Что такое искусство?
Искусство это тень божественного совершенства.
Микеланджело.
Искусство это ложь, которая помогает нам понять истину.
Пабло Пикассо.
Искусство должно выражать любовь, иначе это ничто.
Марк Шагал.
Суть прекрасного, величие искусства - это благодарение.
Фридрих Ницше.
Задача искусства смыть пыль с будней наших душ.
Пабло Пикассо.
Искусство завершает то, что не под силу завершить природе.
Аристотель.
В девяностых годах мне довелось проживать в Америке. Однажды по телевизору промелькнула история про чудо-слона из зоопарка Сан-Диего. Перед слоном устанавливался мольберт с холстом и ведра с красками. Слон, зажав кисточку в хоботе, обмакивал ее в краску и лихо водил по холсту. Его работы продавались по 1000 долларов.
Cлон не единственный гениальный представитель фауны. В 50-ых годах прославился шимпанзе по имени Конго, поклонником которого являлся сам Пикассо. Конго поражал публику богатством палитры своих работ. Не секунды не сомневаюсь, что в саваннах и джунглях Африки проживают многие другие чудо-звери, еще не открытые.
Я лично знакома со многими художниками человеческого происхождения, не менее талантливыми, чем слон, или обезьяна по имени Конго, которым не всегда удавалось достигнуть подобного успеха.
После передачи про слона, меня снова стали атаковать вопросами: какова художественная ценность работ слона и есть ли такова; как понимать современную живопись? Как оценить то или иное произведение искусства, и что является искусством?
К «допросам» подобного рода я давно привыкла. Это происходит постоянно, стоит кому-либо узнать, что я художница. Обычно я объясняю, что современную живопись нужно воспринимать в контексте времени, что необходимо сначала ознакомиться с манифестом художника, с его эстетической философией, с особенностями стиля, в котором он работает.
Как правило, я говорю про дадаизм, супрематизм, конструктивизм и еще несколько «измов», и, в конечном счете, убеждаю своего собеседника, что он дилетант и невежда в области современного искусства. Таким образом, мне удается внести свою лепту в распространение мифа об элитарности модернизма и недоступности его широким массам. Но сама я мало верю тому, что говорю, и с каждым годом убедить себя становится все сложнее.
Особенности современного искусства всегда были темой бурных дискуссий в среде художников и их коллег. Совсем недавно я столкнулась со своей старой подругой – обладательницей доктората в искусствоведении.
Разговор зашел о pop-art. Я возмущалась по поводу знаменитой фразы Аndy Warhol, что «искусство – это делание денег». «Искусство делание денег называется бизнесом, и никакого отношения к живописи или к скульптуре не имеет», - утверждала я.
Моя приятельница со мной согласилась. Она сказала, что «искусство это, то, что выставляется в галереях, музеях и других публичных местах». Она цитировала, если не ошибаюсь, одного из руководителей Тель-авивского музея.
Определения более абсурдного по формулировке и по смыслу, а главное из-за их отсутствия, приходилось слышать не часто.
Кроме того, в наше время можно арендовать галереи, театральные холлы и другие помещения под любой вернисаж. В период «перестройки» в России можно было снять престижный музей. Поэтому, как и где выставляется работа, ничего не говорит о ее художественной ценности.
Это положение верно также по поводу других видов искусства. Сегодня за небольшую плату можно издать любой роман, выпустить музыкальный диск, поставить спектакль и даже снять фильм. С помощью успешной рыночной стратегии и PR, (то что называется в народе «раскрутить), можно создать автору имя и обеспечить коммерческий успех. Так что цена работы также не определяет ее ценность.
Как же судить? Каким комментариям, каких критиков верить? Каковы критерии в оценке художественного произведения? Как отличить подлинное искусство от дешевой претензии на него? И, вообще, что такое искусство?
Искусство это способ самовыражения мировоззрения автора, его идей, впечатлений, эмоционального состояния, взглядов на те или иные события или явления с помощью творческого метода, технике и средствам, свойственным определенному виду искусства.
