Е. УЗУН - театральные рецензии - 2008-2017

Е.УЗУН- ТЕАТРАЛЬНЫЕ РЕЦЕНЗИИ - 2008-2017
Обзорная подборка публикаций о премьерных постановках оперы, балета и театра драмы, связанных с именами наших соотечественников в Молдове, Украине и России

                ***             
Театр Андреа Баттистини   
МACBETH-2017
 28 и 30 июня 2017 года Национальный театр оперы и балета имени Марии Биешу представил премьеру оперы Д.Верди «Макбет». И мы хотим ознакомить читателя с впечатлениями организаторов и участников спектакля.
Юрий Гыскэ, Народный артист РМ, Макбет (28.06.2017)
- Я очень довольно работой театра - репетировали очень много, сплоченно и сосредоточенно. Не припомню такой степени концентрации и целеустремленности в процессе освоения премьерного спеrтакля. Я постоянно чувствовал поддержку коллектива, за что всем весьма благодарен!
Пламен Дмитров, Макбет (30.06.2017), Болгария
- В Молдове я впервые, хотя «Макбета» пел в Болгарии в Варне и в Пловдиве. И у меня создалось впечатление, что в спектакле очень интересный режиссер и дирижер. Коллектив очень сплоченный, хочет работать, и я, надеюсь, что у нас вместе получился продукт высокого профессионального уровня. Мои партнеры певцы очень сильные, и я рад сотрудничеству.
- Чем партия Макбета интересна для Вас?
- Вокально она очень тяжелая, эмоционально требующая максимальной отдачи и сложных изменений на протяжении спектакля. Макбет, на самом деле, хороший человек и настоящий воин. Но благодаря внушению супруги Леди Макбет он совершает цепь убийств, психика его не выдерживает – и перед нами безумец! Дункан был для него как отец, но в итоге он убивает даже прототип своего отца. Его раздирают противоречия, совмещающие желание властвовать, мстить, сцены безумия и покаяния! И я весьма рад, что у меня такая обаятельная и убедительная партнерша Анжела Пихут в роли леди Макбет.
- В чем разница постановки в Варне и у нас?
- В Варне спектакль академического типа, в Молдове – современное решение, где шекспировский сюжет перемещается в 40-е годы ХХ столетия. И это не простая задача – сделать спектакль остро современным, сохранив наполненность смыслов и идей на уровне классической драмы. Ваш спектакль смотрится убедительнее многих других, где осовременивание не оправдано и опустошает саму суть спектакля.
Анжела Пихут, Леди Макбет (30.06.2017)
- Наш театр впервые ставит оперу «Макбет» - работа интересная, волнующая, пока до конца не устоявшаяся в сознании. Леди Макбет -образ необычный, и это большой вызов сыграть негативную роль, учитывая, что отрицательных женских персонажей в оперном репертуаре не так много.
- И это тем более странно для Анжелы Пихут, известной своим добродушием
- Мне кажется, что мы все проявляем в себе черты характера моей героини. Стервозность – это вполне характерное состояние для женщины.
- Леди Макбет – абсолютное зло в реальности или это такая степень безумия?
- И то, и другое – мне кажется, это врожденные свойства! Все началось с того, что она потеряла ребенка, затем ее жизнь превратилось в месть…
- А как Вам сама партия?
- Сложная, но мне она подошла, и я чувствую себя вполне естественно вокально и актёрски!
- Как режиссура?
- Я восхищаюсь работой режиссера Баттистини. Мне нравится чувствовать себя частью драматического театра. Андреа Баттистини творит из нас драму.
Владимир Драгош, народный артист РМ, художественный руководитель театра оперы и балета им. М. Биешу
- Этот спектакль впервые должен был состоятся 25 лет назад с дирижером Александру Самоилэ. Был очень интересный материал для постановки: тема узурпации власти - вечная и очень актуальная в любом обществе, государстве или коллективе. Мы начали работать, пошили костюмы, были уже спевки, но помешали финансовые трудности. Вот теперь в 2017 году все сошлось - режиссер, дирижер, опыт труппы. Видимо, современные коллизии - повстанцы, беженцы, тема абсолютного зла, преступления и наказания сегодня совпадают по резонабельности с музыкально-сценическим воплощением драмы Шекспира и Верди! Спектакль редкий, пожалуй, самый сложный психологически… Мне нравится режиссура Баттистини – она яркая, глубокая.
Родика Пичиряну, леди Макбет (28. 06. 2017)
- Главная тема – это отношение к жизни при сильном желании властвовать. И на что способен или не способен человек во имя власти. Леди Макбет - персонаж, сконцентрировавший в себе все мировое зло! И как в этом существовать несколько часов на сцене – главная проблема. У меня много помощников – оркестр, хор, солисты из Молдовы и Болгарии, режиссер из Италии – это прекрасный ансамбль и бесценный опыт для каждого из нас, потому что главное, что нас объединяет – это музыка!
Андреа Баттистини, режиссер, Италия
- История «Макбета» для меня не столь глобальна. Прежде всего, это «Он и Она», то есть драма двух людей. И уже потом - шотландское королевство и кровавая история восхождения на престол семейства Макбетов! В любой момент каждый из нас может вообразить, что он может стать, например, режиссером в театре Метрополитен. Почему нет? Я шучу, конечно… Но каждый вправе выбирать, кого он способен погубить на пути к успеху, даже если это ваш друг - Банко или Дункан! Я очень благодарен Молдове за возможность поставить здесь «Макбета». И рад, что это уже четвертая моя совместная работа с оперой Молдовы. На пути к «Макбету» у нас уже были «Отелло», «Кармен» и «Риголетто». Коллектив Национальной оперы отзывчивый, творческий, талантливый и, как оказалось, чувствительный к современным тенденциям на грани пересечения музыки и драматургии. «Макбет» - монументальная работа, и я хочу выразить признательность всему коллективу, потому что в течение шести недель мы смогли преодолеть не только такой монументальный проект, как «Макбет», но поставить «Кармен» Бизе в Бутученах. Это был очень насыщенный и плодотворный опыт для меня!
Сценограф, Народный артист РМ Юрий Матей
    - На моем счету более 50 театральных работ, но если спросить, какой спектакль для меня сейчас на первом месте - отвечу сразу "Макбет"! И несмотря на большой творческий опыт каждая последующая работа для меня - первая. Основная задача- помочь актерам максимально раскрыться в постановке! "Макбет" -сложнейшая работа, набирающая обороты от репетиции к репетиции, от спектакля к спектаклю Это колоссальный живой организм, запускающий мощные неведомые стихийные силы.
- Самый впечатляющий момент в постановке - это огненный круг, плывущий в открытом пространстве. Чья это идея?
- Идея моя , и она очень важна. Мистический круг возникает как символ вовлечения героев в роковой круг неизбежности. Они входят в ситуацию, возможно, и с благими намерениями, но дальнейший ход событий им не подвластен. Семья Макбетов становится парой марионеток, которой управляет чудовищное сплетение событий.
Елена УЗУН, музыкальный критик, пресс-секретарь театра
- Магическое колесо как символ кровавой человеческой мясорубки, управляемой духами Подземного значения, на мой взгляд, становится центральным символом в спектакле. Но Темные силы - не единственный стимул движения в драме, есть и силы небесные, помогающие разрешиться ситуации должным образом. И это самые мощное столкновение сил из тех, что были призваны в операх Верди.
    На самом деле, Магический круг не самостоятелен - он не оторван от вязкой паутины действия. Нам только кажется, что короли управляют страной. На самом деле, они вовлечены в жестокую игру, результат которой изначально не предсказуем. Запутавшись в паутине террора и мести, властители погрязают в тяжелейшей цепи кармических обстоятельств, вовлекая туда и позитивные силы, и обычных граждан.
    В итоге террор завершается ответным террором, безумие Леди Макбет передается ее супругу и смерть порождает смерть. И даже имена персонажей, сражающихся за власть, в корне едины - МАКдуф убивает МАКбета. Причем первое и последнее убийство драмы совершается якобы не со злыми намерениями. Опасность всей ситуации раскрывается в непрерывности вендетты, и, чтобы уничтожить источник террора, надо самому родится не совсем человеком, а быть вырезанным из чрева матери.
    Зло невозможно остановить - его нужно изжить, уничтожить и побороть усилиями многих и многих . А потому в конце спектакля навстречу Макбету выходит не только Макдуф, но и войско с лесом красных копий - неумолимый частокол Красного леса, против которого Злу устоять невозможно.
    При этом сам Лес подвергается трансформации - вначале служит укрытием для убийства позитивного героя, а в конце сам побеждает Зло как символ всенародного гнева! Сложнейшая цепь трансформаций с одновременной концентрацией символов добра и зла в одном персонаже, образе или стихии, чему яркое подтверждение - пластический Квинтет ведьм. Они настолько многоплановы и разнозначны, что сразу все и не упомнишь.
    Во-первых, ведьмы - это зеркала мистических сил. Они предваряют действие, предсказывают ход событий. А в третьем действии это уже расколотая зеркальность, впитавшая три видения-предсказания гибели Макбета, показанные ведьмами со спины, то есть в перевернутой ситуации . Во-вторых, ведьмы символизируют пять призраков персонажей, убиенных Макбетом. Они же камеристки во время Бала. Их движения зомбированы, напоминают действия монстров или наркоманов. Но это поначалу. Затем они варьируются - от зыбко-страшного театра видений до элементарно комической неуклюжести. Ведьмы - одновременно и шоу-элемент, и двигатель драмы. Они не просто отражают событие с опережением, а по сути им руководят, одновременно иронизируя над происходящим.
    Особый респект хочется выразить хору театра, играющего многозначную роль комментатора действия наподобие античного хора! Стиль античной драмы ощущается в жестикуляции, замирании и акцентах. Хор - это второй зеркальный слой действия после квинтета ведьм. И он также мощно влияет на динамику разворачивания спирали действия. И тут безусловная заслуга Главного хормейстера театр мастера искусств Молдовы Олега Константинова.
    Многослойность фильтров действия отражается и во вневременных акцентах, поскольку действие спектакля перенесено из ХI столетия в ХХ век во времена Второй мировой войны, начиная с 1939 года. И тут вполне уместно высказывание, что историю творят не властители, а народ. Властители в "Макбете" - всего лишь зомби и слепое орудие черных сил, рвущееся к власти и не способное менять ход истории всерьез. Великая мысль о том, что именно народ должен созреть к преобразованию общества - вот идея Макбета, и как она нам созвучна! Да, поначалу народ только свидетель игр Неба и Земли, но искоренить Монстра должен именно он, потому что перед силой народа Зло бессильно! Какая мощь и какой Верди...
    Итоговое слово хочется посвятить оркестру Национальной оперы и дирижеру Народному артисту РМ Николае Доготару. Прозвучали сдержано, мужественно с точным ощущением контрастов, акцентов и ударов Судьбы. Постепенно оркестр овладевает ситуацией и становится то неумолимым судьёй, а то защитником многочисленных жертв Рока.
    В премьере оперы "Макбет" все сошлось - яркая драма У.Шекспира, трактовка режиссера А. Баттистини, сценография Ю. Матей, отточенная музыкальная подготовка театра и давнее желание зрителя увидеть современный музыкальный театр в Молдове!
 
          ***            
Премьера «Отелло», или новая попытка прорыва
Самая новаторская опера Джузеппе Верди «Отелло» - тяжелое испытание для любой оперной труппы. В Молдове в 2015 году она ставилась в третий раз, предыдущие постановки было совершенно иными и шли с большими перерывами - в 1964 и 1998 годах. Первый спектакль был мне недоступен в силу возраста, второй я знаю - и это довольное интересное решение режиссера Еуджена Платон.
    Но почему же «Отелло» - такой риск в конце сезона? Кишиневская труппа спокойно исполняет такие «монументы», как «Реквием», «Аиду», «Бал-Маскарад» Верди, «Турандот» и «Тоску» Пуччини. Вопрос лишь в том, верит ли труппа дирижеру и режиссеру? Новая концепция итальянского режиссера Андреа Баттистини самодостаточна. Знаменитое начало оперы резко с кульминации вершино-источника удалось, но пришлось поработать. «Отелло» - это колоссальное напряжение, экспрессивная, сложная по тесситуре партитура, пронизанная огнем, ядом и молнией.  Это не просто страсть, а максимально-вселенское столкновение веры, ревности и любви. Где вокалисту надо не только осилить колоссальные скачки, но и постоянное напряжение драмы, выстроенное на внутренних иглах и молниях. Верди «подрывает» драматургию «Отелло», как на минном поле. Все внутри наполнено импульсами- вспышками, не оставляющими в покое персонажей ни на минуту. «Покой нам только снился» - вот это «Отелло».
    Главный магистр оперной драматургии маэстро Джузеппе осознанно задавал театру перца в виде сложно преодолимых партитур, которые и через пять веков останутся загадкой для музыкантов. Его можно понять: то, что ясно и легко, быстро становится не интересно. А нагнетание амбиций на уровне «Отелло» - это подвиг, за который каждый исполнитель благодарен судьбе.
    Поэтому начало спектакля – по сути, весь спектакль, Андреа Баттистини решил конкретно – выставил на авансцену огромные решетки, за которыми скрывается хор, тревожно ожидающий прибытие нового губернатора Кипра Отелло, попавшего в шторм. Постепенно в ход идут не только голоса, руки и головы артистов. Возникают ножи и пики, как символы войны и борьбы за свободу. Интервально-динамические волны быстро захлестывают хоровое волнение, пока на гребне эмоций ясным Солнцем возникает Отелло, на время убеждающий народные массы, что все хорошо!
    Далее сцена, где Яго напевает свою любимую арию. Он близкий друг, рубаха-парень, а хор веселиться в круговом танце, напоминающем молдавскую хору. И тут возникает параллель – толпа, решетки, желание вырваться из беды. Беззаботная хора – суть нашей жизни, полной радужных обещаний и желаний прорыва в светлое завтра, закрытое новыми решётками. И суть этих решёток – неверие в себя.
    Был и в Отелло некий комплекс, грань, о которую раскололось счастье нежной любви к Дездемоне. Он до конца не верил в универсальность чувств мавра и белокожей девы, не понял суть женской души. Изнутри его подъедал червь сомнений: а могу ли я быть счастлив? И возник хитрец Яго, хорошо знавший пороки и комплексы Отелло. Порывистый мавр со страстной душой ждал только побед и не был готов к коварству. Яго же был готов ко всему...Вот тут и открывается главная карта драмы. Кто же главный герой? Отелло? О нет - Яго! Он король драмы, вершитель судеб, в итоге и сам жертва трагедии.
    Именно он - гениальный интриган, по сути, Мефистофель, постоянно подбрасывающий поленья в топку, сжигающую разум Отелло и превращающий благородный героизм и нежную любовь в бессмысленное кровопролитие. Не зря сам Верди поначалу хотел назвать оперу именем «Яго». Потому что его коварство - главная пружина драмы, ее кровь, пот и жесткая обреченность.
   И нам весьма повезло, что в кишиневской премьере 26 июня 2015 года в партии Яго выступил Народный артист Молдовы баритон Юрий Гыскэ. Он абсолютно вписался в образ коварного циника Яго - холодного, жесткого и жаждущего абсолютной власти! Самой яркой победой в карьере Гыскэ в свое время стал Дон Жуана в опере Моцарта, жгучий испанец -  пикантный соблазнитель, смело внедряющийся в любую ситуацию. Характерный прищур Юры, умение держать сцену, накалять ситуацию, смешивать юмор с коварной ухмылкой - всё это пригодилось и в сложнейшей партии Яго, презиравшего всех и вся.  Да, Яго удался, и это непростая «виктория» -  волевая и довольно убедительная.  Гыскэ сумел в двух-трёх штрихах-жестах дать зерно образа и буквально с первых фраз показать драматургию тембра. Он одинаково хорош в «изображении» верной дружбы с импульсивным Отелло ив  цинично-холодной «сцене с платком».
    Но что ж Отелло? Неужели он только наивен, порывист и прост в своих темнокожих комплексах и стремлении возвыситься над белой аристократией? О нет. Он тоже интригующе привлекателен в исполнении солиста Национальной оперы Болгарии Даниэля Дамьянова. Даниэль владеет этой сложной партией вокально, ансамблево  и актёрски, и опыт заметен. Героически-гордый красавец вначале, он постепенно превращается в странного безумца, с блестящими очами наркомана, ошарашенного вымышленной изменой Дездемоны. Его сознание не может принять удара, и он крушит все вокруг, оглашая сцену измученным стенанием всё ещё сильного мужчины, любящего, но уже стремящегося к гибели.
    Сложнейшее испытание легло и на плечи сопрано Родики Пичиряну, которой пришлось нести на себе груз страданий Дездемоны в сочетании с работой режиссера-координатора в спектакле. Отметим также выразительное пение Николая Васкауцана в партии Кассио - он держит образ и зал, стараясь не уступать лидирующей двойке Отелло и Яго. Хорош Родриго - Виктор Новицкий, решительно вступающий в интригу с Яго. Внушителен Валерий Кожокару в партии Лодовико. Вызывает доверия чуткая Эмилия – Татьяна Вырлан, пытающаяся остановить колесо драмы. Отметим и Монтано - Максима Иващук, уверенно владеющего голосом и сценой.
    Ну и конечно, хор,  активный, выразительный,  с самого начала убеждающий, что мы в сердце драмы, что все по-настоящему - без всякой оперной условности. Хорыв «Отелло» мощные, особые, возникающие в острые моменты драмы и поворачивающие действие, словно штормовой ветер.
    И в этом явная заслуга дирижера Народного артиста Молдовы Николая Доготару и режиссера Андреа Баттистини. Маэстро Андреа создал очень итальянскую атмосферу  в спектакле - суетно-смятенную вначале и нежно-пасторальную в сценах женщин и  детей. Античная драма просматривается в дуэтах Яго и Отелло и фресковое величие в сцене с Лодовико. Тут явное влияние итальянской живописи и архитектуры в самой атмосфере, наполненной тайной венецианской истории и роковыми переплетениями английской драмы. Для Баттистини – это, прежде всего, драма Шекспира, и уже после музыка Верди! При всей традиционности постановки он оставляет шлейф таинственности, загадочности и неумения уберечь светлое чувство, уступающее жестокости социума...
    Что же до уровня чисто музыкального, то хор убеждает не только актерски, но и мощно в плане вокала. Непреклонно движутся к цели Отелло и Яго, преодолевая одну сольную преграду за другой. В музыкальном плане «Отелло» равен Везувию - кто не сорвётся, не попадет в клокочущую лаву извержений - тот закален как вокалист надолго. Это же относится к оркестру, призванному нагнетать сумасшедшее напряжение, погружая зрителя в непрерывные волны-спирали бесконечной драмы. А потому поздравим Национальную оперу с боевым крещением в горниле «Отелло». 
                24 июня 2015
             ***
«Риголетто» в Бутученах
Ещё год назад не верилось, что где-то возле скалы в низине Бутучен возможно выступление оперного театра.  Но состоялось - и мы услышали оперу «Риголетто» и «Реквием» Джузеппе Верди в природном амфитеатре среди театральных колонн и высоких грозных гор. И, надо сказать, природная акустика прекрасна! За день до выступления ни природа, ни скалы не пускали сюда человека. Как я и предвидела в прошлом году, не сдалась стихия на милость человеку. Нет! На Бутучены обрушились мощные ливни, со скалы низвергались водопады, а в низине было грязно и мокро. Но 4 июня 2016 года все стало спокойно, солнечно, как в самом спектакле «Риголетто», где есть сцена грозы!
    Спектакль «Риголетто» прошел не просто, глухая скала не приняла людей сразу. Была величаво холодна, но и сопротивление не оказала -  обсыхала после дождя. Очнулись птицы, активно подпевавшие вокалистам, проснулись и заклокотали лягушки, на свет софитов активно слетелась мошкара. Не отдает природа своих владений, не надейтесь, только ненадолго уступает, ну потому что Верди - с ним не поспоришь. Да и где звучать опере, если не в самом красивом месте Молдовы - в Бутученах?!
    Здесь бывали музыкальные фестивали, звучал джаз, фолк, рок, но опера вошла в горное царство впервые, и впервые в Молдове свое первое крещение получил фестиваль «DescOpera». Вначале Бутучены дали обжиться австрийскому дирижеру Фридриху Пфайфферу. Затем подпустили к себе оркестр, хор, солистов. Ну и, наконец, позволили публике все это слушать и лицезреть.
    С музыкальной точки зрения «Риголетто» был очень хорош, корректен, точен. Убедили солисты Ион Тимофти (Герцог) и Анна Черникова (Джильда) - они звучали много лучше, хотя пение с микрофоном на сыром вечернем холодке было отнюдь непростым. Сценически спектакль ожил, освободился благодаря активной работе итальянского режиссера Андреа Баттистини. Как и в прошлогодней премьере «Отелло» Андреа весьма активизировал хор и действие с самого начала. Такой энергетический выброс участников спектакля в самом начале важен и дает импульс всему действию - в этом стиль Баттистини.
    Весьма смело и свободно расположил декорации сценограф Юрий Матей, используя изгибы ландшафта предгорья. Хорошо держал сцену Владимир Драгош (Риголетто), явившийся одним из инициаторов самой постановки. Восторженно следил за действием местный инициатор оперных выступлений - энергичный Анатолий Ботнару, сумевший все обустроить, подогнать технику, обеспечить дикое предскалье электричеством. А сколько усилий стоило все это привезти, сохранить от ливня и поверить, что все возможно. Ведь это опера возле дикой скалы, где нет сцены, нет даже обычных фонарей - нет ничего! Чего стоила только надпись R I G O L E T T O, выставленная белыми буквами по центру скалы по подобию знаменитой H O L L I W O O D! Для этого явно понадобились скалолазы, одним слово, стоило поехать и посмотреть.
                «Панорама», 9 июня 2016
               
                ***
Театр Елеоноры Константиновой
 «Дон Жуан» в Национальной опере
В Молдове оперы Моцарта звучат не часто, постоянно в репертуаре только «Свадьба Фигаро». Была попытка концертной версии «Волшебной флейты» силами студентов и выпускников Академии музыки, театра и пластических искусств в Органном зале под руководством тенора Сергея Пилипецкого. Получилось весело, современно, с молодыми звонкими голосами, но это разовое выступление быстро забылось и ушло с афиш. И вот – грандиозная премьера «Дон Жуана» - событие уникальное, учитывая, что оперные премьеры у нас чрезвычайно редки. Решилась на это режиссер Элеонора Константинова, подобравшая удачный состав исполнителей - крепкий, молодой, голосистый и внешне эффектный.
    В Молдову испанский гуляка-аристократ прибыл лишь в 2007 году. И безусловной удачей стал выбор баритона Юрия Гыскэ на роль Дон Жуана - это его творческий взлет и важный этап в певческой карьере. Партия легкомысленного красавца и прожигателя жизни только внешне легка и эффектна, на самом деле, она очень сложна технически, и не всякий вокалист с ней справится. Гыскэ проявился виртуозно, легко и актёрски ловко: ему равно удались знаменитые арии и длинновато-старомодные речитативы. Его Дон Жуан прозвучал на подлинно европейском уровне, на одном дыхании, без сучка и задоринки. Браво, молодец!
    Ещё одна удача спектакля - костюмы и сценография Ирины Пресс. Дорогие ткани, огромные перья, безумный шик и блеск аристократии. Какие причёски, украшения - в такой интеллигентной манере у нас ещё не пели и не играли. Благодаря Ирине опера приобрела высокий пафос и экспрессию, в её костюмах невозможно было не вжиться в образ и плохо спеть. И самой шикарной дамой спектакля стала Елена Герман в роли доны Анны, умеющая концентрировать на себе внимание зрителя и партнеров по сцене.  Герман держат сцену, как магнитное ядро, притягивающее к себе все заряды. Она внутренне режиссирует и выстраивает действие, к ней подтягиваются молодые певцы, выстраивая вместе мизансцены, богатые сложными нюансами - ведь Донна Анна роковое увлечение Дон Жуана, любовь к ней обрекает его на гибель.
     «Дон Жуан» - самый драматичный шедевр Моцарта, это изумительное сочетание комедии и драмы. Он сложен по структуре, насыщен речитативными длиннотами, и надо много мастерства и ухищрений, чтобы сделать спектакль интересным для зрителя. Опера построена на конфликте жизнелюбивого Дон Жуана и носителя смерти Командора. Борьба свободы и правил, любви и долга, жизни и смерти, мира земного и потустороннего -это магистраль драмы!
    Элеонора Константинова: «Дело в том, что настоящая личность приковывает внимание, и это, в первую очередь, относится к Юрию Гыскэ и Елене Герман. Они несут активную энергетику, а это первооснова в творчестве. И тут режиссер, творческий человек, тоже становится автором музыкальной драмы. Он должен выразить философию спектакля, вжиться сам эмоционально и зажечь своих коллег. Моя задача - выстроить органику спектакля так, чтобы энергетика и мастерство опытных вокалистов вовлекли молодые дарования в сложный творческий процесс, заставили их работать на самом высоком уровне. И в «Дон Жуане» это удалось. Молодые вокалисты Мушурова, Маймеску, Бантя, Караджа - для них это был ответственный момент, и не только потому, что премьера
была приурочена к 50-летию театра, но и потому что Моцарт - это страх и ответственность, требующие огромного труда и самоотдачи.
    Мы работали на пределе и счастливы результатом - все спектакли прошли при полном зале. Моцарт требует не только совершенного вокала, но и характеров, контрастов, динамики. Современность спектакля, на мой взгляд, состоит в умении взглянуть на архитипичную классику с позиций сегодняшнего дня. Вот образ Дон Жуана - легкомысленного гуляки, что о нём скажешь нового? Он - носитель настоящего мужского начала, столь редкого в нашей жизни, он умеет любить женщин и всегда влюбляется по-настоящему. Это особый дар во времена стирания граней пола, когда женщины активны, как мужчины, а мужчины нежны и женственны. И тут очень важно показать Дон Жуана, его умение видеть прекрасное в женщине и искреннее желание ею восхищаться. Моцарт писал «Дон Жуана» в период ссоры с отцом, и образ Командора близок сути отца гения, властного, сухого, слишком правильного. Но Моцарт сам похож на Дон Жуана - он тоже увлекался женщинами, обожал весёлые вечеринки и свободную жизнь. Для меня «Дон Жуан» - это опера личностей, персоналий, где каждый персонаж, каждый певец может выразить себя и показать самым достойным образом».
    Елена Герман: «Я шла к Моцарту всю жизнь, слушаю его каждый день - это обязательно, как утренняя чашка кофе. И я очень рада, что мне предложили партию Донны Анны...Из Моцарта мы в театре пели «Свадьбу Фигаро». Я солировала в его «Реквиеме» и Мессе До-мажор, и это драгоценный опыт. Но Моцарт - это непознанная вселенная, чем дольше его слушаешь, тем отчетливее понимаешь, как ты далека от этого совершенства. Надо очень много над ним работать, чтобы отсечь все лишнее, внешнюю шелуху и эффекты. Я очень дорожу своей Донной Анной. Анна - мое любимое имя, так звали мою маму. Эту партию можно спеть только в зрелом возрасте, и мне она сейчас очень подходит».
    В кишиневском «Дон Жуане» совпало многое: опыт режиссера Константиновой, визуальная интуиция и тонкий вкус Ирины Пресс, готовность оперной труппы к исполнению столь сложной партитуры, и, главное, безумное желание петь настоящую музыку - сложнейший шедевр мировой классики. Это хороший знак, знак здоровых перемен в театре, знак возрождения и движения к настоящему творчеству, ведь театр - дело коллективное, и победить могут только все вместе.
                «Молдавские ведомости», 6 марта 2009


