ЧЕРНОВИК ПЕРВОЙ ЛЕКЦИИ ТРЕТЬЕГО КУРСА
Рисование для рисования.
Не надо стараться.
Процесс ради процесса.
Не помнить удачи в прошлом.
Не надеяться на удачу в будущем.
Не ждать хорошего рисунка.
Отпустить желание «сделать хорошо» во время процесса.
Повторять и повторять рисунок на новых листах, пока не скажешь: Сегодня сделал максимально то, на что способен сегодня.
Не рисовать мысленно, когда не рисуешь.
Когда рисуешь, не повторять то, что уже придумывал мысленно или во сне снилось.
Когда рисуешь, отстраниться и с удивлением наблюдать, куда заводит рука.
Рисование — это риск, потому что делается то, чего не было.
Не переживать, если получается «не то».
Не выбрасывать рисунков сразу после окончание процесса рисования. Дать рисункам «отлежаться».
Концентрированность на рисовании — это такое состояние, когда не существует ничего вокруг кроме рисунка. Но в то же время не теряется ощущение пространства и времени.
Каждому художнику дано то, что выражает именно он. Как найти то что вам дано? И почему вдруг приходит решение что вам надо рисовать в контексте исторического процесса и выражать свое время? Почему нельзя рисовать простодушно, чтобы рисовать для хорошего времяпрепровождения и хорошего настроения, а нужно что-то «выражать», «создавать», «открывать новое». Любая мысль в эту сторону становится заблуждением, ошибкой. Потому что об этом не надо думать. Думать не надо, но надо точно знать, сформулировать для себя, что и зачем вы делаете.
Про самоповтор и про то что «художник делает одно и то же».
Проблема возникает тогда, когда рисование — самоцель. Тогда художник сталкивается с проблемой выдумки и оригинальности. Если рисование — это параллельный процесс какой-то внутренней работы по осознанию жизни, то тогда нет проблемы — оригинально это, новое ли это или даже, нужно ли это, найдут ли рисунки место в жизни. Это такой способ жить. И тогда нет проблемы не только повтора одного и того же, но и нет проблемы «хорошего и плохого рисунка», «получилось — не получилось». Нет проблем качества, мастерства. Есть только внутренняя линия мыслей, а рисование — отражение внутренней жизни.
Если исчезает потребность показывать свое рисование, то почему не исчезает потребность рисовать. Это чем-то похоже на дыхание. Мы дышим, но не бежим же показывать с выставками и публикациями то, как мы дышим. Рисование превратилось для меня в такую же потребность, как то что надо дышать, чтобы жить. Откуда это? Не знаю. Так получилось и всё...
Надо ли переживать, если возник перерыв в рисовании? Допустим, сегодня не рисовал.
Если пропущен один день, то я не чувствую неудовлетворённости. Но если пропускается день за днём, то возникает такое чувство, что «всё не так» и приходит раздражение: «да что такое происходит, возьми себя в руки и вперёд». И, только порисовал, как приходит самое благодатное настроение. Я не ругаюсь и не ворчу. А если давно не рисовал, то перестаю быть самим собой.
Рисование — это поток энергии, который проходит через художника.
КОГДА НЕ РИСУЕТСЯ
Сегодня, как и всегда уже, по заведённому порядку, пошёл рисовать в обеденный перерыв. На сам обед было потрачено 25 минут, на выбор места — 10 минут. Место нашёл рядом с работой, идти туда меньше 5 минут от работы.
Итак, значит, у меня на рисование было 20 минут.
Это достаточно серьёзное время, чтобы полностью погрузиться в рисование.
И вдруг произошло странное. Я не стал рисовать. Немного посидел на скамейке и вдруг ощутил неуместность рисования сегодня. А погода сегодня замечательная, и не очень жарко.
Какие же выводы я делаю.
Конечно, если не рисовал, то возникает глубочайшее чувство неудовлетворённости.
Но ведь я никогда не рисую только потому что «надо».
А вот когда рисование само из меня так и фонтанирует и процесс тогда естественный и тогда не возникает чувства неуместности — а что это он тут рисует, зачем это, и тогда мне так внутренне спокойно, что никто не подходит и не мешает рисовать разговорами. Уверенностью поведения я защищаюсь тогда от необычности ситуации и состояния клоуна. Много ли вы видите на улицах рисующих людей? Я практически никого не вижу. В Венеции наверное больше таких художников можно встретить.
А мне внутренне сложно не только рисовать, но и фотографировать на улице.
По правде говоря, я всегда преодолеваю в себе стеснение рисования на улице.
Немного, чуть-чуть, но преодолеваю.
Такая пауза в рисовании возможна, но только крайне редко, для того чтобы сбился ритм одинаковости процесса, для того чтобы подумать, а что и зачем ты делаешь. И подумать, какие внутренние причины помешали тебе сегодня рисовать на улице днём и поняв эти причины, не допускать уже в дальнейшем подобной ситуации.
Интересно, а как завтра, буду ли рисовать?
Завтра я без обеда, целый час потрачу на рисование.
И вывод такой:
В остановках всегда есть причины и надо разобраться с тем, почему так произошло, потому что «когда всё правильно» даже не возникает вопросов — процесс идёт сам. Или слишком пошёл по течению окружения, в котором работаю и где никто не рисует, и не перешагнул этот барьер.
Остановки недопустимы (долгие) и потому что жизнь такая короткая и потому что только ритм постоянной работы ушел, сразу начинаешь рисовать как будто никогда не рисовал...
Остановки недопустимы. Разбирайся с причинами, почему выскочил из рисовального состояния, и потихоньку-понемногу — входи обратно в эту стихию.
РАБОТА ДОЛЖНА ВЫДЕРЖИВАТЬ ЕЖЕДНЕВНОЕ СМОТРЕНИЕ
Рисовать надо для ежедневного смотрения — когда рисуешь — помнить об этом, чтобы работа выдерживала ежедневное смотрение...
«Просто упражнения» тоже нужны, вряд ли можно так вот сразу взять и нарисовать вещь, надо же и разрисоваться и эскизы почеркать и просто не бояться испортить. И уметь вовремя остановиться. Нарисовать сразу такую вещь, которая выдержит ежедневный диалог и рисовать только такие вещи — возможно ли это? И нужно думать об этом во время рисования так, чтобы не мешать руке, не сковывать руку. Но можно ли добиваться такого результата, не думая об этом? Это можно так сформулировать как сверх-сверх-задачу. Рисуем не только для того чтобы выразить философские обобщения, но реализовать такую мысль: зачем мы родились на этот свет, чтобы в этой вещи был виден вообще ваш посыл всем объёмом работ — в одной вещи. Мало того — чтобы в одной вещи было выражено сегодняшнее время (в которое рисовалась вещь) и вневременные ценности добра и зла.
Выразить всё это можно только не думая об этом, а зная это.
С такой ответственностью перед человечеством ещё и умудриться бы быть беспечным.
ЕСЛИ НЕТ ТАЛАНТА — ВСЁ РАВНО РИСОВАТЬ!
