8. Эрмитаж - уединение. От лат. ermita - отшель

 
            Хорошо, что пришли пораньше - не так много народу будет в Эрмитаже, это всё-таки по-латыни значит «уединение». Все собрались? Пройдём на третий этаж - посмотрим, что нам не удалось глянуть в прошлый раз.
            Быстро пробежим мимо ярких картин, скажем так, начального импрессионизма и  задержимся в зале, стоящего  особняком,  талантливого и, по-особенному, светлого художника - Огюста Ренуара.
            Если, до появления его работ художникам нового направления, удавалось успешно работать, лишь в пейзаже, Ренуар оставил замечательные портреты, не всегда, правда, следуя принципам «чистого» импрессионизма. 
            Вот его «Ребенок с кнутиком»: остановленная мастером на долю секунды и оставшаяся на века милая живая, девочка. При этом она написана чистыми не смешанными красками, но лицо (и туфельки) обрисовано ясными линиями. Остальное - дорожка с солнечными зайчиками и цветочная клумба - импрессионизм!
           Можем считать, что именно с него началось новое направление развития живописи, названного мудрыми критиками «постимпрессионизм». А что у него  получилось? Взяв от импрессионистов яркие краски и свет, Ренуар работал (хотя и не всегда), более четким рисунком контура.
           Ясное дело, что заказчик хотел видеть на холсте себя, а не изыскания художника в поисках выразительности, хотя были, и исключения.
            Готовый портрет актрисы Жанны Самари и эскизы к нему сильно разнятся! Она, как видим, не была очень уж  и   красива, но   очаровательна как парижская рыжая девчонка. Жаль, что этих эскизов в Эрмитаже нет - я их  «подзанял» для вас:  верхний в московском музее им. Пушкина, нижний  - из Франции, он хранится в театре Комеди Франсез, где когда-то играла Жанна…
           Но эти эскизы гораздо лучше передают, и озорство, и обаяние, и непосредственность, и, чудесным образом, некоторую робость ещё совсем молодой актрисы, перед уже маститым тогда, маэстро. Хотя, портрет в его окончательном виде ближе к «парадным» - тут и дорогие аксессуары и наряд, и аккуратная причёска, и роскошный ковёр...
          А где очарование и веснушки, где
лёгкость и свежести эскиза? Портрет, как говорят художники, «засушен». Но, может быть, таким было пожелание самой Жанны? Ей, начинающей актрисе, нужна была именно респектабельность.
           Есть в этих залах очень необычная для Ренуара работа: заказной  парный портрет книгоиздателя Жоржа Шепардье и его жены Маргарет. Портреты симметричны:  оба стоят  у кованых перил на лестнице их роскошного особняка. Вроде проходной заказ, «для денег», но как ярко изображены эти ничем внешне не выдающиеся господа.
Не надоел Ренуар? Тогда ещё три его работы. Это портрет женщины, сохранилось только её имя - Анна, и эскиз к нему…  Эскиз  в Эрмитаже,  портрет в Москве. Я  думаю, что одно из лучших изображений женского тела.
            Сравните - здесь  портрет, что «в полный рост», не  «засушен» - он также нежен и, как и эскиз. Тающие белые и розовые тона передают, кажется вибрацию воздуха вокруг модели.   А голубоватые рефлексы, от обивки кресла и сброшенного платья,  на  женском теле  контрастны и   необычны!
Чётко прорисованы, пожалуй, только глаза. И - движение - совсем не вымученные позы академических «ню». Живые, тёплые  девчонки!
          Пока идём в следующий зал, расскажу, почему так оказалось, что приобретённые одними и теми же русскими купцами, они после 1917 года попали в разные, не только музеи, но и города. Да… Сначала все картины и скульптуры отобрали у владельцев и поместили в музей нового западного искусства, а потом просто раздали по музеям, как в детской считалке - тебе, мне, ему…
Хорошо ещё, что не распродали по всему миру.
         Сейчас мы пропустим «восточно-японских фотоапаратчиков» и посмотрим на ещё на один портрет-эскиз – «Девушка с веером».
Её зовут Альфонсина Фурнез, она дочь владельца любимого художниками ресторанчика «Лягушатник». Ренуар не ставит, как всегда, никаких композиционных или иных задач, просто показывает нам обаяние её юности, здоровья и удовольствия от свежести открывшегося ей мира. Что ещё… Контраст излюбленных художником нежных розоватых и голубых тонов на лице и веере с жёлтым фоном с резким карминно-красным контуром спинки кресла.