         ***
Театр Санду Василаки
Опера «Манон» в Молдове
В начале 2012 года молдавская опера порадовала своих поклонников премьерой Жюля Массне «Манон». Эта опера никогда ранее в Молдове не ставилась, да и музыка Массне для нас явление редкое. Постановка знаменательна еще тем, что пришлась на 55-летний юбилей театра, и вышла 19 января - в день исторической премьеры «Манон» в Париже.  В канун нового 2012 года труппе театра было присвоено 24 звания. И в данном спектакле уже в ранге Заслуженных деятелей искусств участвуют дирижер Марин Балан и сопрано Марина Радиш.
Опера «Манон» - новое слово на молдавское сцене, стилистика, удачно совместившая элементы утонченной классики и модерна.  Сложнейшая партитура Массне потребовала немало усилий от дирижера, солистов, хоря и оркестра. К премьере были сшиты сотни новых костюмов, и пришлось прибегнуть к помощи специальных педагогов из Франции, чтобы восстановить истинное языковое произношение, соответствующее времени создания оперы. 
Впервые в качестве режиссера здесь выступил Санду Василаки, предложивший непривычную трактовку спектакля.  Его идея «человек-марионетка в руках судьбы» пронзила спектакль на всех уровнях. Это и театр кукол, и балетные номера, и бесплотные белые марионетки, проецирующие «человеческую историю» в виде ожившего барельефа в верхней части сцены.  «Игрушечная белая драма» развивается сначала в кукольном домике совсем юной Манон, затем в аристократичных танцах третьего действия и в виде кукол-ангелов, возвышающих драму до уровня вневременных символов. 
    Дебютной на молдавской оперной сцене стала сценография и костюмы художника Юрия Матей –  удачные, стильные, элегантно оттеняющие изысканность французской мелодрамы. Любопытно оформление сцены в спектакле. Поначалу оно традиционно – античная колоннада, красивые вазы, фонтан в центре сцены. Но затем колоны превращаются в оконные витражи церкви, они начинают довлеть над психикой героев, когда возникает провокационная ситуация во время игры в карты. И в конце драмы мы видим, как измученный де Грие выносит на руках умирающую Манон на фоне обломков колоннады, символизирующих крах столь заманчивого мира иллюзий…
    Особой удачей спектакля можно назвать дирижера Марина Балан и исполнительниц главной партии Манон: Родику Пичиряну и Марину Радиш. Это две полярные грани Манон, очень разные, по-своему характерные, но в этом и пикантность двух исполнительских составов. Родика полнокровная, с яркой голосовой подачей. Марина Радиш – кокетливо-хрупкая, нежная, неуловимо-скользящая нимфа, непредсказуемая, как сама любовь. Прекрасно справился с партией Де Грие Николай Бантя – лирический тенор с растерянно-меланхоличным взором. Поздравим остальных солистов: Бретиньи - Иван Кваснюк, Граф де Грие - Виталие Чиреш, Гильо де Морфонтен - Василий Микуша, Леско – Борис Материнко. А также хор и оркестр, которые успешно справились с непростыми массовыми сценами в спектакле.
    «Манон» - опера давно известная, повествующая о молодой горячей чувственности, ничем не скованной и не ограниченной, казалось бы, совершенно неуместной в наше время. Излишняя сентиментальность, концентрация на эмоционально-интимной жизни героев порой приобретает навязчивый, излишне слащавый характер. И кажется, что все это может надоесть, если бы не абсолютная искренность, реальная неискушенность влюбленных, не умеющих отличить правду от лжи, иллюзию от реальности. В итоге побеждает любовь, ее настоящая пульсация, передающая само дыхание жизни. Нам хочется помочь героям, подсказать, что надо быть разумнее, поступать рационально. Но если бы не было греха, не стало бы ясно, что значит святость, если бы не ошибки, не было бы драмы. Все в этом мире взаимосвязано и неровно, и нам остается только позавидовать пусть обреченным, но по-настоящему счастливым людям, покинувшим этот свет в состоянии вечной любви…                Февраль 2012
                ***               
Театр Андрея Меркурьева
«Крик», рождённый из тишины, или в Одессу на премьеру…
Ну, вот — я в Одессе. На фестивале «Приглашает Мария Биешу» пересеклась с балетной парой Марией Полюдовой и Володей Статным. Узнала о том, что ребята солировали в премьерной постановке балета «Крик» в Одессе. Давно там не была, люблю современный балет, и решила – пора, ближайший «Крик» мой.
    Одесса встретила ветрами, умудряюсь попадать в этот город в непогодье. Согрели Маша с Володей, у которых гостила в их новом чудесном доме. А как Одесса? На букву «О»! Всю дорогу в окно разглядывала огромные Облака. Представьте — во все небо одно Облако, над ним еще и еще. Они плывут в разные стороны Огромными пластами – такие «рваные простыни пОднебесья».
Так и в Одессе. Оперный театр — круглый, автовокзал, памятник Екатерине, порт, Садовый парк и фонтан – все ОКРУГЛО. Сами одесситы этого не видят, но такой у них город – с начальной буквы «О»!Город вольный, но завершенный, закольцованный в барОкко и мОдерн. При всей своей анархичности, заветренности и запыленности, Одесса – символ изящества, красоты и достойных манер.
    Да, здесь свой слэнг, юмор, колорит. Но одессита ни с кем не спутать - вещь в себе!    Особенно это почувствовалось в оперном театре. Публика спокойная, медлительная, но не восторженная, как у нас в Кишиневе. Наши после спектакля вскакивают, орут «браво», поддерживают, одобряют!  Одесса благожелательна, но лишний раз не хлопнет, и вскакивать не спешит. Про оперный театр – восторг! «Висит» в центре города, как белое зефирное облако. Гордый вычурный красавец с причудливыми фигурками у входа. Увидела
впервые – онемела! Третий по красоте в мире после Вены и Парижа. Так и есть. Роскошь необычайная. Легкость, лепнина, вишневое дерево и бархат. Золото, вычурные узоры балкончиков, зеркала, канделябры. Многие это видели, знают – шок!
    Ещё феномен – это порт Одессы! Ну, кто его не знает? Однако тянет, тянет. И в ледяной  ветер, закашливаясь, рвешься туда, мчишься первым делом. И дышишь, дышишь Огромными Легкими Одессы. Любуешься на тяжелую осеннюю воду, чуть успокоившуюся  после шторма, но ещё мрачновато-недовольную. «Опять эти туристы, — бурчит Море. – Мне бы очиститься, и Порт на мне. Краны эти скрипучие, но я работаю! Я – Море! А они, когда угомоняться? Все лезут, смотрят, ходят. Туристы. А я их холодом, ветром! Осень уже, пора всем на работу!»
    Пора. Но даже грозное тяжёлое море не способно долго злиться в Одессе. Его побеждает Солнце –  яркое, сильное и такое слепящее, что все кругом меркнет! Ах, это Солнце и ветреное море Одессы! С запахом истории, войны и мужества моряков. Это море долго не сдавалось, но всё-таки снизошло, разрешив Человеку сковать себя бетоном Набережной! Была в Варне, казалось бы, такой же портовый город, похож. Но нет. Варна – тёплые Балканы, тоже с войнами и непростой судьбой. Но Одесса – это умение противостоять, и это мужество воинов. Дай Бог ей Мира и защиты от тревог, которые рано или поздно обрушиваются на ее голову.
    И вот еще — краны, портовые краны Одессы - как они скрежещут! Целая симфония кранов. Стучат, кряхтят, ворочаются – серьезные желто-красные красавцы! Порт – это великая музыка Одессы! Суда, яхты, огромные цистерны — все это белеет, блестит, дышит.  Порт – это камень и металл Одессы, ее жесткое мужественное Сердце, которое ничем не сломить!
    Побегала по центру. Ну что сказать - забавная архитектура. Вглядитесь в эти амбиции! В Одессе есть свой Париж, свой модерн, свое барокко, классицизм и современность. Всё есть в Одессе, но именно, как в Одессе, «вылезающее из стереотипов и норм». То балкончик выделиться вычурностью, то чугунные фонари слишком велики для пропорций зданий, то белый шар – небесный свод — с двумя белыми гигантами, никак не вписывающиеся в размеры подбалконья. Такая несоразмерность не редкость в Одессе с её размахом и достаточно изящными улочками.
    И всё-таки театр и балет «Крик», то, зачем я приехал в Одессу 23 сентября 2014 года! Сенсация, конечно! Непривычно, ещё бы!
    «Крик» — это совершенно новый балет в 2-х действиях, поставленный по мотивам романа Александра Зиновьева «Иди на Голгофу». Музыка в балете интересная, разная, выстроенная из произведений Сержа Упэна, Жерара Ванденбрука, Эрвана Меллека, Джованни Соллима, Анри Торга, Макса Рихтера, Петериса Васкса и Рихарда Вагнера.
     Парадоксально и то, что хореограф балета Андрей Меркурьев — из Большого театра России, но смог осуществить замысел «Крика» лишь в Одессе. Большой театр не рискнул. Большой испугался Раду Поклитару и Бориса Эйфмана в своё время, потом всех признал. Жаль, ведь современная хореография –  самый интересный пласт музыкального театра. Она сущностна, концептуальна, экспериментальна, использует сложную музыку и произведения, изначально не предназначенные для театральной сцены.
    А.Меркурьев -Как просто потерять своё неповторимое начало, исчезнуть в безликой массе, – боясь своей непохожести на других. В балете «Крик» я пытался разгадать «героя нашего времени». Живущий в системе, он ищет свободы от навязанных стереотипов мышления. Ведь самое главное – сохранить в себе неповторимый и не похожий ни на кого Мир. Мир внутри нас!
     А.Зиновьев -Готовься к смерти, и потому живи полноценной жизнью. Жизнь есть миг, и потому живи с установкой на вечность. Будь терпим, потому сопротивляйся всякому насилию. Если видишь, что борьба бесполезна, сражайся с удвоенной силой. Иди к людям, и потому будь один. Смиряйся, бунтуя. Бунтуй, смиряясь. Когда Христос призывал возлюбить врагов и подставлять другую щеку, он выражал качество религиозного учения — его органическую противоречивость.
     Алексей Блинов, продюсер -Для нас балет «Крик» стал по значению как «Реквием» Верди. Весь зал сидел со слезами на глазах. Балет стал актом сочувствия одесской трагедии — так роковым образом совпало. Балет ставился на страшном фоне. Кто мог это представить себе почти год назад, когда было принято решение о постановке. 18 мая 2014! Было очень тревожно и сложно. Но мы прошли наш путь, справились, поддержали одесситов. Люди нам поверили и приняли. Часть наших сердец теперь навсегда будет  с Одессой, ставшей такой родной и важной частью нашей жизни.
---Замысел балета
Главный герой балета Он – тот, кто не вписывается в обычную жизнь.  Он в диалоге со своим внутренним Я, т в данном случае со своим Антиподом. Но и здесь нет понимания. Антипод вытесняет героя, заняв его место в жизни. И даже любимая женщина, Богиня, покидает героя-одиночку, породив в его душе страдание и Крик. Нет воздуха, нет сил бороться, нет причин жить дальше…
     Но самое отрадное, что 23 сентября 2014 года я увидела премьерную постановку балета «Крик» с участием Заслуженных артистов Молдовы Марии Полюдовой(Богиня) и Владимира Статного (Антипод). В Главной партии (Он) выступил Дмитрий Шарай. Парадокс состоял в том, что, судя по прочитанному, ожидалось нечто иное, напоминающее постмодернизм Раду Поклитару.
 — Я знала, что Вы заметите разницу –улыбнулась Мария Полюдова после спектакля. – Поклитару – известный хореограф-драматург, а Меркурьев – впервые выступил в роли постановщика, и нам повезло стать участниками эксперимента.
    Да, «Крик» совсем иной. Это тонкий, красивый, изящный балет с элементами постмодерна и классики. Все очень взвешенно, точно, аккуратно.  Вначале милое простенькое ретро с весьма примитивным декором. Костюмы очень просты, и всё1 так светло, незатейливо. Главный герой – юный блондин, блуждающий по улицам города, возможно приморского, как Одесса. Мирно, замечательно – светит Солнышко, по аллейкам порхают стайки юных девушек, мелькают лица друзей… 
    Но вот мужской дуэт, Он и Антипод. Рядом с Дмитрием Шарай появляется Владимир Статный – и всё меняется, словно ворвался холодный ветер. Перед нами не просто второе Я, это резкий Антигерой, Демон, темпераментный яркий брюнет. И надо сказать, Володе удалось все «рассказать» в самом начале. Он, словно пророк, указал Герою – ты живёшь в мире иллюзий, мир тебя не принимает, и то, как ты видишь Мир –  путь к гибели и самоуничтожению.
    Таким Володю Статного я увидела впервые. Экспрессивный, красивый, мощный, он сразу затмил главного героя, уверенно занял центральное место на сцене, и тут же увёл у него любимую даму. Более того, он выделил себя и Марию Полюдову из всей труппы. Узнаю наших кишиневских танцовщиков, всегда были яркими. Они не умеют сливаться с труппой, не получилось и здесь в Одессе. У них всегда свой стиль, свой почерк, они индивидуальны, и этим радуют.
    Володя сделал балет концептуальным, жестким, вскрыв пружину трагедии задолго  до финала. То, что он делает, это не танец – это идея, повествование, рассказ. Графически чёткий, объёмный и цельный. С его появлением и Герой преобразился. Он стал искать, метаться, его пластика обострилась, и началась драматургия. Дмитрий Шарай – интересный танцовщик, красивый, точный, пластичный. Он должен сильно трансформироваться: от состояния юношеской беззаботности до исступлённого страдания. Его образ – это Крик, рожденный из тишины. И в этом ему «помогает» не только Антипод, но и «друзья», перевоплотившиеся в стаю мерзких крыс. И если с Антиподом-Статным все ясно сразу, то Шарай – персонаж-загадка, так и оставшийся непонятым и непонятным.
    У Марии Полюдовой задача не проще – её героиня любит одного мужчину, но
Остается с его же второй половиной. Однако и тот, и другой притягивают её, мучая любовью и невозможностью разорвать треугольник. Богиня должна быть прекрасной, эротичной и разной. Она притягивает внимание, то в белом, то в чёрном, пытается примирить любимых в одном лице. Но так не бывает, метания заканчиваются трагедией…
    Что скажем в итоге? Я очень довольна, что приехала на «Крик» в Одессу. Никогда специально на спектакли не ездила, а тут решилась и не пожалела. Увидела Одесскую оперу, вспомнила прекрасный морской город.  Ну и, главное, покорена одесской труппой. «Крик» — очень хорошая работа, легкая, профессиональная, универсально-отточенная в постановке А. Меркурьева. И вполне адаптивная для многих зрителей. Остается только пожелать Одессе дальнейших удач и свершений в области современного балета.
                26 сентября 2014

                ***
«Спартак» взошёл на свой Эверест
Балет «Спартак-2016» взошёл на свой Эверест, «взял высоту», равную Прометею -
новую для молодого поколения, но уже не раз покорённую для людей знающих
театр лет сорок назад.  И это другой «Спартак», не тот, каким мы привыкли его видеть в Большом. Совершенно иной - по пластическому языку, драматургическим акцентам, глубине и индивидуализации главных персонажей. И такой, возобновленный и уже совсем иной, он весьма интересен и важен для труппы Национальной оперы Молдовы, важен для всех нас. Почему? Ответ не прост…
    Премьерное восстановление балета Арам Хачатуряна «Спартак» по модели
хореографа-постановщика Игоря Чернышёва 1975 года стилистически очень
напоминает балеты 70-х годов прошлого столетия. Масштабный, пафосный,
убежденно-гражданственный –  вроде все атрибуты советского балета соблюдены.
Но не в этом главное и не этим силен постановочный язык Игоря Чернышёва.  Уже после известных постановок Леонида Якобсона (1956 года) и Юрия Григоровича (1968 года) Игорь Чернышёв осмелился создать свой «Спартак» в Одессе и в Кишинёве в другой концептуальности, сменив полюса акцентов чуть ли не в противовес изначально мощнейшим и, казалось бы, незыблемо установленным Ленинградом и Москвой!   
    Но сам Спартак – он в балете Чернышёва главный, и название балета, акцентированное на его имени, наиболее убедительно именно в версии семидесятых.  Здесь Спартак – не только лидер, борец, не сдающийся в любых обстоятельствах. Нет. Это, прежде всего, ЧЕЛОВЕК – ранимый, тонкий, подверженный сомнениям и стрессам, теряющий веру, затем вновь её обретающий. Здесь он мучительно неоднозначный, даже лирический персонаж, трактованный в высшей степени поэтично и жертвенно, что мы наблюдали в танце Народного артиста Молдовы Алексея Терентьева.  Это не вымпел, не символ, а мужественный человек, закаливший свою волю не только из желания побеждать, а потому что за ним ЛЮДИ, и он ЧЕЛОВЕК.  Человек – как творение Божье и предназначенное божественной силой преодолеть непреодолимое, как это было в судьбе Христовой. Прямые ассоциации с участью Христа неоднократны в балете, что, кстати, смело для балетного языка советских времён.
Для Чернышёва Спартак – явно символ творения, даже творца, измученного необходимостью творить и жить в заданных условиях. Одновременно это и прямая ассоциация ленинградца, знавшего историю блокады, замкнувшей людей в кольцо немыслимой жестокости, в которой выжить невозможно.
    Сам тип драматургии спектакля – покадровый, кинематографический и странный. Кадры чередуются не связано, а с намеренным разрывом. Следующая сцена возникает после паузы и темноты, обрывающей сцену предыдущую на самой ее кульминации. И чем дальше, тем бездна-разрыв между желаемым и действительным очевидней. Словно действие специально прервано, изранено и недоговорено, задыхается и продолжается вновь, не имея возможности до конца воплотиться во всей своей красоте и мощи.
    А красив балет Чернышева необычайно и весьма эстетизирован с очевидной
грацией и элитностью ориентальных линий нео-модерна. Да, красив откровенно,
не груб и утончен. Этого Чернышев не боялся. Не побоялись эстетства красоты и хореограф по восстановлению спектакля Наталья Короткова, исполнившая также
партию Эгины в «Спартаке-2016». Эгина Коротковой вызывающе эротична той
высокой степень ЭРОТИКИ ВЛАСТИ, перед которой устоять невозможно. В партии
Фригии выступила Народная артистка РМ Кристина Терентьева, тонко дополнившая образ Спартака как его духовное продолжение. Красив и женский кордебалет в спектакле, особенно во втором действии и в финале.
    Но «Спартак» знаменит мужским танцем, силой и мощью именно мужской части балета которую кордебалетом назвать язык не поворачивается. Потому что налицо ХОРЕОДРАМА сильных мужчин, не сумевших спасти от рабства ни себя, ни своих женщин. И тут горе не общее, а беда каждого мужского персонажа.
    В целом, балет Игоря Чернышева – это балет монолиний: и в мужском ансамбле, и в дуэтах, и в сольных фрагментах – везде трагедия ОТДЕЛЬНЫХ ЛИЧНОСТЕЙ, что очевидно, если внимательно следить за неожиданными вычленениями персонажей из толпы. Кто-то обязательно не повторит общий рисунок, обязательно индивидуализируется.  Так неожиданен в балете Чернышёва Красс, активный в пантомиме, но не танцующий.  Сейчас его исполнил Иван Иванишин, по сути, не создающий провокации борьбы и сопротивления.  Меня весьма убедил и экспрессивный Евгений Ткач в партии Грекораба.
    Игорь Чернышёв мыслил скорее камерно, чем массово. Он в большей степени мыслитель, а не динамизатор действия, хотя и массовые сцены у него интересны. Но в основе всё же ансамбль на уровне 4-5 исполнителей, то есть драма отдельных линий, а не масс.
     В итоге, надо отметить корректность, с которой был восстановлен балет Игоря Чернышева, дополненный костюмами Анастасии Спэтару и обновленной сценографией Юрия Матея, оттенившей антично-центральную колоннаду боковыми кулисами с изображениями разрушений на фоне прозрачно-голубых небес.  «Спартак-2016» сделан тщательно и динамически точно, как в сценической, так и в оркестровой версии дирижера Думитру Кырчумару, избравшего активные современные темпы, контрастирующие с пряностью знаменитых адажио Арама Хачатуряна. В итоге поздравим труппу Национальной оперы Молдовы Биешу с восстановлением столь масштабной балетной партитурой ХХ столетия, совершившей переворот в становлении понятия «СОВРЕМЕННЫЙ БАЛЕТ». И пожелает театру новых балетных откровений!
   25 июня 2016

                ***
Театр Раду Поклитару
«Перекрёсток» людей и судеб
Масштабный балет «Перекресток» Раду Поклитару поставил на сцене Национальной оперы имени Тараса Шевченко в 2012 году, и весьма отрадно, что этот балет весной 2013 года получил статус лучшего музыкального представления года на театральном конкурсе «Киевская пектораль ХХІ». Большой успех, потому что на Украине Поклитару давно, но центральная оперно-балетная сцена страны его привечает всего лишь второй раз.
    Первый был в ноябре 2002 года, когда Национальная опера имени Тараса Шевченко пригласила Поклитару поставить «Картинки с выставки» и «Весну священную». И вот новая победа – замечательный балетный триптих «Перекрёсток» на музыку известного украинского композитора Мирослава Скорика, точнее на его скрипичные концерты - Второй, Шестой и Cедьмой.
    «Спектакль был заказан Министерством культуры, дирижировал автор Мирослав Скорик, и это совместная работа Национальной оперы и моей труппы «Киев модерн-балет», - отмечает Поклитару. – Главную идею определяет женщина с веревкой, одетая в чёрное. Она начинает и закрывает спектакль. Этот персонаж из древнегреческой мифологии - богиня, которая прядет нить жизни. Ещё есть пара слепых. Кто они – я не знаю. Поймет ли зритель, что они слепы - я не знаю. Может быть, они увидят. Тут главное - создать ощущение общего пути человечества, которое состоит из маленьких судеб. О символике спектакля не расскажу, потому что не люблю диктовать другим свои замыслы. Для меня важен зритель, который придет на спектакль и сам найдёт смысл. В спектакль вложено много метафор, аллегорий, аллюзий. Каждый зритель будет считывать её на своём уровне».
    Балет «Перекрёсток» - это мощная картина судьбы человечества, мечущегося, любящего, страдающего и «пересечённого» вдоль и поперек массой событий, символов и препятствий. Это предложение поразмышлять на вечные темы - любви, тайны рождения, противостояния личности толпе, страхов, поисков себя и обреченности на вселенское одиночество. Человек неизбежно столкнется с «перекрестками судьбы», на которых ему будут и помогать, и мешать различные персонажи – слуги судьбы. И, чем чище душа, тем сложнее, чем талантливее он, тем больше препятствий. Почему? Да потому что мир совершенствуется через возможность познать талант, поначалу отрицая его, а потом обожествляя. А любящая пара «чистых душой слепцов» будет окружена массой налипающих «людей-перекрестков», которые, пересекая жизнь, мешают и одновременно помогают её познать. Затем сами эти персонажи, цеплявшиеся за «слепые символы», выйдут на «тропу войны» и будут также «молотиться» об камни и ухабы, набивать шишки и пробиваться вперёд.
    Пересечение людей-судеб, завязок-развязок, побед-неудач, пониманий-неприятий составляет природу вещей, жестко связанных в один узел. Перекрёсток –  крест судьбы. И не просто нить, а мощный канат, железный спрут кармических долгов, реальных проблем-вопросов – а что после нас? Поэтому в центре сцены «слепцы». Ведь сколько человеку знаков не подавай, он все равно ошибется, упадет, встанет, найдет верный путь и вновь упадет. И так со всеми, и так всегда. Не ведаем, что творим, потому и слепы.
    Завершается эта мощная картина мира сценой вселенского уровня. Все персонажи в итоге оказались на вокзале с белыми чемоданами в руках. Белые прямоугольные мешки - те же чемоданы. С ними выходят на сцену, на них становятся, их раскачивают и с ними в руках в конце уходят. Это все, что есть у людей –мечты, желания, надежды. И тут нельзя не упомянуть имя сценографа Александра Друганова. Он разработал весьма впечатляющее видео-сопровождение балета, в котором использовал гравюры Дидро и 3D-анимацию.
    Хорошо зная творчества Поклитару, отмечу, что в «Перекрёстке» он работает совершенно на ином уровне, и концептуальность другая. Здесь уже нет эротических сцен, которыми были наполнены многие ранние работы и которые совершенно не запоминались. Здесь Раду мыслит глобально, масштабно, что было уже заметно в балете «Underground». Поклитару, прежде всего, музыкальный драматург, умеющий нагнать такую сложную, высоко духовную атмосферу к концу представления, что зал изумлённо ахает от потрясения. И в «Перекрёстке» он окончательно заявил о себе как об одном из лучших хореографов мира, чем Молдова вправе гордиться, поскольку, куда бы ни уезжал, где бы ни ставил Раду Поклитару - он родом отсюда, и он наш!             Апрель 2013
 