И напишу ещё немного о том что творить надо даже если казалось бы нет объективного таланта — например писать ли мелодии если нет слуха?
Долго думал, приводить ли пример такого — «нет слуха, а мелодию написал».
Решил всё-таки не называть фамилий, может быть ошибаюсь и слух есть и мне так слышится что слуха нет. Но как может человек написать интересную мелодию, а сам не может её воспроизвести, а другие исполнители — поют эту песню и с такими тонкими оттенками! Но ведь мелодию сочинил то тот, кто не может её напеть.
Вот такой каламбур, кульбит — я подробно описываю для того что для творчества нет даже такой преграды как отсутствие способностей.
Можно сочинять мелодии, не имея слуха; можно петь, не имея голоса; можно сочинять тексты, не владея грамотностью; можно рисовать, не имея школы.
Другое дело — можно ли петь без голоса на сцене, можно ли делать выставки с рисунками-каракулями, можно ли печатать тексты в журналах, если в них орфографические и смысловые ошибки?
Чтобы этот текст не превратился в другой по смыслу текст, закончу всё-таки первой мыслью. Творить, не имея таланта можно, а вот показывать — это другая смелость и необходимость.
О ТАЛАНТЕ
Так как я сейчас читаю Филонова, его теоретические тексты, с одной мыслью я не согласен.
Филонов пишет что рисовать можно научить любого, «как Леонардо да Винчи»!
Конечно, может и можно нарисовать научить, или научиться.
Но есть такое понятие как талант, когда несёт и ведёт художника та сила, которая вне его рассуждений.
Пример с самим Филоновым.
Он говорил ученикам: «Вы можете работать лучше меня».
Что видим мы сейчас?
Есть очень хорошие художники, которые всю жизнь придерживались метода Филонова, например, Татьяна Глебова — и у них всегда будет вот эта характеристика: «ученик Филонова».
Татьяна Глебова — пример особый, потому что она смогла в этой системе органично работать и найти себя.
А другие — это Филонов, только чуть не так сильно, чуть менее напряжённо, не так остро.
А Евгений Кибрик — тоже ученик Филонова, и внимательный взгляд даже в самых «лёгких» работах в стилистике наброска видит, что он работает «сделанной линией» — это как знак школы.
Но Кибрик нашёл себя тогда когда он ушёл из прямого цитирования метода.
Значит, существует то, что является именно так: это есть то что вне сознания вашего, что ведёт вами, чему научить нельзя, что будет работать всегда, не смотря на то что контекст времени изменился, что имеет не только историческую значимость.
А раз этому научить нельзя, и у каждого свой путь, то тогда об этом и рассуждать невозможно.
Я стараюсь отрицательных примеров не приводить.
Например, кого из художников я считаю неталантливыми, а они — художники, и хорошие художники.
Но что происходит с их работами, как они действуют?
Да, работы хорошие, но они вас (зрителя) не напитывают, не насыщают ваши глаза, не наполняют вас жизнью.
В неталантливых художников — много умных и с хорошим вкусом художников.
Но как скажешь «Девочка с персиками», или «Девочка на шаре» или «Красная комната» (картина Матисса), или «Пир королей» (это картина Филонова).
И сразу понимаешь, что такое талант. Что такое энергия, которая проходит через художника и чему не научить. И никакое это не мастерство.
Это образы, которые родились вовсе не потому что художник прошёл школу.
Как такие образы рисуются — непостижимо, непонятно.
Что же делать тем, у кого такого таланта нет?
Рисовать! (Если такой человек видит в этом своё призвание).
Талант — это когда при просмотре кричишь: Эврика! так вот ведь что такое талант, что живёт в человеке и просится в форме музыки, и как это наполняет, сколько в этом смысла, которые словами не объяснить, но которые меня наполняют смыслами, причём своими.
Что же делать неталантливому? То есть тому, чьи работы не вызывают восторга и катарсиса.
Продолжать рисовать, сочинять пьесы, писать музыку.
Потому что возможна ошибка и это не «нет таланта», а есть проблема восприятия.
Ведь и Сезанну говорили и Ван Гогу говорили наверное — что-то у вас не так нарисовано, кому это надо и т.д..
Но продолжать рисовать, даже если все считают вас неталантливым только в случае внутренней убежденности что это вам необходимо.
СОСТАВЛЕНИЕ ПЛАНОВ. ПРИОРИТЕТЫ
Я всё время составляю планы, распределяю пункты планов в определённой последовательности по значимости и стараюсь делать только то что является значимым.
То же самое и с рисованием.
Я определяю значимые направления и потом располагаю эти направления в той последовательности, чтобы первыми стояли самые главные вещи.
Эта система помогает мне делать то что является самым важным и помнить те объёмы, которые надо сделать.
Планы составляю в нескольких уровнях приближения.
Первый уровень — взгляд издалека без деталей.
Второй уровень — это описание серий внутри направлений.
Третий уровень — это продумывание количества листов в сериях, это уже совсем детальная проработка.
При составлении списка третьего уровня я сразу начинаю компоновать в маленьких почеркушках на полях списков.
Списки веду в специальных тетрадях-блокнотах, в которых в основном эти списки и наброски композиций.
Эти блокноты по мере заполнения ставятся на полку и их скоро будет уже целая книжная полка.
Эти блокноты всегда под рукой и пролистывание их даёт колоссальный приток вдохновения.
Столько эскизов композиций, которые делать — не переделать.
С недавнего времени я оформляю эти списки как графическую композицию.
Приведу здесь последний свой список первого уровня. Текст получился большим приводится здесь как пример и как уже выработанный за много лет уровень приоритетов. Как пример для самостоятельной попытки составить список (план), так и для фиксирования моего плана, который уже много лет практически не меняется и может уже перейти из записной книжки в книжку напечатанную на бумаге и переплетенную. Придать этому плану уже статус постоянного и практически неисменного списка приоритетов.
_____
А зачем составлять планы — думаю, что это вопрос только формы.
Ведь эти «Лекции» сочиняю я как свой опыт.
Я пользуюсь составлениями списков как своим опытом, который очень помогает мне в организации большого объёма рисования.
А у вас может быть свой опыт и планы вам не нужны...
______
1) Лис над городом
2) Семейные зарисовки
3) Пейзаж
4) Натюрморт
5) Иллюстрации
6) Обнажённая модель
7) Книга художника
____
На сегодняшний день семь пунктов.
Прокомментирую каждый пункт подробно. Но без проработки серий внутри направлений.
Это направления. Серии же имеют конечное число листов, начинаются и заканчиваются, серии разных стилей и пластических систем.
____________________
1) ЛИС НАД ГОРОДОМ
«Лис над городом» — это название объединяет в себе основное направление именно того что считаю своей основной темой в рисовании, поэтому подробно не пишу. Основная тема, да и всё тут.