Средства.
Разумеется, каждому виду творчества свойственны свои средства, материалы и инструменты, с помощью которых скульптор ваяет, музыкант играет, художник пишет и поэт сочиняет стихи. Нет особого смысла останавливаться на этой теме и перечислять все то, что служит автору для созидания своих произведений. В живописи это краски, кисточки, растворители, лаки, холсты, грунтовки и многое другое, что принято называть английским словом “media”.
Мастерство.
Один из важных критериев в оценке художественного произведения является мастерство исполнения. В мире проходят конкурса на лучшего пианиста, скрипача, вокалиста, танцора и т.д. Жюри определяет победителя, прежде всего по виртуозности его исполнения.
Мастерство, то как художник или скульптор владеет техникой, не менее важно и в изобразительном искусстве.
Однажды спросили у Дали: - Как отличить настоящего художника от шарлатана?
Дали, ответил: – Поставьте перед ним лошадь. Тот, кто сумеет ее зарисовать, тот настоящий художник. (За достоверность этого предания не отвечаю).
Техника это и есть умение написать лошадь, существующую в действительности, на плоской поверхности; передать сходство, грацию и силу этого животного. И не нужно пренебрегать лошадью. Леонардо да Винчи посвятил ей множество эскизов, Рубенс держал специального мастера для написания лошадиных крупов.
(В отличие от Дали, заодно Леонардо и Рубенса, известный художник современности Джаспер Джонс, работа которого - «Американский флаг» была приобретена IBM за 17 миллионов долларов, утверждает, что ничего с натуры написать не может и когда ему нужно он копирует рисунки других художников. Согласно Дали, Джаспер Джонс не художник).
Для того чтобы преуспеть в мастерстве живописи необходимо знать теорию цветов; законы композиции, частью которой, например, является понятие о золотом сечение. Нужно уметь смешивать краски механически, или оптически; владеть законами перспективы. Желательно ознакомиться с технологией производства грунтовки, пигментов, растворителей, лаков и других материалов, которые обширно используются в живописи. Представители классической школы считают, что знание анатомии является необходимым условием в образовании художника или скульптора.
(Следует отметить, что великие мастера эпохи Возрождения анатомию не изучали. Хотя церковь и позволяла художникам присутствовать при вскрытиях тел казненных преступников, подобные занятия не поощрялись.
Леонардо да Винчи под покровом ночи торопился в анатомический театр, потому что анатомия интересовала его как наука, а не в целях живописи.
Известно, что Микеланджело использовал мужскую натуру, поэтому и женщины у него получались несколько мужеподобными).
До 20-ого столетия критика искусствоведов сводилась к оценке мастерства художника. Например: критики упрекали Энгра в анатомической неверности его образов – чрезмерно удлиненная спина у «Одалиски».
Особое внимание отводилось теме работы и интерпретации автора известного мифа или библейского сказания, настроение и характер образов, атмосфера времени, историческая правдоподобность. Искусствоведов всегда занимало, кто позировал художнику, хотя лично я, как художница, до сих пор не могу понять, какое это имеет значение. Художникам не всегда нужна модель, если нет цели передать сходство с конкретной личностью. Художник – создатель, творец. Рафаэль сам искренне признался, что никогда не встретил женщину, которая послужила бы ему прообразом его мадонн. Они плод его воображения.
В 20-ом веке распространилось мнение, что изобретение фотографии уничтожило необходимость в реалистической живописи и тех технических навыках, которые накапливались веками от Пьеро дела Франческа до Ван Дейка и Рубенса. Действительно, что должен был знать или уметь Дюшамп, чтобы выставить писсуар под названием «Фонтан», как очередной шедевр?
Всё же, не думаю, что фотография оказала такое пагубное влияние на классическую живопись. Это утверждение сильно преувеличенно. Первые фотографии, маленькие и нечеткие, не могли сравниться с большими, красочными полотнами Делакруа и Давида, которые создавались приблизительно в тот же период времени, что и появление фотографии.
