Что такое искусство?
Нетта Юткевич ©
Fantasy, abandoned by reason, produces impossible monsters; united with it, she is the mother of the arts and the origin of marvels. \Francisco de Goya\
В девяностых годах мне довелось проживать в Америке. Однажды по телевизору промелькнула история про чудо-слона из зоопарка Сан Диего. Перед слоном устанавливался мольберт с холстом и ведра с красками. Слон, зажав кисточку в хоботе, обмакивал ее в краску и лихо возил по холсту. Его работы продавались по 1000 долларов.
Слон не единственный гениальный представитель фауны и флоры . В 50-ых годах прославился шимпанзе по имени Конго, поклонником которого являлся сам Пикассо, поразивший публику мастерством своих работ. И Слон и Конго, само собой разумеется, писали в стиле абстракционизма. Не секунды не сомневаюсь, что в саваннах и джунглях Африки проживают многие другие чудо звери, еще не открытые.
Я лично знакома со многими художниками человеческого происхождения, не менее талантливыми, чем слон, или обезьяна по имени Конго, которым не всегда удавалось достигнуть подобного успеха.
После передачи про слона меня снова стали атаковать вопросами: - какова художественная ценность работ слона и есть ли такова, являются ли они искусством? Как понимать современную живопись? Как оценить то или иное произведение, и что является искусством, вообще?
К атакам подобного рода я давно привыкла. Это происходит постоянно, стоит кому-либо узнать, что я художница. Обычно я объясняю, что современную живопись нужно воспринимать в контексте времени, эстетической философии художника, его артистического кредо изложенного, обычно, в манифесте.
Как правило, я говорю про дадаизм, супрематизм, конструктивизм и еще несколько «измов». Используя слова латинского происхождения, убеждаю своего собеседника, что он дилетант и невежда в области авангарда. Таким образом, вношу свою лепту в распространение мифа об элитарности модернизма и недоступности его широким массам. Сама я мало верю тому, что говорю, и с каждым годом убедить себя становится все сложнее.
Что такое искусство в является темой бурных дискуссий в среде художников и их окружения. Как то: является ли искусством испражнения в консервной банке итальянского художника Мацони? С одной стороны - нет. С другой стороны эти «шедевры» приобрели престижные музеи мира.
А. Вархол утверждал, что «искусство – это делание денег», в дословном переводе с английского.
Недавно я столкнулась со своей старой знакомой, обладательницей доктората в искусствоведении. Она сообщила мне, цитируя, если не ошибаюсь, одного из руководителей Тель-авивского музея, что «искусство это, то, что выставляется в галереях, музеях и других публичных местах».
Подобных изречений можно найти не мало. Тем не менее, «делание денег» называется бизнесом, а не искусством.
Кроме того, в наше время можно арендовать галереи, выставочные залы, театральные холлы и другие помещения под любой вернисаж. Поэтому, как и где выставляется работа ничего не говорит о ее художественной ценности.
Это положение верно также по поводу других видов искусства. Сегодня за небольшую плату можно издать любой роман, выпустить музыкальный диск, поставить спектакль и даже снять фильм, (в зависимости от финансов, которыми располагает автор).
С помощью хорошо спланированного маркетинга и ПиАр - «PR», можно создать автору имя и обеспечить коммерческий успех. Так что цена работы также не определяет ее ценность.
Так как же судить? Каким комментариям каких критиков верить? Каковы критерии в оценке художественного произведения? Как отличить подлинное искусство от дешевой претензии на него? И, вообще, что такое искусство?
Искусство это способ выражения мировоззрения автора, его идей, переживаний, впечатлений, эмоционального состояния, взглядов на те или иные события или явления с помощью творческого метода, технике и средствами свойственного тому или другому виду искусства.
Средства.
Разумеется, каждому виду творчества свойственны свои средства, материалы и инструменты, с помощью которых скульптор ваяет, музыкант играет, художник пишет и поэт сочиняет стихи.