             ***
Раду Поклитару и его «Лебеди» в Кишиневе
Фестиваль «Мэрцишор -2014» весьма порадовал любителей балета. 5 марта к нам приехал «Киев модерн-балет» с балетом «Лебединое озеро» хореографа Раду
Поклитару, чье имя украшает историю культуры уже многих стран. Раду Витальевич – уроженец известной балетной семьи в Кишиневе. Его родители Виталий Поклитару и Людмила Недремская – были знаменитой парой в Театре оперы и балета Молдовы. Сам хореограф сейчас плодотворно трудится в Киеве, возглавляя собственную театральную труппу.
    «Лебединое озеро» Петра Чайковского Поклитару впервые показал в Киеве в июне 2013 года, и это весьма далеко от классической версии. Музыка сохранена, идея вроде тоже, но трактовка совершенно иная, включившая элементы стилистики его же  «Палаты N6», «Шекспириментов», «Кармен» и «Щелкунчика». Сюжет, как всегда, у Раду, лихо закручен, но объясним. Сохранен образ Принца, который в данной версии рожден в семье лебедей, и, будучи юным птенцом, был забран в царства Ротбарта, где жил в мире серости и зла. Юношу оперируют и превращают в «серый» персонаж, испытывающий массу превращений и метаморфоз, весьма сложных для светлого юного существа. Принц ощущает дискомфорт «серого царства», интуитивно чувствуя, что он
из породы белых лебедей. Ему дают возможность увидеть своих истинных сородичей, но только в наркотическом сне, где он и влюбляется в прекрасную Одетту.
    Первый акт повергает зрителя в смех, потому что забавные ужимки косолапых
лебедей в сочетании с костюмным великолепием выдают душу самого Поклитару – большого ребёнка. Но второй акт, особенно «второй сон Принца» – это кошмар! Его любимую белую стаю отстреливают у него на глазах - жестко, цинично и даже с ухмылкой. Но Принц догадался о зачарованности ситуации и спасает Одетту. Однако Ротбарт вновь переигрывает приемного сына и обнажает ситуацию-оборотень, в которой Принца ещё раз убеждают, что белых лебедей нет. А те, кто остались – это нечто слабое, дохлое и ненужное. Однако Принц требует истины, и его вновь «препарируют» в чудесную белую птицу, которая вскоре также погибает под обстрелом «жестокой серости».
    После спектакля нам удалось встретиться с создателем этого фантастического представления, и вот, что поведал нам сам Раду Поклитару.
– Почему выбор пал на «Лебединое озеро» Чайковского?
- Это гениальная музыка, которая не была мною интерпретирована до сих пор. «Лебединое озеро» - самый популярный и абсолютно продаваемый спектакль во всем мире. И мне показалось, что я смогу сказать своё слово в этом плане…
- А как Вам реакция публики?
- Зал прекрасен, публика понравилась. Люблю «Мэрцишор» — это праздник весны и улыбок. Хотелось подарить кишинёвцам на этот раз что-то зрелищное, поэтому мы привезти на фестиваль «Лебединое озеро».  В этом спектакле очень много костюмов и декораций. Не было смысла делать эту постановку на привычное либретто, зрителям было бы неинтересно. Мы изменили сюжет и сделали балет-притчу.
- Всех поразило Ваше участие в весьма ответственном фрагменте открытия олимпийских игр Сочи-2014.
- Вообще прикольно, что вальс Наташи из «Войны и мир» в имперской России ставил молдаванин Раду Поклитару на музыку молдаванина Евгения Доги.
- Не хотите ли что-то поставить в Молдове?
- Пока не было конкретных предложений. Я рассматриваю только чётко поставленные темы.
- В 2001 году Вы ушли из нашего театра. Хотели бы вернуться?
- Тогда мой приход в Молдавскую оперу был необходим, потому что это была новая ступень – первый мой опыт в качестве хореографа и руководителя большой творческой труппы. Повтор событий вряд ли возможен, потому что это был бы шаг назад для меня. Что, конечно, не исключает сотрудничества в целом, потому что в Кишинёве у меня
мама, брат, много замечательных друзей музыкантов и театральных тоже.
                «Панорама», 6 марта 2014
               ***
«Рождественское блюдо» от Раду Поклитару
29-30 декабря 2014 балетмейстер Раду Поклитару вместе со своей труппой «Киев
модерн-балет» представил премьеру «Долгий рождественский обед» на музыку
Антонио Вивальди по мотивам одноименной пьесы Торнтона Уайлдера. Согласно
автору, Рождественский обед в семье Байярдов длиться почти век - 90 лет.
    Представители семейства собираются раз в год на Рождество – это Люсия,
Родерик, Чарльз, Женевьева... Рождественский стол становится культовой осью их судеб. Жизнь движется по кругу год за годом, а стол незыблемо на том же месте. Вся жизнь как один миг, но есть семейная традиция – встречаться вместе каждое Рождество.
    «В череде застолий и праздников проходят перед нами судьбы людей. Словно
бабочки-однодневки, они растворяются в небытии, не оставив после себя ничего, что дало бы повод вспомнить о них последующим поколениям. Яркая, гротескная хореография позволяет без догматической нравоучительности достучаться до сердца каждого зрителя и, может быть, задуматься – чем мы отличаемся от сценических героев?»- говорит Раду Поклитару.
    Рождество и рождественский вечер — это магический ритуал возрождение духа. В спектакле «Долгий рождественский обед» зрителю придется пробудиться, встревожиться и напрячь душу. Проходящие годы, жизнь, и уже перед нами не просто действо, а гиперболический сценический протест, момент откровения и предостережения, подвижно-кричащее мнение. Люди греховные, безудержные в желаниях, будто живут, но реально уходят в небытие, и даже теряются. Рождаются дети и новые судьбы вместе с музыкой Антонио Вивальди. И все завихрено светлой магией Рождества.
    Отметим,  что спектакль задуман не сегодня, а некоторое время назад по рекомендации друга, и сделан на средства самого балетмейстера Раду Поклитару. В работе ему помогали сценограф Андрей Злобин, художник по костюмам Дмитрий Курята. 
   Тема символического застолья уже встречалась у Поклитару в «Шекспириментах» и в «Лебедином озере». Жуткий медицинский стол-каталка «завихривает» события и в «Палате N6». Теперь стол объединяет не просто героев драмы, но родственные души, что, впрочем, нормально. Но праздником жизни правят не они, а судьба, «сварившая праздничный суп», приправленный костями и специями из странноватых родственников. Они рождаются, умирают, судьба «полощет» их в суповой миске, затем выбрасывает за ненадобностью. Постоянными остаются только стол и Служанка. Они вне судьбы, вне времени – наблюдатели и стражи хронологий.
                3 октября 2015
              ***
Поклитаровское хулиганство с барочными ритурнелями
Первая версия балета «Женщин в ре миноре» на клавирный концерт И.С.Баха была поставлена Раду Поклитару с участием одесских танцовщиков 1 сентября 2001 году. И это был спектакль из раннего Поклитару - вполне классического типа. Балет представлял собой образец идеального воплощения баховского инструментализма и принципа концертности, где «тела-инструменты» чередуются и соревнуются друг с другом отдельными партиями и фрагментами соло, подобно клавишам, струнам, и смычкам, визуально отображающими суть музыки, её движение, контрасты, кульминации. Балет по преимуществу женский с одним мужским вкраплением в средней части «Адажио», идеально соответствовавший музыкальному материалу, когда симфонизация движения воспринимается, словно ожившая поэтизация музыкальной скульптуры в абсолютно гармоничном соответствии музыки и пластики.
    «Бах - музыка обо всем, то есть под одну и ту же музыку Баха можно поставить и сакральный танец, и любовную сцену. Он совершенно философски отстранен от всего, и в то же время глубоко чувственен в каждой ноте. Я вообще фанат Баха, если бы была возможность, я бы ставил только на Баха», — рассказывает Поклитару. 18-19 июня 2014 года Раду Витальевич решился возобновить «Женщин в ре-миноре» постановку в труппе «Киев-модерн балета». Второй постановочный состав такой. Идея, хореография, постановка - Раду Поклитару. Художник по костюмам - Дмитрий Курята. Ассистент хореографа - Анатолий Козлов. В главных партиях: Он -Алексей Бусько, Сергей Кон. Она - Анна Герус, Элина Винникова.
    По заявке создателей спектакля, «Женщины в ре-миноре» - спектакль пронизанный преклонением перед мощью гения И.С.Баха. Баховская полифония послужила источником вдохновения для автора хореографии - вся пластическая ткань этого балета абсолютно полифонична. Трагическая история, о несуществующей женской дружбе, стала лишь поводом для развёртывания чрезвычайно сложных многофигурных композиций дуэтных фрагментов.
    Возобновление «Женщин в ре миноре» в интерпретации Киев модерн-балета получилось совершенно иным - с резко «модуляцией» эмоционально-смысловой составляющей балета. Теперь это женская коммуна, активно пародирующая баховское изящество и грубовато хулиганящая над барочными ритурнелями. Бах явно любим известным хореографом, но он играет с ним как котенок с мотком шерсти, или, как ребенок, дразнящий учителя музыки своей «непослушной» версией Первого ре-минорного клавирного Концерта великого Иоганна Себастиана.
    Ну не хотят ребята погрузиться в серьезного дядюшку Иоганна. Для них - Концерт лишь повод пошутить, похулиганить, по-крестьянски весело разгуляться, изобразив «намеренно корявый танец» то ли уборщиц, то ли прачек. Компания подружек выпила, разошлась и весело справила свадьбу молодой дружеской пары, оторвавшись по полной! Ещё забавней то, что в качестве подружек Раду «употребил» персон мужского пола, усиливших комизм ситуации десятикратно. По сюжету в спектакле 16 главных «героинь», партии которых исполняют мужчины.
    Но не всё так просто. Хулиганская шутливость «косолапых красавиц» предрекает трагическое завершение драмы. Жесткий слом от смеха к слезам - нередкий приём у Поклитару. Финал балета, благодаря сочетанию космической музыки Баха и современной экспрессивной пластики, по своему масштабу становится библейской трагедией.
    Поклитару - хореограф-драматург, и ему важно, что он «лепит» из труппы, какую идею несут его подопечные. Поклитару – это порыв, стихия на пределе страстей и парадоксальности. Он обожествляет само движение, его динамику, философию – то дерзко-хулиганскую, то медитативно-изысканную. У него своеобразный синтез времени и движения, пластики и драматургии - это плазма творчества с очень высоким градусом сплава без всяких признаков усредненности.
                15 февраля 2015
                ***
Поклитару, Доннеллан и Шекспир
В 2003 году руководство Большого театра России впервые приглашает Раду Поклитару ставить балет, и это был «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева. Идея постановки принадлежала английскому режиссёру-шекспиристу Деклану Доннеллану. Кандидатуру хореографа дружно избрали балетные критики Москвы.
Вот так настала историческая дата 13 декабря 2003 года – день премьеры «Ромео и Джульетты» в Большом театре, открывший «Первый Малый Московский период» в биографии Поклитару, включивший также постановки «Отелло» и «Палаты N6».
    Союз Поклитару, Шекспира и Доннеллана оказался настолько ярким и важным, что он возымел продолжение и во второй премьере балета «Гамлет» на музыку Дмитрия Шостаковича Большого театра 11 марта 2015 года. Спустя 11 лет года Большой театр второй раз приглашает Поклитару в качестве постановщика, обозначив «Второй Московский период» в творчестве хореографа.
    «Самый мощный проект, который мне предложили в последнее время – это балет «Гамлет» на музыку Дмитрия Шостаковича в Большом театре России, - отмечает Поклитару. - Автор идеи – Сергей Юрьевич Филин – художественный руководитель Большого театра. Ставим мы в той же команде, что и «Ромео и Джульетту» Прокофьева в 2003 году вместе с известным постановщиком Шекспира - английским режиссером Декланом Доннелланом. Сценография и костюмы - Николаса Ормерода».
    А надо сказать, что в 1969 году уже был создан фильм-балет «Гамлет» на музыку Д. Шостаковича в жанре «хореографической сюиты» с участием труппы Большого театра России, где в главной партии снимался Марис Лиепа. В 1971 году вышел ещё один фильм-балет «Гамлет» уже на музыку П. Чайковского с участием Никиты Долгушина.В 2008 году балет «Гамлет» в двух действиях на музыку Дмитрия Шостаковича по одноименной трагедии Уильяма Шекспира и либретто Николая Оганесова был поставлен в Ростовском Государственном музыкальном театре.
    Напомним,  что Раду Поклитару ставил балеты в Минске, Кишинёве, Москве,
Киеве, Риге, Одессе, Перми. Он удостоен наград на международных балетных
конкурсах и фестивалях в Италии, Беларуси, Болгарии, Украине, России, Румынии. Количество поставленных им балетов перевалило за 40-значный рубеж. Участвовал он и в постановочном процессе «Зимней Олимпиалы-2014» в Сочи. Раду – желанный гость и член жюри на самый престижных хореографических конкурсах и телепроектах.
    Хореограф Поклитару давно известен своей шекспирианой: московский «Ромео»
стал лишь первой версией веронского мифа. Была и вторая - по увертюре-фантазии П.Чайковского «Ромео и Юлия» по инициативе литовского дирижера Гинтараса Ринкявичюса. Так возник «па-де-катр» с четырьмя танцорами на фоне оркестра. И был «День рождения Отелло» на музыку 7-ой симфонии Прокофьева в 2004 году в исполнении Русского камерного балета «Москва». Наконец, самый интересный рассказ Поклитару о судьбе Ромео и Джульетты - это хореографическая драма «Веронскиймиф: Шекспирименты» (2007) на музыку эпохи Ренессанса, Генделя и Чайковского. Сложный «двойной балет», создавший мост между реальным временем существования героев и днем сегодняшним в исполнении Киев модерн-балета.
    Известный английский режиссер Деклан Доннеллан, лауреат «Золотой Маски» и «Хрустальной Турандот», не впервые работал с российскими актерами. В сезоне
2013-2014 он поставил шекспировскую пьесу «Мера за меру» в Театре Пушкина.
Деклан Доннеллан обычно выстраивает спектакли с математической строгостью и логичностью шахматной партии. И новая постановка была задумана с филигранно
точным распределением балетных партий.
    «Наш спектакль в первую очередь о потере, о том, что не совсем удачно создан человек, - отмечает Раду Поклитару. - Ведь все мы с большим трудом, неумело и болезненно, переживаем потери — прежде всего уход близких. Во все времена — это нелегко. Даже не готов сказать, что увиденный нами Гамлет — герой нашего времени.
    Он такой, каким мы его мыслим. Точно не невротик, каким часто делают принца, потому что невротик не интересен с точки зрения психологизма и сопереживания персонажу. Скорее, это человек с параличом действия. Он знает, что ему надо совершить, но почему-то решиться на это не может. Наш Гамлет очень сильно меняется: вначале мы видим одного человека, во втором акте — он совершенно другой, в финале — третий. Мы работали три с половиной года. Сергей Филин предложил поставить «Гамлета» — пьесу, согласитесь, весьма интеллектуальную, что применительно к балету комплимент сомнительный. Главное — раскрыть душевный путь героя, от «а» до «я». История рассказывается глазами Гамлета. Это не самый балетный балет в мире по количеству хореографии и её насыщенности.
    Когда речь заходит о «Гамлете», то возникает сразу пара: Шекспир и Шостакович. Дмитрий Дмитриевич писал музыку к «Гамлету» дважды — к фильму Григория Козинцева и к спектаклю Вахтанговского театра. И оказалось, что симфония №5 и симфония № 15, если взять её без первой части, идеально соответствуют нашему либретто.  Я рад, что в сравнении с 2004 годом, когда мы ставили «Ромео и Джульетту», у артистов исчез страх перед современным танцем».
    Дарья Хохлова, исполнительница партии Офелии: «Гамлет не является ни слабым человеком, ни неврастеником. Он «заблокирован» и думает только об одном, что должен сделать, а именно — отомстить за смерть отца. По-настоящему он начинает любить жизнь, лишь всерьез задумавшись о смерти. В конце концов, его убьют именно в тот момент, когда он страстно захочет жить. Офелия — самая несчастная и печальная героиня у Шекспира. Её грех — послушание. Ни одна другая героиня (например, Джульетта или Дездемона) таким грехом не страдала. Все они поступали наперекор запретам, а что касается Офелии, она смиряется — и гибнет».
    Что же объединило двух разных мастеров водном спектакле? Мощность, сила, графически-жесткий язык, смелость и умение создавать свою мифологию. Доннеллан - англичанин, он старше, мыслит четко, обобщенно. Поклитару моложе, виртуознее, любит завихривать действие - ну он все-таки молдаванин! В том и особенность постановки, что это разные художники, с разными темпераментами и стилистикой самовыражения. Поклитару отметил, что Доннеллан требовал сократить динамику движения до необходимого минимума выразительности.  Это так странно для Раду.
    Поклитару силен в Шекспириане, этого «его поле», но он творит Шекспира как южный человек с присущей ему изощренностью и темпераментом. Импульсивную
перекрученность и своего рода ритурнельность стилистики Поклитару я бы назвала «барочным постемодернизмом». Доннеллану проще - он говорит с Шекспиром на родном английском, и он, скорее, «классик модернизма». Раду добавляет непредсказуемую пряность, столь яркую в творческом процессе. Деклан ясно видит цель и создает жестко-лаконичный рисунок сценографии. Но «Гамлет» сам противоречив, и такой симбиоз противоречий нормален! Но почему Большому театру России понадобилось аж 11 лет, чтобы вернуть на Новую сцену столь яркий постановочный дуэт?
    Во-первых, это несогласие Фонда С. Прокофьева с излишне смелой трактовкой балета «Ромео и Джульетта», за которым последовал запрет не только на «Ромео» в Москве, но и на «Золушку» Поклитару в Риге. В 2003 году Большой театр впервые рискнул на масштабный проект столь яркий и дерзкий, и премьера «Ромео» имела колоссальный резонанс! Но гастроли в Англии прошли неудачно, хотя режиссер был англичанин, и все должно было сойтись. Вот в этой неподготовленности аудитории к прорыву в области современного балета мне видится вторая причина недолгой жизни первого балета Поклитару в Большом театре.
    Молдова опередила время и произвела на свет Раду Поклитару, чтобы заставить двигаться вперед тяжеловатый «балетный театр стран СНГ». Таким он оказался в России, самой Молдове и в Украине. Не все было воспринято и на Западе. Но времена изменились - и «шоковая терапия» в театре балета стала привычной.  Потому и возник «Гамлет-2015».
    А для желающих вспомнить первую постановку Поклитару-Донелланна в Москве, фрагмент из моей книги «Раду Поклитару. Свободный танец» (2012 год).
«Ромео и Джульетта» - блистательно яркий спектакль, а какие глаза у танцовщиков, как все горит и плавится! Это настоящий Прокофьев: жесткий, ироничный, концептуальный. Именно такой Прокофьев нужен сегодня. И заслуга Раду Поклитару заключается не только в деромантизации балетной эстетики, лишившейся самой изящной детали – пуантов. Поклитару максимально приблизил балетное действие к искусству драмы, переосмыслив саму балетную жанровость из дивертисментной в подлинно-драматическую.
    Критики нападали, а Раду гордился: «Я первый, кто снял пуанты с балерин
Большого театра». Но он снял не только пуанты, он заставил их кричать и
плакать, и забыть о том, что балет - это искусство красивых линий. Красивый-
некрасивый - это не те категории, с которыми он работает. И через это, через
изломанные руки и искривленные стопы, через движения на полусогнутых ногах,
через поцелуй влюбленных на фоне безмолвного траурного рёва вы слышите
ритм жизни.
                Март 2015