Это несколько упрощенный взгляд на вещи. Скорее всего, неореализм французской школы на тот момент себя исчерпал, достигнув вершин мастерства. Художникам пришлось искать новые пути для самовыражения. Наверняка, социальные факторы сыграли более значительную роль, чем предполагается.
Как художница и преподаватель живописи, исходя из собственного опыта, могу сказать, что реализм не является точной копией действительности, а личным восприятием автора.
(Если поставить керамический горшок перед группой из 10-ти студентов, то каждый напишет этот горшок совсем по-другому. Иногда зарисовки одного и того же предмета настолько отличаются друг от друга, что я начинаю сомневаться, все ли писали тот же объект).
В последние десятилетия явно намечается тенденция возврата к реализму, к академической живописи. В ведущих галереях крупных городов мира все чаще можно увидеть такие стили как гиперреализм, или фотонатурализм.
В Нью-Йорке я столкнулась с группой художников, которые пытались изучать технику, сочетающую яичную темперу с многослойным письмом. Этой техникой последним пользовался Рубенс.
Так что мастерство, вне зависимости от мимолетных увлечений и модных тенденций, всегда будет одним из основных слагающих того, что мы называем искусством.
Профессор философии Бринкер сказал, что «как» не менее важно, чем «что», и, пожалуй, это «как» превосходит по значимости «что».
• (Не сомневаюсь, что в определенных видах искусства, в опере, например, это так. Я не лью слез, когда в конце убивают Кармен, душат Дездемону или замуровывают живьем Аиду. В конечном счете, независимо от того, кого из героев хоронят в последних аккордах, я выхожу из театра в приподнятом настроении, под впечатлением от искусства вокала).
Тем не менее, в изобразительном искусстве, «что» - тема, является сутью работы. Мастерство же должно соответствовать общей идее произведения.
Творческий метод.
Творческим методом или языком называются особые приемы, которыми пользуется автор для создания своего произведения.
Этот язык досконально изучен и систематизирован в музыке в литературе, балете, опере, драме, и, в частности, в поэзии. Например, в России уже в средней школе изучают, что такое рифма, ритм, ямб, хорей, анапест, аллитерация, метафора, сравнение, гипербола, аллегория, и т.д. – (целый словарь специальных терминов), что позволяет анализировать и понимать поэзию более глубоко и досконально.
Не так обстоят дела в изобразительном искусстве. Современные критики больше заняты толкованием произведения или стиля. Например: несколько хаотично разбросанных по холсту коричневых пятен служат искусствоведу для следующей фразы: «вибрирующий синтез света в оптическом пространстве ...».
Критики служат посредниками между произведением и зрителями, которым сложно разобраться самостоятельно. Чем картина или скульптура более абстрактны, интерпретация ее более свободна. Обойтись без помощи доктора наук, который объяснит связь, или скорее ее отсутствие, между идеей художника и происходящим на холсте, (в пространстве), просто, невозможно. В подобных обозрениях чем больше слов, латинского происхождения, тем сильнее впечатление интеллектуальной изощренности работы.
Тем не менее, и в живописи, и в скульптуре пользуются теми же традиционными методами - метафорой, например.
Метафора.
Известный словарь Webster так толкует понятие «метафора»: качества придаваемые предметам или событиям, как правило, им не свойственные.
Метафора распространенна в поэзии. С ее помощью автор создает поэтические образы, которые и являются основой поэзии. Несколько примеров из Т. Элиота: «апатия сломанных копий», «замерзшее молчание» или «рубашки, сотканы из пламени» и т.д. Молчание не мерзнет, а у копий отсутствуют какие-либо настроения.
Живопись импрессионистов - Моне, Гогена, Сера, метафорична в своей основе. Зрителю представлен мир через призму субъективного восприятия художника, не таким, каким он есть на самом деле.
