимся за «железным занавесом», эти передачи и были адресованы) в вознаграждение получали очередную порцию о сиюминутных «Юритмиках».
Что же касаемо точности выдаваемой информации, то и она оставляла желать лучшего. Из той же передачи: «Заглянем в рок-хронику. 14 апреля. В 45-м году в Англии родился Ричи Блэкмор, гитарист, один из основателей Deep Purple в 67-м, в 75-м основавший группу Elf, которая в свою очередь преобразовалась в Rainbow (Радугу)». – Не знал тогдашний рок-авторитет, что Блэкмор не основывал группу «Эльф», а пригласил для собственного проекта музыкантов из неё – всех, кроме гитариста. Впрочем, на безрыбье и рак рыба, и перебирать информацией тогда не приходилось. 

Но вернёмся к Whitesnake. С воссоединением Deep Purple от Ковердейла ушёл не только Лорд (Пэйс ушёл ещё раньше, в 1982-84-м он – у Гэри Мура, а на «Slide It In» стучит уже Кози Пауэлл), от него ушли ещё и струны – Берни Марсден и Мики Муди, составлявшие основу звучания Whitesnake классического британского периода. А дальше – начиная с альбома «1987» – мы видим уже совсем другой Whitesnake – с американским коммерческим хеви-саундом, характерным глэм-имиджем: пышными нахимиченными гривами волос, в коже и заклепках, и характерным поведением на сцене – металлическими (героическими ;) стойками музыкантов.
Изменилась ли при этом сущность? Музыкальная сторона – вне всякого сомнения, ибо блюзовая составляющая шла в первую очередь от Марсдена и Муди, а вот что касается вообще сущности… Просмотрел недавно тексты Ковердейла – за все годы Whitesnake: по сути это то же самое, что, например, у Дмитрия Билана – то, что называется одним словом «попса». И в этом, пожалуй, главное отличие и от своего собрата Хьюза, и от Гиллана. Там, где Гиллан стремится рассказать какую-нибудь нетривиальную житейскую историю, Ковердейл нагромождает стандартно-незамысловатые любовно-сексуальные рефлексии. И ничего более. Что не может не сказаться на оригинальности либо отсутствии таковой в музыке. Мышление музыкальное оно ведь соответствует мышлению как таковому.   

- Black Sabbath записали второй альбом с Дио: «Mob Rules» (1981), после чего бывший эльф уходит в свободное плавание, становится не просто вокалистом, а самодостаточной величиной. А место за микрофонной стойкой неожиданно занимает Йэн Гиллан: «Born Again» (1983). Этот эксперимент, однако, в силу своей противоестественности долго длиться не мог, Гиллан возвращается в естественную для себя среду обитания, а Black Sabbath… разваливается. Но не окончательно, поскольку пороха в пороховнице ещё хватало, по всей видимости, в переломе между эпохами он лишь слегка отсырел. И преодолев период полураспада, начиная с альбома «The Eternal Idol» (1987), Йомми и Ко переходят на новый этап – вступают в эру Мартина (по имени нового вокалиста). (Альбом  «Seventh Star» (1986) с Гленном Хьюзом на вокале изначально и вплоть до самой реализации задумывался как сольник Тони Йомми, таковым он по сути и является – а не альбомом Black Sabbath, как настоял на том менеджмент).   

- Nazareth. После легкого, но безумно популярного у нас «The Fool Circle» (1981), как будто напоследок вернулось время «Разаманаз» – альбом с незамысловатым названием «2xS» (1982) с таким рок-н-рольным перлом как «Back To The Trenches» и рядом других забойных номеров. Это последний полноценный, то есть ещё не исчерпавшийся альбом Nazareth, ещё без натуги. А для следующего уже понадобился эликсир – «Sound Elixir» (1983) – попытка оживиться, то есть продлить существование. Но группа сказала всё, что могла сказать, и былой энергии больше не было… Впрочем, был ещё энергетический всплеск под конец 10-летия – в 1989-м совершенно неожиданно Nazareth записали «Snakes 'N' Ladders» – один из лучших за всю карьеру! (Что интересно, в 89-м вышел также «Headless Cross», вновь вознесший на вершину Black Sabbath, чему немало способствовал феноменальный Кози Пауэлл, точно срезонировав ритм времени… и в том же году Мик Бокс сотоварищи начал новый поход по возрождению Uriah Heep).   

- Queen. 1982 – «Hot Space». Классический (акме-) период закончился в 1979 году двойным концертником «Queen Live Killers». Начинается этап стадионный, другая стадия, с другим наполнением, другой энергией. Я вовсе не хочу сказать, что «Hot Space» – плохой альбом, по-моему, это хороший альбом, но только в жанре не рок, а диско. Это переломный альбом – вместе с «The Game» (1980) – перелом энергий. Что такое в этом смысле диско? Это совсем другая эстетика – гламурная, клубная, с основой, которая на самой поверхности, то есть основа без глубины! Всё на поверхности, даже наркота другая, не такая как в роке… и что главное – с вектором, направленным в секс-извращения: в отличие от диско рок никогда не был музыкой гомосексуалистов. Всё это в потенциале и заложено в «Hot Space».   

- Sweet. 1982 – «Identity Crisis». Это последний альбом в канонической дискографии группы, ряд вещей – «New Shoes», «Two Into One», «Hey Mama», «I Wish You Would» – боевики в духе прежнего Свит, в целом же, на удивление симпатичный рок-н-рольный, вполне свитовский альбом, а 1979 – «Cut Above The Rest» – так то вообще объективно шедевр. Но закавыка в том, что Sweet – это вполне определенная конструкция, вернее, организм, в котором ключевое место занимает Брайан Коннолли (впрочем, незаменимыми были все четверо). Это обязательно!... Да и время жизни этого организма – в аккурат 70-е. И потому на последнем альбоме катастрофически не хватает драйва, и несмотря на все усилия, Sweet 80-х без Коннолли воспринимается как реликт, рудимент, как Doors без Моррисона, T. Rex без Болана, или как недавно вышедший как бы альбом как бы Pink Floyd. 

Часть 5

- UFO. В 1982-м вышел «Mechanix» – один из закатных альбомов первого периода существования группы. В 83-м – «Making Contact» – после чего последовал первый распад. Здесь та же водораздельная ситуация, что сплошь и рядом наблюдается в начале 80-х. С уходом гитариста Михаэля Шенкера музыка UFO утратила яркость, мелодизм: акме-период здесь – это UFO с Шенкером – и заканчивается он концертником 1979 года «Strangers In The Night», по праву считающимся одним из лучших «живых» альбомов тяжелого рока.    

- Foreigner. 1981 – «Foreigner 4». Замечательный альбом, по самые края наполненный шикарными песнями. Казалось бы, легкий коммерческий саунд, да и группа всегда считалась характерным представителем АОР, а на тебе – «Juke Box Hero», «I'm Gonna Win» – стопроцентный хард с несколько странными, правда, аранжировками – зато вокалист как выкладывается… Но уже на следующем диске – «Agent Provocateur» (1984) – полный уход в коммерцию: вместо насыщенного саунда предыдущей пластинки с так славно вписавшимся саксофоном в «Urgent» – слышим стеклянное звучание синтетических клавиш под заунывный ритм машины. Главный хит – «I Want To Know What Love Is» – чересчур слащав, и даже внешне тяжелые номера отдают… дискотекой.   