                ***
«Симфония в трёх движениях» и Раду Поклитару
После премьеры «Гамлета» в Большом театре 11 марта 2015 года первой балет-
ной премьерой сезона 2015-2016 гг.  в Мариинском театре стала «Симфония в
трёх движениях» на музыку Игоря Стравинского в постановке Раду Поклитару.
    По словам самого хореографа, «История была не совсем театральная. Аня Матисон решила снимать балетное кино. И то, что я сейчас ставлю в Мариинском театре, является частью этого кинопроекта. Мне предложили быть хореографом, который бы осуществил постановку балета, фигурирующего в сценарии фильма, на что я о ответил, что мне интересно только в том случае, если это будет репертуарный спектакль Мариинского театра. Так мы с самого начала стали плотно сотрудничать с Анной Матисон, которая является художником спектакля – автором как декораций, так и костюмов. Если же говорить о хореографии, то тут я действовал самостоятельно, хотя бы потому, что Аня в это же время снимала свой фильм и чисто физически не могла присутствовать на репетициях».
    И вот 30 декабря в 2015 года на второй сцене Мариинского театра состоялась премьера балета на музыку Игоря Стравинского в хореографии Раду Поклитару. А следует напомнить, что первое и самое известное хореографическое воплощение партитуры «Симфонии в трёх движениях» Стравинского было создано в 1972 году мастером бессюжетного симфонического танца Джорджем Баланчиным. Раду Поклитару предложил иное прочтение музыки Стравинского.
    «Этот спектакль мои размышления о цене, которую человеку приходится платить За право быть индивидуальностью», – говорит хореограф и подчеркивает, что образы его сочинения во многом обусловлены высказываниями композитора. -«Симфония в трёх движениях» была написана Стравинским в 1945 году. Хотя композитор и говорил, что она не программная, известны его высказывания, что каждый эпизод связан с конкретным впечатлением о войне. И хотя поначалу я не хотел заниматься военной темой, в итоге военные аллюзии в спектакле есть».
    «Три парки (одна символизирует молодость, другая — зрелость, третья — старость) прядут и тянут нити судьбы. Когда они обрывают эту нить, человек, согласно мифологии, умирает, в спектакле же Поклитару — рождается для дальнейших испытаний, уготованных тремя дамами. Дамы совместно руководят неким родильным домом, по которому перемещается бесформенная масса эмбрионов. Закинув в эту массу красную веревку, парки цепляют там первую жертву, выуживая на свет божий Юрия Смекалова. А вскоре, чтобы тот не скучал, на красную веревку ловят Светлану Иванову и начинают проводить их через жизненные испытания. Впрочем, герои полностью лишены воли и выполняют несложные пластические задания, проецируемые парками.  Неискушенность главных героев приводят дам в недоумение. Наиболее опытная дает господину Смекалову уроки любви. Возмужавший герой возвращается к госпоже Ивановой, но она, сохраняет неколебимое душевное целомудрие. Паркам ничего не остается делать, как наслать на героев кордебалет бывших эмбрионов. Их одели в мундирчики и бриджи и, исполняя святую волю режиссера и дирижера, заставили маршировать. Закончилась «Симфония» людоедством: бывшие эмбрионы сожрали господина Смекалова, госпожу Иванову распяли на пуповине, а три дамы, похоже, остались не очень довольны экспериментом» (из интернет-блога bloha-v-svitere. livejournal.com).
    Концепция и стилистика сценографии «Симфонии в трёх движениях» напоминают балет «Перекрёсток» в образе трех дам, прядущих нить судьбы, хотя глаза их закрыты повязкой. По словам Поклитару, главную идею «Перекрёстка» также определяет богиня из древнегреческой мифологии, которая прядет нить жизни. Незрячие персонажи есть и в «Перекрестке», и в балете «Underground». Военная форма постепенно проникает во все последние балеты Поклитару. Снайперы серой гвардии отстреливают белокрылую стаю в «Лебедином озере», персонажи в военном присутствуют в «Гамлете». А кордебалет эмбрионов напоминает зеленые спиральки человеко-механизмов в «Весне священной» Поклитару, кстати, тоже облаченных в военизированную униформу!
                30 июня 2016    
                ***
«Жизель» Раду Поклитару
Вначале весны 2016 года Раду Поклитару получает Национальную премию Тараса Шевченкоза балеты «Лебединое озеро», «Женщины в ре миноре», «Долгий
Рождественский обед» и балет-триптих «Перекресток». А 9 апреля 2016 года Киев модерн-балет показывает новую громкую премьеру Поклитару– знаменитую
«Жизель» Адольфа Адана в Октябрьском дворце Киева.
    Но почему именно «Жизель»? «Когда мы говорим опера, у всех возникает ассоциация с «Травиатой» и «Аидой», когда мы говорим живопись, возникает ассоциация с Моной Лизой, и кто-то, может быть, еще вспомнит Ван Гога. А когда мы произносим балет, то на первом месте, конечно, стоит «Лебединое озеро», а за ним прочно обосновалась «Жизель», - отмечает Раду Поклитару. - И находится она там с 1841 года. Из всех балетов, которые идут на мировых балетных сценах, именно этот самый старый. Когда я задумался о том, что пора создать новую постановку и ремейк классического балетного
произведения, я практически сразу решил, что это будет «Жизель».
    Во-первых, я сам танцевал в этом балете на сцене Белорусского государственного театра оперы и балета. Во-вторых, там совершенно замечательная музыка Адольфа Адана. Я не поменял в «Жизели» главную идею спектакля, хотя сильно поменял сюжетные линии. Наш спектакль о любви, о предательстве в любви. И о том, что настоящая любовь сильнее всего на этом свете. Моя Жизель - не милая пейзанка, а обездоленное дитя большого современного города. Как и её классический прототип, она мечтает о настоящей большой любви. И также её мечты терпят крах, столкнувшись с пропастью, которая делит наш мир на богатых и бедных. Но в отличие от своей предшественницы, Жизели в современной версии не будет дано блаженного
ухода в идеализированный мир усопших душ. Её судьба страшней, безысходней.
Маленькая девочка с городских окраин, она будет пытаться остаться человеком,
несмотря на испытания, которые выпадают на её долю. Моя Жизель отчаянно борется за своё право любить и быть любимой. И хотя в конце её жизнь обрывается, зритель будет верить в силу человеческого Духа, возвышающего нас в часы самых тяжёлых ударов судьбы».
    По замыслу сценографа Андрея Злобина и художника по костюмам Анна Ипатьевой: «Хотелось создать некую элегантную версию fusion¬¬ началаXX века. В результате -главный элемент на доске настроения (moodboard) -  Любовь!  А события происходят в полуразрушенных трущобах и злачных местах убогого современного мегаполиса, жителям которого уже трудно вспомнить, чем отличается солнечный свет от яркой или тусклой искусственной лампочки. Казалось бы, что из тяжёлых обстоятельств, в которых оказалась главная героиня, лучшего выхода нет, из двух зол она не может выбрать меньшее, круг замкнут и судьба её трагична.  Но в итоге мы понимаем, что всё, через что ей пришлось пройти, было ради того, чтобы она сохранила свою мечту, и в итоге выбрала свет — свет неподдельной любви, свет души, свет живого открытого сердца».
     Светлая история любви, погружающая балетную героиню в самые неожиданные обстоятельства - злачные места, бордель - все это уже было в рижской версии
«Золушки» в постановке Раду Поклитару. И чем невиннее изначальные помыслы юной души, тем извилистее путь, предназначенный ей Судьбой…
     Кишинёву повезло, и мы смогли увидеть «Жизель» живьем в 2016 году на XXIV  феcтивале Марии Биешу. Сенсация удалась! Во-первых, Раду Поклитару присудили звание Народного артиста Молдовы. Во-вторых, сам спектакль оказался резче, чем ожидалось. Когда открылась занавес, мы увидела спину девочки-оборванки, неуклюжей грязнули, живущей в городских трущобах. Но постепенно зал смирился, что Жизель и ее забавные друзья, разряженные в серое рваньё, танцуют, словно дикие зверята. Глядя на пляшущие тельца-комочки, думалось о том, что Раду играет ими, как котенок мотками шерсти, спутанными в общий ком. На фоне хулиганств серой колошматицы возникает юное
чувство Жизели и Альфреда, весьма угловатое до того момента, когда Жизель открывает окошко своей горницы, из которого ярко-синей свежестью врывается картина моря. Но море живёт лишь в воображении девушки-амфибии, «пытающейся плыть русалкой» на помойке жизни.
    На сцене возникают богатые ребята-байкеры, высокомерно сопровождаемые звучанием меди. Их движения уверены, «стальные кони» демонстративно прекрасны – жизнь удалась! Предводительница байкеров ослепительно хороша, и она нагло уводит Альберта. Жизель протестует, не отдаёт любовь без борьбы, показав Альберту, что она тоже может покорить любого красавца, если захочет. Но силы не равны, и преданная Жизель падает без сознания.
   Её дальнейшая судьба куда ужаснее классического сюжета. Во втором действии Жизель очнулась в гнусном борделе, где её пытаются обучить искусству продажной любви. И чтоб у девушки не оставалось и шансов на иллюзии, в бордель приходят друзья Альберта байкеры, затем и сам Альберт, нетрезво-грустный в поисках непонятно чего. Жизель в ужасе, но Альберт очарован, и возникает прелестнейшая сцены любви, когда угловатые жесты юнцов становятся плавными и удивительно прекрасными. И вот оно - счастье, Альберт становится на колено, Жизель ждет предложения, но он протянул ей грязную купюру, полностью обрубив надежду, на счастье. Жизель смеётся, сходи с ума и бросается в окно, за которым спасительно-голубое море! Но мы знает - там серый асфальт…
    Удивительно трогательная постановка, нежнейшая до слез. А какие чудные ребята в труппе Киев-модерн балета. С какой радостью и верой в искусство они смотрели в зал на поклоне. Боже мой! Только ради их глаз надо ставить балеты и проводить фестивали. Что же до стиля постановки, то это, пожалуй, самая академичная работа Раду, несмотря на витиеватости постмодернизма. Теперь он абсолютно ясен, понятен, не суетлив и высшей кульминацией балета становится сцена замирания Жизели и Альберта, когда без единого жеста ясно, какой силы любовь из объединяла, и как жаль, что всё это невозможно!
                17 сентября 2016
               ***
Ускользающий шлейф вилисы…
Жемчужину балетной классики «Жизель» на фестивале Марии Биешу-2014
представили солисты Национальной оперы Народные артисты Молдовы Кристина и Алексей Терентьевы, приехав к нам сразу после успешных гастролей в Испании.
Три года назад мне повезло увидеть «Жизель» с Кристиной Терентьевой и
уроженцем Молдовы, ныне танцующем в Вене, Михаилом Сосновским. И это было
нечто потрясающее. Причем, Кристина была намного убедительнее заморского гостя.
- Михаил мой одноклассник по Кишиневу, и он не танцует классические партии, – отмечает Кристина. - У него в репертуаре больше современная хореография, в «Жизели» он танцевал впервые по нашей с Алёшей инициативе.
- У меня впечатление, что эта партия Вам особенно подходит, поэтому и результат такой запоминающийся.
- Я танцую «Жизель» 10 лет, но всё равно переживаю, и, честно признаюсь, что в ночь перед спектаклем не могла заснуть. Всё прокручивала во сне, где на ножку наступить,
как посмотреть, преподать образ, чтобы зрителю было естественно с нами, потому что в ХХI веке изменилось отношение к стилю танца.
- Но Вы настолько юная, трепетная, пульсирующая на грани жизни и смерти, что Ваша Жизель кажется естественным продолжением реальной жизни...
- Надеюсь, что я в равной мере справляюсь со всеми своими партиями. Но эта на самом деле символична, потому что она сыграла особую роль в жизни многих великих балерин. Все помнят Ольгу Спесивцеву, которая просто сошла с ума, танцуя эту партию. Великая Анна Павлова стала знаменитой именно благодаря «Жизели».  И я всегда ищу что-то своё в спектакле, потому что копирование мало кому интересно.  Поэтому моя Жизель – это Я.
- А что значит «Жизель» для Алексея Терентьева?
- Это один из самых трудных спектаклей классического репертуара для ведущего солиста, - поясняет сам танцовщик. - Физически я бы, наверное, сказал, что самый трудный. Плюс — это ярко выраженная драматическая роль.
- То есть большое нервное напряжение?
- Эмоции практически натуральные – все пропускаешь через себя и отдаешь в зрительный зал.
- Что для Вас значит фестиваль имени Марии Биешу?
- Ну, это престижно и возможность пообщаться с приглашенными звёздами-коллегами, получить какой-то новый опыт, связи, контакты. И теперь это уже дань памяти Марии Лукьяновне, которой, нет с нами, но на фестивале мы вновь ощущаем её присутствие.
- А что нам ожидать в дальнейшем от Вашей замечательной пары?
- Мы много ездим, даем до 100 спектаклей в год в разных странах. С удовольствием выступаем на родной сцене и надеемся, что театр найдет возможность обновлять репертуар премьерами, в которых так нуждаемся и солисты, и зритель.
    Но что привораживает в этом балете? Почему зритель многократно его посещает? Мне кажется, это душа героини. Я вспомнила Марию Полюдову в этой партии, теперь внимательно наблюдала за Кристиной и поняла, что в сцене сумасшествия живет незащищенная пульсирующая душа, искренно пытающаяся удержаться за веру в людей. Жизель хватает руками воздух, пытается спастись, сжимая в кулачках пространство тепла и понимания. Но ей некому помочь, и хрупкий мир ее веры разрушается, забирая душу в неприкасаемый мир видений и призрачных вилис - невест, не доживших до собственной свадьбы. 
    Жизель равнозначна природе творчества – оно живёт лишь краткое мгновение, то ускользающее, то осязаемое. Жизель необъяснима, но любима - живой ли, мёртвой
по сути, не важно. Ведь это Душа, и без неё нет ничего, и ничего не нужно.
    Кристина Терентьева удивила пульсацией образа, то лихорадочно-волнующей в конце жизни, то тихо-замирающей в небытии загробного царства. Знаменитая белая Жизель у Кристины не мертва, она такая же тепла, мила и только чуть замедлена в несмелой попытке остановить время и вспомнить нечто. Её замедления лишь зрительны, потому что темп музыки сохраняется прежним, в чем заслуга дирижера из Беларуси Виктора Плоскина, впервые посетившего наш фестиваль.
    Альберт Алексея Терентьева красив и осознанно метафизичен, особенно. Это умный танцовщик, тонкий и сильный в прыжке. Он грустен глубоко и обреченно, но, все же, тянется к сердцу любимой. В своей обреченности они оба спокойны и совершенны как настоящие мастера, уже все доказавшие и живущие только искусством. Отметим и Анастасию Хомицкую в партии повелительницы вилис – Мирты. Она строга, грустна и неумолима, словно изваяние из прозрачного мела.
                Сентябрь 2014
             

                ***
Мюзикл, электронная- и рок-опера из Молдовы
Глава первая: «Мюзиклы Марианна Стырчи»               
Композитор Марианн Стырча успешно творит в театральных жанрах, свидетельством
чему стали спектакли «Синяя птица», «Мертвые души» в театре Эминеску, «Чуляндра» в «Сатирикусе», «Гамлет» в театре «Ионеско» и «Безымянная звезда» в театре Чехова. Он умеет точно угадать образные характеристики и органично соединяет их в единый ряд музыкальной драматургии.
    По приглашению Марианна я впервые увидела МЮЗИКЛ в Молдове, и это был спектакль «ЧУЛЯНДРА» на сцене театра «Сатирикус» композитора Стырчи по пьесе румынского автора ХХ столетия Ливиу Ребряну. Поставлен он в 1996 году и идёт по сей день. «Премьера «Чуляндры» состоялась в Париже, в Румынском центре, - вспоминает М.Стырча. –  Это, конечно, не Мулен Руж, скорее было рассчитано на румынскую публику, живущую в Париже. Получился вариант а-ля французского мюзикла».
    Сценический потенциал спектакля довольно интересен, и в этом заслуга режиссёра-постановщика Санду Греку и сценариста Иона Дивиза. Они сильно модифицировали содержание пьесы, сделав ее более доступной, сценичной и современной. Постановка выглядит куда глубже, крепче, ядренее, чем авторский оригинал. А надо пояснить, что Чуляндра – это круговой общий танец, типа хоры или хоровода, но более заводной, зажигательный, эротичный. Он начинается в медленном темпе, затем становится всё быстрее и быстрее, доводя танцоров до экстатического состояния. В спектакле танец Чуляндра становится символом круговорота жизни от рождения до смерти, от первых чистых движений человеческой души до самых тёмных её глубин. И Дивиза, и Греку впервые столкнулись с музыкальным оформлением такого рода и поначалу задумали сценический вариант переложения всех слов на музыку. Стырча же предложил форму мюзикла с танцами, вокальными номерами и речитативами - форму подвижную, демократичную, концертно-шлягерную. И такой вариант оказался реальней, потому что вокальная подготовка актёров изначально была слабой.    
    Марианн Стырча не стремился использовать современные или рок-интонации,
работая в классической традиции с использованием элементов фольклора. «Музыка спектакля-мюзикла должна быть легко-воспринимаемой и универсальной, тогда её интересно будет слушать в течение десятилетий. На это работали и средства выразительности –я использовал в «Чуляндре» компьютер с семплерными звучаниями, основанными на натуральных составах лучших музыкальных инструментов».
    В чередовании сцен «Чуляндры» чувствуется акцент на жанровости: женский
танец - мужской танец, народный пляс – салонный выход. И это классика, где автор музыки контактирует с музыкальным материалом, который у всех на слуху.
    У Стырчи была еще одна попытка работы в жанре мюзикла в детской постановке «ВОЛШЕБНАЯ БУЛАВА», которую он воплотил вместе с режиссером Виталием Дручеком 2008 году.  Сказка-поэма Ливиу Деляну стала заметным событием в череде постановок театра имени А.Чехова. «Волшебная булава» - большой спектакль в стихах с пением, танцами, яркими костюмами и надувными куклами. И дело не только в забавном сюжете, где злобного Дракона побеждает храбрый рыцарь. Просто сказка получилась современная, живая, веселая, свежая с хорошей музыкальной начинкой. И постепенно из жанра «музыкальной сказки» она превратилась в мюзикл, второе действие которого стало явной творческой удачей.
    В весёлой и страшной сказке «Волшебная булава» особо удались проявления
нечисти. Это надувной величиной во всю сцену трехголовый Дракон, Баба-Хыркэ, Мурджилэ и Трысня-Прысня. Эффектен образ Бабы-Хыркэ в исполнении Юрия Андрющенко. Это настолько ярко сыграно, спето и решено пластически, что играть бы Андрющенко смешных дамочек и Бабок-Ежек, не переиграть. Женские роли – его комическая стихия, и дай бог ему таких удач побольше - его Баба-Хыркэ вполне современная дама в духе Шапокляк в модном черном платье ажурных чулках и кудрях! Дручеку удалось подчеркнуть комедийно-мюзик-холльную сущность Юрия, и дети в зале сразу откликнулись на это аплодисментами.
    Не забудем и остальных участников спектакля. Колоритный Олег Беспальченко в роли Царя Зеленой Страны Молдовы, Ада Самарцева в роли властной Царицы, забавный Пётр Пейчев в роли Мурджилэ. Хорош и Трысня-Прысня Г.Зуева, и жутковатый Старичок-с-ноготок Д.Перева, резво шныряющий на велосипеде. Играли живо, увлечённо, так что сказку интересно смотреть и деткам, и взрослым.

Глава вторая «Мюзикл Геннадия Чобану «Врата»
31 октября 2010 года в Национальном дворце прошла премьера нового молдавского мюзикла «THE GATES» – «ВРАТА» композитора Геннадия Чобану, режиссера Санду Василаке и хореографа Дмитрия Танмошан. Работа над мюзиклом длилась 5 лет и, по словам авторов, стала первой профессиональной пробой этого жанра в Молдове. Хотя у нас уже были мюзикл «Урок новейшей истории» Владимира Биткина в театре «Ликурич»  и рок-опера Ливиу Штирбу «Миорица» в театре имени Чехова, а также «Чуляндра» Мариана Стырчи в театре «Сатирикус», «Маугли» в труппе «Эминеску» и «Кабаре Джексонвилль» режиссера Бориса Фокши и джазмена Дорела Бурлаку в театре «Лучафэрул».
    Но суть интриги была в том, что на эксперимент решился Геннадий Чобану, хорошо известный как автор и пропагандист Новой музыки, но не как представитель шоу-бизнеса. И если в прежних мюзиклах акцент ставился в первую очередь на драматургию, то теперь авторы сделали самостоятельный спектакль, в котором поют и танцуют не актеры, а музыканты. Главные партии исполнили: Борис Коваль, солист группы «Gindul mitei» Нику Цэрнэ, солист театра оперы и балета Валериу Караджа, Виктория Евтодиенко, Ирина Коваль, Андрей Раецкий, Кирилл Оарзэ. Хореографические партии исполнили артисты Национального балета Молдовы.
    Мюзикл «TheGates» повествует о реалиях современной молдавской истории. Спектакль призван «достучаться до сердец» наших современников, ищущих счастья по ту сторону символических «Ворот» зарубежья, где жизнь кажется хлебной и беспечной. В решении этой непростой темы помогают и многоуровневые интерактивные декорации, способные создать яркие эффекты.
    «Многие люди уезжают из Молдовы, не осознавая, что может произойти с ними в чужой стране, - поясняет Борис Коваль. – Стремясь на заработки в Европу, люди не думают о том, что у них может распасться семья, могут пострадать родители и дети, оставшиеся без присмотра. Главной темой мюзикла становится пограничное состояние людей, оказавшихся не у дел. У «Врат» есть две стороны, одна – это мы здесь, дома,
 где есть хоть какая-то уверенность. По другую сторону располагается что-то нам неведомое, манящее, затягивающее, словно «в омут с головой».   
    Для режиссера Санду Василаки «TheGates» - не первый музыкально-драматический спектакль. «Мне интересно было экспериментировать на грани музыки и драмы в пьесе Иона Друцэ «Последняя любовь Петра Великого», - делиться опытом режиссер. – Был в моей практике и мюзикл «Безымянная звезда» в театре «Эминеску». Мюзикл Геннадия Чобану мне очень понравился, потому что я впервые получил возможность работать с музыкантами-солистами. Заинтриговала и тема «Врат», символизирующая переход в другие миры и пространства. Мечтая о лучшей жизни, мы проходим испытание «Первыми вратами мечты», обещающими счастье и легкую удачу. Затем возникают «Вторые реальные врата» перехода из мира грез в мир материальный. И наш новый мюзикл как раз о том, как неоднозначно положение людей, рискнувших реализовать переход из мира внутреннего в мир внешний, незнакомый, грубый и жестокий».
Спектакль «TheGates» получился неожиданным и неоднозначным. Задуманный как мюзикл, он, в итоге, больше напомнил балет с вокальными вставками из рок-оперы.
    Такое смещение обусловлено доминированием хореографии Дмитрия Танмошан,
реально сильной и яркой. Прилично отработали спектакль и вокалисты, среди которых отметим Бориса Коваля в роли Мужа, Нику Цэрнэ - Хозяина ночного клуба и Викторию Евтодиенко в образе Дочери. Эти ребята вполне перспективны в музыкально-драматической ситуации.
    Особо отметим многоэкранное панно, подвешенное в верхней части сцены, на котором изображались изящные рисунки песком по стеклу. И в целом эксперимент «TheGates» стоит поощрить хотя бы потому, что это редкий сплав достаточно актуальной, сложной и драматичной темы с профессионально выполненным музыкальным рядом. Геннадию Чобану удалось создать цельную композицию с напряженными вокальными партиями и динамичными танцевальными интермедиями. Хороши костюмы светло-пастельных тонов дизайнера Людмилы Фурдуй и сценография художника Юрия Матей, достаточно лаконичная и интеллигентная.

Глава третья  «Жанр мюзикла в театре «Лучафэрул»
Жанр мюзикла активно развивается в Кишинёве и весьма логично прижился в молодежном театре «Лучафэрул». Первый полноценный вариант музыкально-танцевальной постановки театр «Лучафэрул» предложил в «Трехгрошевой опере»,
второй  -  в «Джексонвиль-кабаре».
    Самой экспериментальной и динамичной в театре можно назвать «ТРЁГРОШОВУЮ ЛОПЕРУ» по Бертольду Брехту. Постановка смелая, идущая с новым музыкальным оформлением в авторстве московского композитора, уроженца Молдовы Юрия Алябова. Для реализации спектакля режиссер Борис Фокша «жонглирует» текстом Брехта, трактуя его многозначно и современно, где каждый жест хорошо продуман и импульсивен.  Фокше удается музыкальный театр, он умело сочетает темпоритм музыки и драмы.  Его версия «Трёхгрошовой оперы» необычна, сложна и активна в пластическом решении вплоть до элементов акробатики.
    Спектакль яркий, молодежный, рассчитанный на молодых и сыгранный очень
молодо. Он вывел труппу на новый качественный уровень, обеспеченный остро социальной темой, экспрессивной сценографией и точным соотношением музыки
и драмы. Финал постановки проявил режиссера как мыслителя, ищущего своё
понимание мира «от дисгармонии к музыке сфер», через грехопадение к духовному очищению.
     Мюзикл «КАБАРЕ ДЖЕКСОНВИЛЬ» в театре «Лучафэрул» сюжетно смещен во
времени и пространстве – действие происходит в провинциальном городке
Джексонвиль в Америке. В кофейне собираются молодые люди, мечтающие стать звёздами. Движимые сиюминутными соблазнами они забывают о том, что в жизни действительно существенно. Постановщик спектакля Борис Фокша задумал его как
Яркое действо с живой музыкой, специально написанной для спектакля Дорелом Бурлаку. Музыканты, импровизационная природа джаза, танец, театр – все это провоцирует рассказ о творческих свободе и коварстве любви и о том, что любовь бывает истинной и продажной. Это мир человека-куклы, где пение, танец и юмор перерождают марионетку в человека, в котором любовь и искусство возвращают его истинную духовную сущность.
    Сюжет знаменитого «Кабаре», хорошо известный по фильму с Лайзой Минели,
здесь не буквален: есть злой персонаж - Хозяин-бизнесмен, управляющий чужими судьбами, и добрый - Композитор, который влюбляется в красавицу Героиню. Так образуется роковой любовный треугольник, напоминающий одновременно коллизии «Кабаре» и «Мулен Руж». В противоречие вступает продажная Любовь, которую
культивирует Хозяин, как символ красоты и богатства, и настоящее чистое чувство молодых людей, возникшее нежданно-негаданно. Действие происходит на стыке начала и финала драмы, и все, что происходит, воспринимается в ретроспективе, как воспоминание по принципу отмотанной назад кинопленки. Финал - итог действия мы видим задним числом, наблюдая «фильм жизни», уже зная итог драмы. И это все пропускается через «мясорубку» блистательного сюжета «Кабаре».
    Внешне все красиво и шикарно, глаза застит блеск легких денег, успеха и
беззаботной жизни - это идеал современных девушек, где все хотят «оторвать»
мужа побогаче, любовника пощедрее, пока вся жизнь не превращается в торговлю собственной душой и телом.
    Режиссёр Борис Фокша называет свой спектакль антикризисным. Почему? Потому что мюзиклы чаще всего возникают в кризисные этапы жизни общества, когда есть потребность встряхнуться и зарядиться оптимизмом от веселой энергетики яркого музыкального действа. Легкая музыка, яркие костюмы заставляют забыть о жестокой повседневности и хотя бы помечтать о том, что может быть.
   Спектакль получился яркий, смелый: откровенны наряды девушек, уместно
внедрение джазового элемента в живом исполнении профессионалов, все динамично, живо, шокирующе и интеллигентно. Это важный опыт для молодых актёров и музыкантов. В таком тесном сотрудничестве мы видим их в Молдове впервые. И впервые у нас полноценный мюзикл на сцене с авторской музыкой джазового композитора Дорела Бурлаку.
     В Молдове не практикуется джаз в крупной форме, и у Бурлаку, и в знаменитом «Тригоне» это в основном миниатюры. Джаз как активный элемент действия, как  «живой участник» интриги, формирующий эмоции и пафосную канву действия, впервые получил полную свободу и равноправие с драматической сценой.  Но это повышает ответственность, ибо музыкальные спектакли - самые сложные и утончённые, тут любая неточность и  недоработка заметны мгновенно.
    Интересно решены костюмы в спектакле, подчеркивающие разнородность провинциальных девушек: у них и костюмы, и фигуры разные. Они, вроде, люди, и, вроде, куклы - веселятся, грустят, бедствуют, мечтая о богатой жизни.  Хороша Паулина Завтони в роли эффектной Вирджинии. Смелая, в короткой юбке, на каблуках, сексуальная, влюбленная в молодого конферансье, она ни в чём не уступает молодым красоткам-соперницам.
    Пауль, конферансье, самый мюзик-холльный персонаж в талантливом исполнении Владимира Исак. Он - мачо, красавец, его обожают женщины, но слабый человек, у которого все деньги отбирает жена. Судьба играет им и преподносит неприятные сюрпризы. Блистательный красавец на сцене оказался беспомощным в личной жизни – такова судьба многих жертв Кабаре.
    Хороша главная героиня в трактовке Стелы Мьерле. Она певица, актриса,
влюблённая в саксофониста, хотя ей предлагаются варианты богатого покровительства. Мечтает о карьере, попадает на Бродвей, но затем возвращается к любимому в Джексонвилль. Актриса - персонаж раздвоенный, подверженный мечтам и соблазнам, но, по сути, глубоко чувствующий, потому избирающий истинный путь любви Композитора, пусть и в провинциальном Кабаре. Красив и меланхоличен Вячеслав Мереуцэ в роли саксофониста-композитора, мечтающий о главной героине. Он не грезит о легких деньгах, творит и влюбляется надолго и по-настоящему. Это единственный цельный герой, спасающий Актрису от иллюзий.
    Уместны музыка и танец в спектакле. Хореограф Александр Войтенко обучил труппу пластике кабаре всего в двухнедельный срок. Получилось изящно, с фантазией, весело и точно в пластике до мельчайших деталей. Особо удался номер «Деньги», где девочки неожиданно обрядились в стиле «милитари», а молодой актер Серджиу Плынгэу эффектно изобразил элегантного транжиру –миллионера.