Нет особого смысла останавливаться на этой теме и перечислять все то, что служит автору для созидания своих произведений. В живописи это краски, кисточки, растворители, лаки, холсты, грунтовки и многое другое, что принято называть английским словом “media”.
Техника - Мастерство.
Один из важных критериев в оценке художественного произведения является мастерство исполнения.
В мире проходят конкурса на лучшего пианиста, скрипача, вокалиста, танцора и т.д. Жюри определяет победителя, прежде всего по виртуозности его исполнения.
Мастерство, то как художник, скульптор владеет техникой, не менее важно и в изобразительном искусстве.
Однажды спросили у Дали: - Как отличить настоящего художника от шарлатана?
Дали, ответил: – Поставьте перед ним лошадь. Тот, кто сумеет ее зарисовать, тот и является настоящим художником. (За достоверность этого предания не отвечаю).
Техника это и есть умение написать лошадь, существующую в пространстве, на плоской поверхности – бумаге, холсте, доске; передать сходство, грацию и силу этого животного. И не нужно пренебрегать лошадью. Леонардо да Винчи посвятил ей множество эскизов, Рубенс держал специального мастера для написания лошадиных крупов.
(В отличие от Дали, заодно Леонардо и Рубенса, известный художник современности Джаспер Джонс, работа которого - «Американский флаг», была приобретена IBM за 17 миллионов долларов, утверждает, что ничего с натуры написать не может и когда ему нужно он копирует рисунки других художников. Согласно Дали, Джаспер Джонс не художник).
Для того чтобы преуспеть в мастерстве живописи необходимо знать теорию цветов; законы композиции, частью которой являются понятие о золотом сечение. Нужно уметь смешивать краски механически, или оптически. Владеть законами перспективы. Желательно ознакомиться с технологией производства красок, пигментов, растворителей, лаков и других материалов, которые обширно используются в живописи. Представители классической школы считают, что знание анатомии является необходимым условием в образовании художника или скульптора.
Следует отметить, что великие мастера эпохи Возрождения анатомию не изучали. Хотя церковь позволяла художникам присутствовать при вскрытиях тел казненных преступников, подобные занятия не поощрялись.
Леонардо да Винчи под покровом ночи торопился в анатомический театр, потому что анатомия интересовала его как наука, а не в целях живописи.
До 20-ого столетия критика искусствоведов сводилась к оценке мастерства художника. Особое внимание отводилось теме работы и интерпретации автора известного мифа или библейского сказания. Характер образов, анатомическая верность, историческая правдоподобность являлись первостепенными критериями в оценке той или иной картины или скульптуры.
Искусствоведов всегда занимало, кто позировал художнику, хотя лично я, как художница, до сих пор не могу понять какое это имеет значение. Художникам не всегда нужна модель, если это не заказ на портрет конкретного лица. К счастью, Рафаэль сам сознался, что никогда не встречал женщину, которая послужила бы ему прообразом его мадонн. Они плод его воображения. Леонардо да Винчи, писавший Мону Лизу 6-7 лет, вряд ли возил за собой натурщицу.
В 20-ом веке распространилось мнение, что изобретение фотографии уничтожило необходимость в реалистической живописи и в тех технических навыках, которые накапливались веками от Пьеро делла Франческа до Ван Дейка и Рубенса. Действительно, что должен был знать или уметь Дюшамп, чтобы выставить писсуар под названием «Фонтан», как очередной шедевр?
Все же, не думаю, что фотография оказала такое пагубное влияния на классическую живопись, и это утверждение сильно преувеличенно. Первые фотографии маленькие и нечеткие не могли сравниться с большими, красочными полотнами Делакруа и Энгра, которые создавались приблизительно в тот же период времени, когда появилась фотография. Наоборот, фотография никак не помешала Энгру получать заказы на портреты от сильных мира сего. Это несколько упрощенный взгляд на вещи.