2) СЕМЕЙНЫЕ ЗАРИСОВКИ
Это то что мне делать безумно интересно и в основном эта серия не для выставок и публикаций. Это такой способ семейных фотографий, но только это нарисовано. Портреты родных, семейные сценки, зарисовки с натуры. Это рисование того что вокруг, того, какая энергия вокруг, из чего всё состоит. Но это только внешне напоминает «фотографию на память». всё равно эти рисунки, хоть и состоят из личных деталей, являются абстрактно-общими. Так как если только личное рисуешь, то это было бы странно — ведь рисунок потом живёт своей жизнью и рисунок потом вешается на стену как украшение комнаты, как декоративное пятно. Здесь сохраняется та грань личного, что тобой обжито с тем что в потенциале будет питать энергией любое пространство. Я рисую для украшения мира, а не только для себя, а личная история рисуется не буквально, а прячется и не объясняется. Но чувствуется.
3) ПЕЙЗАЖ
Это то, что я хочу сделать своей коммерческой работой, надеюсь что это получится.
Даже жж свой назвал «Исчезнувший в пейзаже» — для того чтобы помнить о том что хочу сделать этот раздел основным по объёму.
Это холст-масло. Это то что я планирую делать больше всего по количеству. Рисовать на улице. Пленэр. Ходить «на мотивы». Постоянно быть на свежем воздухе, на виду других людей, рисовать этюды маслом на улице. Здесь мне понятно, что эти работы должны продаваться, так как в этих пейзажах нет личных деталей, которые странно всё-таки видеть в оформлении интерьеров у тех кто купит, то есть — зачем кому-то вешать на стену портрет моих родителей. А вот повесить на стену красивый пейзаж, наполненный пленэрными ощущениями — это мне видится естественным.
И, делая это направление, это очень полезно для здоровья — ходить на пленэр, совмещая сразу 2 вещи — и этюд напишешь, и столько времени созерцаешь природу. Могу даже сказать, что столько времени созерцать природу — в этом вижу смысл жизни.
4) НАТЮРМОРТ
Когда устал от того что всё время на природе и хочется поработать не на виду а закрывшись в мастерской. Или когда на улице погода не позволяет рисовать. Например снег или дождь.
В этих случаях рисуешь натюрморт в мастерской. Те же самые задачи. Это делается прежде всего как коммерческая работа, но честно. Всё то же самое в философском аспекте как и в пункте 3), но только в мастерской. Так же изучается натура, так же филосовствуешь, рисуя, о жизни. И без прямых личных мотивов. Поэтому легче можно отпускать такие работы.
5) ИЛЛЮСТРАЦИИ
Я много читаю, и этот пункт исходит из этой особенности. В юности я был просто глотателем книг. А сейчас это приобрело более разумные границы. Объём чтения хоть и уменьшился, но читаю постоянно. И постоянно возникает желание высказаться средствами, которые мне доступны по поводу прочитанного. Поэтому у этой рубрики выделяю 2 подраздела:
а) это станковые листы по мотивам книги, прочитанного. Делаются такие листы без книжного макета.
б) это свёрстанные от и до книжки, в которых иллюстрация занимает своё ритмическое место.
Так как я не способен быть одновременно и верстальщиком и иллюстратором, то хорошо бы работать в паре с верстальщиком. За неимением верстальщика, делаю сам, понимая несовершенность результата.
____
Особое отношение к тому что иллюстрирую. Это не значит, что возникает желание рисовать по тому тексту, который читаю и который нравится. Здесь важно много факторов, которые должны совпасть. А текст должен «проситься» к иллюстрированию. В основном это сказки. Список, который я составил на очередь иллюстрирования — на данный момент состоит из 43 авторов. А у каждого ещё и по несколько книг. И у каждого ещё мне хочется сделать по несколько вариантов иллюстрирования одного произведения.
Весь список оглашать можно только по реализации. И так как 2 серии закончены, чтобы понять направление, назову только из законченных проектов, чтобы почувствовать, что в этом списке: «Дон Кихот» и «Буратино».
6) ОБНАЖЁННАЯ МОДЕЛЬ
Обнажённая модель в философском значении — это тот же пункт, что и Пейзаж и Натюрморт. Только в частоте обращения по объёму рисования находится на 6 месте. В основном, конечно, рисовать пейзажи и натюрморты, и уже потом — работа с моделью. Задачи такие же — эти работы могу легче отпустить. Они не такие личные как СЕМЕЙНЫЕ РИСУНКИ. И эти работы так же являются поводом думать о смысле жизни.
И 2 категории работы с моделью: в рамках руководителя изостудии и работа один на один. Здесь разные ответственности и разные ощущения.
7) КНИГА ХУДОЖНИКА
Направление моей деятельности в этом пункте, завершающем список и по значению являющимся самым незначимым, почему-то до последнего времени отнимал у меня больше всего времени. Но это понятно, потому что мне надо было разобраться с этим пунктом, сделать так, чтобы он начал работать. Сейчас я считаю, что все смыслы мной продуманы и решены теоретически и уже столько всего выпущено в этом жанре, что остаётся только поддерживать здесь жизнь, работая над этой темой уже меньше.
Здесь опять же 2 подпункта:
а) Самиздат. То что печатается на принтере тиражами. Книжки, которые я издаю в рамках самиздатовского проекта ИГНЫПС.
б) Книга художника в одном экземпляре как ручная вещь, как станковая графика.
_____________________________
Я привел и расписал такой большой список и как пример и как фиксацию того, чем занимаюсь в этой жизни. Чтобы этот список был под руками и напоминал мне «что делать». А списки второго и третьего уровней, где я расписываю серии и сами графические листы, где уже начинаю компоновать — это уже рабочие материалы и они остаются в записных книжках.
(Текст этот писался в 2010 году и сейчас, в 2012 году приоритеты поменялись так что я совсем перестал рисовать обнажённую модель по разным причинам. Но последовательность не редактирую, приоритеты не меняю. Хотя я не вижу на самом деле в чём разница между портретом, пейзажом и обнажёнкой — в чём разница в философском смысле, потому что это всё «цветы». Их можно, наверное, даже разместить в одну группу. Но приоритеты были расставлены так тогда, и поменяв приоритеты местами, а что-то и убрав из списка — просто одним перемещением последовательности на бумаге — меняется жизнь, меняется то что буду делать в первую очередь. А в таком, публикуемом списке «для примера» — мне хочется оставить всё именно так, как написалось в 2010 году. И эта последовательность, когда попадётся мне на глаза и будет прочитана именно так, повлияет на то что может обнажёнку начну рисовать опять, напоминание что пейзаж важнее обнажёнки, не забывать о том что серия о Лисе — главная.)
НЕ ДЕЛАТЬ ЛИШНЕГО, ПОСТОЯННО ДЕЛАЯ ВАРИАЦИИ
Три дня пытаюсь написать один текст, и стираю и удаляю.
Текст-то всего на абзац.
Написать не получилось, но мысль важна. Мне важно, чтобы эта мысль была в моей книжке.
Может быть, мысль эта попадёт в «Лекции», но в «Лекции» попасть сложно.
Может быть — останется в дневниковой записи.