Глава четвертая: Электронная опера-балет
Раду Поклитару «Силы судьбы»
Из современных музыкально-театральных постановок стоит упомянуть еще один уникальный жанр уроженца Молдовы хореографа Раду Поклитару. В 2005 году он поставил в Киеве ЭЛЕКТРОННУЮ ОПЕРУ «Le Forze Del Destino», переводимую
как «СИЛЫ СУДЬБЫ». Экспериментатор-хореограф, ныне руководитель «Киев модерн-балета», предлагает свою версию оперы-балета из 13 номеров, к которой
применимо и второе жанровое определение – МЮЗИКЛ-ПОПУРРИ из произведений Джузеппе Верди, Арриго Бойто, Джакомо Пуччини, Камиля Сен-Санса и Альфреда Каталани в аранжировке Павла «Picasso» Шевчука и исполнении «Paularis Music
Group». Записано лондонской студии Abbey Road.
     Электронная опера - исторически весьма молодой жанр, и, хотя её давно пробуют на прочность такие мэтры, как Алексей Рыбников («Юнона и Авось»), Эдуард Артемьев «Преступление и наказание») и Виктор Арагонов («Легенда о несбывшемся грядущем»), для киевского ареала словосочетание электронная опера все еще хочется закавычить.    Игра на стыках жанров - один из коньков заслуженно популярного хореографа Раду Поклитару, благодаря которому арии в «Силах судьбы» превратились в балет.
    Электронная опера-балет «Силы судьбы» в буквальном смысле - дитя Раду Поклитару. Он придумал сюжет, а центром постановки стала талантливое сопрано Алена Гребенюк. «Под нее мы вместе с композитором Павлом Шевчуком создали проект по мотивам классических сопрановых арий, - отмечает Поклитару. - Это оригинальные эстрадированные аранжировки с партией бельканто в чистом виде. Получилось в стиле мюзикла: безумно трагическая история певицы, ее любовь, слава. В итоге ее предают, бросают, и она сходит с ума».   
    В этой постановке мы вновь столкнулись с изобретательностью Поклитару, выдвинувшего на сцену пышнотелую красавицу примадонну и восемь мужских фигур, одетых во что-то солдатское или клоунское. Символичны огромные бильярдные шары, которые танцовщики с трудом переворачивают по сцене: символика ясна, это шары судьбы и неизвестно, в какую лузу они упадут.
    От сопрано Алёны Гребенюк исходит сумасшедший соблазн - она возвышена, вульгарна и мистична. А мужской кордебалет вьётся подле нее, словно восемь ипостасей судьбы, восемь ее исповедей и грехов. Они «вторят» ей, словно античный хор, «комментируют» телами, сочувствуют и провоцируют трагедию ее судьбы. Это витиеватые линии судьбы, восемь ее собственных лиц, влекущих к безумству и гибели - восьмиликий символ Рока, подобно осьминогу, создающий хитросплетение ловушек, связавших душу и судьбу певицы в единый узел обреченности.

Глава пятая: «Рок-опера «Миорица» Ливиу Штирбу»
В музыкальной истории Молдова была уникальная попытка создания и постановки
РОК-ОПЕРЫ: в 1990году Ливиу Штирбу представил свою «МИОРИЦУ». «Я получил хорошую композиторскую школу у Бориса Дубоссарского, и хотелось применить
свои знания в крупной форме. Поскольку большой опыт у меня был в эстрадной
музыке, логично было поэкспериментировать на грани легких и академических
жанров - так возникла идея рок-оперы, - размышляет композитор. - Здесь нужен был особый исполнительский состав поюще-танцующий. К счастью, к тому времени как раз «подоспел» первый выпуск музыкальной комедии в консерватории, и я активно принялся за дело, не имея даже окончательного сценария. Поначалу сценарий поручили Юлиану Филипу, завершил работу Вячеслав Мадан. Работать было очень интересно и трудно – по12 часов в день».
    Пять премьерных спектаклей вызвали большой интерес, и это понятно– Штирбу
человек серьезный, талантливый. Но спектакль не удержали, потому что не учли специфику музыкально-театрального жанра. Рок-оперу в Молдове восприняли как
жанр чисто театральный, и даже имя композитора вписали где-то внизу мелким шрифтом.
    А надо было делать акцент на музыку и рекламировать спектакль по законам шоу-бизнеса: на ТВ, в прессе, сделать диск, качественные видео- и телезаписи. Все ограничилось какими-то фрагментами. Телевидение предложило свои услуги, но Вячеслав Мадан отказался от телеверсии спектакля, полагая, что после ТВ-просмотра
на живой спектакль зрители уже не придут. Это было роковой ошибкой и, если
обычные спектакли восстановить легко, то музыкально-театральные - проблема,
они требуют уникальной поюще-танцующей артистической базы, которую трудно поддерживать. И теперь спектакль утерян

Глава шестая «Рок- и зонг- оперы в Театре с улицы Роз»
Государственный молодежный драматический театр с улицы Роз славится своими музыкально-драматическими постановками, и это очень важно, потому что участвует в них, главным образом, молодежь, и тематика спектаклей проблемная, философски противоречивая и необычная.
     РОК-ОПЕРУ «БЕЛАЯ ВОРОНА» украинских авторов композитора Геннадия
Татарченко и поэта Юрия Рыбчинского театр поставил весьма современно и
убедительно, что подтверждают многочисленные гастроли.
    «Тема поэмы, положенной в основу спектакля - подвиг Жанны Д’Арк как символа свободы не только для французов, но и для всех людей, не желающих жить в неволе, - отмечает режиссер спектакля Юрий Хармелин. - Мне всегда интересно пробовать себя и своих актеров в разных жанрах и не зацикливаться на чём-то одном. У нас артисты - поющие и танцующие, они умеют все, потому мы не боимся делать все, что нам хочется».
    Стоит отметить романтическую канву постановки, в которой тесно переплетаются чувства двух людей. Главная героиня в исполнении Ксении Куренковой сбегает с собственной помолвки, делая непростой выбор между любовью и чувством долга. Ее жениха Жульена (Алексей Штырбул) в финале также ждет испытание, в котором побеждает месть – именно ему предстоит стать палачом Орлеанской Девы. Трансформация чувств на фоне разыгрывающейся исторической драмы неизбежно наводит на мысль, что таких понятий, как добро и зло, в чистом виде не существует.
    Одно порождает другое, и наоборот. Недаром же утверждают, что благими
намерениями вымощена дорога в ад. Или на костер – тут уж как кому больше нравиться. Как нет четкой грани между любовью и ненавистью, так нет и той черты, которая разделяет народ и толпу. Те, кто недавно боготворил Жанну Д’Арк, теперь требуют её казни и сполна получают свою часть зрелища. А та, которая мечтала «согреть вас, озябших и продрогших», задаётся вопросом – а стоила ли игра свеч?
    Важная постановка в репертуаре «розовцев»– ЗОНГ-ОПЕРА «ПОВЕЛИТЕЛЬ
МУХ», воплощенный по одноименному роману Уильяма Голдинга в 2012 году.
Автор музыки и аранжировки к спектаклю - молодой композитор из Молдовы Иван Павленко, и это первая попытка создания зонг-оперы в нашей стране.
    «Повелитель мух» повествует о группе подростков, оказавшихся в ситуации на грани нервного напряжения. Жизнь выбрасывает их на необитаемый остров во время войны в результате крушения самолёта. Герои драмы Голдинга непостижимым
образом проникают в глубины нравственной природы. Но это всего лишь дети.
Попав в безвыходную ситуацию, они вначале пугаются, затем резвятся и радуются.
    Но постепенно начинают соперничать, вредничать и проявляют эгоизм. В своих играх дети довольно жестоки и не способны отличить хорошее от плохого - они не могут предвидеть результаты своих поступков.
    Наедине друг с другом они подобны хищникам, готовым растерзать друг друга, если возникнет угроза их комфорту или власти. Произведение сложное, апокалипсическое по духу, раскрывает сложную ассоциацию первородного греха
в соединении с размышлениями о глубинной сущности человека.
                1993-2016 гг.
            
               ***
Театр Бориса Фокши
«Среди миров, в мерцании светил...»
Средь миллионов лиц, людей и судеб, мы ищем лишь одну, похожую на нас. Родную
душу в мире, где только «Ты и Я». Мы ищем вечно, долго, волнуемся и ждем,
появитсяли теплый, прозрачный свет, который тонкой нитью связан со мною и
тобой… Такие строки рождаются при мысли об образах прародителей рода человеческого. Они — символы любви и жизни, отнюдь не простые и неоднозначные, как и спектакль театра «Лучафэрул» по роману Ливиу Ребряну «Адам и Ева» (сценарий Бориса Фокши).
    Это неожиданная работа режиссера Бориса Фокши — и не спектакль вовсе. Скорее пантомима, транс, погружение в область воспоминаний истории человеческой. Это и не действие, а мучительный поиск себя в образах столь многочисленных и разных, что создается впечатление расколотой мозаики, которую Адам тщетно пытается собрать в одно целое. Не тут-то было. В экспонировании главных героев Ева успевает лишь мелькнуть в распахнувшемся окне. Редкой птицей воспарит она в душе Героя и тут же будет украдена унификацией технократии, превратившей женщину в тираж гламура и инструмент услаждений.
    Адам не сдаётся и восемь раз подвергается реинкарнации, чтобы узреть корень проблемы одиночества и неумения удержать вторую половинку подле себя. Восторженная Ева мчится навстречу к любимому со всей силой женского
инстинктивного естества. Но внешние силы не дают соединиться идеальной паре,
пока не совпадут все пазлы большой игры Человека и Космоса.
    Обретут ли они друг друга? Нет ответа, нет границ. Мелькают тени, крылья, дожди, облака — просвет, и снова тьма. Сквозь бурю и грозу, сквозь воду и песок мы видим  знак — то свет жемчужины, рождённый в створках Космической Раковины, в лоне которой зреет продолжение. Но прежде будут сражения и слезы, соблазны и аскетизм в неуклонном движении по спирали…
    Первое погружение в спираль, образующую восемь кругов-трансформаций –
это обычные люди – сегодняшние, наивные, но полностью зависимые от условий современной жизни. Здесь в роли главных героев выступают Константин Гарбуз(Адам) и Родика Мереуцэ (Ева). Он – чистая душа, трепетная и неспокойная, счастливая только в тандеме с Ней. Она – сексуальная, изящная, жаждущая жизни и её продолжения в роли Матери.
    Второе погружение – это Древняя Индия с её буддисткой символикой и магией кармических перерождений. В силу вступает яркое дарование Cтелы Веребчану, создавшей 160 костюмов для всего спектакля. Такой «драматургию облачений» я у Стелы еще не видела. Восемь раз она работает в совершенно разной стилевой зоне, сохраняя при этом единое образное пространство, перетекающее, словно ртуть, из образа в образ. Ее костюмы ярки и карнавальны, лаконичны и пафосны, архаичны и современны. Костюмы сами становятся персонажами игры, работая вместо слов, потому что текста в постановке нет! Чего стоит Бог Ганапати с золотой головой Слона — символ мудрости и благополучия. Наиболее почитаемый из богов индуистского пантеона, он великолепен в исполнении Вячеслава Мереуцэ.
    Персонажи спектакля немы. Но есть музыка Юрия Алябова. Шумы, гипнотическое звуковое воздействие, попытка что-то высказать не словом, но звуком. Герои, по сути – мифы, тени, и даже мертвецы, не имеющие права на Слово, потому что не могут явиться в реальность, пока первичные образы не сольются в одно целое. Композитору Алябову удалось весьма интересно создать восемь Храмов Звука, подчеркнувших красочность перевоплощений.
    И вот третье погружение – Древний Египет, с его сфинксами идей и людей. Это монументально-красочная магия фигур и мощностей, стихий и тайн Космоса.
Когда в движение приходят силы не только Живых, но и Мертвых. Черный Бог Анубис с головой собаки хорошо известен как проводник в мир мертвых. Богиня Бастед с головой кошки в египетской мифологии есть символ радости и веселья. Во всех нарядах много золота и особая подчеркнутость шикарной окантовки – орнамент и золотая кайма! Этот шик присущ как Индии, так и Египту. Но царственная красота не вечна, и всякая попытка обрести счастье бывает сокрушена и развеяна по ветру.
    Напомним имена восточных двойников Адама и Евы: в Индии это Патрисия Плынгэу (Навамалика) и Джиджи Табарча (Махавира). В Египте — Стела Фокша (Исит) и Вячеслав Мереуцэ (Унамону). Экзотика древности в сочетании с грубой природой варваризма бурлит в сценах из истории Вавилона со Светланой Парфени (Хаммой) и Игорем Изманом (Гунгунумом)в образах главной любовной пары.
    Второе действие великой партитуры любви раскрывает Италия в тандеме
Сервилии в исполнении Дианы Казаку и Аксиуса в трактовке Влада Исаак. Это самая органичная и цельная часть спектакля, где герои произносят некое подобие слова Любовь, звучащее отдаленным эхом. Италия окрашена магнетизмом воды, обычно символизирующей память чувств. Ведь Италия — страна любви, Ромео и Джульетты, Лауры и Петрарки. В итальянском эпизоде режиссеру Фокше и композитору Алябову удалось достичь максимального единства Идеи и Звука, подчеркнутого изумительностью и тонкостью костюмов Cтелы Веребчану.
    Движение по Европе подхватывает погружение в средневековую Германию с
главными героями Марией (Виорика Казаку) и Гансом (Олег Маковей). В немецкой
линии спектакля доминирует тема веры, пробивающей первый ростки христианства сквозьхаос язычества и вольных душ. Очень хороша музыка этого эпизода с грозными звучаниями органа, провозглашающими величие Бога над человеком.
Изысканно-вычурная Франция стала седьмой ступенью перевоплощений, в которой революционная символика становится символом свободы чувств Ивонны (Елена
Мокану) и Гастона (Олег Лунгу). Здесь буйствует царство костюмов Cтелы Веребчану и образной динамики Бориса Фокши.
    А надо сказать, что Фокша готовил эту постановку целых два года, тщательно отрабатывая каждый пласт драмы. Он долго работал с символикой проекций, создающих тревожно-зыбкую визуальность пьесы в виде непрерывно меняющихся стихий, конденсаций, полетов и космических панорам. Полифония образов в этом спектакле достигла максимальной степени насыщенности, соединив тени проекций, лейтмотивы пластических этюдов трио девушки-птицы на мужских плечах в сопровождении дамы на фоне постоянного поиска объятий мужчин и женщины, хватающих пустой воздух вместо любимых рук. Весь спектакль сделан очень сложно пластически и многопланово в исполнении.
    Последний этап погружений опускается на землю Румынии начала ХХ века. Это изысканный модерн точно выкроенных платьев, изумительных шляпок и крепко скроенных мужских костюмов. Модерн зажиточной жизни буржуа, танцующих и благоухающих предвоенным счастьем. Такой Румыния более не была, и такой ей
хочется возродиться в идеале.
    Но долгий путь Адама и Евы, путь совокупления двух раковинок в одно целое, ещё не завершен. Наступает момент, когда сражение Внешнего мира с Внутренним выиграно в пользу Любви. Адам перестает грезить, страстно обнимает Еву и удерживает её нежное тело, несмотря на все попытки разорвать их тандем. Любовь торжествует, и Внешний мир преклоняется перед царством Идеальной Любви, побеждающей все напасти и преграды.
                Ноябрь 2015

                ***
Лоскутная империя «Собаки на сене» 
В театре «Лучафэрул» состоялась долгожданная премьера знаменитой комедии Лопе
де Вега – автора, чьё творчество впервые было представлено на молдавской сцене.
    Мы помню экранизацию этого шедевра с участием М.Тереховой, А. Джигахарняна и М.Боярского, затмившую многие другие попытки создать инсценировку по одному из самых совершенных текстов в мировой классической драматургии. И по сей день любая попытка отразить любовную интригу де Вега на театральной сцене «испытывает на себе» сравнение с давно впечатлившими нас образами и актёрами. Риск колоссальный, и театр «Лучафэрул» готовил премьеру почти полтора года, задействовав свои лучшие ресурсы
на сцене, в костюмах и в музыкальном оформлении.
    Отметим сразу – спектакль получился ярко, весело, а что касается «драматургии костюма» – то это просто феерия, выполненная талантливой Стелой Веребчану.  Впервые увидела актеров труппы «Лучафэрул» такими раскованными, играющими свободно, интересно, неожиданно. Питомцы Фокши остаются требовательными, тонкими и постоянно развивающимися творческими людьми.
   «Поставить пьесу де Вега «Собаку на сене» - моя давняя мечта, на которую никак не хватало времени. - комментирует сам режиссёр. - Меня здесь волнуют проблема «человек и цивилизация», и как общество влияет на человека. Как общество формирует некоторые принципы, которые мешают духовному развитию человека. В итоге возникает проблема не состыковки души и цивилизации.  Несовпадение устремлений души и условностей общественного мнения, предвзятость, ложная мораль, которые сковывают личность человека и мешают ему духовно развиваться. О том, что Любовь – это редкий дар и непреходящая ценность, полная преодолений и провокаций…»
    «Да, чувство - это хищный зверь, вцепившийся когтями в разум», - констатирует Лопе де Вега, окрестив поведение графини как «Собаки на сене», которая «сама не ест – другим мешает…»  И эта двойственность сразу очевидна в постановке Бориса Фокши. Действие не просто начинается – оно «врывается» энергичным вихрем танцующих крестьян, резвящимся на беспечном карнавале жизни и любви. И это не просто люди, а какая-то лоскутная империя рук, ног – тел, обряженных в пёструю многослойность, на первый взгляд, стилистически аляповатую. Тонкие женские блузы «а ля Гальяно», заправленные в юбки-сарафаны, над-юбники, под-юбники, сочетающие клетку, полоску плюс легансы, полосатые гольфы – в общем, вавилонское столпотворение красок, стилей и деталей костюма.
    Все это многоцветье «прерывается» явлением Дианы поначалу в нижнем кружевном белье, а после в шикарно-дорогом наряде, впрочем, тоже стилистически противоречивом. Шикарная шляпа в духе нео-ренессансного модернизма дополняется кожаной современной курточкой с огромной розой на плече, парчовой юбкой и опять же легансами! Выдавая бурно противоречивое состояние капризно-взбалмошной графини, разрываемой родовой спесью и подлинной страстью к своему слуге Теодоро.
   Графиня эффектна в «светлом терракоте» и бирюзе, подчеркивающим живой и весьма резвый нрав молодой гордячки. И последний черно-белый наряд с подолом платья, усыпанным несколькими рядами черно-белого гороха, «с головой» выдают желание любовной игры, «вроде бы» и под строгим запретом классического контраста. Костюмы Дианы достойны солидного спектакля в респектабельном театре для богатых буржуа, но и молдавский театр может себе позволить себе роскошь - иногда.  Хороши также головные уборы всех персонажей – шляпы с перьями и легкомысленные белые чепчики с букетиками роз.
     Диана страдает, наблюдая за любовными похождениями своей прислуги, прожигающей жизнь в «игристом шампанском любви». Чередование «смятений
Дианы» с резвящейся толпой продлится весь спектакль, пока на заднике сцены
загадочно распахнется черно-атласная конструкция, периодически «пожирающая» фигурку влюбленной графини-«страдалицы». Эта та самая ловушка-капкан, к которой Диана «прикована» своими предрассудками, не позволяющими ей, высокородной, статьженой простолюдина Теодоро.   
    В роли Дианы убедительна Стела Фокша, «терзаемая» лирико-стервозной амбицией, нервозностью и игрой чувств. Стела играет сложно, напряженно, забавно-пафосно, кокетничая со своим «женихом» Риккардо, обряженным в лилово-белый наряд, абсолютно не отражающим мужскую природу.  Манеры Риккардо напоминают «дутого павлина», кичащегося «изысканным» вкусом и столь же никчемным слогом.
    Графиня любит Теодоро и бесится от ревности, застав его с простушкой Марселой. Сама заставляет его ревновать к своим тупым женихам, то притягивая, то отторгая горячей страстью и неравной любовью. Разбивает ему лицо в кровь, и с нежностью отбирает окровавленный платок, которым бедный Теодоро утирает следы её гнева. Любовь сколь горяча, столь и жестока –  и как сладка победа над судьбой, сопровождаемая виртуозной хитростью Тристана! Серджиу Плынгэу в образе Тристана ловко тянет внимание зала на себя, «примерив» кучу разных образов, которыми наградил бог одаренного друга Теодоро. 
    Яркая полифония образов, глубина и яркость действия говорят уже о творческой зрелости режиссера Бориса Фокши, сумевшего найти ту легкую ноту истинной комедии, которой наполнен воздух драматургии Лопе де Вега. Ведь главное, что остается после «потребления» столь экзотичной драматургии – это вкус, вернее, послевкусие. Когда действие постоянно «взрывается», как пробка из бутылки с шампанским, а потом «оседает» воздушной пеной на сцене и в душах зрителей, околдованных чарами любви…
                «Панорама», 14 октября 2011
                ***
Михаил Булгаков в театрах Кишинева
«Мастер и Маргарита» - заманчивый замысел для многих режиссёров, но лишь несколько проектов смогли осуществиться и удержаться на сцене и киноэкране. Большой успех возымел одноименный сериал Владимира Бортко, запечатлевший Кирилла Лаврова в роли Пилатаи Олега Басилашвили - Воланда. Запомнился так же фильм с участием Екатерины Максимовой и Владимира Васильева с фрагментами хореографического прочтения «Мастераи Маргариты».
    В Кишиневе интерес вызвали две версии булгаковской мистерии: в театре «Сатирикус» в постановке Санду Греку и в театре «Эминеску» в решении итальянского режиссёра Андрея Баттистини. Версия «Сатирикуса» оказалась довольно жизнеспособной благодаря долгой предварительной работе режиссера и многоплановости, и философской объёмности действия. Она стала монументальной и важной в судьбе театра. И, если Баттистини подчеркнул эммигрантски-сатирическую линию романа с акцентом на образе Воланда,
то Греку показал весь роман: здесь есть и Иешуа, Мастер, Маргарита, Понтий Пилат, Бездомный, Хайфа, Коровьев со своей шайкой. Греку работал над сценарием  два года ипервую версию показал в 1999 году. 
    У Баттистини центр действия перемещается на Дьяволиаду, а сам Воланд выглядит искренне: все его жуткие пророчества сбываются, и он всегда прав, бичуя лицемерную природу человека. Греку же увлёкся магической основой романа, прочёл много литературы о магии, изучил историю религии, выстраивая по криптограмме линию каждого персонажа из свиты Воланда. И обнаружил, что у Азазело своя мистическая биография, у Бегемота и Гелы – своя. Воланд «Сатирикуса» трактуется в духе ордена Розенкрейцеров, принимавшего светлую сущность Бога наравне с темной властью Дьявола.
     Бог един, значит, несёт в себе, как добро, так и зло – иначе он не всесилен. Видимо, есть у булгаковского «Мастера» особый многослойный секретный код, лабиринт многозначно-живых сущностей, не теряющих силу в веках. Разгадаешь код –поставишь, нет – твои проблемы, и вся работа идет прахом, оборачивается потерями, жертвами и забвением.
    Спектакль Греку имел четыре варианта, и главной у Булгакова он считает тему личности, тему «художник и власть», «художник и толпа», «художник и время», в итоге – тему безверия. Греку не поклоняется Воланду, как Баттистини, тем более, что у второго показан не весь роман, а «сцены из романа». «Я даже ввел в спектакль «Письмо Сталина», в котором Булгаков просит его отпустить из России, это как раз об его несоответствии с эпохой. - отмечает Санду - Я ставил спектакль на грани тысячелетий, и он, по сути, о потере веры в Бога, в Любовь. Но можно верить в мать, в жену, в друга, человек должен верить хотя бы в завтрашний день. А наше время жестокое, бесчеловечное».
    Трактовка Санду Греку нам ближе, чем версия Баттистини, потому что первая символизирует восточное восприятие Булгакова, сложившееся на территории бывшего Советского Союза. Иноземцев «Мастер» привлекает мистикой, экзотикой, антисоветской сатирой и универсальностью фантасмагорий, ставшей уже архитипичной.
    Для Баттистини важна «игра в Булгакова», игра смыслов, эпох – наконец, игра Добра и Зла, но не трагедия творческого одиночества и не конфликтность общепринятых ценностей. Постановка Греку серьезна, сущностна, трагична и преподносит идеи Булгакова во вселенском масштабе: от времен вавилонского столпотворения по сегодняшний день. Видно, что постановка далась кровью, особенно это чувствуется в сложно продуманной сценографии и в образах Маргариты, Пилата, и Мастера. Очарователен Азазело, умен и респектабелен Воланд, интересно преображается по ходу действия Бездомный. Убедителен крестообразный помост, окаймленный гирляндами красных роз в духе Розенкрейцеров, эффектны золотые розы в наряде Маргариты на бале -все продумано, глубоко, символично, и музыка тоже.                «Панорама», июнь 2012