Метафора в живописи создается с помощью изменения цвета, формы и функции объекта. Характерным примером можно назвать изогнутые часы Дали, летающие фигуры Шагала, овцы Кадишмана. Они окрашенные художником во все цвета радуги, что не совсем соответствует действительности.
Стилизация.
Художественный прием, именуемый стилизацией, на протяжение многих веков является определяющим стиль
Стилизация – это обработка, изменение, искажение объекта определенным образом. Зачастую это упрощение определенных качеств данного предмета, или смещение акцентов.
Эпохи, периоды, стили от древнего Египта до кубизма и наива отличаются друг от друга способом «искажения» знакомых нам форм. Характерный профиль древних египтян невозможно перепутать с вытянутыми ликами византийских святых.
Стилизация широко использовалась художниками 20-ого века. Ее применяли Матисс, Пикассо, Шагал, Модильяни, Джакометти, Ботеро и многие другие – практически большинство известных и не очень известных художников.
Оригинальность, новизна такой стилизации во многом определяет достоинства того или иного художника, скульптора.
Стилизация распространенна также в графике, дизайне, архитектуре и других областях прикладного искусства.
Абстракция.
Согласно словарю Webster абстракция – это отсутствие конкретных форм.
В живописи это способ передать необходимые художнику пейзаж или сцену, избегая детального изображения.
Любой художник, который когда-либо писал природу, знает, что невозможно изобразить каждую ветку, листок, изгиб волны, следы на песке. Специальные эффекты, а иногда инструменты, (например: кисточка–веер), которыми пользуется художник, для того чтобы создать нужное ему впечатление и есть абстракция, (не путать со стилем, который называется абстракционизм).
В знаменитых «Прудах с кувшинками» Моне не выписан ни один лепесток этого цветка – так пятна, штрихи. Это и есть та абстракция, без которой не обойтись художнику, в каком бы стиле он не писал, (кроме фотонатурализма и гиперреализма).
Вот несколько основных приёмов, применяемых в изобразительном искусстве. Они доступны пониманию зрителя, в отличии от законов композиции, например, в которых разобраться может только специалист.
Этого достаточно чтобы посмотреть на произведение немножко другими глазами. Безусловно, художники пользуются и другими методами, которым лишь предстоит быть изученными и классифицированными, потому что до сих пор никто этим серьезно не занимался.
Новаторство.
20-ый век определил новые критерии в изобразительном искусстве. Кроме того, что модернизм сделал серьезную попытку интеллектуализировать живопись и скульптуру, он предал особую ценность новаторству идей художника. Художники, сумевшие найти свой уникальный стиль, или более того утвердить его как модное течение, как Пикассо кубизм, Дали сюрреализм, Кандинский абстракционизм, Малевич супрематизм, Andy Warhol поп-арт, занимают особое место в истории искусства. Способность стать законодателем в живописи или скульптуре, где есть свои модные тенденции, придает особую ценность работам, а их авторам открывает дорогу к славе, признанию, богатству.
Эстетика.
С термином эстетика в изобразительном искусстве существует определенная путаница. С начала 20-ого века оно стало применяться в контексте творческого кредо, философии автора. С другой стороны «эстетика» является синонимом прекрасного. Когда мы говорим об эстетичности работы, имеется ввиду насколько произведение приятно для нашего глаза. Эта способность работы поразить, загипнотизировать зрителя, довести до легкого расстройства известного как «синдром Давида», (чувство собственной неполноценности, возникающее у некоторых посетителей Флоренции), не является чем-то случайным. Гармония формы и цвета определяется соотношением пропорции объектов на картине или в скульптуре. Это было известно художникам давно.
