Итак, мы говорили с вами о том, что изучение основ дизайна всё более из области узкопрофессионального образования переходит в область воспитания общекультурного, даже становится обязательным минимумом успешного человека, подобно знанию второго языка.
Есть, однако, некоторые трудности перехода. Трудности переходного периода. Одна из них напрямую связана с темой второго нашего семинара - "Цветовая композиция".
Когда образование является узкопрофильным, профессиональным, то создаётся некоторая каста, грибница, элита профессии. Это люди, говорящие на одном языке, использующие одни и те же шифры для понимания друг друга. Закономерности, например закономерности восприятия, обзываются законами, а умение следовать оным или осознанно их нарушать становится признаком принадлежности касты. Как следствие, теряется изначальный смысл, те вопросы, в поисках ответов на которые и открывались эти закономерности.
Зачем будущему профессиональному дизайнеру знать законы композиции? Чтобы поступить в высшее, чтобы сдать 10-12 сессий подряд, чтобы профессиональные критики (получившие те же теоретические знания) благосклонно оценивали его труд впоследствии. Выходит, что для совершенно внутренних разборок.
При этом популяризаторы искусства, когда пишут учебные материалы "для чайников", зачастую просто адаптируют внутрипрофессиональные теории, пересказывая их языком попроще, на самых очевидных примерах, не беря в расчёт некоторые сложные исключения. Примерно такая литература и наводняет полки книжных магазинов в переходный период.Теряется само понимание изобразительной реальности, что даёт основание для всевозможных #я_так_вижу и #на_вкус_и_цвет.
ЗАЧЕМ ОСОЗНАННО ВЫСТРАИВАТЬ КОМПОЗИЦИЮ ЛИСТА?
Обычно пишут что-то вроде: "Для того, чтобы композиция была уравновешена. Потому что есть законы восприятия, которым надо следовать". То есть вместо ответа на вопрос, озвучивают целый ряд вопросов последующих, о балансе, о цветовосприятии, то, что и составит мясо обучения.
Для будущих профессионалов дело обстоит следующим образом. Хорошая профессиональная школа построена на принципах формализма. Учителя не много внимания уделяют содержательной части произведений (если только не крамольные картинки рисовать). Вся программа обучения построена на том, чтобы учитель внимательно следил и анализировал то, что в реальных полевых условиях должно оставаться за пределами осознанного восприятия зрителем. Учителя концентрируются на том, как ты скомпоновал, а не на том, кого ты изобразил и в каком образе. Следовательно, осознанная композиция - это тот язык, на котором ты шесть лет общаешься со своим наставником, это основа вашей коммуникации. В голове у наставника ровно такая же школа. Как следствие - о потенциальном зрителе чаще всего вспоминают только мельком: мол, он-де на подсознательном уровне всё это считывает, что мы тут проговариваем вслух.
Не-а, большую часть не считывает даже подсознательно. По сути, для обыкновенного зрителя есть только три типа композиции:
- Явно и намеренно разбалансированная. Когда зритель видит те усилия, приложенные художником, чтобы попытаться вывести его (зрителя) из равновесия. Тут он, пожалуй, может задуматься: "А не является ли сама композиция, наравне с содержанием, некоторым высказыванием, посланием?" - если задумался - молодец.
- Намеренно статичная. Слишком явная центровка, симметричность, фронтальные ракурсы, "руки по швам". На самом деле - очень интересный тип композиции, поскольку настраивает зрителя на восприятие знака, типа. Ты, как бы показываешь картинку из некоего методического пособия: вот объект изучения, он примечателен тем, что...
- Как-бы естественная. Это именно тот тип, которому учат в самом начале профессионала, и на котором останавливается чаще всего обучение поверхностное, общеобразовательное. Он-то и называется "гармоничной, сбалансированной композицией". Нужна она ровно тогда, когда самое содержание изображение несёт послание, а не формальные приёмы. Гармония - это комфорт. Комфорт - это то, что перестаёшь замечать. Особенную форму кресла осознаёшь только тогда, когда на нём не удобно сидеть, слегка развалившись, естественно и ассиметрично. Если кресло не вызывает неудобства от явной своей кривизны или необходимости вытягиваться по струнке, мы через пять минут забываем о его существовании и можем полностью переключить своё внимание на то, что показывает нам телевизор.