Очень важно не делать мусора, не делать лишнего. И так уже столько всего написано-нарисовано. Но сделать что-то, пусть и немного, но хорошо — можно только если много рисуешь. И результат тех работ, которые приближаются только к тому что хочешь сказать — ведь тоже хороший, и их тоже отпускаешь в мир, хотя это только приближение. А хорошее — теряется в этом приблизительном и неотличимо. Но каждый раз делая выбор, выбираешь разное. Выбор например для публикации или для выставки. И ведь нельзя в этой последовательности что-либо изъять навсегда, даже если это и не попадёт ни разу ни в один выбор. И нельзя показать сразу всё, все вариации — это лишнее, это много и не нужно и размывает то что же ты искал. И сделать немного без того чтобы не делать много — невозможно. Нужен же результат.
Вывод: рисовать надо много, а показывать мало.
____
Вроде написал, хотя мысль думалась интереснее.
Но — пусть будет, как написалась.
О ПЕРЕРЫВАХ В РИСОВАНИИ. И О ЭНЕРГИИ, КОТОРАЯ МОЖЕТ УЙТИ
Перерывы в рисовании случаются у всех художников по внешним причинам, по внутренним причинам.
Переезд, смена работы, ремонт, развод, свадьба, дети, приготовить ужин, вымыть посуду, перерыв на сон... все это перерывы, которые могут затянуться на года.
И что происходит?
Я часто сталкиваюсь как организатор студии рисования, с тем что приходят мои бывшие сокурсники закончившие училище, которые много лет не рисовали, решали вопросы жизненные.
Они добились хорошей работы, у всех уже взрослые дети. И появилась такая возможность осуществить то, о чем мечтали и разговаривали, да и делали во времена студенчества, т.е. рисовать — реализовывать себя как художника. И они начинают было рисовать, но уже вдруг ясно происходит такое: «не интересно», «не надо», «не рисуется».
Я считаю что это происходит потому что от отсутствия практики закрываются те каналы о которых я постоянно говорю, художник это только передатчик той энергии что в ноосфере, в духовном пространстве мира.
Как раскрыть эти каналы после большого перерыва? Эта задача ого-го. Я не знаю что тут посоветовать, потому что у меня не было таких перерывов. Но интуитивно я понимаю насколько это сложно, потому что даже за неделю всё внутри тебя закрывается.
!!!Мало того каналы эти могут закрыться даже если не было перерывов, потому что не так стал думать, погнался за модой, перестал быть честным, начал обманывать как других так и самого себя — потом смотришь: из картинок ушла жизнь.
Может быть, это называется благодать, может быть, это называется карма.
Если возникает перерыв, постарайтесь потихонечку восстановить процесс, восстановить регулярность, постарайтесь быть просто открытым человеком ко всему, что вокруг вас происходит. Вот и весь рецепт. Но трудноосуществимый, если перерыв был большим.
Если вы читали книги о йоге то там есть такое понятие: перед тем как начать заниматься асанами, во всех книгах есть рекомендации что нужно обязательно соблюдать всеобщие моральные заповеди (ямы). Несоблюдение заповедей и приводит к закрытию того, что называется талантом. Это опять же проще сказать чем сделать. Я работаю в типографии, вокруг много бумаги, почему её не взять, вот и на бумагу сэкономил — но что ты на украденной бумаге нарисуешь? вещь, которая изменит мир к лучшему? Вот и закрылся канал. Или начал на кого-то обижаться, вот и закрылась энергия в тебе.
И раскрыть это ещё сложнее, чем восстановить механику рисования, вызванную перерывом.
ЖИЗНЕСПОСОБНОСТЬ МИРА, КОТОРЫЙ СОЗДАЁТ ХУДОЖНИК
Что ж, продолжим лекции.
Эта мысль крутится во мне уже пару дней, а как развить её хотя бы в пару абзацев — не знаю. Потому что в этой короткой фразе весь смысл и заключён, и развивать мысль наверное не надо.
Но — попробую всё-таки поразмышлять.
Мир, который создаёт художник должен выдержать следующие вещи:
Этот мир должен устоять в этом огромном количественно разных художественных миров которые все имеют право на существование и этот мир не должен затеряться. Даже если этот мир маленький, скромный, почти невидимый. Он не затеряется, если он индивидуальный, без подражаний и имитаций.
Найти такой мир можно если делать то что интересно а не то что надо. Пересмотрите внимательно то что вы рисовали «для себя» а не по заданию в школе — может быть там вы найдёте те зёрнышки из которого вырастет мир. То есть надо делать то что интересно, увлечься. Только по-настоящему.
А потом в этот мир с головой так погрузиться и обжить его с разных сторон, в разных материалах, даже разных сюжетах.
Опять же — легко сказать, но как найти этот мир? Не знаю.
Как найти, но не превратить в приём...
Вывод только один — увлекаться, честно по настоящему увлекаться.
___________
А при чём здесь заголовок?
А если вы увлеклись (я сейчас увлёкся написанием Лекций), то значит, ваша вещь будет жизнеспособна, будет прочитана, увидена, услышена, может быть и критически — в вещи будет этот потенциал жизнеспособности, способности к самостоятельной жизни.
РИСОВАЛЬНОЕ МЯСО
Целый день крутится в голове это словосочетание «рисовальное мясо» — хотя звучит как-то неэстетично, но вот это надо — карандашом прямо внутрь врезаться, внутрь живой формы, чтобы прямо внутрь бумаги.
Тему развивать некогда — записал только нужное словосочетание чтобы заметку сделать.
Или потом разовью или так и оставлю конспективно — только запись сегодня словосочетания. Нужно чтобы в книжку попало, в «Лекции».
МОДЕЛЬ — СОАВТОР ХУДОЖНИКА
Почему художнику надо рисовать модель, почему ему недостаточно воображения, а ему надо обязательно позировать?
У модели роль ничем не заменимая в процессе рисования — модель, которую рисует художник — такой же соавтор, равный художнику и очень важно взаимопонимание художника и модели. Художник рисует именно взаимопонимание, взаимоотношение, хотя даже сам художник может обманываться и говорить, что рисует форму, смотрит только на форму, на то как устроена форма. Но на самом деле здесь — взаимоотношения, диалог, такой же сложный, непростой, как и в жизни. Художник так выстраивает отношения с моделью, чтобы модель стала сутью художественного мира художника, чтобы позирование не было формальностью, чтобы модель чувствовала и сопереживала процесс рисования как процесс своей жизни. Только тогда происходит чудо искусства.
Обнажённость модели — не только потому что форма красива, но обнажённость даёт необыкновенную эмоцию открытости художнику, доверия художнику, создаёт особую творческую атмосферу, которая становится тем «веществом», которое переходит в работы, и потом, уже через нарисованные работы — меняет жизнь.
ДВЕ МЫСЛИ
Надо записать мысль для «Лекций». Даже две мысли.
Получится ли развёрнуто записать — не знаю, посмотрим.
МЫСЛЬ ПЕРВАЯ.
Отношение к формату листа как к разной громкости говорения.
Большой лист — более концептуальное высказывание, даже декларация. Маленький лист — для книжки, для маленькой точки-напоминания на стене. Для семейных сюжетов больше подходят маленькие размеры. Рисовать семейный дневник на формате А1 — можно один-два раза, а поток рисунков — это блокнот. Или формат А4.