Начиная с эпохи Возрождения математики и художники пытались рассчитать идеальные пропорции. Возрос интерес к «золотому сечению», известному с Эвклидовских времен. Кстати, это сечение, (пропорциональное деление отрезка на неравные части, при котором весь отрезок так относится к большей части, как сама большая часть относится к меньшей; или другими словами, меньший отрезок так относится к большему, как больший ко всему), «золотым» назвал Леонардо да Винчи. Оно часто встречается в животном и растительном мире. Также пропорции человеческого тела соответствуют золотому сечению.
Считается, что объект, будь то ракушка, ящерица, или женское лицо, несущие в себе золотое сечение, обладает особым, чуть ли не гипнотическим свойством, привлекать внимание.
Художник - Пьеро дела Франческа написал две книги, одна из которых является «О перспективе в живописи». Его считают творцом начертательной геометрии. Его ученик, прекрасно понимавший значение науки для искусства, математик Луки Пачули издаёт книгу «Божественная пропорция».
Как результат поисков этой «божественной пропорции» является знаменитый витрувианский человек Леонардо да Винчи.
(Витрувианский человек - рисунок, сделанный Леонардо Да Винчи примерно в 1490-92 годах, как иллюстрация для книги, посвященной трудам Витрувия. Рисунок сопровождается пояснительными надписями, в одном из его журналов. На нем изображена фигура обнаженного мужчины в двух наложенных одна на другую позициях: с разведенными в стороны руками, описывающими круг и квадрат.
Рисунок и текст иногда называют каноническими пропорциями).
Тем не менее, только сегодня математики начинают поиск алгоритмов прекрасного, базирующихся на формах и пропорциях.
Но идеальных пропорций недостаточно, чтобы придать работе «гипнотические» свойства. Цветовое и световое решение не менее важно. Известно, что если цветовая гамма картины верна теории дополнительных цветов, то это произведение особенно привлекательно для наших глаз. Художники-импрессионисты широко использовали этот метод. Также контрасты между светом и тенью имеют завораживающий эффект. Работы Караваджо и Рембрандта подтверждают это.
И, тем не менее, никто точно не знает как «приворожить зрителя». Очевидно, формулы идеальных пропорций и секреты цветовых сочетаний так и не разгаданы учеными.
Некоторым из нас, одиночкам, это дано свыше – некое чувство прекрасного, которое водит рукой мастера. Какие расчеты могли подсказать Микеланджело, сколько и где мрамора стесать, чтобы получился Давид? Только внутреннее чувство, которое и есть гениальность.
Художники времен Ренессанса руководились философией Платона, которая утверждает, что прекрасное олицетворяет божественность. В последствие такой подход стал на долгие годы основным мотто в живописи.
Модернизм, который по сути своей является бунтов против классической живописи, против красоты, заклейменной «безвкусицей и китчем», на самом деле ничего не изменил. И кубизм, и абстракционизм подчиняются тем же законам композиции.
Оглядываясь назад на шедевры искусства созданные Микеланджело, Тицианом, Караваджо, Рубенсом, Рембрандтом, Вермером, Роденом, Шагалом, Дали и т.д. легко определить, что общее между ними это, захватывающее дух, прекрасное.
Не нужно искать чего-то необычного в конкретном образе, будь-то Мона Лиза, Флора Рембрандта или Елена Рубенса. Ощущение прекрасного создается всем произведением – его цветовым и световым решениями, его композицией, задним планом, техническим мастерством художника . Загадочность улыбки Моны Лизы, не только в выражении лица, но и в пейзаже на фоне.
Мы воспринимаем произведение, прежде всего, визуально, как, в принципе, окружающий мир вообще. Картина воспроизводит действительность, неважно в каком стиле она исполнена, даже если работа создана в стиле экспрессивного абстракционизма в духе Д. Поллака. В конце концов, и в природе можно найти случайное сочетание цветовых пятен, радующее глаз: рисунок на мраморе, переливающиеся блики кристаллов, масляные пятна на асфальте и т.д.