Скорее всего, классическая живопись на тот момент себя исчерпала, достигнув вершин мастерства. Художникам пришлось искать новые пути самовыражения. Кроме того, социальные факторы сыграли более значительную роль, чем предполагается. Развитие науки и техники, Эйнштейн и Фрейд повлияли куда больше на художников, чем что-либо другое. Кубизму приписывали его возникновение под влиянием теории относительности, как попытка отразить четвертое измерение. Сюрреализм отражал влияние новых теорий в области психологии.
Несомненно, модернизм безгранично обогатил изобразительное искусство. Модернизм переставил акценты, Если классическая живопись являлась иллюстрацией библейских историй, мифов, легенд, то модернизм выражал идею, концепцию. Модернизм развил и расширил творческие методы. Он сделал труд художника, скульптора более интеллектуальным.
Тем не менее, в последние десятилетия явно намечается тенденция возврата к реализму, к академической живописи. В ведущих галереях крупных городов мира все чаще можно увидеть такие стили как гиперреализм, или фото натурализм.
В Нью-Йорке я столкнулась с группой художников, которые пытались изучать технику, сочетающую яичную темперу с многослойной живописью. Этой техникой последним пользовался Рубенс.
Так что мастерство, вне зависимости от мимолетных увлечений и модных тенденций, всегда будет одним из основных слагающих того, что мы называем искусство. Профессор философии М. Бринкер сказал, что «как» не менее важно, чем «что», и, пожалуй, это «как» превосходит по значимости «что».
(Не сомневаюсь, что в определенных видах искусства, в опере, например, это так. Я не лью слез, когда убивают Кармен, душат Дездемону или замуровывают живьем Аиду. В конечном счете, независимо от того, кого из героев хоронят в последних аккордах, я выхожу из театра в приподнятом настроении, восхищенная искусством вокала).
Тем не менее, в изобразительном искусстве, «что» - тема, является сутью работы. Мастерство же должно соответствовать общей идее произведения.
Творческий метод.
Творческим методом или языком называются особые приемы, которыми пользуется автор при создании своего произведения.
Этот язык досконально изучен и систематизирован в музыке, в литературе, балете, опере, драме, и особенно в поэзии. Уже в школе дети изучают, что такое рифма, ритм, ямб, хорей, анапест, аллитерация, метафора, сравнение, гипербола, аллегория, и т.д. – (целый словарь специальных терминов), что позволяет анализировать и понимать поэзию более досконально.
Не так обстоят дела в изобразительном искусстве. Современные критики больше заняты толкованием произведения или стиля. Например: несколько хаотично разбросанных по холсту зеленых квадратов служат искусствоведу для следующей фразы: «вибрирующий синтез света в оптическом пространстве ...».
Критики служат посредниками между произведением и зрителем, которому сложно разобраться самостоятельно. Картина или скульптура, лишенная конкретных форм и образов, выполненная более абстрактно, позволяет интерпретировать ее более свободно. Обойтись без помощи доктора наук, который объяснит связь, или скорее ее отсутствие, между идеей художника и происходящим на холсте, (в пространстве), просто, невозможно. В подобных обозрениях чем больше латинских слов, не связанных когнитивно, типа: синтез, симбиоз, симуляция, сублимация, семантика, семиотика и т.д., тем сильнее впечатление интеллектуальной изощренности работы, художника, а также искусствоведа....
Тем не менее, в живописи и скульптуре пользуются теми же традиционными методами - метафорой, например.
1. Метафора.
Известный словарь Webster так толкует понятие «метафора» так: качества придаваемые предметам или событиям, как правило, им не свойственные.
Метафора широко распространенна в поэзии. С ее помощью автор создает поэтические образы, которые, в сущности, являются основой поэзии. Несколько примеров из Т. Элиота: «апатия сломанных копий», «замерзшее молчание» или «рубашки сотканы из пламени» и т.д.
Живопись импрессионистов - Моне, Гогена, Сера, метафорична в своей основе. Зрителю представлен мир через восприятие художника, не таковым, каким он есть на самом деле.
Метафора в живописи создается с помощью изменения цвета, формы и функции объекта. Характерным примером можно назвать изогнутые часы Дали, летающие фигуры Шагала, овцы Кадишмана, окрашенные художником во все цвета радуги, что не соответствует действительности.