         Есть в этих залах странная картина, без сюжета, как вырванный из потока жизни кадр: парижскую площадь Согласия переходят двое мужчин, один в чёрном, другой в сером сюртуке. С ними дочери,  одетые в одинаковые форменные пальтишки какой-то гимназии и собака-гончая. Мужчина в сером стремительно уходит вправо, а другой, в чёрном, задержался на самом краю. Девочки и собака явно заинтересовались чем-то с левой стороны, за пределами изображения.
        У этой картины несчастливая судьба, но с хорошим концом. Картина поступила в аварийном состоянии и побывала на реставрации, причём в процессе  выяснилось, что новый хозяин варварски подвернул левую часть холста, и господин в черном почти исчез…
        Картина совершенно необычна и для её автора - французского художника Эдгара Дега. Он из зажиточной старинной аристократической семьи  и не нуждался в деньгах. Настоящая его фамилия - де Га (De Gas), но позже он стал писать фамилию на простонародный лад, присоединив дворянскую частицу «де» к фамилии Га.
Ему пророчили блестящую карьеру юриста, но он предпочёл живопись и малую скульптуру. С юности, был поклонником выдающегося мастера классической академической школы Николя Пуссена и подражал ему в произведениях на историко-героические темы.
        Всё перевернула встреча с Эдуардом Мане. Эдгар стал убеждённым сторонником импрессионизма, но, как и Ренуар - работал не совсем в этом стиле! Он, как и Ренуар, умел передавать не статическое, академическое, а жизненное, повседневное движение. Много рисовал, в том числе,  и женские фигуры «ню», и балерин, причём,  не столько в красивом театральном действе, сколько в их нелёгком повседневном труде… Часто он работал в труднейшим материале - пастели.
       Но, настоящий  «постимпрессионизм» начался, пожалуй с художника следующего зала - Поля Сезанна. Гляньте на его «Автопортрет»: это, несомненно,  импрессионизм.
       Но… Посмотрите - мазочки уступили место энергичному мазку, не только дающему цветовое впечатление, но и  рисующему форму. Его живопись как бы подвела итоги поискам импрессионизма - они были навсегда закреплены в искусстве. Сезанн так и говорил:  «Я хотел сделать из импрессионизма нечто вечное, подобное музейному искусству». Его темы не движение и не эффектные позы, вырванные из жизни. Он изображает спокойное, но сложное состояние души. Вот семейный портрет - «Девушка у пианино». Всё  просто, но  есть о чём подумать, что представить во взаимоотношениях.
       Пейзаж у него также пронизан не только радостью восприятия импрессионизма, но имеет некоторую смысловую нагрузку. И цвет у Сезанна тоже имеет особый  смысл-символ, причём  господствующим, почти всегда, является синий.
Можем сказать, что это      цвет созерцательного, статичного, твердого состояния, свойственного этому художнику...
       А стремление запечатлеть     самую мимолетность впечатлений, свойственное, Моне,  Сислею,  Писсарро, Сезанну если и оставалось не чуждым, то не было его главной задачей. Его интересовало выявление вечного начала в природе, а человек воспринимался им как часть природы.
      Поставив задачу сделать импрессионизм «устойчивым», он искал собственную дорогу: пытался «строить» основу своих картин как систему простых элементов. «В природе все лепится на основе шара, конуса и цилиндра», - это тоже слова Сезанна.
Так им была «расчищена дорога» новому стилю, позже названному  кубизмом.            Наверное, поэтому ему так удавались натюрморты - ведь им свойственна некоторая схематичность и «устойчивость», да и предметы там представлены подобием простых геометрических фигур.
       Посмотрим теперь на боковую стену  - там величественная «Гора Св.Виктории» - каменная глыба над цветущим Провансом. Помните, как, и Моне, и Писарро, помногу раз писали один и тот же вид в разное время года? Так и  Сезанн, много раз изобразил эту гору…   Мне удалось найти фотографию с той же точки, что и на картине. Не думаю, что за прошедшие 100 лет, она так уж сильно изменилась - сравните сами.   
       Обращу ваше внимание на ещё одного живописца в этом зале,  тоже француза - чиновника таможенной службы Анри Руссо. Он не профессионал: художник-самоучка, талантливый и самобытный человек. Его картины свежи и ярки, а что касается специальных знаний, они тут не так важны, как наивная детская свежесть впечатления и радость изображения.