                ***
Театр Петру Вуткарэу
Современный Чехов или «Страсти по Андрею»
Не следует мешать людям сходить с ума
Треск, сумятица, хаос- броуновское движение или вечный двигатель человекосмешения? Так начинаются «Страсти по Андрею» («Палата N6»): действие не началось и, вроде, не кончалось. Актёры непрерывно снуют по сцене под музыку «Риориты», и всё выглядит легко и весело.       
    Вселенная в модели дурдома весьма актуальна в ХХ столетии: сумасшедшая жизнь, жестокие нравы, стрессы, нервы. Как тут душу не изуродовать, ведь главное - выжить, наесться, напиться. И неважно, какими средствами. А размышления о смысле жизни, как и живое острое ощущение жизненной правды - только помеха, приводящая к душевному непокою и даже помешательству. 
    Поставил «Страсти по Андрею» режиссёр театра абсурда - Петру Вуткарэу. Поставил в русском чеховском театре, и доказал, что абсурд - это наше родное, кровное, и не надо лишней фантазии для демонстрации бредовости жизни - лишь повнимательней взглянуть
на себя со стороны. И «насладиться» ощущениями загнанного в клетку зверочеловека, который и рад бы что исправить, но уже и сил нет никаких. Тут Чехов и Вуткарэу пересеклись: писатель-классик - предвестник театра абсурда и яркий представитель современной стилистики, можно сказать, классик-абсурдист.         
    Главный персонаж - доктор Андрей Ефимович, интеллигентно спокойный и глубоко несчастный. Он руководит клиникой слабоумных и старается воспринимать всё как должное: нищету больничного убранства, нехватку лекарств, медицинской литературы – он и не лечит, а больше утешает, рассуждает, что, мол, и у нас, и в Венской клинике всё равно никто не вылечивается. «Больных не вылечивают и сумасшедших на волю не выпускают.  А что делать со свободой? И должен же кто-то сидеть в тюрьмах и сумасшедших домах». 
    Всеволод Гаврилов в роли Рагина скорее философ, чем врач, умеет убедить себя в том, что плохо тоже можно жить: «Не следует мешать людям сходить с ума». У него по 35-40 больных на приеме, поневоле отупеешь. Его не смущает, что утром больные умываются из ушата, вытираются фалдами халатов, едят вонючие щи и чай без сахара. Кому нужны несчастные придурки, если и здоровым нет места под солнцем?  Больные ходят по палате из угла в угол. Один постоянно плачет и худеет. Еврей Моисейка поёт, молится по ночам, его даже выпускают на улицу, и он попрошайничает, попрошайка-дурачок такой.
    А самый интересный больной - Ванечка Громов, вежливый, деликатно-услужливый. Страшится полиции, но не боится чувствовать и пророчить: «Человек. Сколько в нём подлости, насилия, жестокости». 
    Медсестра в исполнении Зинаиды Чеботарь привлекательная до жути. Больных унижает, называет грязными животными, да, впрочем, они, кроме Громова, ужи не
люди. Так, груда тряпья - выразительный акцент обезличенности и бесчеловечности. Их Вуткарэу не удостоил человеческого облика - это просто старые поношенные костюмы, символизирующие людей. 
    Зинаиде Чеботарь Вуткарэу доверил ещё три роли: «от автора», матери и Дарьюшки, прислуги доктора. Особо ответственной и важной стало «авторское лицо» актрисы, вернее голос, интонация - единственно-нормальная и самая человечная в постановке. Она всём сочувствует, всех понимает и трагически предчувствует безысходность. Это первородное, женское начало, без участия которого совсем худо. Но Чеботарь играет и стерву-медсестру, в итоге получается образ-оборотень: женщина, как добро и зло, ангел и дьявол - в зависимости от ракурса. 
    Начинается мясорубка человеческих судеб. Философ-врач Рагин находит своего лучшего друга в лице умалишённого Ивана Громова, и приходит в восторг от его умения мыслить и рассуждать. Громов - вроде маленький боязливый человечек, но с мощной жаждой жизни и чувства. В дуэте Рагина и Громова – главная идея пьесы, конфликт меж бездейственным созерцанием и живой человеческой болью. Ванечка- символ молодости и чистоты, бьётся, словно раненная птица о решётки сумасшедшего дома. Доктор видит в нём хорошего собеседника: «В том, что я доктор, а Вы душевнобольной, нет логики, а лишь пустая случайность. Мы видим друг в друге людей и должны понимать друг друга...  Без страдания нет и человека... Мы не хотим и не умеем по-настоящему жить. Перестань жаловаться, и страдание уйдёт, боль исчезнет».  На что Громов отвечает: «Для того, чтобы презирать страдания, надо стать идиотом. Презирать страдания - это презирать жизнь. Человек - это голод, холод, обиды, потери и страх перед смертью». Поранив руку, Вы взвоете от боли? На что доктор возражает, что рану можно и не заметить. Но Ваня убеждён, что боль для каждого боль и «диогеновская мораль в бочке» России не по климату! 
   По Рагину, жизнь аморальна и несправедлива. Она всего лишь досадная ловушка, а бессмертие – злая бессмыслица.  Ваня приземляет философские порывы, утверждая, что кругом формализм, подлость и бездушие. И мы понимаем, что Громов и Рагин – это один человек «в двух лицах», что и сводит их в конце в одной палате. А куда ещё деваться доктору, ищущему истинный смысл существования? Ему такое противопоказано, ведь он должен лечит природную человеческую аномалию, в ней-то какой смысл? Пока он рассуждает о жизни с «нормальными» и тупыми, он свой, а как только завязал дружбу с умалишенным Ванечкой – пиши, пропало, сам на крючок попался. Ведь жизнь учить учит, а научить не может, люди возвращаются к прежним ошибкам, и голая философия -  тупик!
    За своё прозрение Рогов платит жестоко. Он не сам «заболел», ему «помогли» коллеги и друзья. В больнице появился молодой предприимчивый врач Евгений Фёдорыч Хоботов, обаятельно исполненный актёром Дмитрием Коевым - шикарный пошлый щёголь, хладнокровный брюнет и гулёна, ничего не смыслящий в медицине, зато мечтающий о власти. Такой соперник опасен. Он ловко справляется с наивным стариком Роговым, сперва оставив его без должности и пенсии, а затем и хитростью заманивший его в больничную палату. 
    Хоботов живет реальностью, любит женщин, деньги и пойдет на всё во имя своих интересов -  узнаваем, не так ли? А доктор не сопротивляется - давно готов к больничной койке. Ближайший друг Михаил Аверьяныч тоже подталкивает его к гибели, выражая при этом искреннюю заботу. Он возит его для развлечения в Петербург, в Варшаву, хотя не слышит и не понимает. Вот Рогов и Ванечка одинаково несчастны, их не принимает внешний мир, а внутренний уже разрушен, потому Рогов сразу погибает в больнице - жить уже незачем.
    Особо отметим игру Юрия Андрющенко в роли Ивана Громова -  тонко, сильно, ни одного лишнего жеста, ни одной пустой фразы. Его игра полна осмысленной экспрессии и артистической правды. Актёр явно влюблен в свой образ и защищает Ванины идеалы с полной отдачей. Ему и физически приходится нелегко – роль импульсивная, в эмоциях, движении, в беге и прыжках!
    Стоит отметить сценическую работу Татьяны Попеску и Николая Казьмина. Чего стоят три мощные старые двери, поставленные на рельсы-ролики. Они тяжёлые, неуклюжие, символизирующие непрочность человеческого сознания, в любой момент готового «съехать с рельс».
      Хороша идея с трёхплановостью сцены. На первом плане - больница, выше - светская жизнь, и на самом верху - периодический треск и искры сварочного аппарата, жёстко подчеркивающего двойственность сознания и фатальную неизбежность. Эффект сварки, словно проблески сознания, неожиданный и странный. Он, то ли разделяет что-то, то ли соединяет - неприятно, жутко. Сцену оживляет, а скорее цинизм и насмешка…
    Ванечка мечется по «дверям-ловушкам», пытаясь найти выход загубленной молодой жизни. Рогов носится по дверям вместе с «другом» Михаилом Аверьянычем, пытаясь сбежать от мещанской косности и однообразия. Но от себя не убежишь, и, в беге по замкнутому кругу остаёшься на месте, а чтоб вырваться, силы где взять?  В душе-то пустота и безверие, с душой ох, как сложно! 
    Спектакль удался, убедительная работа! И чеховцы выложились «на все 100»! Вуткарэу умеет «настроить» театральный ансамбль как единое целое. 
Да, мир жесток, но не безнадёжен, в нем есть место цинизму и лжи, грубости и предательству, но есть и Ванечка - светлый лучик надежды в тёмном царстве, есть Рогов, пусть поздно, но познавший, что бездействие и не сопротивление злу - тоже зло. Есть мы, зрители, люди, и нам решать - марионетки мы или победители, борцы или идиоты, только не надо бояться, и все в наших руках, по крайней мере, многое.
            
               ***
Млечный путь любви
Просто столкнулись два мира, две планеты, два ощущения всего на несколько часов, и все изменилось, вся жизнь - до и после. Они разойдутся, но не забудут друг друга никогда, словно были рядом очень долго» 
    Вы можете открыть звезду? Внушить другому, что есть такая единственная и только вам известная сверкающая сфера, способная пробудить самые светлые мечты и чувства? Не можете, ну, и зря, а вот герой пьесы «Безымянная звезда» Марин Мирою верит, что он открыл нечто, доселе неведомое и только ему известное на звездном небе. И вовсе не важно, прав он или нет, богат он или беден - просто он верит... И случается чудо - он встречает свою звезду, пусть ненадолго, всего на один вечер, но это его удача, его счастье и самая большая победа в любви.
    Хотите увидеть, как зажигаются звёзды - приходите в кишиневский театр имени Чехова, и сами убедитесь, что все может быть. И в тусклой провинциальной жизни могут засверкать алмазы необыкновенной чистоты. Это удается режиссёру Петру Вуткарэу: в его руках пьеса Михаила Себастьяна о необыкновенной встрече двух молодых светлых душ Марина и Моны оживает, словно игрушка на рождественской ёлке.
    В «Безымянной звезде» мир открывается и дышит каким-то особым воздухом - свежим, открытым, настоящим. Романтический вечер сменяется жизненной прозой: ведь звёзды не сходят со своих орбит, разве что немного отклоняться от намеченного пути. Но этих мгновений человек ждёт целую жизнь, они единственно верные, и подарены судьбой!
    Как это чувствуют чеховские актеры.  И даже не знаешь, кого прежде выделить. Мадмуазель Куку Зинаиды Чеботарь, пожалуй, самая колоритная! Армейская выправка, злорадная вобла в юбке - надсмотрщица человеческих страстей и изъянов.  А была самой красивой в этой забытой Богом глуши.  Теперь её самое яркое впечатление - проходящий мимо поезд с легкомысленно богатыми пассажирами и.… утка, раздавленная дизелем! Куку блюдёт общественную нравственность, а в душе мечтает сесть на поезд и смыться подальше.
    Хороши и служивые люди: начальник станции – Дмитрий Перьев, Яким - Дмитрий Коев и кондуктор. У начальника ничего не работает, ни часы, ни телефон, его мало волнует, приходят ли поезда вовремя. Зато он изрекает нечто экзотическое, типа «мы- интеллектуалы», упершись тупым взором в стопку цуйки. Непросыхающий Яким «послушно» выполняет команды начальства и пассажиров, попутно разгоняя невидимых «гостей» с рельс и раскидывая во все стороны аккуратно уложенную поклажу. Любимый гротеск Вуткарэу ярко проявился и в образе ученицы Замфиреску в исполнении Марины Сташок - полнокровной молодой девицы, мечтающей о кавалерах и нарядах и жутко пугающейся мадмуазель Куку с её неуклюжей заботой о нравственном облике подопечных школьниц. Занудная Куку твердит: какая распущенность, какое бесстыдство! А куда деваться любопытной барышне, если кроме вокзала ¬никаких развлечений - воду и свет отключают в шесть вечера, жить-то хочется.
    Непринужденная лёгкость юмористических сцен естественно сочетается с романтическим флёром любовной линии пьесы. Внезапно с поезда снимают безбилетницу - шикарно одетую столичную дамочку. Это Мона - утонченная блондинка в исполнении актрисы Веры Марьянчик. Марьянчик всегда продумана в манерах, даже слишком. Но постепенно, уже в сценах в доме у Мирою актриса становится трепетной восторженной девочка, обливающаяся холодной водой из колодца и любующаяся полевыми цветочками.
Весьма трогательно, когда на сцену въезжает игрушечный паровозик, специально сконструированный по заказу сценографа Татьяны Попеску. А как забавно безвкусное ситцевое платьице, которым Мирою пытается одарить Мону? Оно так не вяжется с её шикарным бело-серебристым нарядом. Но и эту тряпочку Мона прижимает к сердцу с радостью. Ведь чувства Мирою намного искреннее искусственного комфорта её богатого любовника Грига в амбициозной интерпретации актера Петра Пейчева. Григ, как и Мона, одеты изысканно и безупречно, в чём тоже очевидна заслуга Попеску. Но он игрок в казино, а Мирою - мечтатель и астроном, наивно полагающий, что сможет обеспечить Мону на учительскую зарплату в 11 тысяч лей.
    Вот и пойми, в чём правда жизни - в умении открывать звёзды или делать деньги? Многим не хватает смелости быть принцессами в ситцевых платьях, вот и идут молодые девочки в любовницы и содержанки. Но Моне удалось сохранить чистоту чувств, Она не реалистка, ей чужда пошлость, просто так сложилась жизнь - её дорого оценили и, как будто, так и должно быть.
    Встреча с Мирою всё перевернула, но Моне не удаётся вырываться из золотой клетки.  У бедного учителя и друзей-то двое: серенький мышонок и не менее странный композитор Удря! В роли Мирою мы увидели Геннадия Бояркина - его недотёпность натуральна, а интеллигентность искренна.
  Весьма корректна музыка к спектаклю в авторстве Мариана Стырчи. Стырча - романтик по сути, и пьеса романтичная: композитору удалось передать ту невыразимую лёгкость бытия, которую дает неожиданно застигнувшее чувство любви. В его композиционном замысле удачно переплелась провинциальная вальсовость, скерцозность танцевального арабеска и искренняя душевная лирика.
   Режиссер Вуткарэу, как и его Мона, по сей день сумел остаться тайной, до конца неразгаданной: «Ну, это, как в жизни, мы часто не можем объяснить, почему поступаем так, а не иначе. Мы просто ждём, что другой сможет чувствовать, как мы, и сможет понять, не требуя объяснений. Я просто вижу, что играть надо именно так, а почему - и сам не знаю. Я довожу актёра до той температуры, до того ощущения и тех эмоций, чтобы он всё почувствовал сам. И, самое интересное, чтобы зритель понял и почувствовал некий параллельный мир, существующий за словом, за текстом, за строками. Как создать это нечто хрупкое и необъяснимое - вот это и есть магия театра. Поэтому каждый спектакль играется по-новому, по-другому. Актёры должны ощущать, что спектакль создали мы, и это общее наше дитя, кровное, оно непременно рождается в любви, и мы должны быть очень близки. Я со звездами работать не могу, я и себя не ощущаю звездой - этот лишнее в работе. В нашем деле мы просто близкие, родные люди».
    Маэстро добавляет, что в пьесе М. Себастиана присутствует отношение к человеку, как к чему-то очень ранимому, исчезающему. Просто столкнулись два мира, две планеты, два ощущения всего на несколько часов, и все изменилось, вся жизнь - до и после. Они разойдутся, но не забудут друг друга никогда, словно были рядом очень долго.
    Не забудет их и зритель, да, впрочем, пьеса Себастиана всегда обречена на успех, если только правильно услышать ее внутреннюю музыку. И, даст бог, с Вами когда-нибудь произойдет такое чудо на каком-то полустанке, в какой-то затерянной деревушке: Вы полюбите и откроете свою одну-единственную «Безымянную звезду»!
             ***
«Жанна и вечность» в театре Ионеско
    «Иоанна и огонь» - пьеса Матея Вишниека в театре Ионеско. Петру Вуткарэу долго стремился к этой постановке и пропагандировал её как международный проект в Молдове, Японии, Румынии и Грузии. Тема интересная: Далекий XV век, во Франции царят предательство и ложь, страну раздирают бесконечные кровавые войны. Иоанна, Орлеанская дева, послана небесами и готова отдать жизнь, чтобы спасти свой народ.
«Жанна и вечность» стала открытием. Это явный итог, суммирующий новые увлечения Вуткарэу, и это он в чистом виде с начала до конца. Забавно начало спектакля, рассмешившее публику вихрем актёрской команды, ворвавшимся в зал. Актёры обнимались со зрителем, «прорезались» сквозь ряды кресел – в общем, активизировали публику, претендуя на её сопричастность сценическому действию. Одеты были в простенькие плащи со старомодными чемоданами в руках, символизируя театр как вечное путешествие в мир фантазий, в свой внутренний мир, к сердцу, к душе.
    Конечно, Вуткарэу символичен, и его Жанна Д’Арк лишь повод, провокация, будоражащая мысль и душу. Миф о Жанне рассказан подробно, но суть не в сюжете и Даже не в самой Жанне, а в том, как человеческая интрига способна извратить всё самое светлое, и о том, что люди бояться ангелов. Использовать их согласны, но жить вместе – никогда. Ангел Жанна должна сгореть в огне, ей не место на земле. А люди? Всё превращают в фарс, кровавый, жуткий, жестокий - ну не терпят они ангелов, предают и продают, иначе ангелы начнут править миром, а это никому не нужно. Жанна – чудо, девственный миф, но её чистота губительна своей немыслимой белизной и вполне логично, что «белое древо» Жанны превращается в кровавый алтарь жертвоприношения, на котором она обречена сгорать бесконечно…
    Здесь Вуткарэу интересен многоплановостью действия и перебросом контрастов: то обычные люди в скромных плащиках, то шуты, то куклы, то короли, то тени, а то громадные монстры, захватившие сцену торжеством зла. Образы постепенно множатся - это живые персонажи, их двойники-куклы, существующие отдельно и вместе. Король представлен в трех ипостасях: человек, кукла, маска. Особую тонкость действию придает совмещение театра теней с куклами разных размеров – явный намёк на вневременную сущность балансирования на грани жизни и смерти. И во всем смешении людей, теней, игрушек теряется маленькая Жанна. Она смиренно входит на костер, понимая, что всю тяжесть бытия суждено нести только ей: и серебряные латы воительницы, и скромный наряд пастушки, жестокость предательства и муки сожжения.
    Зло торжествует, оно блистательно «звучит» в спектакле. Чего строят три монстра смерти: огромные чудища, царственно наслаждающиеся человеческой ничтожностью. Смерть – символ времен инквизиции, а пляска смерти – любимый образ средневекового католицизма, и смерть упивается своей победой в свите с пороками жадности и чумы в эффектном окружении танцующих летучих мышек. Нужно отметь удачные куклы работы мастеров театра «Ликурич» и музыкальное оформление спектакля.
    Смерть сильна, но Жанна бессмертна, не только потому, что спасла Францию от засилья англичан. Жанна чиста, тиха, кротка, смиренна, она готова на все ради людей,и в этом ее бессмертная сила, потому что она настоящая и всегда будет нужна людям!Первая постановка шла в интернациональном составе с десятью актёрами из Молдовы и остальными из Японии, что создало удивительную атмосферу в спектакле: японцы органично сосуществуют с нашими ребятами, периодически вкрапляя румынские фразы на фоне японских. Действие происходит во Франции, мы всё видим в Молдове, затронута Англия и Италия, что стирает грани времени и пространства. Кукольность постановки, элементы театра теней очень к лицу японцам – это их родная стихия, традиция скрывать вечные ценности за масками и куклами. Восток не терпит открытости, хотя японские актёры работают живо и непосредственно - это симпатичные ребята из токийского театра «Казэ». Но их открытость особая, творческая, это детская радость игры.
    Костюмы Стелы Вербечану отмечены явной тягой к рукоделию. Она обвязывает нитью Жанну, придворных и Короля, и саму сцену оплетает черной паутиной. Шикарно наряжает в белое пустоголового Короля, изнежено-продажного и бесполезного. Хорош белый символ Лошади-Единорога - ангела-хранителя Жанны. Интересны маленькие куклы и громадные монстры, затмевающие людей символикой и колоритом. Так на
грани мифа и сказки, жизни и смерти, чистоты и жестокости идём мы по жизни под невидимой защитой Жанны, размноженной на массу людей, кукол, масок и теней…
                Апрель 2008
               
                ***
Театр Виталия Дручека 
«Словно крылышки на ветру» … Рассуждение о триединстве…
Обрывки жизни, лоскуты воспоминаний, последние потуги познать себя... В чём смысл бытия, или небытия? Мы все равны перед рождением и смертью, перед страхом великой неизвестности. Что там, в потустороннем вакууме, что там, за гранью жизни –  все мы окажемся у порога двери, за которой пустота, и назад не вернуться. Об этом философская пьеса Матея Вишнека «Дверь» в постановке театра имени М. Еминеску и режиссуре Виталия Дручека.
   Матей Вишниек любит троицу: у него часто играют три персонажа, три символа, взаимосвязанных и дополняющих друг друга. Им не нужны имена, они не люди, а так - временные грани людей. Может, три грани одного человека: двое мужчин - актёры Юрий Негоицэ и Константин Адам, и ближе к финалу - женщина Михаэла Дамиан. Здесь нет контрастов, лишь три напуганных человечка, трепещущих на последнем пути к смерти. Есть и «неживой персонаж» - сама Дверь, молчаливая, простая, страшная. Её боятся, но к ней неумолимо тянет - она откроется в положенный срок, и от нее не уйти. Все это знают и до конца не верят, надеются, что еще можно сбежать, вернуться.
   Таков человек: всю жизнь суетится, волнуется, к чему-то стремится и до последнего вздоха верит, что ещё что-то изменится. Тут же всё ясно: вот дверь, твой конец – успокойся, смирись. Куда там - всё равно трепещет, как бабочка на ветру. Знает, что замёрзнет, знает, что умрет, но бьётся до конца, подрагивая нежными крылышками. Такова проекция жизни, бессмысленной, странной, пустой. Что-то было и ничего не было – поди, разберись в идеальном треугольнике триединства. По нему можно вечно бегать - все без толку - углы равны.
    В постановке Виталия Дручека все просто, незатейлива и сценография Тани Попеску: железный каркас, бело-красно-синие фонари, пар 20 стоптанной обуви и разорванные белые треугольники - геометрически четкие маленькие крылышки... Ни весело, ни жутко, ни легко, ни тяжело, но с внутренним напряжением и тревогой: похоже на клетку, в которой мечутся люди-жертвы. Они уже не живут, но и не совсем мертвы, у них есть мгновения - пару вздохов, чтобы сердце сильно забилось, чтобы голова закружилась в страхе перед бездной - и, чтобы понять, зачем. Зачем жили, почему умерли?  «Дверь»
не ответит, она молчит, и так всё ясно. Но не в душе, душа не спокойна до последнего вздоха. Мечется, вопрошает, боится. Это плохо, хорошо? Разве ответишь...На то и душа, чтобы трепетать, как огонёк свечи, как нежные крылья бабочки. 
    У «Двери» Вишниека нет драматургии. Это даже не пьеса - трехголосный монолог, просто говорят не вместе, а по очереди. Это разговор с самим собой на разной стадии обречённости. Один голос знает, что будет дверь, и надо уйти - снять туфли, аккуратно сложить рядом с другими стоптанными парами, и вперед - босым, навстречу ослепительному свету и вечному покою. Другой голос не верит, не хочет быть синхронным, вертится, шутит, иронизирует и оттягивает момент ухода. Он просто не может уйти один, ему страшно. И вот приходит третий голос, нежный, женский, растерянный - он готов к уходу и ничему больше не верит. Вдвоем им легче расстаться с живым прошлым и подчиниться неизбежности.
    Такой вот странный спектакль и такой необычно чёткий Вишниек. Он не шутит, не играет красками - он ловит придыхание, что-то простое, что-то за гранью, словно старается увидеть себя в трех ипостасях идеальной троицы. Но так ли она идеальна? Так ли все соразмерно? Ведь почему-то мы не спокойны до последнего вздоха, когда душа нам и не принадлежит. Почему? А потому что идеален не треугольник, не вечное безмолвие и великая пустота. Идеал не спокоен, он всегда в движении, и мы не знаем, когда достигнем гармонии. Гармония - это сама жизнь, и пока мы живем, у нас есть шанс - верить в гармонию и хоть иногда быть счастливыми.
     В жизни много разных дверей, и мы можем открыть их сами, своей рукой. Это будут наши двери, наши победы и поражения. Почему же такой страх у Последней Двери, за ней может быть что-то Новое? Но её откроем не мы - провидение. И тут мы бессильны: за этой дверью не будет плохо или хорошо, там не исправишь ошибки, не сможешь догнать время. Там нет выбора и нет шансов, бесконечность. Может, бессмертие? Оно здесь на земле, жизнь - наше бессмертие. Жизнь – наше бессмертие. Пока мы живем - ошибаемся, страдаем, любим, плачем, радуемся. И нам принадлежит все: Земля, небо, звёзды, Вселенная.
    Кто из нас не страдал, кто не опускал рук, ни на что не надеясь? Почему мы снова встаем, почему дальше живем и верим? Проще приблизиться к главной двери и навсегда успокоится: там нет проблем. Но мы выбираем жизнь, потому что любим свои грехи и ошибки, любим мучаться и страдать, проигрывать и побеждать - мы любим жить. Любим жить до конца, до самого порога двери. Любим свои нежные крылышки и не всегда их бережём.
    Всё так не просто в простом размышлении о «Двери», таков загадочный Вишниек, провоцирующий неожиданные свойства актёров и режиссеров. Наблюдая за актерами театра «Еминеску», думалось, каково им в этой пьесе - однообразной, разговорной, не игровой? Они редко делают «такое». Обаятелен Юрий Негоицэ в своей жизненной правде и нежелании мириться со смертью - органичен, наивен, как ребёнок. Вызывает сочувствие Константин Адам - актёр с симптоматичной фамилией, мудрый прародитель человечества. Мила и точна в пластике Михаела Дамиан – интеллигентная, красивая актриса, такая же наивная, как герой Негоицэ.
     А что режиссёр, чем удивил Виталий Дручек? Откровенно - ничем, всё это уже было, и даже лучше. Он не экстравагантен, как в «Лекции» Ионеско, не экспериментален, как в «Женах Пикассо». И с музыкой всё очень просто. Почему так просто? В чём новаторство молодого режиссера?
    Не видно, не знаете, и не надо. Тема не та, не экспериментальная. Тут и Вишниек слишком серьёзен, и актёры не живут порывами, это спектакль-мгновение с заранее известным финалом, здесь нет вариантов и импровизаций. Всем одинаково страшно, Дверь всех пугает и объединяет: и актеров, и зрителей. Поневоле смотришь в угол зала и ждешь, когда она откроется. Понимаешь условность театра и боишься простой обычной Двери с банальной белой подсветкой.  Ничего не происходит, а ты боишься. И так возникает слияние: Вишниека и режиссёра, режиссёра и актёра, актёра и зрителя. Мы все едины перед Дверью, мы одинаковы перед вечным покоем, мы общая масса, единая душа, вобравшая миллиарды мелких душ. Рождаясь, мы на пороге вечной жизни, и она нам кажется бесконечной. Смерть не пугает заранее, о ней думают лишь на пороге, когда нет пути назад. Думают в последнее мгновение, когда неизбежность поглотит нас, словно воронка. И это мгновение равно всей жизни…
                «Молдавские ведомости», 10 апреля 2009      
               