Вот это и есть срез 1982 года – того момента, когда вышел «Абоминог», – срез ближайшего контекста, обойма главных действующих лиц, в которую входил также и Uriah Heep. Причём в её определении мы ориентируемся, прежде всего, на собственный опыт и собственное восприятие. Короче говоря, это НАШЕ видение развития рок-музыки. В других странах кое-что, а, возможно, и многое воспринимается несколько иначе. Мы же перечислили СВОИХ героев, то, что было тогда на слуху у нас, наиболее популярные и авторитетные группы среди советских любителей рок-музыки. Именно это я сам записывал тогда на плёнки бобин, чуть позже кассет, а затем именно с этим же и диски виниловые стал приобретать.   
И как мы заметили, повсюду – поворотный момент, связанный со сменой эпох. В результате чего корневое изменение произошло, по сути, у всех героев тогдашней авансцены рока. И вот здесь возникают следующие вопросы: - Как та или иная группа из одной эпохи перешла в другую? - Какие изменения при этом с ней произошли?
Для исследователя это интересно, для потребителя – нет. Потребитель выбирает исключительно то, что ублажает его слух, а на всё остальное ему наплевать. И часто то, что его не ублажает, вызывает у него раздражение. Ибо на подсознательном уровне у него заложено, что это он пуп земли и всё должно быть подстроено под него, под его вкус.
Совсем другой подход у исследователя – не потребительский. Он, прежде всего, стремится уяснить природу тех вещей, которые его окружают – в этом его главный интерес. Не подстроить её под себя, а самому уяснить. И потому новый Uriah Heep для него интересен не в сравнении с акме-периодом группы – и даже не в приложении к собственным вкусам! – а как новое явление, самодостаточное и интересное само по себе…   

Выстраивая контекст, мы умышленно не упомянули ещё одну группу, занимавшую тогда одно из высоких мест в иерархии. Настолько высокое, что можно даже и названия не говорить – достаточно сказать, что это группа из Австралии, австралийские шотландцы, то бишь скотты – выходцы из Шотландии – и сразу ясно, о ком речь. А почему не назвали? Потому что группа эта находится в ряду тех, кому принадлежат 80-е, а это уже другая обойма.   
Но о них немного ниже, а пока – небольшое лирическое отступление. Хоть и нельзя объять необъятное – каковым является пространство рок-музыки – но в целях опять-таки расширения контекста – ещё немного – пара-тройка групп, так или иначе связанных с Uriah Heep.

- Wishbone Ash. Интересно, что в 1987 году эта группа приезжала в Союз одновременно с Uriah Heep – те играли в Москве, а Wishbone Ash – в Ленинграде. Про одних тогда знали все, про других – очень немногие. Кроме того, как раз в начале 80-х в Wishbone Ash эмигрировал (к счастью, ненадолго) Тревор Болдер, и альбом 1982 года – «Twin Barrels Burning» – именно с ним на басу. Что характерно. Мощный гитарный рок, фирменный знак – сдвоенные гитары, гитаристы хороши, под стать им и Болдер, благодаря чему – драйв на высоте. Хотя есть и мелодичные номера, в основе фирменного звучания не мелодика, не композиторское мастерство, а ритмика, аранжировки, основанные на владении инструментом, гитарных импровизациях. В общем, они из тех, кто более известен и почитаем на Западе (прежде всего в Британии), а не в СССР. Группа крепкая, но не хватает яркости, индивидуальности, то есть собственной неповторимости, харизмы, отчего и место её несколько в тени. 
На альбоме 1981 года – «Number The Brave», – на басу ещё один экс-Хип Джон Веттон, сменивший тогда одного из основателей группы Мартина Тёрнера. Альбом ещё энергичнее, чем 1982-й, как всегда великолепны гитарные партии, в первой вещи бас Веттона выведен на передний план, отчего воспринимается более тяжело и внушительно. Здесь Wishbone Ash больше похожи не на британцев, а на американцев в духе традиционного американского рока типа Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, канадцев Guess Who, Buchman-Turner Overdrive, – группы такого плана обычно существуют вечно в силу бездонности кантри-блюз-традиции, из британцев в этом духе: Ten Years After, Savoy Brown. Недостаток харизмы объясняется, пожалуй, отсутствием ярко выраженного певца-фронтмена, лид-вокал переходит от одного к другому.
Два эти альбома гораздо более «американские», чем первые «классические» работы группы – оно и неудивительно: длительный период перед тем группа базировалась в Штатах. С Uriah Heep совершенно не сравнима, поскольку абсолютно в другой традиции.      

- Styx. Говорят – в частности, И. Котельников, – что это американское соответствие Хип. Альбом 1980 года – «Paradise Theatre» – действительно мелодически очень красив, наверно, самый красивый у Стикс, их вершина. Но очевидное отличие – Стикс гораздо мягче, вообще очень далеки здесь от хард-рока, некоторые вещи за гранью не только хард-, а вообще рока. Хотя не всегда Стикс были такими – были и более роковые времена – тогда и параллель с Хип просматривалась более явственно – прежде всего, на «The Serpent Is Rising» (1973).      
В 1983-м вышел «Kilroy Was Here» – последний релиз канонической дискографии Styx. Концепция, театрализация, исполнение – всё вроде на месте, вот только… сахара слишком много. Хотя пара вещей и построена на роковых созвучиях, а одна из них называется «Heavy Metal Poisoning», жёсткой составляющей рока здесь кот наплакал (та же история, что и на «Agent Provocateur» у Foreigner), впрочем, и в мелодике вместо подлинной красоты на этот раз её заменитель – слащавость. В целом: стадионный помп-рок, сильно напоминающий поздних Queen. Мюзикл с элементами рока. Единственное, что как всегда доставляет – голоса Де Янга и Шоу.
Посему вывод: если и было что общее у Styx с Uriah Heep, то пошли они в диаметрально противоположных направлениях.   

- Golden Earring. Эту группу мы не стали бы вспоминать в данном контексте, если бы не И. Котельников. Обрушившись давеча с потоком брани на современных Хипов, он почему-то стал ставить им в пример именно этих голландских долгожителей. Ну, раз так – вспомним в нашем разрезе и про них.
1982 – «Cut» – альбом с картой на обложке (бубновый валет, пробиваемый пулей). На всю пластинку две – «Twilight Zone», «Secrets» – более-менее запоминающихся вещи, остальные – проходняк полный, показатель драйва – близко к нулю.
А вообще – спору нет – группа замечательна: много хороших песен в разные времена, учитывая же продолжительность жизни (столько не живут!), почти уникальна, сопоставима только с Rolling Stones. Но какое отношение имеет она к Uriah Heep? Вероятно, такое же, как и Asia, которую Котельников провозгласил непосредственным продолжением Uriah Heep, – и даже книгу свою назвал буквально «Wonderworld of Uriah Heep in Asia» (Издательство газеты «Тагильский рабочий», Нижний Тагил, 1994).  На том основании, что, дескать, Веттон – как хранитель и носитель хиповской традиции (!) – продолжил её в последующих своих проектах UK и Asia. Признаюсь, что нечасто приходилось слышать что-нибудь столь же странное и нелепое.

Часть 6

Дыхание металла

А теперь о тех, кому принадлежат 80-е…
Каждая эпоха (эон) – условно каждое 10-летие – хоть и связана с предыдущей и последующей, в то же время представляет собой отдельную систему, наполненную специфическими идеями, формами, энергиями. Возникает целый сонм новых звезд, старые же либо сгорают, гаснут, либо находят новую траекторию, по которой движутся, используя новое топливо.
Главное энергетическое течение в роке 80-х – это, конечно, не «новая волна», поскольку «новая волна» – это не рок. Главное же – выход на авансцену столь мощного и глобального явления как хеви-метал. А это не что иное, как реакция на «новую волну» со стороны тяжелой музыки, то есть тех энергий, которые её определяют, являясь шибко востребованными в молодом – и не только – возрасте. 
Металл как бы отделил рок от болота «новой волны». Это тоже была новая волна – «новая волна тяжелого рока» – о таком определении – как сейчас помню – мы узнали из статьи в журнале «Ровесник» под названием «Невозможно бить все время в одну точку» (1983, январь). Статьи, ясное дело, ругательной.
Тогда же родилось и понятие «металл». Дело в том, что на Западе то, что у нас называлось хард-роком – Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath и т. д. – имело название хеви-метал. И новое явление они окрестили «новой волной тяжелого металла». Тогда это понятие – «металл» – проникло и к нам, а со временем выяснилось, что наша классификация оказалась куда более соответствующей сущности явлений.
Но с первой по настоящему металлической – в нашем смысле – командой мы были знакомы уже давно. Это и были те самые австралийские скотты – AC / DC. Пока ещё не было отдельного понятия, они воспринимались в одной компании с другими – традиционными – хардовиками. Но что-то в их подаче было иное – внутренне иное, энергетически. Это был какой-то очищенный хард – очищенный от блюза, от джаза, от всевозможных прогрессивных штучек – хард-рафинад. Не блюзовый, не джазовый, а… металлический.