       Подойдите поближе - рассмотрим  картину «Нападение тигра на быка в тропическом лесу». Тут всё - мечта! И необыкновенные растения, и цветы выше деревьев, и диковинные плоды. Ясно, что сам он никогда в «тропическом лесу» не бывал, но, принимая в тёмных пакгаузах порта пряно пахнущие тропические грузы (как говорилось тогда - «колониальные товары»), конечно, мечтал о ярких и невероятных тех местах и приключениях…
        Но и повседневность он также любовно и старательно рисует: «Вид местности от Ванвских ворот» и « Люксембургский сад - памятник Шопену» сделаны ярко и тщательно. А подписывает этот художник-примитивист свои картины четкой и разборчивой подписью чиновника невысокого ранга...
      Пройдём дальше. В этом зале картины одного их  из наиболее выразительных и трагических мастеров постимпрессионизма - голландского художника Винцента Ван Гога.
        Он также начинал не как профессиональный художник. Всю свою недолгую жизнь он остро, до душевного заболевания, переживал неравенство и несправедливость мира, что нашло отражение картинах, хотя и не прямое…
        Его «Хижины» светло и почти радостно решённые, вообще-то изображают очень старые и не очень уютные жилища бедняков, как будто жмущиеся друг к дружке в поисках тепла и сочувствия. Даже «Куст», созданный в один из самых радостных периодов творчества, запутан и безвыходен. А нарочито яркие, плотные до душного,  краски на полотне «Воспоминание о саде в Эттене (Арльские дамы)», только контрастируют  с  невозможностью наклонившейся женщины (она на заднем плане), придавленной поворотом реки и дороги, распрямится от тяжёлого, ежедневного груза трудов и забот…
          Также не радостны, проходящие сквозь прекрасные цветы Арля,  покидающие холст, поседевшая мать и тёмноволосая дочь. Пожалуй, из всех его картин в этом зале, только «Пейзаж с домом и пахарем» может напомнить о чём-то светлом.
Присядем, переведём дух… В этих залах хорошие широкие обитые красным плюшем скамейки-банкетки. Да… Сложный художник Винцент Ван Гог - не для красы, для  сочувствия простым людям работал. Стремился, прежде всего, выразить свои чувства на холсте и попытаться передать их нам.
         А вот стиль, родоначальником которого он, сам не ведая того, стал, назвали «экспрессионизм» от французского «expression» - выразительность. Любят критики мудрёные импортные слова.
         На некоторое время вернёмся к «лёгким импрессионистам»! Тут есть ещё одна интересная картина, правда с длинным названием - «Вид на церковь Санта Мария дельи Анджели близ Ассизи». Рисовал - Анри Эдмон Кросс. Она висит как раз напротив нашей скамеечки, а зрителей в дождливый и ветреный день в Музее почти нет - картину видно с нашей скамеечки.
         Стиль её письма, скорее разновидность уже хорошо знакомого нам, и надеюсь уже любимого вами, мои друзья, стиля - импрессионизма. Назвали его, опять же на французский манер,  пуантелизм от  «pointillisme» -  точечность.
         Как видите «мазочки» стали совсем отдельными точкам как камешки в мозаике - надо отойти достаточно далеко, чтобы получить  «смешение цвета». А впрочем, можно и не отходить - стиль оригинальный, свежий и декоративный.
          Отдохнули?   Пойдём дальше, увидим  полотна необычные по трактовке изображенного и самому характеру письма - это работы Поля Гогена - он решил стать живописцем лишь в 40 лет, и был самоучкой.
          Он родился в Южной Америке  - в Перу. И прожил там до семилетнего возраста. Яркие впечатления детства, экзотическая природа, национальные костюмы сказались в неуемной жажде путешествий, в тяге к тропикам.
            Лучшие свои произведения он создал на островах Тихого океана, где почти безвыездно провел последние годы жизни. Одной из этих картин  художник дает несколько манерное название «Таитянские пасторали». Это название, как мне кажется, подходит на весь цикл картин. И вдруг мы видим в  грубоватых фигурах, в деталях переднего  плана: тёмном  сосуде, напоминающем древние амфоры, в лежащей рядом рыжей собаке  классически простой и спокойный дух античности.
           Таковы и самая яркая  работа: «Женщина, держащая плод», и тяжелый «Идол». Гоген ищет идиллию детских лет: пытается дать картину прекрасного мира, хотя в «Таитянских пасторалях» есть надуманность. Более сложно полотно «Пирога», тут даже есть некоторое действие, но это  тоже идиллия, на этот раз - семейная.
        Хотя начинал Гоген с подражания Писарро, в его работах уже нет «легкой непосредственности» - отказ  от передачи игры освещения - цвет у него  плоский и неподвижный. Форма упрощена,  перспектива без глубины - только цветом.
В искусстве Гогена - один из истоков стиля модерн, возникшего и расцветшего на рубеже XIX - XX веков.

22.12.2013. Зимнее Солнцестояние.