А3 — это уже этюд, пейзажная зарисовка, это уже «украшение интерьера», это уже значок для абстрагирования высказывания формул, это уже возможность отпустить работу. На большом формате — происходит призыв, изменение и подчинение пространства вокруг этому призыву, декларация независимости, восклицательный знак.
МЫСЛЬ ВТОРАЯ.
Важен выбор материала и способ нанесения материала на поверхность. В этом тоже язык и интонация высказывания. Но сон уж подкосил меня.
Продолжение (если напишется) в следующий раз.
ПРО МАТЕРИАЛ
Примерно месяц хожу и думаю об одном тексте, что надо написать, точнее — записать, чтобы было. Так возьми и напиши! Что и делаю.
Записываю.
Текст о материале, которым больше всего работаю.
Выбор материала складывается из личных предпочтений. Перепробована масса всего, а постоянным материалом выбран именно этот. Почему? я могу на это ответить, но сейчас просто опишу сам материал. С небольшим пояснением.
Всё-таки я работаю акрилом. «Всё-таки» — потому что против акрила есть всё-таки предубеждение что цвет там пластмасса а не растертые земли. И я долго колебался, работать ли акрилом в этой связи. Пластмасса — значит ненастоящее, всегда думаешь. Но ведь живёшь сейчас а не в прошлом, и материалы используются современные нам. Работаю акрилом, но не всяким. Требование к акрилу такое, чтобы он не блестел после высыхания, оставался матовым как гуашь.
В гуаши чистой мне не нравится клейкость — толстый слой гуаши осыпается и прилипает к другому листу.
Акрил использую фирмы ОЛКИ. Хотя часто вижу что многие к этой краске относятся как к второсортному материалу. Но реальность такая, что этот акрил имеет матовую поверхность, а более дорогой акрил блестит как глянец.
Делаю смеси акрил олки + гуашь + белила + клей ПВА.
Белила покупаю строительные (для покраски стен). Тут я думаю что какие белила покупаю — не стоит называть, потому что настолько быстро меняется всё. Требование к белилам такое же как к акрилу — чтобы после высыхания был матовым и добавляется ещё и требование — чтобы запаха у краски не было, чтобы можно было работать целый день и не ощущать себя в покрашенной нитроэмалью комнате. И белила эти используются как связующие, поэтому белила при высыхании должны быть очень крепкие, «каменные».
Клей ПВА хороший выбрать очень сложно. Вот раньше клей ПВА был очень хороший. Найти хороший клей проблема. Только привыкнешь к одной марке, она или исчезает из магазинов, или с одной этикеткой — разное качество. Поэтому не покупаю клей в больших объёмах. Самое неприятное в ПВА — запах формалина, которого не было в старом добром ПВА. Только из-за этого запаха часто я вообще ПВА не использую. И главное — не переложить ПВА — надо так добавить ПВА, чтобы краска осталась краской, а объём краски увеличился в 2 раза. Это искусство, и пропорцию ПВА не объяснить — надо мешать краску. Смысл добавки ПВА только экономический — для увеличения количества краски.
Краски смешиваю в невысоких стеклянных банках, которых много накопил уже. Эти банки от икры мойвы или мёда. Эти невысокие банки для колеров имеют важное качество — широкое горлышко и взаимозаменяемые закручивающиеся крышки. И важно что банки невысокие, тогда колера много не наведёшь. Если банка глубокая, то всё равно так наводится колер, что потом не знаешь как выработать такой объём.
Смеси потом между собой перемешиваю и получаю новые оттенки колеров. Во всех смесях обязательно есть белила. Вся работа красится смесями на белилах, и плюс — чистыми цветами без смешивания как акценты.
Вместо чёрного использую тушь. Но не в смесях. Если нужен чёрный в смесях, то это гуашь или акрил. Тушь наношу по непросохшему ещё акрилу. Тушь с акрилом не смешивается, тушь как бы отталкивается.
Тушь использую двух видов. Самая простая Гамма, но эта тушь серая, как будто водой разбавленная. И особенность этой туши — она протухает. Может на техническое качество это не влияет, но на эмоциональное взаимоотношение с материалом влияет.
Сейчас нашёл в продаже китайскую тушь, вот она чёрная. Но у неё острый запах химический какой-то — не знаю насколько эта тушь настоящая тушь, но она чёрная непрозрачная.
Все материалы покупаю в разных магазинах
В одном магазине большой выбор гуаши, в другом — акрил олки, в третьем магазине — китайская тушь.
Акрил Ладога больше не покупаю — он может по цветам богаче, но при высыхании дает пластмассовую поверхность.
Такой вот мой любимый материал, основной.
____________
Надо бы конечно, холст-масло, но это потом, как разбогатею. Но, наверное, дело здесь не в деньгах а в решимости. Надо решиться на холст-масло.
____________
ПРО БУМАГУ
Самая любимая — так называемая акварельная. Но на самом деле, кто помнит, что такое торшон — назвать эту бумагу акварельной не повернётся язык.
Она продаётся у нас под маркой акварельной.
Или обычный ватман — тоже любимая моя бумага.
За акварельной надо ехать далеко, а времени нет, чтобы специально съездить. А ватман продаётся в любых канцтоварах.
___________
Почему такой материал?
Прежде всего это больше подходит моему рисовальному темпераменту.
Другие материалы тоже люблю.
___________
Написал потому что надо написать. Обо всём этом надо написать, зафиксировать.
И помещаю текст в «Лекции» как пример работы с материалом. То есть, потом в книжку отдельную поместится текст.
_________
Я недавно думал, что перестану акрилом работать, но современная гуашь — это тот же акрил, только липнет и мажется после высыхания. А акрил то выбрал матовый, похожий на гуашь.
__________
Ещё мне очень подходит наша масляная пастель, больше похожая на восковые мелки в сочетании с черной шариковой ручкой на мелованной матовой бумаге.
__________
Отдельный разговор про рисунки тушью. Я рисую специально заточенными палочками, у меня много разных кисточек и перьев.
А карандаш — это целый мир — разная мягкость карандашей, почему я люблю цанговые карандаши (потому что не надо подтачивать всё время, а многие художники наоборот — любят именно подтачивать). Почему такой длины грифель. Когда грифель длинный — то делаешь паутину лёгких штрихов, когда короткий, то можешь сильнее надавить.
Люблю я и всякие перламутровые акценты в работах, покупаю гуашь, которую называю «для принцесс», покупаю всякие маркеры. И чёрные и цветные и блестящие.
Сангина, сепия — перечисляю названия, и само произношение вслух названия материала звучит как стихотворение.
Отдельная история с акварелью.
Почему я выбираю этот или другой материал, а почему этим материалом не работаю. Почему — постараюсь объяснить в следующей главе.