Но здесь не отделаешься сухой констатацией фактов. Дело в том, что мы вступаем в  экзистенциальный аспект рока – без которого не может быть полного понимания. По той причине, что рок – это не просто музыка, не просто явление искусства, это ещё и – а может быть, прежде всего? – явление экзистенции. Весьма кстати всплывает здесь и созвучие – рок это ведь ещё и судьба. Экзистенциальное же может быть только глубоко субъективным, что и предопределяет последующий наш анализ. 
   
- AC / DC. Это не просто любимая группа моего детства, а не иначе как пуповина, связывающая моё естество с сущностью рок-музыки – ни много ни мало. А Бон Скотт – не то чтобы любимый рок-певец, это образ из детства, – начиная класса эдак с 6-7-го – когда я впервые услышал две песни – «Whole Lotta Rosie» и «The Jack» из «живого» альбома «If You Want Blood, You've Got It» (1978). А несколько лет спустя просто до дыр заслушал «Highway To Hell» (1979) с безумно привлекательной «Touch Too Much». И если определять квинтэссенцию рока, то для меня ею будет именно эта песня, и весь альбом целиком.
Это – рок-н-ролл – в первоначальном значении этого слова. То есть в сексуальном. Вместилище сексуальной энергии, секс 100 % – как раз то, что было нужно для того – пубертатного – возраста. Не в реале, конечно, а в идеале. Дифференциация уровней. Потому что, когда дело в том нежном возрасте доходит до реала – получается бред, вырождение – поскольку сексуальные энергии слишком сильны, а возраст слишком нежен. А если за душой у целого поколения ничего, тогда тотальная деградация гарантирована – как показано в фильме «Детки» Ларри Кларка.
К счастью, это не про нас, для нашего поколения более характерна «Квадрофения» (фильм 1979 года, по одноименной рок-опере The Who 1973 года) – не более того. А в идеале – AC / DC – или такие хиты на сексуальную тематику как «Balroom Blitz» Sweet или «I Was Made For Lovin’ You» Kiss (Deep Purple – это уже для более взрослых). То есть сексуальные энергии циркулируют на идеальном уровне: буйство в представлениях, секс в крови, но ситуация созревает до оптимального возраста. И это нормально.   
Кстати, те же энергии обуславливали такую же привязку других поколений тинейджеров к другим музыкальным явлениям – от Битлз до Ласкового мая. Да-с, именно до Ласкового мая. Окраска другая, а суть та же – просто каждый выбирает то, что больше соответствует его представлениям о жизни, его идеалу. Какие-то девочки растворялись в сущности Ласкового мая: для них это был образ идеальных мальчиков. Я же – в сущности AC / DC: и Бон Скотт был для меня образом лучшего и самого закадычного друга. Вот такая связь – ни много ни мало.
Затем последовало не менее эффектное продолжение – настал черед нового альбома с новым вокалистом. «Back In Black» с двумя супер-любимыми для меня песнями – «Hells Bells» и «Let Me Put My Love Into You». Музыка стала более жесткой, менее подвижной – но альбом с Брайаном Джонсоном так же пришелся по душе, как и предшественник со Скоттом.
Ну а дальше: «For Those About To Rock We Salute You» (1981), «Flick Of The Switch» (1983)… Да, тут важно уточнить. Тогда для меня само понятие рок было вне обсуждения – в смысле какого-либо осуждения. Это было однозначно хорошо, а хард-рок означало превосходную степень – очень хорошо. Плохим хард-рок не мог быть в принципе, AC / DC же пребывали на самом верху иерархии, среди наивысших авторитетов (наряду с Deep Purple, Rainbow, Led Zeppelin, Black Sabbath). И вот этот авторитет не позволил (и очень долго не позволял) признаться самому себе в том, что это больше… не в кайф. Пуповина не пускала!
Была ртуть, стало железо – как будто бьют молотом по наковальне… или по голове. Не осталось внутреннего движения, живого, органичного – а какое-то топтание на месте, перекатывание тяжёлых предметов с места на место, механика без жизни, а стало быть, и без смысла. Да, если находить соответствие, то это наверняка индастриал – всё равно, что монотонный шум индустриальных агрегатов – отсутствие какой-либо эстетической составляющей, какой-либо красоты. Не то чтобы это вызывало негативные эмоции, – нет, просто не вызывало никаких, лишь утомление после второй-третьей песни. «Fly On The Wall» (1985), «Blow Up Your Video» (1988)… – а дальше, если и слушал, то уже и не помню…

Часть 7


- Scorpions. Говоря об этой группе в настоящем контексте, оттолкнёмся от того факта, что это было второе после Хип громкое посещение Союза. 1988 год, к тому времени Скорпионы вознеслись на вершину славы. Произошло это в первую очередь благодаря главному фирменному знаку – красоте мелодий. Редко встретишь в хард-роке группу со столь конкретной ориентацией на мелодику, со столь определяющей мелодической основой. По этому показателю с ними можно сопоставить лишь грандов мелодичного хард-рока: для меня это Uriah Heep (заслуга Хенсли, разумеется), Rainbow, Foreigner и ещё венгерская Omega. (Давеча открыл для себя красоту мелодики Moody Blues – но это из пространства ещё 60-х, ну и, конечно, не хард-рок).   
И вот к нам они пожаловали в статусе мега-звезд, завоевав перед тем даже Америку страну чудес. А где тогда пребывал Хип? Правильно: на самом дне самого глубокого ущелья. Но... Хип были для нас звездами вневременными, Скорпионы – не иначе как группой из 80-х – и что особенно интересно: для большинства наших рок-меломанов такими они остаются по сей день. А между тем первый их альбом вышел… в 1972-м!
Итого вопрос: какой временной эпохе принадлежат Скорпионы? 70-м? или 80-м? То есть в каком времени находится их сущность: ведь как бы ни обстояли дела в 80-х и далее у Yes, Genesis, Deep Purple, Pink Floyd, но сущность их несомненно в 70-х. В случае со Scorpions наблюдаем, однако, интересный фокус: эта группа интересна тем, что принадлежит сразу двум временным эпохам, двум различным эонам. Имеет две стороны – скрытую и явную. Две сущности.
Это наглядный пример по Канту: вещь в себе и вещь для нас. Для нас она открылась в начале 80-х, когда к нам просочились (именно такое слово подходит больше всего!) такие альбомы как «Lovedrive» (1979) и «Animal Magnetism» (1980). (Совпало это в аккурат с рождением нового Uriah Heep, после крушения старого). А потом на наших глазах совершалось восхождение Скорпов к славе, то бишь к коммерческому успеху. Это вещь для нас.
А вещь в себе: это группа 70-х, находящаяся в пространстве немецкого так называемого краут-рока. В более узком значении термин этот обозначает экспериментальное, психоделическое направление в немецкой рок-музыке начала 70-х, наиболее яркими представителями которого являются Amon D;;l I & II, Can, Kraftwerk, Neu!, Tangerine Dream, Faust, Guru Guru… Однако исходя из того, что всё тогда варилось в одном котле (это как прогрессивный рок конца 60-х – начала 70-х до чёткой дифференциации стилей и направлений), этим термином нередко называют весь западногерманский рок того времени, включая Lucifer’s Friend, Birth Control, Twenty Sixty Six And Then, Out Of Focus, Blackbirds, Novalis, Gila, Jane, а стало быть и Scorpions.
Кто-нибудь у нас знал о них в 70-е? Думаю, что единицы. В других странах, судя по всему, та же картина, то есть известность краут-рока ограничивалась пределами исторической родины. Но это ведь не означает, что – без попадания в хит-парады американских журналов – вещь не интересна сама по себе! Ещё как интересна, что наглядно видно на примере тех же Scorpions, записавших в то время целый ряд просто шикарных альбомов. Интересно, например, что диск «Fly To The Rainbow» с одноименной песней вышел в 1974 году – то есть за год до основания проекта Ричи Блэкмора и написания песни «Catch The Rainbow».
Тогдашняя сущность группы определялась наличием двух центров тяжести – наряду со связкой Шенкер/Майне это ещё и поющий гитарист и сонграйтер Ульрих Рот. С уходом последнего музыка Скорпионов, как и следовало ожидать, стала с одной стороны более сбалансированной – в связи с ликвидацией лишнего центра тяжести – но в то же время и более предсказуемой. А в связи со сменой эпох – начиная с альбома 1982 года «Blackout» – налицо упрощенное коммерческое звучание, стерильный софт-метал. При этом, конечно, сохраняется главный козырь – мелодика: мега-хит «Still Loving You» со следующего альбома символизирует восхождение к вершинам стадионного рока.   