2. Стилизация.
Художественный прием, именуемый стилизацией, является основным в изобразительном искусстве.
Стилизация – это обработка, изменение - искажение формы объекта определенным образом, упрощение или усложнение определенных качеств данного объекта. Выразительным примером того, что такое стилизация являются рисунки маленьких детей. Круг, точка – точка, запятая – вот и «вышел человечек»
Эпохи, периоды, стили от Древнего Египта и Византии до кубизма отличаются друг от друга способом «искажения» знакомых нам форм. Характерный профиль древних египтян невозможно перепутать с вытянутыми ликами византийских святых.
Стилизация широко использовалась художниками 20-ого века. Ее применяли и Пикассо, и Шагал, и Модильяни, и Джакометти, и Ботеро и много других – практически большинство известных и не очень известных художников- модернистов. Оригинальность, новизна такой стилизации во многом определяет достоинства того или иного художника, скульптора.
Стилизация распространенна также в графике, дизайне, архитектуре и других областях прикладного искусства.
3. Абстракция.
Согласно словарю Webster абстракция – это отсутствие конкретных форм.
В живописи это способ передать необходимые художнику пейзаж или сцену, избегая детального изображения.
Любой художник, который когда-либо писал природу, знает, что невозможно изобразить каждую ветку, листок, изгиб волны, следы на песке. Специальные эффекты, а иногда инструменты, (например: кисточка–веер), которыми пользуется художник, для того чтобы создать нужное ему впечатление и есть абстракция, (не путать со стилем, который называется абстракционизм).
В знаменитых «Прудах с кувшинками» Моне не выписан ни один лепесток этого цветка – так пятна, штрихи. Это и есть та абстракция, без которой не обойтись художнику, в каком бы стиле он не писал, (кроме фотонатурализма и гиперреализма).
Выше перечислено несколько основных приёмов, применяемых в изобразительном искусстве – достаточно для того, чтобы посмотреть на произведение другими глазами. Безусловно, художники пользуются и другими методами. Некоторым из них лишь предстоит быть изученными и классифицированными, потому что до сегодняшнего дня никто этим серьезно не занимался.
Новаторство.
20-ый век определил новые критерии в изобразительном искусстве. Кроме того, что модернизм сделал серьезную попытку интеллектуализировать живопись и скульптуру, он предал особую ценность новаторству идей художника. Художники, сумевшие найти свой уникальный стиль, или более того утвердить его как модное течение, как Пикассо - кубизм, Дали - сюрреализм, Кандинский - абстракционизм, Малевич - супрематизм, Анди Вархол - поп-арт, занимают особое место в истории искусства. Способность стать законодателем в живописи или скульптуре, где есть свои модные тенденции, придает особую ценность работам, а их авторам открывает дорогу к славе, признанию, богатству.
(К сожалению, это узаконило некое надувательство публики, шарлатанство, когда провокация, скандал, нарушения общепринятых правил поведения выдается за новаторство и оригинальность, как, например, пресловутые консервные банки с испражнениями художника).
Эстетика.
Эстетика, в качестве термина в изобразительном искусстве относится к внешнему виду работы её визуальной ценности
Эстетика не является чем-то случайным. Она определяется гармонией формы и цвета. На этом базируются законы композиции, сформировавшиеся в течение веков.
Начиная с эпохи Возрождения математики и художники пытались рассчитать идеальные пропорции. Они уже тогда понимали, что гармония это явление, которое можно рассчитать. Возрос интерес к «золотому сечению», известному с Эвклидовых времен. Кстати, это сечение, (пропорциональное деление отрезка на неравные части, при котором весь отрезок так относится к большей части, как сама большая часть относится к меньшей; или другими словами, меньший отрезок так относится к большему, как больший ко всему), «золотым» назвал Леонардо да Винчи. Оно часто встречается в животном и растительном мире. Также пропорции человеческого тела соответствуют золотому сечению.