               
                ***
Премьеры Виталия Дручека
Режиссер Виталий Дручек, всегда неожиданный и долгожданный. Молодой и уже хорошо известный, сенсационный и следующий театральным традициям, он открыт разным направлениям в искусстве. В последнее время сыграны две его премьеры –  по пьесе молдавского драматурга Ирины Некит в театре Эминеску и неаполитанского автора Эдуардо де Филиппо в театре Ионеско.
       Вечный спор мужчин и женщин
Премьерой моноспектакля «Я боюсь черного моря» театр Эминеску завершил свой сезон 2009-2010. «Над пьесой Ирины Некит, в начальной версии, названной «Нудисты», было немало работы. Некоторые моменты пришлось даже переписывать, - отмечает Виталий Дручек. – Это проект Союза театральных деятелей. Пьеса выиграла один из трёх грандов конкурса национальной драматургии, запланированные в театрах «Сатирикус», «Эминеску» и в Кагуле. В моей практике это вторая монодрама. Первой были «Жены Пикассо» с Аллой Меньшиковой. Теперь в главной и единственной роли выступила молодая и талантливая актриса Диана Декусярэ. Её героиня – красивая женщина 30-40 лет, которая предается воспоминаниям, увы, не на берегу моря, а замкнутом пространстве, больше напоминающем сумасшедший дом. В состоянии прострации она не осознает, где находится на самом деле…»
   Погрузившись в мир воспоминаний, женщина рассказывает о своей поездке с мужем на Черное море в Затоку, где она не отдыхала уже лет десять. Море не принесло ей радости и новых ощущений, в которых она так нуждалась. Напротив, поездка стала последней каплей, переполнившей чашу терпения в семейных неурядицах. На море она впервые попала на пляж нудистов и вдруг поняла, что люди вольны делать все, что им захочется. Это был шок, потому что муж все время терроризировал ревностью, считая ее своей вещью. Жизнь оказалось пустой шуткой, прожитой совсем не так, как хотелось. В доме царили ужас и насилие – муж грозился то зарезать, то задушить, то изнасиловать. А мама с детства внушала, что надо быть послушной и терпеливой женой. Но надо уметь говорить нет, надо сопротивляться насилию, иначе пружина терпения лопнет, и жена выстрелит в мужа…
    Виталий Дручек - Трагический финал возник не сразу. Изначально пьеса была статичным повествованием. Я перекроил сюжет, сделал его более ярким, сценичным - актрисе трудно одной на сцене просто говорить и предаваться воспоминаниям – необходима драма, действие, острота ощущений. Героиня ждала, надеялась, любила и была достойна большой любви. Взамен сплошные беды, потери и одиночество вдвоем.
И желание уехать, убежать. Куда? Зачем? Конечно, в Италию, куда устремились многие женщины Молдовы. Пьеса Некит о мечте, которая не реализовалась, о не прожитой жизни и недолюбленной любви. О том, как самореализоваться, когда большая часть жизни уже прожита. О том, что не надо просто ждать, терпеть, прощать и мечтать. Стоит общаться, проговаривать свои проблемы, кричать, возмущаться – но не держать всё внутри, убивая в себе женщину, мать, личность.
    Проблема насилия в семье, неуважения к женщине характерна для малоразвитых южных стран. У нас женщина – либо дешевая рабочая сила, либо грубый источник наслаждений, и очень редко Королева, Женщина с Большой буквы. Но мы равны, мужчины и женщины – свободны в любви и в жизни, и только свобода может дарить нам счастье.

                ***   
«Искусство комедии» или «Комедия искусств»
Действие пьесы «Арте Д’ель комедия» Эдуардо де Филиппо происходит в Италии и отражает сложное положение мелких буржуа после второй мировой войны. Впервые пьеса появилась как телеспектакль в1964 году и стала знаковой для творчества Де Филиппо.
    «Искусство комедии» - это пьеса-манифест, воплотившая эстетическое кредо драматурга-неореалиста. Текст повествует о том, как префект провинциального городка N господин Де Каро, только приступив к должности, встречает директора небольшой театральной кампании Оресто Кампезе, ожидающего поддержки префектуры.  Совершенно случайно к Кампезе попадает список людей, которых префект, никого не зная в городе, должен принять. Кампезе говорит Де Каро, что пришлёт ему своих переодетых актеров вместо этих посетителей, чтобы узнать, сможет ли префект определить, где истина, а где притворство. Разговор префекта с актёром превращается в целый спектакль, размышляющий о том, кто нужен этой стране: для Кампезе – театр смысл и зеркало жизни, а для Де Каро – это лёгкое развлечение. И если профессия актера столь мало востребована, значит, также не нужны врачи, учителя, служители церкви.
    Когда префекта посещают реальные просители: учитель, аптекарь, священник, то отношение к ним такое же, как к актерам – безразличие и бездушие. Возникает ситуация игры в жизнь или театра в театре, когда театр заменяет жизнь и наоборот, но ничего не меняется – профессионалы власти не интересны. То, что волновало итальянцев полвека назад, абсолютная копия сегодняшней Молдовы, кризисной, не кризисной – не важно…
    «Искусство комедии» Эдуардо де Филиппо, на мой взгляд, очень близко к Чехову, размышляет Виталий Дручек. – Меня этот автор интересовал давно, потому что он весьма образно ставит дилемму: нужна ли профессия актёра обществу, или её вовсе не существует? Вопрос остаётся открытым по сей день. Де Филиппо предлагает игровую ситуацию: события происходят в реальности, но префект полагает, что это шутка, разыгранная актёрами. Так возникает трагифарсовый анекдотичный финал, который влечёт за собой самоубийство одного из посетителей. Двойственность реальности и розыгрыша придает оригинальность сюжету-перевёртышу, в котором префект и посетители разыгрывают вечную «комедию жизни». Кому нужна интеллигенция сегодня, как выжить врачам, учителям, актерам в тяжёлое кризисное время? Мы продолжаем задавать себе эти вопросы и искать на них ответы вместе с обществом и представителями власти. Поиск вечных истин продолжается, и будет продолжаться, сколько суждено жить человечеству».
             «Молдавские ведомости», декабрь 2009

                ***
Театр Ильи Шаца
Каков сегодня «Ревизор», или эффект коллективного помешательства в духе современных политтехнологий… К окончанию театрального сезона театр Чехова приурочил премьеру гоголевского «Ревизора», о которой мечтал давно, реализовав мечту как раз к 200-летнему юбилею Николая Васильевича.
    Гоголь вдохновил и театр Эминеску, представивший любопытную сценическую версию «Мертвых душ», осовремененную, социально острую, но слишком символичную, далекую от гоголевской природы. Русскому театру Гоголь роднее, ближе, и это проявилось в игре чеховских актеров -  острой, свежей, яркой, фонтанирующей нюансами импровизации и фантазии.
    «Ревизор» получился драматургически выверенный, структурно оправданный и в то же время смелый, пронизанный творческой свободой и радостью, что явно одобрили критики и зрители. Такую пьесу и ставить, и играть – одно удовольствие, и зритель в ней становится непременным участником действия в силу узнаваемости ситуаций и персонажей.
    Минимум декораций, костюмы без особых излишеств -  такой «Ревизор» не привычен для чеховцев, и совсем не похож на то, что Илья Шац ставил ранее, и это новое слово в нашем русском театре, умное, тонкое, важное русское слово! Илья решился на полноценное соавторство с Гоголем, он здесь играет, импровизирует, шокирует, пугает зрителя.
    Где жизнь, где театр?  Всё переплелось, перепуталось и понеслось в вихре сценического гротеска.  «Ревизор» Гоголя – это сам театр, с его эфемерной непредсказуемостью, выворачивающий человека изнанку, что и не ухватишь, где стержень, а где фантом, где человек и где миф…
    И в чём новизна? В постоянных вывертах, хамелеоновских штучках и острой неоднозначности давно знакомых персонажей. И это не главное, важнее умение развернуть действие в иную сторону точным приёмом, ходом, поворотом.
    Взять хоть начало спектакля – оно активно демонстрирует эротичных служанок, развлекающих власть предержащих гостей городничего. Достоверно, смело, как в современном «борделе жизни».  А как точно поданы фразы: «много ума хуже, нежели, если бы его совсем не было» и насчёт «умного человека, который рожу такую состроит, хоть святых выноси». Вот и формула! Зачем в провинции умные? Дураки куда лучше, а значит, сами попадём в дураки.
   Вот и Хлестаков, немудрёный монолог которого заканчивается странной примеркой головных уборов, небрежно извлеченных из дорожной сумки: серебристая треуголка, корона и… красненькие рожки! Уже и ключ ко всей пьесе - Хлестаков–то фигура непростая, бесовская, и тут очень забавен Константин Харет со взором клоуна-Мефистофеля.
    На первом визите к Хлестакову Бобчинсикй и Добчинский активно изживают клопов в гостиничном номере. И что? А то, что клоповник – это весь городок, в который удачно попал никчемный Хлестаков, разросшийся до монстра-фантома благодаря клоповьей дурости горожан.
    К чему же птица, больше похожая на ворону, а поющая соловьем? Да что птица, «Соловья» Алябова выдает и супруга Городничего. Затем «Соловья-пташечку» мужским хором зарядил Хлестаков. Бред, но как спелись аферист Хлестаков и помутневшие разумом горожане – по-соловьиному, словно под гипнозом!
    А охрана, оцепившая зрительный зал при входе Хлестакова и Городничего со свитой -как похожа на нашу, современную. А бездомные собаки, об отсутствии которых так гордо восклицает Городничий? Ой, какая бесовщина - очаровательно, и как похоже на нас. И каков чёрт-Гоголь, как «в воду смотрел», все предвидел! Как он заряжает, чудит, провоцирует – ни видела чеховцев ранее такими свободными, выразительными и современными. Действие плавно сместился с гоголевских времен в наши, подвисая то на сцене, то в зале, словно и театра нет, и два века нас от Гоголя не отделяет.
    Вневременную сущность «Ревизора» хорошо подчеркивают две двери на сцене. Перекошенная, нарисованная на стене, символизирующая смещение во времени и в головах горожан, и вполне реальная - по центральной линии сцены. У главной двери есть свой оборотень – забор с обратной стороны, сквозь который «просачиваются» все герои и дьявольские штучки.
    Своеобразна находка с дочерью и женой городничего, держащие друг друга на привязи, словно близняшки. Смешны их споры о разных платьях, и, бац, появление в одинаковых нарядах! В спектакле много таких неожиданностей, казусов, штучек - всё  тонко сцеплено и подвижно, как звенья невидимой цепи, которой все герои повязаны.
    В центре внимания Хлестаков, неожиданно «правящий бал». «Хлестаков является фигурой дьявольской, энергия которого способна приводить в движение человеческие массы и менять взгляды на порядок вещей в сознании обитателей не только маленького городка, но и целой страны, -комментирует Илья Шац. – В этом пространстве лукавых, вороватых, лицемерных чиновников, с их перевёрнутыми представлениями о порядочности, добре, любви, дружбе, семье герой пьесы разрастается в фигуру, управляющую миропорядком. Хлестаковы заявляют о себе как явление, способное зарождаться в ущербном сознании окружающих. В этом их непреходящая живучесть, потому что Хлестаков не просто фантом, но и зеркальное воплощение иллюзий и страхов, коими забиты головы большинства.
    Оказавшись в центре внимания, Хлестаковы легко вписываются в уродливую череду персонажей трагикомедии, именуемой - жизнь. Их фантастическая лживость, фанаберия, авантюризм, пошлость, сомнительный интеллект, способность к мимикрии, мгновенно оживляют беспросветную скук повседневности. Дамы готовы пуститься во все тяжкие, чиновники изощряются в лицемерной преданности, градоначальники теряются в фантазиях от внезапно открывающихся перспектив, и все, как завороженные платят Хлестаковым взятки, опьяненные собственной глупостью. Это психоз, при котором пустота управляет пустотой – эффект коллективного помешательства в духе современных политических и медиа-технологий. Игра перевертышей и обнаружение истинного лица зазеркального мира – в этом я вижу современность звучания гоголевского «Ревизора»».
     Таков волшебник Гоголь, мастер фантасмагорий и сюжетов-оборотней, великий провидец и сатирик пороков человеческих, только он смог так пробудить фантазию режиссера Ильи Шаца, решившегося на полноценное соавторство с классиком, и актёров русского театра имени Чехова. Только Гоголь мог так прочувствовать природу человека, разновеликую, порочную, жаждущую власти и удовольствий, глупую, не ценящую ум, талант, истинную красоту вещей. Гоголь так велик и тонок, многообразен и многопланов, непредсказуем и провокационен, что вовеки веков будет умы пробуждать и душу радовать проницательностью своей, насмешкой и великой любовью к Человеку и его слабостям.         
                Июль 2008
               
              ***
Свободная любовь
Слепой мальчик и молоденькая актриса, не стеснённая рамками морали – интрига
новой постановки чеховской труппы. Комедию «Свободная любовь» нам представили режиссер Илья Шац и английский драматург Леонард Герш. Ещё одно важное имя - мастер искусства РМ Ефим Елица, участвовавший в постановке на благотворительных началах и подаривший театру прелестно-лаконичное сценическое оформление.
    Лоскут голубого неба на чёрном фоне и цепь лампочек на земле напоминают чистую мечту и звёзды под ногами. Понимай, как хочешь, но многое в нашей жизни не Столь уж реально, мы сами не всегда верим в происходящее, а верить надо, тогда всё и произойдет. «Эти свободные бабочки» - точное название английской пьесы. Весьма просто, символично и обо всех: о краткости бытия, о легком скольжении в мире чувств, о том, что многое можно упустить в жизни или просто не заметить. Бабочки живут недолго, им ни к чему «тяжелый жизни груз» - им хочется радоваться и порхать!
    Они летят на все яркое и необычное. Завязав любовную интрижку, они уже знают, что она скоро прекратится. Ответственность - это не про них. Но перед судьбой никто не властен, и внешне экстравагантная девица Джил Теннер попадается «в силки» настоящей любви, ей уже не вырваться.
    Она случайно забегает в гости к своему молоденькому соседу, который знаком ей лишь по частому звонку телефона и звучанию гитары: Дональд - талантливый малый, он сам пишет музыку. После недолгого знакомства Джил узнает, что Дональд слеп от рождения, но это неважно, поскольку он такой же весёлый, как все её ровесники, милый и без комплексов. Довольно скоро они становятся любовниками, и ещё не понимают, что созданы друг для друга.
    Затем появляется бдительная мама Дональда, не одобряющая новой интрижки сына-инвалида, и справедливо опасающаяся за последствия этой любви.  Чего мы боимся, то и происходит. Джил вскоре появляется с новым поклонником Ральфом Остином, предлагающим ей работу в спектакле в обнажённом виде. И Джил хочет уйти к Остину, но…каким-то шестым чувством понимаешь - не уйдёт, она уже одно целое с Дональдом, этот слепой чистый мальчик сумел «открыть ей глаза» и подарить настоящее чувство!
    Мудрая миссис Бейкер, вначале жаждавшая дальнейшей опеки над сыном,
осознаёт, что он уже взрослый, и ему дано быть НАСТОЯЩИМ МУЖЧИНОЙ. Одной фразой Дональд возвращает любимую: «Ты убегаешь, потому что, слепого бросать тяжелее, чем здорового - это уже стыдно!» Он обвиняет Джил в душевой слепоте, и в ней просыпается нормальный женский инстинкт: любви, заботы и материнства, ведь она ещё вначале спрашивает Дональда, бывают ли люди слепы по наследству? А это значит, что она
сразу почувствовала что-то особое к этому парню, она просто сразу влюбилась!
    Джил легкомысленна, как многие её современницы, и как ее мать, имевшая четырёх мужей. Ей нравилось выходить замуж, но не быть замужем. «Каждый мечтает встретить того единственного, с которым жизнь обретает смысл и гармонию. Но мало кто размышляет о том, что быть рядом с любимым, значит, брать на себя обязательства, при которых твоя жизнь не принадлежит тебе безраздельно», - говорит режиссер Илья Шац. - Когда стремление и определенное понимание свободы становится поводом для страданий любящего сердца, мы в праве усомниться в подлинности чувств, но мы не можем не оставлять за каждым человеком право делать свой выбор...»  Джил просто не жила в нормальной семье, она не ощущала настоящих семейных связей, и только Дональд интуитивно направил ее к истинному чувству, достойному жертв и долгой привязанности.
    А был ли выбор? «По моему мнению, человек, не делает никакого выбора. Подлинная цель отслеживается по конечному результату. Что получилось в итоге, то и стало выбором - так мыслит режиссер Шац. -  Мы многое делаем сознательно, целеустремлённо и конкретно. А получается совсем другое. Почему? Потому что наши поступки зависят от внешних показателей, к себе и не прислушиваемся».
    Джил искала разнообразия в любви, а на самом деле себя. И нашла вот так неожиданно - в единой судьбе со слепым парнем. Правда это или мечта, мы не знаем, но настоящее чувство - редкость, оно дано немногим, порой это даже похоже на вымысел или фантастику. Не случайно и финал пьесы напоминает о какой-то инопланетной сути наших героев, когда примелькавшийся голубой лоскут неба вдруг превращается в летающую тарелку, а герои-любовники извлекают из «недр земного покрывала» кучу ярких цветных игрушек, напоминающих будущих человечков. Это такой излюбленный прием Шаца- заполнять сцену то шариками, то игрушками…
    Сочетание режиссуры Шаца и сценографии Елицы органично: это умные фантазёры, ничего не навязывающие, но что-то конкретно знающие. Они не слишком инициативны, можно было дать спектаклю больше энергии и темперамента, но у каждого своего стиля, своя манера.
    Спектакль симпатичен молодёжной публике, ведь многое сегодня так же не конкретно, вольно и непредвиденно. Лексикон в переводе Михаила Мишина тоже вполне колоритный, острый и современный. Весьма эффектна в роли Джил Теннер Марина Сташок с её привычно-плакатной манерой игры: Марина старается найти какую-то грань серьезно-несерьезного в игре, не всегда получается точно, но поиск следует одобрить. Ведь именно эта двойственность и заставляет догадаться о том, что ей не удастся убежать от Дональда: цепи любви оказались удивительно тонкими и прочными.
    Евгений Штирбул вовсе не играет своего Дональда, он такой же, чем и любопытен.  Это почерк Шаца, он проявляет актёров постепенно, внутренне заставляя искать собственный краски. Конечно, он ребят направляет, но не до конца, не в упор, оставляя какой-то люфт, пространство для самопроявления, может не острохарактерного, но «самонайденного».
    Для того и театр, чтобы творить и искать вместе. Расставлять «точки-над-и» не так уж сложно - интереснее самим фантазировать, предполагать. Со Сташок так и получилось, возвращение ее героини зритель должен был прочувствовать сам. Предчувствие срабатывает и с аналогом инопланетного корабля: вначале возникает сиреневый туман,
а потом и сам кораблик. И все хорошо, если б не было сказкой. Я бы добавила сиреневой краски еще раньше и лучше в костюме Джил, поскольку финал оказывается намного ярче всего предшествующего. Хочется большей цветовой динамики, она здорово «доскажет» то, чего словесно в пьесе не выражено. А «элемент предчувствия» - это хорошая находка Ильи Шаца, и надо её развивать.
                Весна 2008
                ***
Три судьбы, три жизни, три истории
Драму «Преступление на острове Коз» итальянский драматург Уго Бетти написал в 1927 году. Она повествует о страстной мечте трёх женщин, волею судеб оказавшихся на острове в отсутствие мужчин. Это очень итальянская, или, если смотреть шире, очень западноевропейская пьеса середины XX столетия. Все признаки на лицо: относительность нравственного и безнравственного, чёрного и белого, хорошего и плохого, тотальное ненавистное одиночество и, в то же время, ужас перед любым вторжением извне в этот замкнутый мир, война полов и демоны секса. Любовь как смысл, но и, одновременно, кошмар жизни. Человеку не уйти от своего прошлого, не дано научиться забывать, прощать, растворяться в другом человеке, уступать. Он бес-ко-не-чно и не-по-пра-ви-мо одинок.
   Вот что говорит о своей постановке режиссер Илья Шац: «Услышать тему спектакля и проникнуться ею не так просто, как кажется поначалу, и вряд ли всё можно объяснить известным любовным треугольником. Это не бытовая пьеса, а поэтическая фантазия о том, как пробуждается страсть, которую мы часто называем любовью, переворачивая представление о мире и о себе. Это спектакль, требующий от нас  не поспешного морализаторства или ханжеского умолчания, а искренности и понимания того, что происходящее в сознании мужчины и женщины есть тайна».
    Нет смысла пересказывать сюжет и задаваться вопросом, где и почему всё происходит. Дело в том, чтобы внимательно вглядеться, вслушаться в откровения героев пьесы, и услышать тему одиночества, максимализма страсти, ревности и любви. Анжело (Константин Харет) одновременно праздный странник, ангел, соблазнитель и дьявол с порхающей белой птицей за спиной. Её распахнутые белые крылья - манящий поэтический образ неуловимого, таинственного предчувствия возможного счастья, нежного, кратковременного и одновременно трагичного.
    Женщины в пьесе представлены как три архитипических явления: Агата (Корнелия Шанцевая), одержимая идеей почти фанатического максимализма, стремящаяся к вечной любви, Пия (Марьяна Дроздова), для которой отношения с мужчиной - лёгкий флирт и удовольствие и Сильвия (Марина Сташок) впервые, робко со страхом и отчаянной решимостью, постигающая опыт взаимоотношений с мужчиной. Анжело для каждой из них - непреодолимый соблазн, открывающий их подлинную суть и желания. У этой фантастической истории не может быть счастливого финала.  Происходящее с Сильвией - первое самоотверженное чувство, похожее на яркую вспышку, которая неизбежно угаснет. Флирт Пии завершится скорой разлукой. А максимализм Агаты обернётся смертью любви. На сцене Русского драмтеатра предстают три судьбы, три жизни, три истории, три глубоких размышления о том, что происходит с нами в разные периоды жизни.
В пьесе господствуют три женских персонажа, три грации: мать Агата и дочери Сильвия и Пия. Этот женский треугольник доминирует, властвует в пьесе и его пока не удается разрушить, и все трое влюблены в Анжело. Этот пылкий симпатичный молодой солдат, недавно прибывший с войны, ласков, любвеобилен, тем более, что все три дамы хороши собой. Он покоряет сердца женщин, и, будучи фаворитом, живёт за их счет. Насытившись романом с Агатой, Анжело подбирается к Пии и Сильвии, забывая о женском коварстве. В итоге «случайно» погибает на дне колодца, и ни одна из женщин не спасает его, хотя порывы были. Такова «тихая смерть»- без крика, слез, ненужных слёз, в обычном колодце - не на поле боя. Анжело исчезает, растворяется в колодце, так же странно, как неожиданно появляется в начале пьесы.
   В трактовке Ильи Шаца «Преступление» воспринимается спокойно, легко, в атмосфере игривого флирта, когда и смерть вроде не страшна и, главное - страсть. Но страсть не любовь: она опасна, кратковременна и быстро умирает, как и символ страсти, женский угодник, Анжело. За видимой легкостью скрывается трагедия трёх одиноких женщин на забытом богом острове: они милы, красивы, интеллигентны, живут тем, что растят коз. Козьей шерстью заполнена сцена и души героинь, они обречены возиться с постылыми козами, а душа просит любви. Появление Анжело становится провокацией, искушением - легким, сладким, приятным. Но это всего лишь страсть, а не любовь. И три грации не могут разделить одну страсть на троих, не могут быть счастливы вместе. Их мучает ревность, общественная мораль, невозможность вырваться из рокового кольца: одиночество матери становится одиночеством дочерей - так суждено! 
             «Молдавские ведомости», 29 ноября 2009
            