ПОЧЕМУ ИМЕННО ЭТОТ МАТЕРИАЛ
Материал — это ваше продолжение, ваша энергия. Вы выбрали этот материал осознанно или случайно, придумав самостоятельно или увидев у кого-то, а может, и специально научились на мастер-классе именно этим приёмам. Но вот вы выбрали. И начинаете работать этим материалом.
И здесь вы выражаете ваш характер, то, что вы несёте своей работой — это происходит через материал.
Как выбрать «свой» материал? Пробовать, пробовать, руками всё перепробовать. Здесь есть такой важный момент, о котором я писал, когда писал о таланте. Если вы талантливы в рисовании и это ваше, то материал придёт сам так же как придёт сама — манера, пластическая система.
Но материалы могут быть и выбраны не стихийно — что есть под рукой, а сознательно и причём материал может быть не легко доступным, а сложным. Например офорт или ксилография. Не так это просто организовать офорт сейчас дома с нуля. Станок, доски, кислоты. Нужно ли это? Нужно только в том случае, если это ваш материал и он сам вас выбрал.
Королева всех материалов — холст-масло.
В материале «живопись маслом на холсте» сосредотачивается важный момент рисования для вечности и музейности ваших вещей. Без материала холст-масло невозможно серьезно говорить что вы художник.
Но бывает так, что в несерьёзном материале получается, а в серьёзном — не происходит чего-то очень важного, жизни не происходит.
Выход только один — работать много в материале, который может музеефицироваться, те есть холст-масло.
А когда работаете много, то пропадёт боязнь материала и будет в вещах происходить жизнь и смысл.
То есть я предлагаю обязательный сознательный выбор материала холст-масло.
А графические материалы — для того чтобы процесс рисования был постоянно.
А остальные вопросы — это то, чему вообще посвящены все мои «Лекции» — надо ли вам рисовать? Если очень надо, то тогда всё нарисуете и материал подберётся под ваш темперамент и месседж (то есть тот посыл, который произойдёт через ваши вещи).
Понимаю, что написал общие фразы, но если мысленно убрать банальный смысл с этих фраз, то истина именно в этом.
Повторю главное:
1) Материал вас сам найдёт.
2) Пробуйте, делайте руками!
3) Главное смысл, а материал — только средство.
СУТЬ + МАТЕРИАЛ
И чтобы завершить эту мысль, вынесу её ещё в одну главу, и для того чтобы показать значимость через объём и частоту упоминаний, и потому что это действительно так.
Вы можете рисовать как угодно. Вы можете уметь рисовать, можете не уметь рисовать. Можете продолжать традиции, а можете не знать ни о каких традициях.
Важно вот что:
Есть образ, который вы не то что передаёте, нет, этого мало, есть образ, которым вы являетесь, вся ваша суть им является, вы и есть этот образ. И вы передаёте сегодняшние состояния этой сути материалом, краской, карандашом, тушью, пастелью, маслом.
Ваша суть становится этим материалом, преображается через краску, краской.
ПРИНЦИП АНОНИМНОСТИ В ИСКУССТВЕ ИЛИ РАБОТА В ФОРМАТЕ
Уже обсудил основные мысли этого текста несколько раз с разными собеседниками, уже обдумал и сделал выводы, осталось только записать. Записать, помнить об этом, и продолжать заниматься своими делами.
Мысль вот какая. Она иллюстрируется примером, поэтому — сначала пример, а потом мысль, а потом выводы.
Давайте рассмотрим как я нахожу музыку, которую слушаю.
Во-первых, сразу определимся — я в музыке непрофессионал и мне не надо слушать музыку профессионально — как надо смотреть много изображений. Когда я был молод, музыку слушал только когда ходил в гости — а так как квартиры в молодости у меня не было и я жил то в общежитии, то что-то снимал, а то и просто в гостях по очереди то там то тут, то всё время что-то слушал, и это никогда не был мой выбор. Это всегда был выбор моих друзей меломанов Жени Русина и Саши Маланьина. Вот они слушали, записывали, менялись, коллекционировали, слушали вместе, обсуждали. Это было специальное действо. Думаю, что более важное, чем все другие дела, включая и рисование.
Сейчас я в гости вообще не хожу, но без музыки же я не могу, всё равно что-то надо чтобы звучало в доме. И я переслушал — какой только музыки не переслушал! И классики, и джаза и того и другого. А потом стал слушать всякие разные радио. И такое радио, и другое радио и собирать что-то пытаюсь в компьютере.
Методом проб и ошибок я нашёл наконец-то именно то, что мне нужно. Эта музыка прежде всего незаметная, не мешающая заниматься своими делами — рисовать, что-то делать, читать. Эта музыка очень спокойная, умиротворённая, но в тоже время — мастерская, виртуозная.
И — самое главное, к чему я веду! — у меня есть радио, которое я слушаю и мне не надо эту музыку коллекционировать, записывать, запоминать имена исполнителей и композиторов, разбираться в течениях. Я включаю радио и меня не интересует как зовут исполнителя, какая биография композитора, как он выглядит, сколько ему лет.
Я знаю, что это настроение совпадает с моим, помогает мне создавать настроение спокойствия и умиротворённости внутри себя.
И мне важно, что где-то там есть специалисты, которые организовали это знание, его систематизировали, каталогизировали и запустили в мир.
А я, как простой пользователь — прихожу домой и знаю, что здесь не подведут и не будет скучно и не будет навязчиво.
И самое главное — эта музыка анонимна. Конечно, у этой музыки есть авторы. Но запомнить, кто есть кто автор этой музыки, разбираться в том кто что написал, какой стиль создал, что привнёс нового, знать биографии, знать, как выглядят автор — это не нужно и этого не в состоянии удержать ваш мозг, только если вы не специалист в той области, которую знаете. Например — я специалист в рисовании и знаю столько фамилий, столько наименований, что сам удивляюсь. А в музыке столько фамилий удержать не могу. Просто включаю радио и занимаюсь своими делами. Они конечно не анонимны — они анонимны только для меня. Но в этом есть важное понимание особенностей современности.
___________________
Выводы понятны.
Так же и про картинки.
Только в профессиональном сообществе ещё остаётся интерес к тому — кто художник, как его имя, какие у него особенности, почему он стал таким. А потребителю (который достиг вершин в другой области и не является профессионалом в рисовании) нет никакого дела до того как вас зовут и на все ваши амбиции. Ему просто некогда. Но, допустим, он понимает, что такое хорошая картина на стене или, что такое хорошая детская книжка с картинками. Или ещё какое изображение ему нужно для того чтобы отвлечься от трудного дня, подумать не только о работе, а и о том что он человек и умеет мыслить абстрактно.
Что-то попадает в этот поток чаще на глаза, что-то — удел совсем каких-то там непонятных интеллектуалов, что-то никогда на глаза не попадает, но существует.
И основная причина — объём информации, объём настолько большой, что выбрать самому и начать разбираться — невозможно — времени нет, надо же каждому свою жизнь жить.
И это правильная ситуация.
О КОЛИЧЕСТВЕ
Надо записать одну мысль, которую давно думаю, которую недавно озвучил в разговоре с Юрием Первушиным.