Считается, что объект, будь то ракушка, ящерица, или женское лицо, поделенное по принципу золотого сечения, обладает особым, чуть ли не гипнотическим свойством привлекать внимание.
Художник - Пьеро дела Франческа написал две книги, одна из которых является «О перспективе в живописи». Его считают творцом начертательной геометрии. Его ученик, прекрасно понимавший значение науки для искусства, математик Луки Пачули издаёт книгу «Божественная пропорция».
Как результат поисков этой «божественной пропорции» является знаменитый витрувианский человек Леонардо да Винчи, (мужское тело, вписанное в квадрат и круг).
Полагаясь на собственный опыт и наблюдениями за творческими поисками своих коллег, могу сказать, что идеальных пропорций недостаточно, чтобы придать работе «гипнотические» свойства. Цветовое и световое решение не менее важно. Известно, что если цветовая гамма картины верна теории дополнительных цветов, то это произведение становится особенно привлекательным для наших глаз, чем пользовались импрессионисты. Также контрасты между светом и тенью имеют завораживающий эффект. Работы Караваджо и Рембрандта подтверждают это.
И, тем не менее, никто точно не знает как «приворожить зрителя». Очевидно, формулы идеальных пропорций и секреты цветовых сочетаний пока еще не разгаданы учеными.
Некоторым из нас, одиночкам, это дано свыше – некое чувство прекрасного, которое водит рукой мастера. Какие расчеты могли подсказать Микеланджело, сколько и где мрамора стесать, чтобы получился Давид? Только внутреннее чувство, которое и есть гениальность.
Художники времен Ренессанса руководились философией Платона, которая утверждает, что прекрасное олицетворяет божественность. В последствие такой подход стал на долгие годы основным кредо в живописи.
Модернизм, который по сути своей является бунтом против классической живописи, против красоты, заклейменной «безвкусицей и китчем», на самом деле ничего не изменил. И кубизм, и абстракционизм подчиняются тем же законам композиции.
Оглядываясь назад на шедевры искусства созданные Микеланджело, Тицианом, Караваджо, Рубенсом, Рембрандтом, Вермером, Роденом, Пикассо, Дали и т.д. легко определить, что общее между ними это, захватывающее дух, прекрасное.
Не нужно искать чего-то необычного в конкретном образе, будь-то Мона Лиза, Флора Рембрандта или Елена Рубенса. Ощущение прекрасного создается всем произведением – его цветовым и световым решениями, его композицией, задним планом, техническим мастерством художника . Загадочность улыбки Моны Лизы, не только в выражении лица, но и в пейзаже на фоне.
Мы воспринимаем произведение, прежде всего, визуально, как, в принципе, окружающий мир вообще. Картина воспроизводит действительность, неважно в каком стиле она исполнена. Даже если работа создана в стиле экспрессивного абстракционизма в духе Д. Поллака. В конце концов, и в природе можно найти случайное сочетание цветовых пятен, радующее глаз, завораживающие: рисунок на мраморе, переливающиеся блики опала, масляные пятна на асфальте и т.д.
Достаточно мимолетного взгляда чтобы определить нравится ли нам закат над морем, или поле, поросшее маками. Точно так же с изображением на холсте. Если первое впечатление нам ни о чем не говорит, если нам не хочется задержать взгляд, затаив дыхание; застыть перед полотном; мы пройдем мимо, не заметив те великие мысли, которыми она пронизана.
К этому заключению я пришла, наблюдая и опрашивая близких и знакомых, коллег и учеников. Может быть моё неофициальное исследование не очень убедительно.
Тем не менее, прежде всего живопись, скульптура, графика, дизайн должны доставлять эстетическое удовольствие. Это условие их существования.
Идея.
Как было сказано выше – искусство это способ самовыражения. То, что заставляет создателя писать, рисовать, сочинять это потребность поделиться с публикой своими переживаниями, впечатлениями, мыслями, и т.д. Безусловно, существуют и другие мотивы – жажда славы, успеха, благосостояния. Но только одного этого не достаточно. Что-то другое - образы, которые преследуют тебя; звуки, которые не дают спать по ночам; видения, просящиеся на холст, толкают человека созидать.