- Judas Priest. С этими интересная история получилась (как давеча на Патриарших ;).
Прослушав альбом 1982 года «Screaming For Vengeance», я сделал субъективный промежуточный вывод: группа застряла в провале между хард-роком 70-х и металлом 80-х – так и висит как говно над прорубью. Сколько в разные годы ни пробовал слушать – несмотря на вроде бы нормальный себе (можно даже сказать, добротный), рокешник (как любят говорить любители незамысловатого хард-рока), – мне видится (вернее, слышится) в этом нечто безликое, бессущностное. Вероятно, эту свою внутреннюю ущербность они и пытаются компенсировать внешними прибамбасами. Музыка ни о чём – навроде Kiss.

Как и следовало ожидать, столь нелестная характеристика вызвала недовольство почитателей этой группы, заявивших о многочисленных её достоинствах. Да я и не спорю – помня о том, что о вкусах не спорят, и о том, что всё в этом зыбком мире относительно. Но в то же время даёт о себе знать потребность во всём докапываться до сущности явлений, до природы вещей. Попробуем же глянуть более пристально. 
Вначале слово стороне защиты, то есть почитателям, или даже фанатам – с какого-то их сайта:      
«Judas Priest. Настоящие бойцы передовой металлического фронта, они до сих пор идут в авангарде классического хэви металла. Атака двух гитарных близнецов, вокалист способный петь практически в любом музыкальном жанре. Хлысты, цепи и заклепки – как незапатентованный антураж, взятый с полки секс-шопа на окраине Уолсолла. И мотоцикл Harley Davidson, газующий на сцене, словно символ их родного задымленного Бирмингема.
Robert Halford. Уникальный вокалист, во всеуслышание заявивший о своей нетрадиционной ориентации в программе MTV, Истинный Бог Металла и тот певец, который с легкостью перенес эстетику садо-мазо-салонов и голубых аксессуаров на металлическую сцену, превратив цепи и заклепки, ошейники и плетки в настоящий металлический культ. Попробовав себя в индустриальном металле, он вернулся к Иудейскому Священнику и служит ему надежным Защитником Металлической Веры».
А теперь – слово прокурору, противнику (сатан, по-ивритски ;):
Да, вижу и я все достоинства. И песни удачные вижу… Для полноты эксперимента взял ещё несколько альбомов. «Stained Class» (1978) – здесь и неплохо сделанный кавер из Spooky Tooth, и о многом говорящая «Saints In Hell» – это как бы, исходя из Black Sabbath, следующий шаг – ВОТ ТОЛЬКО КУДА? – и очень красивая «Beyond The Realms Of Death». А вот «Defenders Of The Faith» (1984) – альбом, принадлежащий следующей – уже полностью металлической – эпохе. «Jawbreaker» – первообраз какой-то из песен Арии, вроде бы «Встань, страх преодолей». Но опять слышу Оззи, и много чего другого, – недаром говорят, что он может спеть кого угодно, то есть искусством перевоплощения владеет изрядно. Но многоликость – она же безликость. Вроде всё красиво – вроде красивый металл – и в то же время… возникает такое ощущение, что проткни поверхность, и… что оттуда потечёт? Что там за сущность? Например, в «Love Bites»: когда ты чувствуешь себя в безопасности, когда тебе становится тепло, тогда я восстаю, тогда я ползу к тебе… ;
И вот ещё… почему-то ни Моторхед, ни Айрон Мейден не вызывают таких ощущений: не оттого ли, что внутреннее там соответствует внешнему? Да… и что это за металлическая вера? Вера в заклёпки весьма сомнительного происхождения? эстетику садо-мазо-салонов и голубых аксессуаров с легкостью перенес на металлическую сцену – а никто и не заметил! И что удивительно – никому и в голову не пришло задуматься над тем, что означает сей факт? Если он внутри такой, то как может иметь другую природу то, что он делает? Да, внешне может быть: но видимость – это одно, а сущность – другое… (чувствую, однако, что влез в говно… которое в больших количествах всегда образуется там, где культ и фанаты… ткни только в поверхность чем-нибудь острым – так и хлынет ;) 

Кстати, ненароком вспомнилось… Речь как раз о тех самых временах, 1982-83 гг. Читаем на одном из сайтов: «Два месяца Uriah Heep гастролировали по США с Rush, Judas Priest и Def Leppard. По словам вокалиста последних Джо Эллиота: «Это была лучшая из групп, с которыми мне когда-либо приходилось гастролировать. Они были начисто лишены высокомерия и претенциозности. Мы многому у них научились, они всегда готовы были помочь советом, без фраз типа «Послушай, сынок», а лишь с добрым, отеческим отношением». Общение же с Judas Priest оставило у Бокса крайне неприятное ощущение: «Они относились к нам как к дерьму», – говорил он». – О том, что это конкретно могло означать, находим ещё на одном сайте: «Judas Priest обращались с Uriah Heep не очень-то по-джентельменски, не всегда разрешали им проверить звук перед концертом». – Но это так – маленький штрих… Обратим внимание лишь на тот факт, что Хип на разогреве у Rush, Judas Priest и Def Leppard – это свидетельство статуса этих групп, существовавшего на тот момент. Задумаемся, однако, над другим: разве могло быть такое у нас, в СССР? Это ещё раз о разнице в восприятии…

 Часть 8

- Motorhead. Наткнулся на интересный комментарий: «Зачем эти дурацкие эксперименты?! Вон Моторхэд и АС/ДС годами рубят одно и то же – и бешеная популярность!» – Лучше и не скажешь ;, – посему лишь добавим, что в 1982 году вышел «Iron Fist», но энергетически он гораздо слабее своего предшественника – «Ace Of Spades» (1980). Их характеризуют как смесь хард-рока, панка и прото-трэша – но я бы первый компонент убрал, оставил лишь второй и третий. Правда, в отличие от искусственности, нарочитости трэшовиков, моторхедовское молотилово не безжизненно, не механистично, а проникнуто какой-то дикой жизненной энергией, недаром внешним видом они напоминает пиратов из «Острова сокровищ» или, например, персонажей фильма Скорсезе «Банды Нью-Йорка». 

- Van Halen. Чтобы попробовать эту группу на вкус, пришлось брать не вышедший в 1982 году «Diver Down» – поскольку это альбом с преобладанием кавер-версий ретро-исполнителей, – а предшествующий ему «Fair Warning» (1981). А чтобы лучше распробовать – «Van Halen» (1978) и «Van Halen II» (1979).
Что ж, на вкус это однозначно не металл, а линия традиционного американского хард-рока: в этом ряду Blue Oyster Cult, Alice Cooper, Ted Nugent, даже ZZ Top… ну и, конечно, непревзойденные классики жанра Grand Funk Railroad (уточнение: жанр – не хард-рок вообще, а именно американский хард-рок). С другой стороны – почитается как гитарист-виртуоз, открывающий пантеон героев гитары, таких как Джо Сатриани, Стив Вей и т. д. Это объективная информация, что же до субъективной: из прослушанного ничем особо не вдохновился.
 
