Как говорится, "многие знания - многие скорби"...
Читаю книгу Теодора Адорно "Философия современного искусства". На сладенькое взяла книгу Когоутека "Техника композиции в музыке XX века".
Конечно, вы скажете, что о современном искусстве за неделю мало чего можно узнать, хотя, позвольте, ведь в восприятии искусства главное - это внутреннее ощущение реципиента, не так ли?
И вот здесь как раз возникает вопрос: стоило ли с конца 16-го до начала 20-го века создавать столь прекрасную благозвучную музыку таким великим композиторам, как Монтеверди, Бах, Гайдн, Моцарт (!), Бетховен, Брамс, Шуберт, Шопен, Мусогрский, Римский-Корсаков, Рахманинов и т.д., чтобы потом она выродилась в математические формулы диссонансов, презерающих трезвучие? И какое влияние такая новая музыка оказывает на массового слушателя? На его центральную нервную систему и исполнительные органы других систем организма?!
Опровергните мою точку зрения, кто убеждён, что музыка должна состоять сплошь только из диссонансов, и что за такой музыкой может быть будущее.
Какое, например, будущее в электронной музыке, которая создаётся диджеями с абсолютно дилетантскими знаниями о законах теории музыки и гармонии?
Давайте попробуем провести грань, которая отделяет дилетанта, умеющего грамотно сводить, от настоящего профессионального композитора, виртуозно использующего технику 12-тонового письма, принципы сериализма и пуантилизма. В чью пользу будет сравнение? Если акустически, то может выиграть дилетант, не имеющий ни малейшего представления о законах и принципах построения мелодии и её гармонической вертикали; если логически, - могут выиграть композиторы, использующие атональный язык в качестве основной техники, и тогда процесс восприятия Музыки будет совершенно оторван от сердца, став исключительно интеллектуальным, и есть вероятность, что так уши массового слушателя быстро свернутся в трубочку.
Не пора ли выработать стратегию, которая сможет примирить оба лагеря? Если да, то как она должна выглядеть и звучать?