Достаточно мимолетного взгляда чтобы определить нравится ли нам закат над морем или поле, поросшее маками. Точно так же с изображением на холсте. Если первое впечатление мне ни о чем не говорит, если мне не хочется задержать взгляд, затаив дыхание, застыть перед полотном, я не стану вникать в смысл работы, не поинтересуюсь теми великими мыслями, которыми она пронизана,
личностью художника, или его мировоззрением.
Еще раз подчеркиваю, что это мое личное мнение и мое личное отношение к живописи и скульптуре. Из многочисленных бесед с коллегами, друзьями, учениками знаю, что и другие воспринимают изобразительное искусство точно так как и я.
В заключение: прежде всего живопись, скульптура, графика, дизайн должны доставлять эстетическое удовольствие. Это условие их существования.
Идея.
Как было сказано выше – искусство это способ самовыражения. То, что заставляет создателя писать, рисовать, сочинять, это потребность поделиться с ближними своими переживаниями, впечатлениями, мыслями, мировоззрением и т.д. Безусловно, существуют и другие мотивы – жажда славы, успеха, благосостояния. Но только этого не достаточно. Что-то другое - образы, которые преследуют; звуки, которые не дают спать по ночам; видения, просящиеся на холст, толкают человека созидать.
Известная певица Мадонна, олицетворение поп-культуры, как-то в интервью сказала, что она не бог весть какая певица, что она не обладает дивным голосом, и что ее заставляет сочинять и исполнять свои песни – это желание поделиться с обществом своими взглядами, (о взглядах судачить не будем). Другими словами донести до публики определенную идею.
Идея, концепция являются сутью искусства, его предназначением.
Качественные свойства этой идеи – универсальность, актуальность, философская глубина, оригинальность определяют художественный уровень произведения. Именно в этом состоит величие романов Достоевского, Толстого и Бальзака, Маркеса и Миллера и других.
Иногда концепция произведения носит более обобщенный характер, как в «Ромео и Джульетте» - триумф любви над всеми невзгодами жизни, включая смерть, или более специфический характер как в романе Умберто Эко «Имя розы». Своим произведением У. Эко автор утверждает победу просвещения над силами мракобесия.
В изобразительном искусстве, как правило, идея, эстетическая философия чаще всего присуща целому периоду или стилю, чем отдельной работе определенного мастера. Тем не мене, и отдельное произведение может нести в себе определенную концепцию, как «Герника» Пикассо, или работы Дали и Магрета, выполненным в стиле сюрреализма.
Искусство – литература, поэзия, живопись, скульптура, драма, кино и т.д. проповедует моральные ценности - гуманность, справедливость, равенство, свободу. Искусство восхваляет добро и порицает зло. Таким образом оно формирует моральные ценности общества, в котором мы живем.
Те функции, которые приписываются религии, выполняют литература и кино, живопись и поэзия. (Мое поколение, родившееся и выросшее в коммунистической России, что такое хорошо и что такое плохо в детстве училось по Маяковскому, Чуковскому, Маршаку).
Зачастую и сами авторы становятся носителями передового мировоззрения. Это особенно ощутимо в условиях тоталитарных режимов, как, например, в коммунистической России. Во времена диктатуры Сталина неугодных писателей и поэтов казнили. Работы крамольных художников, типа Малевича и Филонова, сжигали.
Но и после смерти тирана людей творчества преследовали и изгоняли из страны, как например Солженицына и Бродского - оба лауреаты Нобелевской премии в области литературы.
Идея произведения определяет разницу между искусством и развлечением. Существуют многие формы сходные с искусством, цель которых развлечь публику, насмешить-порадовать, начиная от цирка и кончая грандиозными представлениями Лас-Вегаса. Кстати, голливудское кино называет себя entertainment industry, то есть: индустрией развлечения. Хотя следует признать, что грань между искусством и развлечением очень тонка.
Настоящее искусство отличается интеллектуальной глубиной и высокой моралью. Оно способствует демократизации, гуманизации и просветлению общества. Поэтому играет важную роль в социальном прогрессе.
Искусство – это совесть цивилизации.