- Accept. Если подбирать наиболее подходящий для них эпитет, то я бы остановился на словечке из молодёжного сленга – прикольные. Прежде всего, это касается центральной фигуры проекта – вокалиста Удо Диркшнайдера. Оригинальный тембр голоса, эстетическое восприятие от которого колеблется между полюсами – иногда он ласкает слух, иной же раз кажется, как будто поёт какая-то Баба-Яга. И не то, чтобы страшно, а как-то странно, и не то, чтобы противно, а именно… прикольно. Что совсем не характерно для классического хард-рока – там требовалась красота и сила вокала: Артур Браун, Гиллан, Плант, Дио, Байрон… единственное исключение – трескучий вокал Оззи – недаром ведь считают его крестным отцом металла! Также и внешний вид Удо – этакий лысый гоблин – тоже нечто иное – далекое от длинноволосого красавца-фронтмена, кумира девочек-группиз. И единственный пример из классического хард-рока – опять-таки Оззи.
В 1982 году Accept выпустили «Restless And Wild», а в 1983-м – «Balls To The Wall», считающиеся золотой классикой группы, образцом её фирменного саунда. Возможно и так, но ещё более классическим, по моему мнению, можно считать изданный в 1981-м «Breaker», когда свободный дух драйва не был ещё загнан в ритмические рамки металла, не закован в тевтонские латы.

- Krokus. В 1981 году они записали по сути безупречный в стиле хеви-метал альбом под названием «Hardware», который я в оно время, то есть в начале 80-х, и слушал. Ныне же ознакомился с продуктом 1982 года – «One Vice At A Time». Хотя стилистически он несколько иной – более рок-н-рольный, чем металлический, – но по качеству ничем не уступает своему предшественнику. А иногда просто ушам своим не веришь – как будто сам Бон Скотт воскрес – например, в «Bad Boys, Rag Dolls». Это – мальтиец Марк Сторейс (Стораче), ещё в середине 70-х певший – в совсем другой, конечно, манере – в прог-роковой команде Tea, а затем в собственном проекте Eazy Money. А вообще парадокс со швейцарским этим Крокусом: при столь тяжелом и жёстком звучании – лёгкость невероятная! 

- Iron Maiden в 1982-м записали «The Number Of The Beast», а в следующем – «Piece Of Mind». Не знаю, как объяснить разницу в качестве энергетики тому, кто её не чувствует… но попробую…
Энергии соответствуют различным принципам жизни, или – точнее – мироздания. Это энергии, проникающие из духовного, ментального, астрального, эфирного пространств, или же из антипространств; энергии, соответствующие различным чувствам и состояниям, страстям и болезням. Есть энергия цветения, а есть гниения, разложения – и нужно понимать, что эти процессы имеют место не только в физическом мире, но и в нефизическом, духовном.
Музыканты – это передатчики энергий, медиумы – порой это происходит сознательно, но большей частью бессознательно. Рок-музыканты, как правило, не знают, что несет их музыка – им взападло об этом задумываться, главное, чтоб было в кайф им и тем, кто их слушает, то есть потребляет производимую ими продукцию, то есть питается проводимыми через них энергиями. Всё – на этом точка – дальше мысль не идёт: в кайф – и это хорошо. 
Что такое природа 15-го Аркана? Согласно «Словарю символов» Х. Э. Керлота: «Цель дьявола – регресс, застой в том, что является фрагментарным, низшим, разнообразным и прерывистым. В конечном итоге эта таинственная карта относится к инстинктам и желанию во всех его чувственных формах, к магическим искусствам, хаосу и извращению». – Всё это, конечно, нужно расшифровывать, углубляться, но, думаю, что извращение и низшие инстинкты могут быть поняты и в принципе. Так вот: энергии, относящиеся к этому принципу просто на раз чувствуются в музыке Иудас прист – они там чересчур явны, чтобы не видеть их и не чувствовать. Но для этого нужно хотя бы понимать, о чём речь, и вдобавок иметь нужные антенны. 
В противовес можно услышать: а что с этим у Мейден? У них ведь вон картинки какие страшные, монстры на шоу. Да, всё так, но с такой же уверенностью, как про Иудас, можем утверждать, что по сути там нет ничего кроме…  музыки. Поэтому она может показаться несколько пресной (в отличие от тех же Иудас), без красивой подкладки, в то время как красОты у Прист – это те приёмы, которые применяются для ублажения фанатских ушей. У Мейден же – чисто музыка, без всякой подкладки – прозрачная и чистая как вода – то, что создается джем-импровизациями. Это музыка ощущения – металл-джаз, или джаз-мЕтал – иными словами, музыка, основанная на импровизации, чисто музыкальная стихия.
Конечно, и эта музыка чем-то наполнена, и здесь проходят определённые энергии – и что же это может быть? Да всё, что угодно – взаимоотношения между людьми, природные катаклизмы или глобально-исторические события, – всё, что угодно, но не на уровне 15-го аркана. Во всяком случае, если что и относится к этому аркану, то не в столь концентрированном виде, как это наблюдается у Прист.   
По поводу же всех этих страшилок на обложках и в шоу можно сказать, что и тут нечто иное. Поскольку даже выбранный образ относится не к 15-му аркану, а к иному принципу мироздания. Это – 13-й Аркан – Смерть. Согласно Керлоту: «В положительном смысле этот аркан символизирует трансформацию всех вещей, прогресс эволюции, дематериализацию; в отрицательном смысле – распад или конец чего-либо определенного и охватывающего определенный период времени». 
В конце концов, мейденовские страшилки можно трактовать и в качестве наглядного пособия к слогану «memento mori». Но я бы не стал делать даже и этого. Ибо достаточно один раз на них (музыкантов) посмотреть, один раз услышать – и становится ясным, что картинки эти не соответствуют сути их музыки даже и в таком смысле. Как, кстати, и в случае с Юрай Хип – на ряде их альбомов тоже изображено что-то пугающее (на Абоминоге – вообще какой-то чёрт рогатый!) При этом – полный контраст с музыкальным наполнением. Ибо видимость – это одно, а суть – другое.

- Def Leppard. (В молодости очень любил их «Пироманию» – сперва услышал её на бобине, а затем даже винилом обзавёлся. Что особенно тогда нравилось – как, впрочем, и сейчас: паритет рока и мелодики).
Но это ещё одна вещь в себе. В начале 80-х эта группа записала два альбома: «High 'n' Dry» (1981) и «Pyromania» (1983), благодаря чему по недоразумению была причислена к стилю хеви-метал. Почему по недоразумению? Потому что кроме этих двух альбомов в достаточно обширной дискографии группы ничего больше не соответствует этому жанру. И не просто не соответствует, а лежит в какой-то диаметрально противоположной плоскости.
Фатальным, то бишь роковЫм, стало событие, произошедшее 31 декабря 1984 года: барабанщик Рик Аллен попал в автокатастрофу, в результате чего потерял левую руку. Но, будучи настоящими друзьями, остальные участники в беде его не оставили: была сконструирована специальная установка, на которой он мог играть одной рукой. Не знаю, это ли стало главной причиной корневого изменения стиля, но вышедший в 1987 году – и ставший супер-успешным по обе стороны океана – альбом «Hysteria» являл собой нечто, не имеющее к металлу никакого отношения. Поп-музыка, хотя и не стандартная – по структуре местами близкая к тому, что называется world music.
Ну а дальше – уже в 90-х – последовал ряд альбомов, находящихся в отношении к хеви-метал примерно так же, как a ha или Pet Shop Boys. При этом с завидным упорством их продолжают причислять именно к металлу, что особенно удивительно, ибо не поддаётся рациональному объяснению.