И эту мысль решил записать в рамках «Лекций» (это большой текст, который потихоньку пишу и который состоит из маленьких заметок, возникающих по поводу рисования).
_________
Художнику нужно как можно быстрее достичь такого самоосознания что у тебя много работ.
Сначала идёт период ученический, потом — поиск себя, потом происходит накопление качественного количества.
Это такой нервный период, когда нервничаешь что не успеваешь сделать главное и жизнь проходит.
И вдруг оглядываешься и понимаешь. Что если в любую секунду жизнь остановится, то вы уже сделали свой мир во всей полноте и новые работы прибавят к этому миру новые краски, новые мазки. Но мир то уже есть!
Это классное чувство.
У меня это чувство пришло где-то к 40 годам, когда я оглянулся, навёл порядок в архивах и понял что у меня 10000 отобранных рисунков уже есть.
И так стало легко и хорошо — что наконец-то можно сосредоточиться на процессе а не на результате.
Когда правильный процесс, то результат придёт сам собой. Но как сложно начинать процесс, если есть ощущение, что у вас нет работ, что вы в самом начале.
И как легко отойти от проблемы отсутствия результата если у вас много работ и если вы не сделаете сейчас, то ничего страшного не произойдёт.
И в этом пребывании в процессе и есть самое главное, самый смысл вашего рисования. Или любой вашей творческой деятельности — рисуете вы или пишете или играете — главное пребывать в процессе и не волноваться что не получится.
У меня это пришло только после осознания объёма сделанного.
До этого всё-таки суетился и торопился.
Но может есть такие гении, которые сразу рождаются с таким пониманием что процесс важнее результата?
Путь к освобождению от торопливости может быть и через объём сделанного.
По крайней мере так произошло у меня, а как это произойдёт у вас — это уже ваша история.
ОБ АБСТРАКТНОМ
Пришло время записать размышление, которое пришло ко мне во время остановки от рисования. И написать это размышление в рамках «Лекций». Вообще-то «Лекции» начинались как подготовка к урокам в художке, такие заметки на полях о чём буду говорить на уроке. Потом выросли в текст-концепцию о своём рисовании. Как бы уроки для тех кто начинает и кто ищет ответов на вопросы, о которых уже много других подумали. А сейчас этот текст превращается в собрание собственных концепций. Причём эти концепции противоречат друг другу, потому что пишется этот текст скоро уже 20 лет. Когда я работал в художке? в начале 90-х? когда начал писать первые записи в «Лекции"? уже и не помню.
В таком по времени написания протяженном тексте естественно будут противоречия, которые и без длительного интервала вообще мне свойственны.
Об абстрактном.
Раньше я считал что художник должен заниматься формой и что личностное отношение к изображаемому неприлично. То есть обнажаться — что ты любишь, чем живёшь — это не надо показывать. А делать вещи, абстрактные по содержанию.
У меня был такой опыт — я делал рекламный мультик — что-то там рекламировалось — мультик этот длился минуту наверное. Это было давно, лет 15 назад. А потом смотрю и думаю — а зачем я всё это рисовал? Месяц жизни рисовал то что вообще не является тобой.
То же самое я сейчас думаю и про многие свои работы. Зачем мне рисовать жирафов, слонов и многое другое если этого в моей жизни нет — это только поводы для абстрактной работы с краской.
И это хорошо в том возрасте, который можно назвать юношеством. То есть в это время идёт вызов, заявка чтобы заметили, нарушение табу и в то же время в это время идет и накопление внутренней устойчивости, почерка, да и в жизни всё только складывается и непонятно, чем ты живёшь.
Сейчас пришло понимание что такое настоящая ценность и что надо успеть сделать. И много тем, которые бы я рисовал раньше — ушли сами, исчезли. И потому что мало времени остаётся.
И сделать надо то самое самое. Возникает конечно вопрос смысла показа, если я убираю абстрактную составляющую из работ. То есть показ таких работ — это выставление на всеобщее обозрение сокровенного и многое что рисую остаётся в папках и не показывалось ни в интернете ни на выставках.
Вообще-то у меня есть ответ на этот вопрос к самому себе. Я считаю что процесс творчества — это магическое действие. Нарисовал, значит, вызвал дождь, вызвал снег. Пусть только нарисованный.
Имея в руках такую силу, надо осторожнее пользоваться ей.
И остался вопрос с показом такого подхода к рисованию и можно ли так лишать абстрактного составляющего в своем рисовании и как и зачем тогда нарисованное показывать.
Так как дальше мысль становится сложной, остановлю её.
Напишу только вывод: абстрактное — это защита от того что результат работы художника показывается. Такая современная поговорка: «ничего личного».
Но от количества абстрактного у художников — не заметили ли вы что мир становится холодным, формальным? в котором «ничего личного»? Но как же тогда осмелиться показывать и рисовать личное? Это же тоже непростая ситуация.
Так и оставлю пока это рассуждение открытым.
О ВОСПРИЯТИИ ВМЕСТЕ С РЕБЁНКОМ
В голове несколько дней сидит мысль, которую всё не могу записать, и сейчас, за 5 минут до выхода в мастерскую постараюсь быстро-быстро записать наконец-то эту мысль.
Пишу в рамках моего большого текста «Лекции», который хочу оставить после себя как завещание и как назидание.
____________
Итак, «О ВОСПРИЯТИИ». Точнее — «О ВОСПРИЯТИИ ВМЕСТЕ С РЕБЁНКОМ».
Моей дочке 2 года и мы стали вместе смотреть мультики. И вдруг я заметил, что то что нравится мне, то что я думал что мне нравится — даже то что сам делал в мультиках — многое не воспринимается ребенком и этот неконтакт с вещью становится причиной пересмотра того что я тоже перестаю сам воспринимать эти вещи. В чем же причина такой переоценки ценностей?
Причина в ритме. Вещь должна быть сделана ритмически в психологии восприятия той логики, которая закладывается в вещь. Мультики — только пример. Это и музыка и кино и картинки.
Все должно быть сдеано так, чтобы с вещью было психологическое взаимодействие, отклик.
Вот началось, вот развитие, вот кульминация, вот неожиданный поворот, вот завершение вещи.
Картинка тоже развивается во времени, как мультик. Только одновременно можно увидеть и края и центр и тот узел, который вы нарисовали как повод, зачем вы вообще взялись это рисовать.
Но здесь есть такой необъяснимый момент. Можно вещь ритмически выстроить, а она не будет восприниматься.
И остаются открытыми вопросы:
- не рисовать если это не воспринимается?
- если воспринимается, но не всеми, то что делать?
- если воспринимается только вами, то как быть — не показывать? а для чего тогда рисовать?
- если думать, как это будет восприниматься, то как тогда рисовать (сочинять, снимать, писать)
Ведь даже этот текст я пишу для того чтобы он был прочитан и был воспринят.
А самое сложное — почему вот эта вещь хороша, но никакого отклика, а вот эта вроде нарисована непонятно как или слишком понятно как — и могу смотреть её бесконечно, а что в ней такого, что заставляет ее смотреть? что затягивает?