                ***
В саду увядших роз. "Гедда Габлер" в театре Эминеску
Это смелый проект, с непривычной для нас южан нордической интонацией культовой пьесы Ибсена, вызвал большой интерес составом постановщиков и актеров. Режиссёрскую трактовку предложили Илье Шацу - человеку, скорее, размышления, чем действия. Его любовь к интровертному самопознанию вполне уместна для аскетичного Ибсена - им обоим свойственна некая зашифрованность смысла и не демонстративная творческая линия. Двойственность, медлительность действия, внутренняя трагичность
в разладе с социализированной действительностью, душевная глухота, столь характерная для переломных моментов в жизни людей и общества
    Премьера отличилась странными контрастами: эффектным оформлением и довольно сдержанным сценическим действием. Действия и вовсе нет, актеры обмениваются фразами, эмоционально не окрашенными, словно от бессилия. Предел хладнокровия являет главная героиня - Гедда Габлер. Она супруга историка культуры - утонченно-душевного Йоргена Тесмана, удачно исполненного актером Ионом Мокану. Йорген - самое светлое начало в пьесе, он чему-то радуется и удивляется - типичный интеллигент, горячо любящий Гедду и слепо исполняющий её любую прихоть.
    Сама Гедда - изящная светская дама и холодная стерва, творящая зло и добро с одним и тем же выражением лица. Она ловка, неоднозначна и решительна, изворотлива и глубоко несчастна. Создана для любви, но живёт с нелюбимым человеком, «омертвев» от непонимания и одиночества. Поражает схематичной жестокостью в состоянии сжатой пружины, не зная, куда направить огромный резерв внутренней силы. Она - символ «мёртвой любви», окаменевшей от одиночества и необходимости играть «не саму себя». Её бывший возлюбленный Эйлберт Левборг с ней быть не может, он предназначен другой - милой госпоже Элвстед. Беда в том, что партнеры главной пары вовсе не плохие люди, это усиливает безысходность одиночества и нерастраченной страсти.
    Двойственность холодной маски и изломанно метущейся души Гедды хорошо отразилась в пластических вставках, придуманных Викторией Букун.  Тот случай, когда слова значат мало, а жесты говорят о многом. Не случайно Ибсен столь убедителен в музыке Грига к его драме «Пер Гюнт». Ибсен хорош для музыки и балета, и музыкальное оформление кишиневской «Гедды Габлер» тому подтверждение. Музыки здесь немного, она монотонна и однопланова. Но именно так становится ясно, что всё предрешено, и счастье не для герое, оно им доступно лишь в загробном мире.
    «Гедда Габлер» - драма женской души, а не повесть о женской жестокости, она полна намеков, предчувствий и тонких нюансов. Так фраза Гедды о назойливом запахе увядших роз пробудила бурную фантазию художника постановки Юрия Матей. Он превратил сцену в шикарный сад из бледно-розовых искусственных атласных роз. Их многовато для жуткой спирали драмы, «выстреливающей» гибелью двух влюблённых. Красные цветы в центре уместней - это предчувствие грядущей крови и смерти... А розовые? Их изобилие объяснимо лишь к финалу, когда на плечи пятерых персонажей опадает розовый дождь, удушив навязчивой красотой реальные чувства.
    Несбывшаяся любовь - это типично нордический мотив, вспомним муки и томления «Тристана и Изольды». Но Ибсен о другом, он реалистичнее и вполне нам созвучен: миром движет страсть, и не всякое добро уместно. Кому страсть, а кому благочестие - Гедде ближе первое. Она - раба страсти, и светское лицемерие её убивает, она не святоша, не идеалистка. Её стихия - свободная любовь. Она похожа на Кармен, и, как все роковые героини, губит её полюбивших.
    Ибсен - не моралист, он не пишет о социальных проблемах, его мысли глубже, в подсознании. Его Гедда - страдающая женщина, одевшая маску циничной светской львицы. Она красива, но не рождена для счастья. Её игрушки - два пистолета самоубийц, в роли которых сама Гедда и её любовник. «Гедда Габлер» в режиссуре Ильи Шаца очень напоминает его же «Вишнёвый сад». И актеры театра Еминеску напоминают здесь чеховских. Нормально для стиля одного режиссера, но хотелось бы больше контраста и графичности. Ибсен экспрессивнее Чехова, это надо почувствовать.
    Ибсен - автор мистический, что заметно в пластических вставках и финале
 постановки, сменившей мир живых на мир мертвых, где дуэт умерших любовников живее и искреннее их «душевного» окружения. Мистифицированная пантомима весьма в духе Ибсена, её надо бы побольше. Все в этой жизни непросто, и даже запах роз может раздражать больше дымка от выстрела пистолета.                «Молдавские ведомости», 23 апреля 2009

Елена УЗУН
СПИСОК МОИХ ПУБЛИКАЦИЙ О ТЕАТРЕ
---------------               
КНИГИ
Е.УЗУН «Раду Поклитару. Свободный танец», издательство  Elan poligraf, 157 страниц,  2012 год
-------------
ОБЗОРНЫЕ ЦИКЛЫ
1. Е.УЗУН «Мюзикл, электронная, рок и зонг-опера из Молдовы» - proza.ru, 27 июля  2016
2. Е.УЗУН «Михаил Булгаков в театрах Кишинева» - proza.ru, 28 июля 2016

3. Е.УЗУН "Театральные рецензии - 2008-2016 -  proza.ru, 2016, 12 август 2016

4. Е.УЗУН «Из истории фестиваля Марии Биешу – обзор  с I по X выпуски фестиваля  (на русском, молдавском и английском) – Х юбилейный буклет  фестиваля звезд оперы и балета «Приглашает Мария Биешу».

-----------------
Журнал «Teatr» , Moldova :
Опера «Манон», 2012 год,
Фестиваль Приглашает Мария Биешу – 2013

Журнал «Музыкальная жизнь», Москва:
Об премьере опере «Манон» в Кишиневе – 2012

Журнал Страстной бульвар, 10, Москва:
N1 – 2007 год – «О балете Евгения Доги «Лучафэрул»
N3 -123- 2009 год – «Гоголь на сцене Кишинева» ( о спектакле «Ревизор» в театре Чехова
----------------

http://www.belcanto.ru/uzun_elena.html
Советские примадонны: Людмила Ерофеева 10.12.2012 в 13:37
Советские примадонны: Тамара Алёшина-Александрова 23.10.2012 в 12:49
Удачи певицы Ольги Бусуйок (operanews.ru) 07.10.2012 в 22:04

http://talenthouse.md/   
Оперно-балетные премьеры
«Крик», рожденный из тишины, или в на премьеру в Одессу!(О премьере балета «Крик» в оперном театре Одессы, 2014)
Елена УЗУН. Диалоги с Верди… (О трех версиях исполнения Реквиема Д.Верди в Кишиневе, 2013)
Елена Узун: «Реквием в память о примадонне» («Реквием» Верди в память о Биешу, 2014)
Елена Узун: Игра иллюзий, ставка – жизнь!(О премьере оперы «Пиковая дама» 5.06.2014)
Елена Узун: Победа над коварством «Пиковой дамы»…  (2014)
Премьера состоялась. «Отелло» теперь с нами.(О премьере оперы «Отелло», июнь 2015)
ЧИПОЛЛИНО (О премьере балета «Чиполлино», 2015)
Елена Узун: Легендарный «Спартак» возрождается! (О премьера балета «Спартак» 24.06. 2016 года)

http://talenthouse.md/      
О фестивалях Марии Биешу
5-14 сентября 2014 в Молдове пройдет XXII-й фестиваль имени Марии Биешу
Елена Узун: Первая триада фестиваля имени Марии Биешу.  (о первых спектаклях 22 фестиваля Марии Биешу, 2014) 
«АIDA» FOREVER (22 фестиваль М. Биешу, 2014) 
«Дон-Кихот» в искрах юмора и огня  ( балет с участием М. Полюдовой и В. Статного на 22 фест. М. Биешу, 2014)
Фестивальные метаморфозы «Турандот» ( опера на 22 фест. М. Биешу, 2014)
Ускользающий шлейф вилисы…  ( балет  «Жизель» на 22 фест. М . Биешу, 2014)
Cлуженье муз не терпит суеты  ( Оперы «Бал –маскарад» и «Пиковая дама» на 22 фест. М. Биешу, 2014)
XXIII международный фестиваль оперы и балета «Мария Биешу» состоится 4 -13 сентября 2015.
Вот и стартовал XXIII фестиваль «Мария Биешу», посвященный 80-летию примадонны  (сентябрь 2015)
Второй постановкой XXIII фестиваля Марии Биешу стал балет «Ромео и Джульетта» (сентябрь 2015)
Фестивальный «Дон Кихот» (23 фестиваль М. Биешу. 2015)
«Отелло» — осень — фестиваль (23 фестиваль М. Биешу, 2015) 
«Напиток» молодости и таланта (23 фестиваль М. Биешу, 2015)
http://talenthouse.md/   
             Спектакли, солисты, дирижеры
Перфекционистка Елена Герман (О сопрано Е.Герман,2015)
Светлой памяти Тамары Алешиной (О народной артистке СССР Тамаре Алешиной, 2015)
Секрет вечной молодости. Михай Мунтян. «Паяцы» (2015)
Первый тенор Молдовы в спектакле «Бал-Маскарад»!(О Михаt Мунтяне, 2015)
Дирижер Думитру Кырчумару  (2016)
Памяти Марии Биешу(«Мадам Баттерфляй», 2015)
Памяти Николае Херля («Риголетто», 2015) 
К 175 — летию П.И. Чайковского  ( Балеты П. Чайковского, 2015)
«Любовный напиток»!   (2015)
Любимец Фортуны Алексей Ботнарчук ( Молодой бас Алексей Ботнарчук, 2014)

Газета «Молдавские ведомости» и «Панорама»
Театр оперы и балета
Е.УЗУН «Долгожданный Щелкунчик» - премьера балета – 28 февраля 1998
Е.УЗУН «Что предлагает Национальная опера» – 17 октября 2008
Е.УЗУН «Оперный театр порадовал премьерами «Иоланты» и «Любовного напитка» - 5.06.2004
Е. УЗУН «Приглашаем всех на Рождество» Рождественские встречи Александру Самоилэ – 30 декабря 2004
Е.УЗУН «Настоящий художник должен страдать» (А. Самоилэ) – 28 июня 2003
Е.УЗУН «Ценить надо молодых» – дирижер С. Попова – 20 .02.1999
Е.УЗУН «Дирижёр новый, проблемы старые» - Андрий Юркевич – октябрь 2011
Е.УЗУН «Творческий путь Натальи Гаврилан – 19 июня 2004
Е.УЗУН «Мой жизненный принцип – доводить всё до конца» - В.Чиреш – 13.12.1997
Е.УЗУН «Живое искусство Турции» - 12 июля 2003
Е.УЗУН «Артист – это движение вперёд» - (Е.Герман) – 15 декабря 2004
Е.УЗУН «Творческий человек в процессе роста». Певица Лилия Шоломей  -03.04.2009   
Е.УЗУН «Кармен в исполнении Ирины Мишуры» - 18 сентября 2004
Е.УЗУН «Путеводные звезды Натальи Маргарит» - 14 января 2005
Е.УЗУН «Надеюсь, что театр возродиться» – Элеонора Константинова. – 23 октября 2004
Е.УЗУН Премьера в Национальной опере  - премьерой-2012 «Манон» - 10.01.2012
Е.УЗУН «В театре оперы и балета «Лучафэрул» Е. Доги – 12 октября 2007
Е.УЗУН «Светлана Попова и творчество молодых» - 21 декабря 2002
Е.УЗУН «Думитру Кырчумару: «Я люблю нестандартные решения»
Е.УЗУН  Музыкальный театр зиждится на двух важных основах: музыка и режиссура. Но наибольшая ответственность за сценический результат ложится на плечи дирижера-Панорама- 11 марта 2016
Е.УЗУН «Сказка и праздник – всегда с нами» -  27 марта на сцене прозвучит опера Джакомо Пуччини «Тоска», открывающая мощный «музыкальный весенний марафон»,- Панорама - 18 марта 2016 
Е.УЗУН «Вдохновенное сопрано Гюльнары Райляну»  – Панорама -15 апреля 2016
Е.УЗУН «Майские встречи в Национальном театре оперы и балета «– «Реквием» Верди в память о Биешу - Панорама -13 мая 2016
Е.УЗУН «Июньский репертуар Национального театра оперы и балета им. Марии Биешу»- фестивалем «Descopera»  и премьера балета «Спартак» -Панорама -  27 мая 2016
Е.УЗУН «Риголетто» и «Реквием» Верди – в Бутученах! – Панорама -10 июня  2016 
Е.УЗУН  «Наши голоса покоряют мир (Талант обязан пробиваться)» - бас Олег Цыбулько принят солистом-стажером в Большой театр!- 2010               
Е.УЗУН «Музыкальный театр в январе» –Репертуар Нацоперы- Панорама-Январь 2012
Е.УЗУН «Страсть любви» как дань памяти Марии Биешу -  3 ноября в театре оперы и балета состоится гала-концерт  «La passione dell’amore» («Страсть любви») под патронатом Фонда Ирины Архиповой и участием В.Пьявко – Панорама -октябрь 2012
Е.УЗУН «Веселая вдова» в постановке Тимофти - Панорама – 2012
Е.УЗУН «Певица, стоявшая у истоков театра» -   В 2012 году Национальному театру оперы и балета имени Марии Биешу исполняется 55 лет. Одновременно труппа справляет 85-летие певицы Валентины Савицкой Панорама- октябрь 2012

Фестиваль «Va invita Maria Biesu»
Е.УЗУН «Фестиваль закончился, фестиваль продолжается» - Фест. М. Биешу -4 октября 1997
Е.УЗУН «Новый фестиваль со «старыми традициями» - 23 сентября 2000
Е.УЗУН «Баттерфляй не суждено состариться» - XI фест. М. Биешу – 21.09.2002
Е.УЗУН «Фестиваль начинается» -  XIII фест. Приглашает М. Биешу -11 сентября 2004
Е.УЗУН «Фестиваль возвращается» - XIV фестиваль М.Биешу - 6 сентября 2003
Е.УЗУН «И снова звёзды в гости  к нам» -  «Панорама» - 2 сентября 2010
Е.УЗУН Фестиваль «Приглашает Мария Биешу» реорганизован  На следующей неделе начнется форум звезд оперы и балета. Фестиваль пройдет без самой примадонны, но он был полностью согласован с нею еще при жизни Марии Лукьяновны.- 2011
--------------------------------------------
Е.УЗУН «В театре дают «Отелло» - 11 июля 1998
Е.УЗУН «Дон Жуан» в Национальной опере,  06.03.2009
Е.УЗУН «В балете мелочей не бывает» -  Китри Марии Полюдовой -  16.03.2009
Е.УЗУН «Демократический эстетизм Андрея Литвинова» - 21 июня 2003
Е.УЗУН «Открытый мир творчеств» - Виталий Чиреш – 22 мая 2004
Е.УЗУН «Вена помогает молодым» -  З.Варданян о стажировке в Вене – 22 июля 2005
-------------------------------------------------------
Е.УЗУН «Раду Поклитару - впереди, вне и во времени» -  28 апреля 2006
Е.УЗУН «Балет Поклитару привезет Шекспира и Чайковского» - 28 ноября 2008
Е.УЗУН «Три шедевра от Поклитару»,  Постановки Раду Поклитару  «Палата N6», «Underground» и «Силы судьбы» 26.02.2009
Е. УЗУН «И вновь Поклитару, и вновь шок» – «Болеро», «Дождь», «Кармен» в Кишиневе – 6 июня 2008
Е.УЗУН «Мышиная» инвазия Поклитару» - 29 июня 2010
Е.УЗУН «Загнанные в подземелье» - Underground Поклитару.  Выпуская этот спектакль, хореограф призывает не искать в нем четкую фабулу, некую реальную историю, а рассматривать его как цепочку психофизических состояний человека – Панорама-  2010
-------------
Газета «Молдавские ведомости»
Драматические театры
Театр Ионеско
Е.УЗУН «Лекция» в театре Ионеско – МВ -22 июля 2005
Е.УЗУН «Мастер и Маргарита» в молодо-итальянском проекте»– МВ-22 июля 2005
Е.УЗУН «Странник, бредущий по звездам» - П.  Вуткарэу – 21.01.2005
Е.УЗУН «Талант удивлять в эпоху абсурда» - 15 лет театру Ионеско – МВ -29 октября 2005
Е.УЗУН «Новый сезон в театре Ионеско» - МВ - 10 октября 2006
Е.УЗУН «Алла Меньшикова: жена-женщина-актриса» -МВ - 17 февраля 2006
Е.УЗУН «Перекрёстки Битей – 2008» - МВ -11 апреля 2008
Е.УЗУН «Перекрестки и перепутья бьеннале  театра «Еуджена Ионеско» - МВ -27.0б. 2008
Е.УЗУН «Премьеры  театра Ионеско» - Панорама -1 апреля 2016
Е.УЗУН Фестиваль «БИТЕЙ-2016» о весне и глобализации» -Панорама - 20.05. 2016
Е.УЗУН «Битей» приглашает друзей» -  «Панорама»  - Май 2010
Е.УЗУН «Премьеры Виталия Дручека» - МВ-29 июня 2010 
Е.УЗУН «В авангарде молдавской режиссуры Виталий Дручек» - МВ -2008
Е.УЗУН «Наш театр немыслим без импровизации» - Переезд театра Ионеско – МВ -2 ноября 2007               
Е.УЗУН «Молодежи не до розовых очков» - моноспекталь «Вот тебе, Европа» - МВ -13 мая 2005

ТЕАТР ЛУЧАФЭРУЛ
Е.УЗУН «Премии театра «Лучафэрул» - Борис Фокша: главное, чтобы театру не мешали -25.06.2009 
Е.УЗУН «О Новом замысле театра «Лучафэрул».  Труппа театра готовится к выпуску полноценного мюзикла «Кабаре» - 11.03.2009
Е.УЗУН «А в театре «Лучафэрул» - «Вишневый сад» - 12 октября 2007
Е.УЗУН «Карусель «Вишнёвого сада» - Чехов в театре «Лучафэрул» – 8 июня 2007
Е.УЗУН «Лучафэрул» Эминеску в театре «Лучафэрул» - 8 февраля 2008
Е.УЗУН «Нет повести печальнее на свете...» (Театр «Лучафэрул»: «Ромео и Джульетта»), 29.11.2008   
Е.УЗУН «Секреты молодости Паулины Завтони», 13.02.2009
Е.УЗУН «Весна в театре «Лучафэрул» - 03.04.2009
Е.УЗУН «Георге Урски отмечает юбилей!» – 18 января 2008
Е.УЗУН «Театр «Лучафэрул»  - от премьеры к премьере» - 2 марта 2007   
Е.УЗУН «Лоскутная империя «Собаки на сене»  - В театре «Лучафэрул» состоялась долгожданная премьера знаменитой комедии Лопе де Вега – автора, чье творчество впервые было представлено на молдавской сцене - Панорама - 14 октября 2011
               
Театральные фестивали
Е.УЗУН «Белая вежа» - фестиваль на одном дыхании (о моей поездке в Брест и спектакле «Лучафэрул» театра «Лучафэрул») – 3.10.2008
Е. УЗУН «Все театры на фестиваль» - Театральный Нац. фестиваль  - 29 ноября 2006
Е. УЗУН «Парад национальных театров». Театральный фестиваль организован по инициативе Министерства культуры. Особенность этого форума в том, что он пройдет не на конкурсной основе, без учреждения призовых мест - 01.12.2009
Е. УЗУН «Кукольный спектакль, как сказка» (фест. театра «Ликурич»)- 14 октября 2005
Е. УЗУН «One Man Shou 2003» - фестиваль  моно-спектаклей – 4 октября 2003
Е.УЗУН Театральный фестиваль «Молдфест.Рампа.Ру» - «С улицы Роз» - 24.11.2009
Е. УЗУН «Без души драматургии не бывает» - Молдфестрампа.ру – 1 . 12 2009

Театр Эминеску
Е. УЗУН Виталий Дручек и Матей Вишниек, театр Эминеску «Дверь»  -10.04.2009 
Е. УЗУН «И вновь премьера Андреа Баттистини» - Генрих IV в Эминеску -  2009
Е.УЗУН «Крылышки на ветру» - «Дверь» В.Дручека в Эминеску – 13 апреля 2007
Е.УЗУН «Жизнь и вера на пределе» - актриса А.Чобану – 13 апреля 2007
Е. УЗУН  О реинкарнации «Мертвых душ» - постановка театра Эминеску - 05.02.2009
Е. УЗУН «В саду увядших роз» (Гедда Габлер в театр Эминеску) - 2 июня 2006
Е. УЗУН «Театр Эминеску открывает сезон 2005-2006» - октябрь 2005
Е. УЗУН «Хроники обыкновенного безумия» - театр Эминеску, с. Козуб - 24 октября 2005
Е. УЗУН «Лекарь поневоле» в театре Эминеску» - 30 июня 2006
Е. УЗУН «В саду увядших роз» - «Гедда Габлер» - драма женской души, а не повесть о женской жестокости - 23.04.2009
Е.УЗУН «Открываем сезон премьерой» - «Последняя сенсация» по М. Себастиану в Эминеску – 23 ноября 2007
Е. УЗУН «Дручек и Крянгэ», Спектакль «Харап Алб» в театре Михая Еминеску - 23.07.2009
Е.УЗУН «Душа дрожит, и сердце тает» - Третья версия комедии «Таке, Янке и Кадыр», - 21.10.2009
Е.УЗУН «Смеемся вместе с Мольером» -  26.03.2009
Е. УЗУН «Юрий Негоицэ – 40 лет на сцене» – 15 марта 2009
    
Театр Чехова
Е.УЗУН «Леди чеховского театра»  - Н. Каменева – 28 февраля 2004
Е.УЗУН  «Любить ближнего из последних сил» - «Дорогая Памела» в театре Чехова – 29 ноября 2003
Е.УЗУН «Свободная любовь» - в театре Чехова -18 марта 2005
Е.УЗУН «Млечный путь любви» - «Безымянная звезда» в театре Чехова – 1 апреля 2005
Е.УЗУН  «Юбилей и премьера» (70 лет театру Чехова) – 15 декабря 2004
Е.УЗУН  «Три судьбы, три жизни, три истории – «Преступление на острове Коз» -  28.11.2008 
Е.УЗУН  «Театр и время» - И.Шац – 6 ноября 2004
Е.УЗУН  «Все начинается с любви» (В. Марьянчик ), 13.02.2009
Е.УЗУН  «Театры - детям» -   Волшебные сказки для малышей, 2009
Е.УЗУН «Basso continuo, театр «Шалиах» и чеховская сцена (2004) – «Контрабас» И. Шаца – 2004
Е.УЗУН   «Современный Чехов, или «Страсти по Андрею» - 24 января 2004
Е.УЗУН «Сильные ощущения»? Забавно» - Премьера режиссера В. Казаченко по рассказам Чехова- 04.06.2009   
Е.УЗУН «Вишневый сад» в дисгармонии жизни» -  театр Чехова - 19.03.2009
Е.УЗУН «№13» - новая комедия в театре Чехова» - 11 сентября 2004
Е.УЗУН   «Метафизика Достоевского в театре Чехова», - «Братья Карамазовы»  и 75-й сезон театр имени Чехова - 28.12.2009
Е.УЗУН «Чеховский «арсенал» Кишинева». Кишиневские артисты решили дружно откликнуться на полуторавековой юбилей великого русского классика и сразу в трех театрах дали спектакли по его произведениям. Русский театр им.А.П. Чехова и театр «Лучафэрул» предложили две версии «Вишневого сада». Внимания достойна и премьера  «Женское счастье»  в театре «На улице Роз» -17.02.2010
Е.УЗУН «Обретение утраченного рая»,   28 февраля в Русском драматическом театре им. А.П.Чехова после спектакля «Вишневый сад» коллеги и театральная общественность будут поздравлять Maestru ;n art;  Илью Шаца с юбилеем-  05.03.2010 
                Театр Сатирикус
Е.УЗУН «Одному бублик, другому – дырка от бублика» - 15-летие театра «Сатирикус» - 4 ноября 2005
Е.УЗУН «Сатира обостряется весной» - премьеры театра «Сатирикус» - 4 апреля 2007
Е.УЗУН «Безкультурье дороже, чем культура» - интервью с Санду Греку – «Новое время» 12 февраля 2010
Е.УЗУН Премьеры в «Сатирикусе» , От психологии раба до коррупции - 05.02.2009
Е.УЗУН - «Три клоуна» в трагифарсе нашей жизни» -  Лучшим спектаклем 2015 года на театральной Гала-премиум в Молдове была признана постановка театра «Сатирикус» Angajare de clovn — «Три клоуна».  Панорама - 20 мая 2016

Обзоры
Е.УЗУН Апрельские премьеры – 2009 ,«Кабаре Джексонвилль» в театре «Лучафэрул» , «Риголетто» в Нацопере и  «Сильные ощущения»  в театре Чехова. 08.04.2009
Е.УЗУН «Три премьеры апреля» -«Жанна и вечность», «Лучафэрул», «Волшебная булава» - 2009
Е.УЗУН «Из мировой истории юзикла»,МВ,  24.04.2009               

Театры-гастроли
Е.УЗУН «Мария Каллас»,  Призрак оперы -спектакль о Марии Каллас - 01.04.2009
Е.УЗУН «Московская Ханума», 12.02.2009
Е.УЗУН «Ах, Марат, ах, Домогаров» - 24 октября 2008
Е. УЗУН «Актерские страсти» - "Не отрекаются любя". Актер Щербаков. Москва-  25.06.2009