- Saxon. Ещё одни пионеры «новой волны британского тяжелого металла», бывшие тогда в центре внимания, но постепенно растворившиеся в потоке себе подобных. В 1981-м записали «Denim And Leather», в 1983-м – «Power And Glory». Это для любителей незамысловатого металла средней степени тяжести – тогда это воспринималось как тяжелая музыка, ныне – как довольно мягкая и благозвучная. 

И, наконец: в 1983 году вышел «Holy Diver» – дебютный альбом группы Dio.

 Часть 9

Внутренний круг

Таков он – контекст Абоминожий. Не механика строчек из рок-энциклопедии: выступили там-то, перед столько-то-тысячной толпой, пластинка разошлась таким-то миллионным тиражом, поднялась на такое-то место в таких-то таблицах популярности. Нет – живой контекст, то есть бурление энергий, страстей и эмоций, соответствующих тому или иному времени, доминирующих в нём. Только на таком фоне – в этой связи – возможно увидеть и воспринять находящийся в нём объект.
И вот на фоне «Piece Of Mind» Iron Maiden и «Holy Diver» Dio – двух самых мощных альбомов тогдашнего металла – звучит «Abominog» возрожденного Uriah Heep. И ничем не проигрывает! Это не металл, конечно, здесь, присущая Хип мягкость, клавиши… Но, с другой стороны: стена звука – динамика – мощь – наплывами – потоком… 
Восприятие, конечно, зависит еще и от местоположения воспринимающего субъекта. Определяющую роль играет возраст. Более старшие заполнены своим – им уже не нужно другое. И этот альбом для них чужероден, потому как по отношению к нему находятся они в другом Эоне. 
Моё же личное знакомство с творчеством Uriah Heep состоялось именно в начале 80-х, ещё в школьные годы. Первым альбомом, который я услышал (и которым проникся), был «Innocent Victim», что вполне закономерно, если учесть, что он был выпущен фирмой «Мелодия» и имел весьма широкое распространение в записях. Вторым же был «Abominog», а третьим – «Head First», что опять-таки неудивительно, поскольку это было время их выхода – и объективно так всё и должно было происходить. Уже после школы я впервые услышал Хип с Байроном – бесподобную в своей красоте «Gypsy» и альбом «Return To Fantasy», а после службы в СА знакомство обрело основательность – я обзавёлся фирменными дисками «Demons And Wizards» и «Salisbury». Ну и дальше по списку…
И что из этого следует? А то, что когда я впервые услышал «Abominog», сосуд моего восприятия был, что называется, девственен, ещё не был переполнен и потому с большим аппетитом принимал в себя всё, что попадалось. К счастью, в то время – в отличие от нынешнего – дерьма в окружающем музыкальном пространстве, по сути, не было. Рок воспринимался как одно целое – с неизменным уважением ко всем – вместе и по отдельности. И я с превеликим интересом воспринимал Uriah Heep как с Лоутоном, так и с Голби… ну и, разумеется, с Байроном, когда дошла очередь до него. И так же с несравненным Хенсли, как и без оного. 

Но споры вокруг «Абоминога» не утихают по сей день. И это свидетельствуют прежде всего о том, что задет некий болевой нерв. Что совершено покушение на некую святыню – не иначе.
В качестве примера приведём различные мнения и комментарии поклонников Uriah Heep по поводу альбома «Abominog», что позволит нам, во-первых, уяснить природу болевого нерва, во-вторых, разобраться собственно с альбомом. Итак…
- Действительно стиль альбома не имеет ничего общего с дисками 70-х. Зато один к одному с мегапопулярным в то время "Foreigner 4". И в этом стиле он сделан на высоком уровне, слушаю с удовольствием по сей день, как, впрочем, и диски 70-х. Конечно же – это две разные группы и логично было бы поменять название.
- Да, для Бокса это ЕГО группа, так же как и для Дэвида Байрона, поскольку они оба "отцы" Хипов. Только Байрон назвал свою группу "The Byron Band", а Бокс для снятия бабла, при своей бездарности, воспользовался раскрученным брендом URIAH HEEP. А группа URIAH HEEP уже давно не существовала как физически, так и фактически.
- Для тех, кому нравится Форинер и т. п. музыка, этот альбом должен понравиться, а вот поклонников Юрай Хип может разочаровать. Последующие альбомы слушать уже не хочется. Увы.
- Начиная с этого альбома, группу стоило назвать "Бокс-а-ля-Хип"... Совершенно другая команда, совершенно другой звук .
- Советую хипоманам послушать альбом группы Lion "Running All Night" (1980), чтоб понять откуда ноги растут у Абоминога. В Lion на клавишных играл John Sinclair, который потом перешел в Хип. Хипы делают кавер-версию "Running All Night (With the Lion)" на Абоминоге, а гитарный рифф из песни "Sweet Fire" группы Lion Хипы откровенно сперли для песни "Sell Your Soul".
- Foreigner c Боксом на гитаре – что может быть нелепее и неестественнее? Вокалисту ставлю пять – выложился на все сто. Единственная песня, которая вставляет – баллардовская On The Rebound. Зачем был нужен второй Foriegner, наверное, никогда этого не пойму.
- С наступлением 80-х Юрай Хип изменили свой музыкальный почерк до неузнаваемости. Они зазвучали приблизительно так же, как Rainbow первой половины 80-х, Foreigner и прочие группы, решившие подстроиться под стандарты американского музыкального рынка………………………………..
Что в первую очередь обращает на себя внимание – постоянное сравнение с Форинер, причисление к АОР-направлению (осталось за кадром приведённых цитат). Однако, это совершенно не так. АОР – расшифровывается как «рок, ориентированный на взрослых» – и это, прежде всего, что? Причесанность, приглаженность, тихий и спокойный саунд – чтобы вышедший из буйного возраста повзрослевший клерк не подвергал излишнему напряжению собственную психику, сохраняя при этом приверженность року. Здесь же у нас полная противоположность – с ходу звуковая лавина «Too Scared To Run» – мощь и энергия.
Также совершенно неуместна аналогия с Rainbow, ибо картина там опять-таки противоположная. Ведь по сравнению с тем, что было на «Rainbow Rising», Блэкмор существенно смягчил звучание, в то время как у обновлённого Uriah Heep налицо утяжеление звука.
Но особенно пеняют на Форинер, конкретно, на 4-й их альбом. Ну, вообще-то альбом шедевральный – и сравниться с ним не просто не зазорно, а наоборот похвально. Однако, всё его сходство с «Абоминогом», пожалуй, лишь в наличии пары выдержанных в мощном хард-роковом стиле вещей («Juke Box Hero», «I'm Gonna Win») и в какой-то мере в манере пения вокалиста – в том, что и Грэмм, и Голби поют с характерным надрывом.   
В общем, что называется, пальцем в небо. Однако сравнения эти интересны другим – внутренней мотивацией. Думаю, что в этом сказывается насущная потребность понять, что же всё-таки произошло – и объяснить это прежде всего самому себе. Как объяснить столь резкое отклонение от привычной траектории, предпринятое Боксом? Вот это и есть болевой нерв, потому как для человека в данном случае это очень важно – задевается ведь не что-нибудь, а ни много ни мало внутренние устои. Ибо для советского меломана того поколения корифеи рок-музыки есть незыблемая святыня. И, будучи чересчур вовлечённым в ситуацию, он не в состоянии посмотреть непредвзято, и потому прибегает к штампам, стереотипам. И первое, что приходит на ум: коммерциализация, опопсение, АОР, Форинер… 
Давайте, однако, пораскинем мозгами. Это ведь естественно, что группа стремится к коммерческому успеху. И то, что Бокс с новым Хипом стремился к успеху, прежде всего, на обширном стейтовском рынке – тоже правда. Равно как и то, что Хипы стремились к этому и раньше.
Но в то же время Хип никогда не подстраивались под вкус публики и не играли стандартную музыку – поэтому обвинять их в коммерциализации не приходится. Они искали свой путь – и так было во все периоды существования группы – и с Хенсли, и после Хенсли. 
Другое дело, что такая – стилистически – музыка, какую играли Хипы в 70-е – насколько бы она ни была хорошей – в 80-е стала просто невозможной. Не то время, не те энергии, не те ориентиры. Потому Бокс не стал имитировать старую музыку и двинулся совершенно в другом направлении. И вот этот резкий поворот стал болевым шоком для поклонников, подсаженных на мелодическую иглу старика Кена.
Хотя насчёт направления – это опять-таки бабушка надвое сказала. Можно сказать, что в другом, но тогда уточним – в каком? В направлении хард-рока он двинул – а разве Хип это не хард-рок? И вот здесь мы сформулируем очень важный для понимания ситуации тезис: хард-роковая составляющая Uriah Heep – это именно от Бокса. Для того чтобы в этом убедиться, достаточно послушать сольные работы Хенсли и Байрона, а затем Uriah Heep Мика Бокса. В музыке новых Uriah Heep мы найдём ярко выраженную жёсткую основу, у Байрона – в какой-то мере, у Хенсли вообще её не найдём.
По ходу ликвидируем ещё один стереотип – о том, что весь ранний классический Хип это группа Кена Хенсли (плюс Байрон – как голос, лицо, фронтмен). А все остальные – это так, погулять вышли. Понятно, что Хенсли – основной композитор, сонграйтер, главный же его вклад – мелодии, запечатленные в сознании поклонников. Вопрос в том, является ли это контрольным пакетом акций? Ведь при всей его основательности вклад этот нельзя абсолютизировать по той причине, что музыка Хип состоит не из одних только мелодий.  Есть там еще и то, что относит группу к корифеям хард-рока – тяжелого рока, – и стало быть кроме красоты мелодий там еще должна быть роковая составляющая – жесткий бит. А это уже заслуга не Хенсли, а ритм-секции и гитары Бокса. И лучшее подтверждение данной мысли – такие шедевры как «Gypsy» и «Bird Of Prey» – темы не Хенсли, а Бокса!   