И самое интересное — после того как показываю мультики ребенку, читаю книжки, показываю картинки — у меня изменилось отношение к авангардному языку, к абстрактному.
От такого взаимодействия с вещами совместно с ребёнком изменилось и моё рисование, многое изменилось в сторону классики. Хотя я рисовать не научился, но непонятное перестал рисовать.
Непонятное, смутное тревожное — ушло.
______________________
Итак, вывод:
Интересный опыт показать вещь ребёнку, это многому учит. И прежде всего ритму.
ВЫ ДОЛЖНЫ УБЕЖДАТЬ ДАЖЕ СКЕПТИКОВ
Человек рисующий всегда находится в среде, которая не понимает человека рисующего. Родные, знакомые, друзья, а часто и художники — все не понимают вас.
Это с одной стороны.
А с другой стороны — ваша деятельность через рисование. И этот вид вашей деятельности должен убеждать любого скептика — видя вас и видя ваши работы, даже если зритель настроен критически — зрителя должна убеждать некая ваша правота, что вы действительно живёте вашим рисованием и заняты живым, настоящим делом.
От ваших работ и от вас самих должна исходить энергия важности и процесса и самих вещей.
РАДОСТЬ ЖИЗНИ
Это своё представление я не навязываю никому. Это только моё маленькое представление, зачем я рисую.
Всё очень просто — рисованием надо нести радость, красоту, здоровье — как внешнее, так и внутреннее.
Родился на этот свет человек, и всё, что человек делает — это то что всё вокруг него продолжат рождаться, оживать — изображения, внутренние состояния, настроения, мысли, формы, образы, эмоции, дети…
Вы пришли в этот мир для того чтобы всё вокруг вас оживало.
Поэтому мне непонятно искусство только формальное или искусство отрицания.
Я не говорю что такого искусства не должно быть. Просто мне ближе искусство радости жизни.
НАЧИНАТЬ С ГЛАВНОГО
Если это натурная работа, то смотрим на то, ради чего вы рисуете именно этот рисунок. Допустим это яркое пятно или сочетание цветов. Или интересный ход перекрытия одной формы другой.
Первое, что вы делаете — это рисуете это самое первое ощущение от натуры, этот узел.
Потом надо сразу остановиться.
Понимаю, что это очень сложно, потому что рука всё время хочет зарисовать весь лист. Иногда можно разрешить руке продолжать рисовать после того как уже сделан главный узел.
Потому что нельзя бояться испортить работу. Что же это будет за работа, если нарисована с оглядкой «как бы не испортить» и надо же дать волю нарисоваться руке. Пусть ошибается и уводит куда-нибудь в сторону от главного. Да и есть ведь опасность делания скучных формул, которые без ошибок, но и без жизни.
Но опыт показывает, что умение после фиксации главного узла вовремя остановиться — работа всегда лучше. Это связано с восприятием работы. Вы сделали первое прикосновение, которое сразу сделало главное. И восприятие потом этой вещи такое — сразу видишь главное и никаких разночтений.
И ещё — почему я думаю что такая система — начать с главного и вовремя остановиться — для меня так важна.
Я считаю что мир уже настолько заполнен всеми возможными вариациями формообразования, что новой системы уже не создать и жизнеспособным остаётся только такое рисование, где сразу без предисловий и отступлений сделано ваше самое главное, переданы ваши ощущения, без каких либо наслоений или цитирований или отсылок — кроме сразу пойманного за хвост ощущения — и рисовать то ничего не надо другого.
Примерно так, хотя я запутался.
ЧТО ТАКОЕ ГЛАВНОЕ?
Запутался я в предыдущей главке потому что надо бы сказать просто об очень неуловимых, непростых вещах, но которые без слов то мне понятны, а как выразить их словами, чтобы выразить их без разночтений? Не знаю… Поэтому о простом пишу витиевато.
Для того, чтобы написать о главном, надо найти главное, понять что это — главное.
Для художника вопрос поиска главного находится в самом рисовании, и если это для вас действительно является главным, то вы обязательно будете выражать себя через рисование, не смотря ни на какие внешние обстоятельства.
Но внешние обстоятельства влияют. Это друзья-художники-однокурсники. Это педагоги и книги. Всё встречается вовремя и в том объёме, который необходим, чтобы сформировался ваш изобразительный язык.
И вдруг наступает такое время, когда происходит своеобразное озарение — вы вдруг ясно понимаете, какую такую особенную образную систему можете выразить именно вы. Тогда и натура вокруг вас собирается так, что изображая натуру, вы выражаете своё главное.
И, начиная вещь, одним прикосновением, вы сразу её и завершаете.
Раз — и выявили главное. И остановились, когда почувствовали что пора остановиться. А потом — проверяете вещь, выдерживает ли она бесконечное созерцание, становится ли вещь вечной. Остаётся ли вещи живой, работающей в других контекстах. Как она работает напечатанная на бумаге, размещённая в интернете, оформленная под стекло на выставке рядом с другими вещами. И что же она выражает — эта проверка вещи потом будет происходить постоянно и потом будет постоянно корректироваться отношение к этой вещи. Проверяться критикой.
Когда вы работаете вы одновременно абстрагируетесь от того что рисуете, смотрите со стороны на рисунок. И надо почувствовать, сколько можно находиться внутри вещи, в процессе работы над ней. Потому что постоянно выпрыгивать, не начав работать тоже нельзя, потому что рисовальный процесс — ваш дом, вы живёте рисованием. А не вовремя остановиться — это значит — вещь испортить. А когда остановиться? Когда выражено главное.
Так много сказав, я не сказал ещё о том, что такое главное.
Можно ли найти главное в начале своего рисовального пути, в молодости? Или должно быть соединение молодости и мудрости, когда приходит осознание ценности того что вам дан такой способ познания мира через рисование, ценность этого, ценность времени, которое вам дарится. Хорошо когда понимание главного приходит тогда, когда есть сила молодости, а ум уже взрослого человека. Но в истории искусства сколько угодно примеров, когда очень молодой художник сразу находил своё главное. Это говорит о том, что умом и рассуждением это сделать невозможно. Это либо есть, либо этого нет.
Кому-то главное открывается в молодости. Кому-то — в зрелом возрасте после долгих поисков. Но я уверен, что если был большой перерыв, то прерывается даже что-то большее чем поиск главного — прерывается потребность в самом рисовании и рисование после перерыва выглядит как детская игра.
Это всё завязано на инстинктах и тренировке. Рисование можно сравнить с тем как потихоньку тренируется спортсмен, постоянно, ежедневно, понемногу добавляя нагрузку. А после перерыва необходимо восстанавливаться.
Хотя есть примеры что и через большие периоды нерисования можно начать рисовать опять.
Опять я пишу о том как найти главное, а не то, что такое главное.
Так в чём же смысл то, как найти главное и как определиться с тем что главное в рисовании и именно в том направлении, в котором пошёл развиваться художник?
Не знаю. Но надеюсь что вы сможете найти свой смысл, своё главное, и этот путаный текст вам в этом поможет тем что в нём формулируется что такой вопрос есть и он очень важен.