Итак, ответ очень прост: сбалансированная композиция нужна только там и тогда, где и когда весь смысл мы помещаем в содержание изображения, в образы, в сюжетное и эмоциональное наполнение.
Самый простой пример - поэзия. Чем естественней и неприхотливей ритм стиха, чем менее виртуозны и вызывающи рифмы, чем менее незнакомых и редких слов, тем более воспринимается сам смысл, содержание.
КАКИМИ ПРИЕМАМИ МОЖНО УРАВНОВЕСИТЬ КОМПОЗИЦИЮ
В учебной литературе вы найдёте огромное количество закономерностей, названных законами, восприятия. На основе этих закономерностей давно выработаны некоторые приёмы компоновки:
Где и как расположить в листе самое контрастное пятно? В какой части листа располагать более тяжелые цвета? Как визуально уравновешивать большие цветовые массы малыми? Где располагается визуальный центр листа, отличный от геометрического центра? В каком соотношении между собой должны быть цветовые массы?
Ответы на эти вопросы вы найдёте в любом хорошем учебнике по композиции. Обычно их еще сопровождают понятными всем аналогиями: мол, как аксессуар должен малым пятном поддерживать самый сильный цвет костюма, так же и в листе... Или, например, утверждение, что синий цвет в нижней части листа воспринимается тяжелее, а в верхней - легче. Иногда это начинают подкреплять некоторыми псевдоантропологическими теориями: мол, синий внизу вызывает ассоциации с морем, водой, а наверху - с небом.
Аргументация в цветовых теориях вообще страдает. Нарисуйте в верхней части листа голубое облако, а на другом листе такую же голубую гирю: что воспринимается тяжелее? А, если человек никогда в жизни не видел гирю, не знает, что это такое?
Тем не менее, большинство этих правил вполне употребимы и могут быть использованы, как схемы. Например, нахождение БОЛЬШОЙ, СРЕДНЕЙ и МАЛОЙ цветовой массы, уравновешивание направлений цвета перпендикулярами и прочие "фишки".
Вот только, если (особенно в начале пути) пытаться соответствовать все правилам сразу - мозг может закипеть. Следует определить, на чём держится в конкретном случае наша композиция: кто главный её герой. Если это сильные контрасты, следует именно контрастное пятно усадить в самую комфортную позицию, избегая пограничных, крайних, неестественных положений. Если контраст малый, цвета сближены, на первый план выступают массы и их равновесие. Если в листе ярко выражены направления цветовых пятен, уделите внимание именно уравновешиванию всех диагоналей, а всё остальное - только постольку, поскольку, не тратя много сил и мыслей.
Но самый главный прием не является техническим. У профессионалов он воспитывается сам собой, в процессе обучения, ежедневного рисования и постоянного общения с наставником. Всем же остальным следует в первую очередь сосредоточиться именно на воспитании этого качества самостоятельно и осознанно. Это умение увидеть проделанную работу, как бы в первый раз.
Одно интересное исследование психологов доказывает, что из двух равно плохо нарисованных картинок (или равно хорошо нарисованных) человек выбирает ту, в которую он вложил больше труда, души, себя. Поэтому автор по умолчанию чувствует себя комфортно внутри своего творения, не замечает неудобства, дисгармонии, считывает все внутренние знаки, им же и заложенные. Практически бесполезно учить композиции, пока не добьешься от ученика умения абстрагироваться, обезличиться на время восприятия проделанной работы. Без этого всякое обучения дизайну превращается в обычную дрессуру: когда собачка встаёт на задние лапы только для того, чтобы получить конфетку, не понимаю ни смысла, ни значения этого действия.
"Есть вот такие приемы, им следуйте - и точка. Ага, покажите свою работу... Вот, видите, здесь не соответствует правилу #45... - плохо"
Когда мы учим детей дизайну, менее всего следует стараться воспитать 10-12 дрессированных собачек. Ученики должны вырасти осознанно понимающими визуальную реальность и заложенные в ней закономерности. Дизайнер - это, прежде всего, #человек_видящий.