Как мы уже отмечали, Бокс сделал группу под себя, ориентированную на мощный хард-рок с опорой на становой хребет ритм-секции Дейсли-Керслейк. И главное – основательное – в «Абоминоге» – мощнейшая ритмика, звуковой напор, очень плотный звук. С первых вещей – более жестко, чем в былые времена – по двум причинам: сказывается и дыхание металла, и собственная рОковая суть Бокса. Но если вслушаться – найдём и фирменную хИповскую фишку – клавиши и многоголосье, что – как и выполненные в хард-роковом духе аранжировки – в корне отличает эту музыку от металла.
Голос Голби – прекрасно подходит для такого хард-рока. Его вокал красив – возможно, не настолько как у Байрона, но в нём есть некий резонирующий с общим звучанием – чувственный надрыв. Не до такой степени как у Брайана Джонсона в AC / DC – не на уровне защемления тестикул, а в меру, органично.    
И что же получилось в общей сложности? На что похоже? А ни на что! На выходе получился мощный, но в то же время благозвучный, ни на что не похожий хард-рок.
Это первое, основополагающее достоинство – на общем уровне – первого альбома обновлённых Хип. Но, разумеется, не единственное. Потому что общее состоит из частного, и хороший рок должен состоять из конкретных хороших песен. А вот здесь впору было ожидать трудностей. Потому как если с жёстко-роковой составляющей у этого состава всё было чин чинарём, то с мелодизмом… где взять Хенсли? – никто из участников особо выдающимися способностями в деле написания песен не обладал. И потому в поисках добротных мелодий Бокс обращается на сторону. 

Часть 10

Главным недостатком «Абоминога» обычно считается обилие кавер-версий – 5 штук – ровно половина, – а некоторые говорят, что даже 6! Но прежде чем соглашаться с этим мнением, задумаемся: наличие каверов – действительно ли это плохо? Думаю, что ответ на этот вопрос зависит от результата.
Для чего вообще их записывают? С одной стороны это преследует чисто коммерческую цель – когда-то уже опробованный материал скормить публике ещё раз. Но для этого кавер-версия должна быть новаторской, заключать в себе новое прочтение. С другой стороны – почему раскрученные группы крайне неохотно идут на это? Опять-таки по коммерческой причине – чтобы не делиться доходами, выплачивая авторские.
Но это всё чисто меркантильный аспект – а есть ведь ещё и творческий. И здесь в качестве наглядных примеров можно вспомнить «Still I'm Sad» Rainbow, «Love Hurts» Nazareth, «Mighty Quinn» Manfred Mann’s Earthband и ещё много-много тех случаев, когда старая песня по-настоящему зажила новой жизнью. А что уж говорить про исполнителей блюза?
Поэтому прежде чем осуждать за использование чужого материала, нужно уяснить, что из этого получилось.
Рассмотрим же «Абоминог» попесенно (английский вариант диска, потому как на американском расположение песен иное). 
Начинается он с двух композиций собственного сочинения – «Too Scared To Run» и  «Chasing Shadows», с указанием коллективного авторства: Box/ Daisley/ Goalby/ Kerslake/ Sinclair. А далее следуют подряд все пять каверов (оригиналы которых, кстати, мы разыскали все до единого).
- «On The Rebound» – песня Расса Балларда (Russ Ballard), в прошлом участника группы Argent, профессионального сонграйтера, то есть изначально ориентировавшегося на написание песен для других исполнителей. Среди его клиентов – Kiss, Three Dog Night, Santana, Bay City Rollers, Roger Daltrey, Ringo Starr и, что для нас особенно интересно, Rainbow, для которых он создал два супер-хита – «Since You've Been Gone» и «I Surrender». Причём, если первый присутствует также на собственном альбоме Балларда, то второго в авторском исполнении отыскать нам не удалось – судя по всему, написан он непосредственно для Rainbow. 
Песня On The Rebound заимствована из альбома Расса Балларда 1980 года «Barnet Dogs». По сравнению с авторским вариантом у Uriah Heep она доведена до блеска, что признаёт и сам автор. Удачно вписывается в построение альбома, лёгкостью и прозрачностью контрастируя с плотным звуком и тяжестью первых двух вещей.   
- «Hot Night In A Cold Town» – песня авторства Джеффа Кашинга-Мюррея и Ричарда Литлфилда (Geoff Cushing-Murray / Richard Littlefield), записанная певцом традиционного американского фолк-рок-направления Джоном Кугаром Мелленкемпом (John Cougar Mellencamp) на альбоме 1980 года «Nothing Matters And What If It Did».
Интересно, что в том же году, что и Uriah Heep, её записали также и Steppenwolf на альбоме «Wolftracks» (1982). И у Мелленкемпа, и у Steppenwolf она звучит в традиционно американском стиле, у Uriah Heep – кардинально по-другому, в хард-рок-аранжировке. Тем не менее, логично предположить, что выбрали эту песню, ориентируясь, в первую очередь, на американскую публику.
- «Running All Night (With The Lion)» – указано коллективное авторство: G.Farr/ Box/ Daisley/ Goalby/ Kerslake/ Sinclair. Вообще-то, это кавер-версия песни американской группы  Lion с их единственного альбома «Running All Night». Лидером этой группы был Гэри Фарр (Gary Farr), который и указан первым среди соавторов. Но что означает коллективное соавторство Хипов? Тут, по всей видимости, дело вот в чём. Клавишником группы Lion был не кто иной как Джон Синклер – очевидно, он и принёс эту песню в Хип. Наверняка он и соавтор Фарра в написании оригинала. А так как кавер-версия сделана в ином – хард-роковом стиле – потому и посчитали её продуктом сотворчества нового коллектива.   
- «That’s The Way That It Is» – (во времена оны это была одна из самых любимых моих вещей – не на альбоме, а вообще!) Автор этой песни – Пол Блисс (Paul Bliss), английский музыкант, в дальнейшем внештатный клавишник Moody Blues. Оригинал записан на альбоме 1979 года «Neon Smiles» группы «Bliss Band», записавшей два альбома в стиле легкий фьюжн (более интересен первый – «Dinner With Raoul»). В версии Хип песня преобразилась – да так, что стала хитом в Америке.   
- «Prisoner» – пятый и последний кавер заимствован у группы новой волны из Лос-Анджелеса Sue Saad and the Next – с их единственного одноимённого альбома (1980). Авторы песни – вокалистка Сью Саад и не указанный на альбоме Хип – сочинивший текст – D.B. (Dirty Boy) Cooper. Очевидно, что выбрана она тоже с прицелом на американский рынок.
Кроме того, нужна была медленная вещь, баллада, вот она – уже в хард-роковой обработке – и заняла своё место – перед финальной драйв-атакой трёх заключительных композиций. Таким образом, окончание альбома получилось под стать его началу. Это наиболее мощный рок – та самая звуковая стена, составившая основу саунда нового Хип, в частности, альбома, «Абоминог».
Потому закономерно, что это пять вещей собственно-хиповского авторства. Доводилось слышать, что основной материал принёс Питер Голби, но во избежание возможных споров насчёт авторских прав и связанных с ними заработков, было принято решение ставить коллективное авторство. Как бы то ни было, а под «Hot Persuasion» и «Sell Your Soul» значатся все пятеро: Box/ Daisley/ Goalby/ Kerslake/ Sinclair.
Впрочем, тут возникли домыслы, связанные, как мы помним, с использованием в «Sell Your Soul» риффа из «Sweet Fire» – лучшей вещи с того единственного альбома всё тех же Lion Гэри Фарра. Не долго думая, говорят, что спёрли. Однако если учесть, что там играл Синклер, и что это именно с его подачи Хип взялись делать «Running All Night (With The Lion)», то почему бы не предположить, что рифф в «Sweet Fire» придумал именно он?
И, наконец, «Think It Over» – некоторые и эту вещь причисляют к каверам. Но если и кавер, то на самих себя, то есть на Uriah Heep предыдущего состава. Песня авторства Тревора Болдера и Джона Сломэна, первоначальная версия которой вышла на А-стороне сингла в 1980 году (на В-стороне – «My Joanna Needs Tuning (Inside Out)» (Bolder, Box, Gregg Dechert, Slade, Sloman)). Случилось это после выхода альбома «Conquest» и уже после ухода Кена Хенсли – так что сингл этот является единственным свидетельством кратковременного пребывания в группе клавишника Грега Дечета! На «Абоминоге» песенку эту перезаписали новым составом – и зазвучала она неизмеримо лучше.   