Известная певица Мадонна, олицетворение поп-культуры, как-то в интервью сказала, что она не бог весть, какая певица, что она не обладает дивным голосом, и что её заставляет сочинять и исполнять свои песни – это желание поделиться с обществом своими взглядами, (о взглядах судачить не будем).
Другими словами донести до публики определенную идею.
Идея, концепция являются сутью искусства, его предназначением.
Качественные свойства этой идеи – универсальность, актуальность, философская глубина, оригинальность определяют художественный уровень произведения. Именно в этом состоит величие романов Достоевского, Толстого и Бальзака, Маркеса и Миллера и других.
Иногда концепция произведения носит более обобщенный характер, как в «Ромео и Джульетте» - триумф любви над всеми невзгодами жизни, включая смерть, или более специфический характер как в романе Умберто Эко «Имя розы», в котором автор утверждает, что просвещение не остановить никаким силам мракобесия.
В изобразительном искусстве, как правило, идея, эстетическая философия чаще всего присуща целому периоду или стилю, чем отдельной работе определенного мастера. Тем не мене, конкретное произведение может нести в себе определенную идею, как «Герника» Пикассо. Работам Дали и Магрета, выполненным в стиле сюрреализма, свойственны каждой своя индивидуальная концепция.
Искусство – литература, поэзия, живопись, скульптура, драма, кино и т.д. проповедует моральные ценности - гуманность, справедливость, равенство, терпение к другим, мир между народами. Искусство восхваляет добро и порицает зло. Таким образом, оно формирует моральные ценности общества, в котором мы живем.
Те функции, которые приписываются религии, выполняют литература и кино, живопись и поэзия. (Мое поколение, родившееся и выросшее в коммунистической России, что такое «хорошо» и что такое «плохо» в детстве учились по Маяковскому, Чуковскому, Маршаку).
Зачастую и сами авторы становятся проповедниками передового мировоззрения. Это особенно ощутимо в условиях тоталитарных режимов, как, например, в коммунистической России. Во времена диктатуры Сталина неугодных писателей и поэтов, просто, казнили. В числе жертв великие поэты, писатели, художники, музыканты, такие как Бабель и Мандельштам. Работы крамольных художников типа Малевича и Филонова сжигали.
Но и после смерти тирана людей творчества преследовали и изгоняли из страны, как например Солженицына и Бродского - оба лауреаты Нобелевской премии в области литературы.
В Израиле творческая элита находится так в называемом «левом лагере», в лагере борцов за мирное соглашение с соседями - арабами. Это писатели Меир Шалев, А.Б. Ешуа, Амос Оз, Гинсбург, художники – Гершони, Лифшиц и другие. Они проповедую гуманные идеи по отношению разных аспектов израильской жизни, зачастую отличные от официальной политики страны. Но это тема для другой статьи - «Власть и художник».
Идея произведения определяет разницу между искусством и развлечением. Существуют многие формы сходные с искусством, цель которых развлечь публику, насмешить-порадовать, начиная от цирка и кончая грандиозными представлениями Лас-Вегаса. Кстати, голливудское кино называет себя entertainment industry, то есть: индустрией развлечения. Хотя следует признать, что грань между искусством и развлечением очень тонка.
Продолжает развиваться прикладное искусство. С появлением компьютера появился компьютерная графика, расширились возможности разных видов дизайна от архитектурных проектов до дизайна текстиля.
В изобразительном искусстве появились много декоративных полотен, цель которых украсить помещение. Зачастую их производят сами дизайнеры интерьеров. Художественной ценности в этих работах нет, тем не менее они украшают жилое помещение, офис, зал. Их задача украсить, с чем они неплохо справляются.
Настоящее искусство отличается интеллектуальной глубиной и высокой моралью. Оно способствует демократизации, гумманизации и просвещению общества, и, поэтому играет важную роль в социальном прогрессе.
Искусство – это совесть цивилизации.