Отметим важную деталь: среди использованного материала, не было ни одного известного раскрученного хита. Всё это было взято откуда-то с рок-задворок, – но, переродившись в плавильном тигле новых Uriah Heep, вместе с группой обрело новую жизнь. Благодаря блестящим аранжировкам –¬ и драйву! – составив единое целое, монолит.
Единственным – впрочем, весьма существенным, – минусом нового состава – являлся недостаток сочинительского таланта. Что, конечно, не могло не сказаться в дальнейшем. Но тут можно привести забавный пример: в своё время именно так создавали свои знаменитые альбомы Led Zeppelin – правда, в отличие от Бокса сотоварищи, без указаний первоисточника ;.   
Сам же по себе – без заглядывания в прошлое и будущее – «Абоминог» оказался альбомом без слабых мест. Можно, конечно, уподобиться любителям сравнивать несравнимое, и посетовать на то, чего на нём не оказалось.
Что не было, например, Июльского утра – так дело-то было уж никак не утром ;! Что не было ничего подобного развернутым арт-роковым построениям Солсбери, Демонов и Колдунов и Дня рождения Волшебника, – но если в то же время заглянуть на кухню к Эмерсону, Тони Бэнксу и Йес, то и там ничего подобного не найдёшь – потому как не было в то время спроса на такое. Что не было красоты голоса Байрона, органа Хенсли и его же мелодий, – ну что поделаешь: всё течёт, всё изменяется – одни уходят, другие приходят, и свято место пусто не бывает.      
Говорят, что «это две разные группы и логично было бы поменять название». Что Байрон, дескать, скромняга, не претендуя на большее, назвал свою группу просто The Byron Band, а Бокс, нехороший человек, позарился на святое. И опять сравнивается несравнимое.   
Байрон ушёл, или его ушли – как бы то ни было, но он выпал из организма и, разумеется, никакого права на название Uriah Heep иметь не мог. Потому он сколотил вначале группу под названием Rough Diamond, затем выпустил два сольных альбома просто под своим именем, и четвертый – последний – релиз под маркой The Byron Band. Всё это так… Но Бокс-то никуда не уходил, а наоборот остался!
Говорят, что «группа URIAH HEEP уже давно не существовала как физически, так и фактически». – Да, возможно, что организм был разрушен. Но Бокс-то как раз и вознамерился его восстановить! Возможно, не примкни к нему еще кто-то из былого состава, тогда и не было бы нового Хип, и название – к радости почитателей Хенсли – было бы изъято из дальнейшего использования. Но тут явился Ли Керслейк… а затем и Тревор Болдер вернулся… А вообще – насчет названия – Бокс имел на него полное право – и ни перед кем не обязан в этом отчитываться. В самом деле: какие – и главное, у кого?! – могут тут быть претензии?…
И возвращаясь к «Абоминогу»… Интересно, что коммерчески он стал одним из самых успешных альбомов Хип, особенно в США. Говорят, что шибко понравился Оззи, а также таким рокерам как Дуги Уайт и Джон Уэст из Royal Hunt. Впрочем, относительно двух последних ничего удивительного нет, если учесть, что Дуги, известный своим участием в последней инкарнации Rainbow и альбомах зрелого Малмстина, по возрасту принадлежит в аккурат к средоточию стиля хард-н-хеви (род. в 1960 г.), а Джон Уэст – так тот вообще 1975 г. р. Другое поколение – другое приоритеты.   
В этом смысле очень меня повеселил комментарий некоего Ромы: «Мне кажется этот и два последующих альбома – самое лучшее, что написали Хипы. Очень хороший голос у Питера Голби, даже лучше чем у Байрона. По мне так всё что до этого альбома – отстой полнейший. Зачем там вообще этот Хенсли? Что он такого написал? Правильно, что ушёл. ИМХО». – С одной стороны смешно, конечно, но с другой… просто этот Рома принадлежит к другому поколению, и ему до лампочки все авторитеты прошлого.
А вот слова не мальчика, но мужа: «Когда Абоминог только вышел, то у меня он вызвал чувство недоумения… Я его слушал вдоль и поперёк… и понимал, что я не слышу Юрай Хип… не слышу свою любимую группу..! Хоть убей… дрянь какая-то и всё тут… Кассета полетела в огонь, а само название альбома было забыто на долгие годы… Да ещё и противная морда какого-то монстра, которая никак не увязывалась с предыдущим дизайном хиповских пластинок… Но с годами вкус к музыке меняется… и сейчас, переслушав альбом, я прихожу к выводу, что он просто великолепный! да-да, великолепный!!! Конечно, в этой музыке нет ничего общего с UH в нашем привычном представлении… Ну так что? группа выдала прекрасную работу уже в другом стиле… и не надо сравнивать Абоминог с ранними работами… этот альбом образец крепкого профессионального хард-рока с хорошим мелодизмом, а Питер Голби отличный вокалист!» 
И ещё – с того же форума: «Слушаю UH почти 20 лет – и всё альбомы 70-х годов, т. к. "знатоки" уверяли, что без Байрона "Хип" уже не тот, а без Хенсли вообще слушать нечего. Но недавно полюбопытствовал, что же всё-таки они натворили без Кена. Заслушал Abominog и Sonic Origami – чтобы иметь представление об их музыке в 80-е и 90-е, и воскликнул: "Врёте, старые пердуны, всё-таки у этих парней есть яйца!!!" По крайней мере, были на момент записи этих альбомов. Так что буду ещё не раз переслушивать и кайфовать».

Олег Качмарский,
2015, март-апрель
;